Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887) Automatische übersetzen

Ivan Nikolaevich Kramskoy versuchte sein ganzes Leben lang, das Gesicht der Kunst zum Leben zu erwecken, damit es zu einem wirksamen Werkzeug für sein aktives Wissen wurde. Ein herausragender Künstler, der eine große Rolle bei der Bildung der nationalen Malschule spielte, leitete den berühmten "Aufstand der Vierzehn", an der Spitze des Artel of Artists und der Association of Wanderers, war einer von denen, deren Leben und Die Arbeit diente stets dazu, die revolutionärsten und fortschrittlichsten Ideen seiner Zeit zu bekräftigen.

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Scharfes Lebensgefühl

Ivan Nikolaevich schrieb in seiner Biografie: „Ich wurde 1837 am 27. Mai in der Kreisstadt Ostrogozhsk, Provinz Woronesch, in der vorstädtischen Siedlung Nowaja Sotna von den Eltern geboren, die dieser Stadt zugeteilt wurden der lokale Philistertum. Ich bin 12 Jahre alt und habe meinen Vater verloren, einen sehr strengen Mann, wie ich mich erinnere. Mein Vater hat in der Stadtduma gedient, wenn ich mich nicht irre, als Journalist (dh als Angestellter - VR); Mein Großvater war den Geschichten zufolge auch eine Art Angestellter in der Ukraine. Meine Genealogie steigt nicht weiter an. "

In seinen verfallenen Jahren bemerkte der Künstler ironischerweise, dass etwas „Ungewöhnliches“ aus ihm herauskam. In seiner Autobiographie ist eine gewisse Verbitterung zu spüren, aber gleichzeitig der legitime Stolz eines Mannes, der aus der "Unterschicht" geflohen ist und sich mit den prominentesten Persönlichkeiten seiner Zeit in Einklang gebracht hat. Der Maler schrieb, wie er sein ganzes Leben lang eine Ausbildung anstrebte, aber er schaffte es nur, die Ostrogozh-Bezirksschule zu beenden, obwohl er dort der "erste Schüler" wurde. "… Ich war noch nie so neidisch auf jemanden… als wirklich gebildete Person", bemerkt Kramskoy und erwähnt, dass er nach der Ausbildung derselbe Angestellte in der Stadtduma wurde wie sein Vater.

Der junge Mann interessierte sich schon früh für Kunst, aber der erste, der dies bemerkte und unterstützte, war der lokale Amateurkünstler und Fotograf Mikhail Borisovich Tulinov, dem Kramskoy für sein ganzes Leben dankbar war. Für einige Zeit studierte er Ikonenmalerei, dann hatte er im Alter von 16 Jahren „die Möglichkeit, mit einem Kharkov-Fotografen aus einer Kreisstadt zu fliehen.“ Der zukünftige Künstler reiste mit ihm „eine große Hälfte Russlands für drei Jahre ein Retuscheur und Aquarellist. Es war eine harte Schule… ". Aber diese" strenge Schule "brachte Kramskoy beträchtlichen Nutzen, milderte seinen Willen und formte einen beständigen Charakter, der seinen Wunsch, Künstler zu werden, nur verstärkte.

Nach seinen Tagebucheinträgen zu urteilen, war der junge Ivan Kramskoy ein begeisterter junger Mann, aber 1857 war bereits ein Mann in Petersburg angekommen, der sehr gut wusste, was er wollte und wie er es erreichen konnte. Der Beginn des unabhängigen Weges des zukünftigen Malers hat für ganz Russland eine schwere Zeit in Anspruch genommen. Der Krimkrieg ist gerade zu Ende gegangen, nachdem er die militärische und politische Niederlage der Autokratie niedergeschlagen und gleichzeitig das öffentliche Bewusstsein sowohl der fortschrittlichen Menschen als auch der breiten Volksmassen geweckt hat.

Monolith der kaiserlichen Akademie

Die Abschaffung der verhassten Leibeigenschaft stand kurz bevor, und das fortschrittliche Russland lebte nicht nur von der Erwartung künftiger Veränderungen, sondern trug auch in jeder Hinsicht dazu bei. Der Alarm der Herzen "Bell" klang mächtig, die jungen Revolutionäre-raznochintsy, angeführt von NG Chernyshevsky, bereiteten sich auf den Kampf für die Befreiung des Volkes vor. Und auch fernab des praktischen Lebens erlag die Sphäre der "hohen" Kunst dem Reiz des Windes des Wandels.

War Leibeigenschaft die Hauptbremse für die Entwicklung aller Aspekte der Gesellschaft, so wurde Mitte des 18. Jahrhunderts von der kaiserlichen Akademie der Künste die Hochburg des Konservatismus im Bereich der Kunst geschaffen. Als Leiterin von offiziellen Doktrinen und ästhetischen Prinzipien, die sich bereits selbst überlebt hatten, ließ sie nicht zu, dass der Bereich des „Schönen“ etwas mit der realen Realität gemein hatte. Aber ihre Schüler in der zweiten Hälfte der 50er - Anfang der 60er Jahre hatten immer mehr das Gefühl, dass das Leben ganz andere Anforderungen an die Kunst stellt. Bedeutende Worte von NG Chernyshevsky "Schönheit ist Leben" wurden zu einem programmatischen Schauplatz für alle fortschrittlichen russischen Intelligenzen und jungen Figuren der aufstrebenden russischen demokratischen Kunst. Sie brachten dann neue öffentliche Stimmungen in die Akademie der Künste, knüpften enge Beziehungen zu Studenten der Universität, der Medizinischen und Chirurgischen Akademie, in der die Helden des Romans Tschernyschewski „Was soll ich tun?“ Dmitry Lopukhov und Alexander Kirsanov, beide typisch raznochintsy, Gleichaltrige I. Kramsky studierte.

In St. Petersburg angekommen, genoss Ivan Nikolaevich bereits den Ruhm eines hervorragenden Retuscheurs, der ihm im Atelier der besten Metropolfotografen IF Alexandrovsky und AI Dener die Tür öffnete. Aber die Karriere eines erfolgreichen Handwerkers konnte ihn nicht befriedigen. Kramskoy dachte immer mehr daran, die Akademie der Künste zu betreten.

Kramskois Zeichnungen erhielten sofort die Genehmigung des Akademierates und im Herbst 1857 wurde er bereits Schüler von Professor A. Markov. So wurde sein geliebter Traum wahr, und ich muss sagen, dass er Kramskoy sehr fleißig studierte, hart an der Zeichnung arbeitete, deren Kultur an der Akademie sehr hoch war, erfolgreich an Skizzen für historische und mythologische Themen arbeitete und alle Auszeichnungen erhielt.

Aber der junge Maler fühlte sich nicht wirklich zufrieden. Als nachdenklicher, belesener Mann verspürte er mehr und mehr einen grundsätzlichen Widerspruch zwischen alten Kunstdoktrinen und dem wirklichen Leben. Nur wenige Monate nach Kramskys Aufnahme in die Akademie wurde das Werk von AA Ivanov „Die Erscheinung Christi für das Volk“ aus Petersburg nach Italien gebracht. Die Rückkehr des Künstlers nach fast dreißigjähriger Abwesenheit, der plötzliche Tod, der Eindruck, den seine Zeitgenossen machten und der zum Hauptwerk des Lebens des großen Meisters wurde, spielte eine große Rolle bei der Gestaltung des Bewusstseins des aufkommenden fortgeschrittenen Teils von die russische Intelligenz.

Der Aufstand der Vierzehn

Der Aufstand von 14 Jahren wurde von Ivan Kramskoy selbst in einem Brief an seinen alten Freund MB Tulinov erzählt: „Mein lieber Michail Borisovich! Beachtung! In der Akademie ist am 9. November, also am vergangenen Samstag, folgender Umstand eingetreten: 14 der Studierenden haben einen Antrag auf Ausstellung von Diplomen für den Titel eines Klassenkünstlers gestellt. Auf den ersten Blick ist nichts überraschend.

Menschen sind freie, freikommende Schüler, können, wenn sie den Unterricht verlassen wollen. Fakt ist aber, dass es sich bei diesen 14 nicht um normale Studenten handelt, sondern um Leute, die für die erste Goldmedaille schreiben müssen. Es war wie folgt: Vor einem Monat haben wir um Erlaubnis gebeten, eine Handlung zu wählen, aber wir haben unsere Bitte abgelehnt… und beschlossen, Historikern eine Geschichte und Genre-Autoren, die ursprünglich ihre eigenen Handlungen gewählt hatten, eine Handlung zu geben. Am Tag des Wettbewerbs, dem 9. November, sind wir im Büro und haben beschlossen, gemeinsam zum Rat zu gehen und herauszufinden, was der Rat beschlossen hat. Und deshalb zur Frage des Inspektors: Wer von uns sind Historiker und wer sind Genreautoren? wir, damit alle gemeinsam den konferenzraum betreten konnten, antworteten, wir seien alle historiker. Schließlich fordern sie den Rat auf, der Aufgabe zuzuhören. Wir treten ein. FF Lvov las uns die Geschichte vor: „Fest in Valhalla“ - aus der skandinavischen Mythologie, in der Heldenritter für immer kämpfen, in der Gott Odin den Vorsitz führt, er zwei Raben auf den Schultern und zwei Wölfe zu seinen Füßen hat und schließlich irgendwo in der Himmel, zwischen den Säulen, ein Monat, getrieben von einem Monster in Form eines Wolfes und vielem anderen Unsinn. Danach stand Bruni auf und kam zu uns, um die Handlung zu erklären, wie es immer der Fall ist. Aber eine von uns, nämlich Kramskoy, trennt sich und sagt Folgendes: „Wir bitten um Erlaubnis, ein paar Worte angesichts des Rates zu sagen“ (Schweigen und alle Augen funkelten den Sprecher an). „Wir haben zweimal einen Antrag gestellt, aber der Rat konnte unserem Antrag nicht nachkommen. "Wir sehen uns nicht mehr im Recht zu bestehen und wagen es nicht, über die Änderung akademischer Entscheidungen nachzudenken. Wir bitten uns demütig, uns von der Teilnahme am Wettbewerb zu befreien und uns Diplome für den Titel eines Künstlers zu verleihen."

Ein paar Momente - Stille. Schließlich machen Gagarin und Tone Geräusche: "Ist das alles?". Wir antworten: "alles", und wir gehen, und im nächsten Raum geben wir Petitionen an den Fallmanager… Und am selben Tag fragte Gagarin Dolgorukov in einem Brief, damit nichts in der Literatur erscheinen würde, ohne ihn vorher anzuschauen (Gagarin). Mit einem Wort, wir haben es in ein Dilemma gesteckt. Deshalb unterbrechen wir unseren eigenen Rückzug und wollen nicht zurückkehren, und möge die Akademie zu ihrem 100. Geburtstag gesund sein. Überall finden wir Sympathie für unser Handeln, daher bat mich einer, von Schriftstellern geschickt, ihm die Worte zu sagen, die ich im Rat zur Veröffentlichung sagte. Aber wir schweigen vorerst. Und da wir uns immer noch fest an den Händen hielten, um nicht verloren zu gehen, beschlossen wir, uns zu einer künstlerischen Vereinigung zusammenzuschließen, dh zusammen zu arbeiten und zusammen zu leben. Ich bitte Sie, mir Ihren Rat und Ihre Gedanken bezüglich der praktischen Struktur und der allgemeinen Regeln, die für unsere Gesellschaft geeignet sind, mitzuteilen. Und jetzt scheint es uns, dass diese Angelegenheit möglich ist. Unser Aktionsspektrum umfasst: Porträts, Ikonostasen, Kopien, Originalgemälde, Zeichnungen für Veröffentlichungen und Lithografien, Holzzeichnungen, kurz gesagt, alles, was mit unserer Spezialität zu tun hat… Hier finden Sie ein Programm, das alles andere als klar ist… ".

In diesem Brief zeigt der Künstler nicht nur das Auf und Ab der Auseinandersetzung zwischen jungen Künstlern und der Akademie auf, sondern sieht auch Perspektiven für die Zukunft, die noch nicht ganz klar, aber sehr mutig und nicht auf die selbstsüchtigen Ziele ihrer Künstler beschränkt sind eigenes Überleben. Nach diesem Vorfall wurde eine verdeckte Polizeiaufsicht über Kramskoi und seine Kameraden eingerichtet, die viele Jahre dauerte. Hier sind die Namen von vierzehn Teilnehmern des „Aufstands“ aufgeführt: die Maler I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, M. Peskov, B. Wenig, P. Zabolotsky, N. Shustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, A Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh und der Bildhauer V. Kreitan.

Sie alle wurden angewiesen, die Werkstätten dringend freizugeben, aber die Jugend, die keinen Lebensunterhalt hatte, errang immer noch einen großen Sieg, dessen Bedeutung zu dieser Zeit kaum verstanden werden konnte. Dies war die erste Eroberung der russischen demokratisch-realistischen Kunst. Bald begann Kramskoy zusammen mit Gleichgesinnten mit der praktischen Umsetzung seiner Idee - der Gründung des ersten unabhängigen "Kunstvereins" - Artels of Artists.

Kramskoy mustert Repin

Nach dem Ausschluss aus der Akademie arrangierte Kramskoy den Unterricht an der Schule der Gesellschaft zur Förderung der Künste, zu deren Schülern "ein talentierter junger Mann gehörte, der gerade aus der Ukraine nach St. Petersburg gekommen war", genau wie Kramskoy selbst hatte einmal davon geträumt, die Akademie der Künste zu betreten - Ilya Repin.

Ilya Efimovich selbst beschreibt sein erstes Treffen mit Kramskoy wie folgt: „Es ist Sonntag, zwölf Uhr nachmittags. Es ist eine lebhafte Aufregung in der Klasse, Kramskoy ist nicht da. Wir zeichnen vom Kopf von Milon Krotonsky… Im Klassenzimmer ist es laut… Plötzlich herrschte völlige Stille… Und ich sah einen dünnen Mann in einem schwarzen Gehrock, der mit festem Schritt in das Klassenzimmer trat. Ich dachte, es wäre jemand anderes: Ich stellte mir Kramskoy anders vor. Anstelle eines schönen blassen Profils hatte dieses ein dünnes, freches Gesicht und schwarzes glattes Haar anstelle von Kastanienlocken an den Schultern, und nur Schüler und Lehrer haben einen so schäbigen, flüssigen Bart. - Wer ist das? Ich flüstere einem Freund zu. - Kramskoy! Weißt du es nicht? er fragt sich. Also hier ist er!.. Jetzt sah er mich an; scheint es bemerkt zu haben. Was für Augen! Verstecke dich nicht, auch wenn sie klein sind und tief in versunkenen Bahnen sitzen. grau, glühen… Was für ein ernstes Gesicht! Aber die Stimme ist angenehm, aufrichtig, spricht mit Emotionen… Aber sie hören auch zu! Sie gaben sogar ihre Arbeit auf, sie standen mit offenem Mund herum; Es ist offensichtlich, dass sie versuchen, sich an jedes Wort zu erinnern. "

Repin, wie viele russische Künstler (Kramskoy selbst hat großartig geschrieben, genau wie Perov), erwies sich Repin als talentierter Schriftsteller. In seinem Aufsatz „Ivan Nikolaevich Kramskoy (In Erinnerung an den Lehrer)“ schafft er mit seiner inhärenten Impulsivität ein sehr lebendiges, ausdrucksstarkes literarisches Porträt. "Kramskoys Seiten auf Repins Seiten sind alle in Bewegung, im Kampf ist es keine gefrorene Wachsfigur eines Panoptikums, sondern genau der Held einer faszinierenden, episodenreichen Geschichte", schrieb K. Chukovsky später.

Repin schuf ein Bild, das fast bis ins kleinste Detail mit dem 1867 von Kramsky geschriebenen Selbstporträt übereinstimmt und sich durch eine ungewöhnlich objektive Charakterisierung auszeichnet. Auf dem Bild lenkt uns nichts von der Hauptsache ab - dem Gesicht des Helden mit einem strengen, durchdringenden Blick grauer Augen. Verstand, Wille, Zurückhaltung - das sind die Hauptpersönlichkeitsmerkmale des Künstlers, die auf der Leinwand deutlich sichtbar sind. Stolzes Selbstwertgefühl manifestiert sich, ohne zu zeichnen oder zu posieren. Alles ist einfach und natürlich im äußeren Erscheinungsbild des Malers und auf seine Weise harmonisch im inneren. Die Farbe des Porträts ist fast einfarbig, der Pinselstrich ist dynamisch, vor uns steht der anerkannte Kopf des ersten St. Petersburger Artel of Artists.

Schaffung von Artel

Auf der Fassade des Hauses Nr. 2/10 an der Ecke der Mayorov Avenue und des Admiralteysky Prospekt in St. Petersburg befindet sich eine Gedenktafel mit der Aufschrift: „In diesem Haus befand sich von 1866 bis 1870 ein bedeutender russischer Künstler, Ivan Kramskoy gelebt und gearbeitet. Hier befand sich der von ihm organisierte Artel, der die führenden realistischen Künstler der 60er Jahre vereint. In Wirklichkeit erwarb der Artel of Artists jedoch nicht sofort ein Zimmer im Zentrum der Hauptstadt, nicht weit vom Palastplatz entfernt.

Alles begann viel bescheidener. In Erinnerung an die Organisation von Artel schrieb Kramskoy vor seinem Tod an Stasov: „… dann musste man erst einmal essen und essen, da alle 14 Menschen zwei Stühle und einen dreibeinigen Tisch hatten. Diejenigen, die wenigstens etwas hatten, waren sofort verschwunden. "Nach langem Überlegen", schrieb Repin, "kamen sie zu dem Schluss, dass es notwendig ist, mit Erlaubnis der Regierung den Artel of Artists zu arrangieren - eine Art Kunstfirma, Werkstatt und Büro, die Aufträge von der Straße entgegennimmt." mit einem Schild und einer genehmigten Charta. Sie mieteten eine große Wohnung in der siebzehnten Reihe der Wassiljewski-Insel und zogen (die meisten von ihnen) zusammen, um dort zu leben. Und dann erwachten sie sofort zum Leben, aufgeheitert. Ein gemeinsamer großer heller Raum, komfortable Räume für alle, für den eigenen Haushalt, die von Kramskoys Frau geleitet wurden, ermutigten sie alle. Das Leben hat mehr Spaß gemacht, und einige Befehle sind erschienen. Gesellschaft ist Macht. Es gab also die erste von Kramskoy organisierte Künstlervereinigung. Auf diese Weise konnten viele talentierte Künstler nicht nur überleben, sondern auch Erfolg, Anerkennung und finanzielle Unabhängigkeit erlangen, was letztendlich zu einer weiteren vollständigen Auflösung der Organisation führte.

Persönliches Leben und Interesse an Psychologie

Ivan Nikolaevich war sich immer sicher, dass sein Auserwählter seine treue Freundin sein und mit ihm alle Nöte des Lebens des Künstlers teilen würde. Sofya Nikolaevna, die seine Frau wurde, hat seine Träume von persönlichem Glück in vollen Zügen verwirklicht. In einem der Briefe des Künstlers an seine Frau heißt es: "… Sie stören mich nicht nur nicht, ein Künstler und Kamerad meiner Kameraden zu sein, sondern auch, als wären Sie selbst ein wahrer Handwerker…". Kramskoy malte wiederholt Porträts von Sofia Nikolaevna. Und obwohl es zu kühn wäre, sie die "Muse" des Künstlers zu nennen, war sie zweifellos das Ideal einer Frau für ihn. Die beste Bestätigung dafür sind ihre Bilder, die in Porträts der 60er Jahre entstanden sind. Allen Gemälden gemeinsam ist die Integrität, Unabhängigkeit und der Stolz ihrer Heldin, die es ihnen ermöglicht, in ihr eine „neue Frau“ zu sehen, die gleichzeitig ihre wahre Weiblichkeit, Poesie und Sanftmut nicht verloren hat.

Diese Eigenschaften machen sich besonders in ihrem grafischen Porträt bemerkbar, das zur Tretjakow-Galerie (1860er Jahre) gehört. Eine junge, charmante und sanfte Frau mit einem starken Willen, wie man an einer energischen Kopfdrehung und einem strengen, aber offenen Blick erkennt.

Das 1863 gemalte Gemälde "Reading. Portrait of SN Kramskoy" erinnert an die lyrischen Frauenporträts des frühen 19. Jahrhunderts. Die Farbe des Bildes basiert auf einer Kombination von Hellgrün, Lila und anderen zarten Farben. Eine große Rolle auf der Leinwand spielen die Landschaft und die wenigen sorgfältig ausgewählten Accessoires, die die offensichtliche Attraktivität der Porträtheldin verdeutlichen: Ein junges Paar von Kramskys wurde 1865 von ihrem gemeinsamen Freund "Handwerker" NA Koshelev gefangen genommen Bild „Kramskoy with his wife“ wir sehen eine lyrische Skizze: Sofia Nikolaevna spielt Klavier, während Ivan Nikolaevich zu ihrer Musik in Gedanken versunken ist.

In den 60er Jahren schuf Kramskoy viele grafische Porträts seiner Freunde: NA Koshelev, die Ehegatten Dmitriev-Orenburg, MB Tulinov, II Shishkin, verstärkten immer mehr ihren Psychologismus. Die sich rasant entwickelnde Fotografie verdrängte anscheinend die künstlerische Grafik und die teuren Bildporträts. Es schien, dass die Kamera absolut alles zur Verfügung hatte, was er nicht nur genau erfassen konnte, sondern auch die notwendigen Details des Kostüms, der reichen Atmosphäre, des Schmucks usw. in vorteilhafter Weise hervorhob. Aber wie die Zeit gezeigt hat, konnte er nicht ’ t eine Sache tun - in eine Person schauen, ihm eine bestimmte soziale und psychologische Einschätzung geben. Dies blieb nur in dem vom Künstler geschaffenen Porträt erreichbar.

Es war dies - die Verbesserung des psychologischen Porträts - das viele Meister, einschließlich NN Ge, VG Perov und IN Kramskoy. Der kraftvolle Aufstieg des russisch-realistischen Porträts fiel mit dem Beginn der Ära Wanderers und dem Ende der Artel-Ära zusammen, die mit der Zeit ihre ursprüngliche Bedeutung verlor.

Partnerschaft der Wanderer

Die großartige Idee, das TPHV zu schaffen, das im Leben der russischen Kunst eine große Rolle spielte, gehörte einer Gruppe bekannter Künstler aus Moskau und St. Petersburg, und der berühmte Genre-Autor GG Myasoedov war der direkte Initiator der Initiative. Er schrieb einen Brief an Artel und traf sich dort nur mit Unterstützung einzelner Mitglieder, vor allem - IN Kramskoy.

In Toga wurde 1870 eine Organisation gegründet, die die demokratische Kunst Russlands von der staatlichen Vormundschaft befreien und die führenden Künstler auf der Grundlage des Grundsatzes des persönlichen materiellen Interesses aller ihrer Mitglieder um einen Verband versammeln konnte. Das Hauptziel der Partnerschaft war die Entwicklung der Kunst. Die Praxis von Wanderausstellungen eröffnete die Möglichkeit der direkten Kommunikation zwischen Künstlern und einem breiten Publikum und brachte gleichzeitig die drängendsten Fragen unserer Zeit zur Sprache.

Im Laufe mehrerer Jahrzehnte erwarb PM viele der besten Werke der Wanderer in seiner Sammlung. Tretjakow. 28. November (12. Dezember nach dem neuen Stil), 1871, fand in St. Petersburg die erste Ausstellung der Partnerschaft statt. Es ist anzumerken, dass es Kramsky, einem Mann mit äußerst strengen Grundsätzen und Überzeugungen, zu verdanken war, dass die entstandene Partnerschaft für Wanderausstellungen sehr bald über die Aufgaben der Ausstellungsorganisation hinauswachsen und eine echte Schule für fortgeschrittene russische Kunst werden musste.

Ivan Nikolayevich selbst, der die Partnerschaft organisierte und sein kreatives Leben führte, fand in ihm den "Nährboden", der es ihm ermöglichte, seine eigenen künstlerischen Höhen zu erreichen. Die Blütezeit der Vereinigung der Wanderer fiel mit der Blütezeit des Werkes von Kramskoy zusammen. Als Maler und Kritiker und Publizist verfasste er eine Reihe sehr ernster Artikel, in denen er seine Gedanken über das Schicksal der Kunst und ihres Schicksals zum Ausdruck brachte hohe soziale Mission.

In zahlreichen Briefen an verschiedene Personen kann man viele interessante Kommentare von Kramskoy über die großen Meister der Vergangenheit und zeitgenössische russische und europäische Künstler lesen. Der bemerkenswerteste Moment in der kritischen Argumentation des Künstlers war, dass er sie nicht so sehr schrieb, um anderen beizubringen, wie man diese riesige und kontinuierliche interne Arbeit ausdrückt, die in ihm selbst ausgeführt wurde.

Kramskoy war in seinen ästhetischen Ansichten ein konsequenter Befürworter der Lehren der großen Demokraten VG Belinsky und NG Chernyshevsky. Er schrieb in der Überzeugung, dass nur das Leben selbst die Grundlage des künstlerischen Schaffens sein kann: "Es ist schlimm, wenn die Kunst zum Gesetzgeber wird!.. Die ernsten Interessen der Menschen sollten immer den weniger bedeutenden vorausgehen."

Kramskoy argumentierte, dass „Kunst nur national sein kann. Nirgends und nie gab es eine andere Kunst, und wenn es die so genannte universelle menschliche Kunst gibt, so nur deshalb, weil sie von einer Nation zum Ausdruck gebracht wurde, die vor der universellen menschlichen Entwicklung stand. Und wenn Russland jemals in ferner Zukunft dazu bestimmt sein sollte, eine solche Position zwischen Völkern einzunehmen, dann wird die russische Kunst, die zutiefst national ist, universell werden. "

Bild Christi

Während der Blütezeit der impressionistischen Kunst in Frankreich schrieb Repin, der in Paris war und ihre Arbeit bewunderte, dass "wir", dh Russen, "ein völlig anderes Volk, aber auch in der Entwicklung (künstlerische. - VR) wir sind." eine frühere Phase. " Auf die Bemerkung von Kramskoy, russische Künstler sollten endlich „ans Licht gehen, an die Farben“, antwortet Repin: „… unsere Aufgabe ist es, zufrieden zu sein. Das Gesicht, die Seele des Menschen, das Drama des Lebens, die Eindrücke der Natur, ihr Leben und ihre Bedeutung, der Geist der Geschichte - das sind unsere Themen… unsere Farben sind ein Instrument, sie müssen unsere Gedanken ausdrücken, unsere Farbe ist Keine eleganten Orte, es muss die Stimmung des Bildes ausdrücken, ihre Seele, er muss das gesamte Publikum positionieren und einfangen, wie ein Akkord in der Musik. "

Es ist anzumerken, dass viele Vertreter der russischen Kultur, von FM Dostojewski bis MP Mussorgski, ähnliche Vorstellungen vertreten. Sie wurden direkt in den Werken von IN Kramskoy verkörpert.

Das wichtigste Werk des Künstlers war das Gemälde „Christus in der Wüste“ (1872), das auf der zweiten Ausstellung des Wanderer-Vereins (1872) gezeigt wurde und dessen Idee vor langer Zeit entstand. Die Künstlerin sagte, dass sie für ihn zum Aufbewahrungsort der wichtigsten Ideen wurde: „Unter dem Einfluss einer Reihe von Eindrücken hat sich in mir ein sehr schweres Lebensgefühl niedergelassen. Ich sehe deutlich, dass es einen Moment im Leben eines jeden Menschen gibt, der im geringsten nach dem Bild und der Ähnlichkeit Gottes erschaffen wurde, wenn er darüber nachdenkt - ob er nach rechts oder links gehen soll? Wir alle wissen, wie so ein Die Schwingung endet normalerweise. Wenn ich den Gedanken weiter ausdehne und die Menschheit im Allgemeinen einbeziehe, kann ich aus eigener Erfahrung, von meinem kleinen Original und nur von ihm allein, das schreckliche Drama erraten, das während historischer Krisen gespielt wurde. Und jetzt habe ich ein schreckliches Bedürfnis zu erzählen andere was ich denke. Aber wie soll ich es sagen? Wie, auf welche Weise kann ich verstanden werden? Die Sprache der Hieroglyphe ist mir naturgemäß am besten zugänglich. Und dann habe ich einmal… Ich sah eine Figur in tiefen Gedanken sitzen… Seine Gedanken waren so ernst und tief, dass ich ihn ständig in eine Position brachte… Es wurde mir klar, dass er mit einem wichtigen Thema beschäftigt war für ihn, so wichtig, dass er unempfindlich gegen furchtbare körperliche Müdigkeit ist… Wer war das? Dass er unempfindlich gegen furchtbare körperliche Müdigkeit ist… Wer war das? Dass er unempfindlich gegen furchtbare körperliche Müdigkeit ist… Wer war das? Ich weiß es nicht. Höchstwahrscheinlich war es eine Halluzination. Ich muss ihn wirklich nicht gesehen haben. Es schien mir, dass dies am besten zu dem passte, was ich erzählen wollte. Dann musste ich gar nichts erfinden, ich habe nur versucht zu kopieren. Und als er fertig war, gab er ihm einen gewagten Namen. Aber wenn ich es zu der Zeit, als ich ihn beobachtete, schreiben könnte, ist es Christus? Ich weiß nicht…".

An der Vielzahl von Zeichnungen und Skizzen, die zur Vorbereitung des Hauptwerkes angefertigt wurden, lässt sich ablesen, wie lange und intensiv der Künstler an der Schaffung dieses „richtigen“ Bildes gearbeitet hat. Die Bedeutung dieses Bildes für Kramskoy lässt sich daran ablesen, dass er seine Arbeit auch nach der Veröffentlichung in der Tretjakow-Galerie fortsetzte.

Der Künstler stellte Christus auf grauen, kalten Steinen sitzend dar, der Wüstenboden ist tot, Jesus scheint dorthin gewandert zu sein, wo der menschliche Fuß noch nicht getreten war. Seine Figur ist ein feines Gleichgewicht zwischen der Horizontebene, die den Arbeitsraum in zwei Hälften teilt, und dominiert gleichzeitig den Raum der Leinwand. Sie zeichnet eine klare Silhouette gegen den Himmel und steht im Einklang mit der irdischen Welt, die auf der Leinwand abgebildet ist. Es hilft dem Künstler nur, das innere Drama seines Helden zu vertiefen. Es gibt keine Handlung auf dem Bild, aber der Betrachter scheint das Leben des Geistes, das Wirken der Gedanken des Sohnes Gottes zu spüren und für sich selbst ein wichtiges Problem zu lösen.

Seine Beine sind auf spitzen Steinen verwundet, die Figur ist gebeugt, seine Hände sind schmerzhaft geballt. Unterdessen drückt das abgemagerte Antlitz Jesu nicht nur sein Leiden aus, sondern trotz allem eine enorme Willenskraft und grenzenlose Treue zu der Idee aus, der er sein ganzes Leben untergeordnet hat.

„Er saß so, als die Sonne noch vor ihm stand, saß müde und erschöpft, zuerst beobachtete er die Sonne, dann bemerkte er die Nacht nicht, und im Morgengrauen, als die Sonne hinter ihm aufging, saß er weiterhin regungslos. Und man kann nicht sagen, dass er völlig unempfindlich gegenüber Empfindungen war: Nein, er drückte unter dem Einfluss der einsetzenden Morgenkälte instinktiv seine Ellbogen näher an seinen Körper, und nur seine Lippen schienen auszutrocknen und festzukleben zusammen aus einer langen Stille, und nur seine Augen verraten die innere Arbeit, obwohl sie nichts sahen… ".

Der Autor wendet sich an seine Zeitgenossen, wirft in diesem Werk große und ewige universelle menschliche Probleme auf und wirft die schwierige Frage auf, einen Lebensweg zu wählen. In Russland gab es zu dieser Zeit viele Menschen, die bereit waren, sich für Wahrheit, Güte und Gerechtigkeit zu opfern. Junge Revolutionäre, die bald zu Helden vieler Werke demokratischer Literatur und Malerei wurden, bereiteten sich darauf vor, „zum Volk zu gehen“. Die enge Verbindung zwischen Kramskoys Gemälden und dem Leben war offensichtlich, aber der Künstler wollte ein Arbeitsprogramm erstellen: „Das ist also nicht Christus, das heißt, ich weiß nicht, wer es ist. Dies ist ein Ausdruck meiner persönlichen Gedanken. Welcher Moment? Übergang. Was folgt daraus? Fortsetzung im nächsten Buch. "Das nächste Buch sollte die Leinwand" Lachen "sein (" Freut euch, König der Juden! ", 1877-1882).

1872 schrieb Kramskoy an FA Vasiliev: „Wir müssen auch„ Christus “schreiben, das müssen wir sicherlich, das ist nicht wirklich er, sondern die Menge, die mit all den Kräften ihres riesigen Tieres aus voller Lunge lacht Lunge… Dieses Lachen hat mich schon so viele Jahre heimgesucht. Es ist nicht so schwer, dass es schwer ist, aber es ist schwer, dass sie lachen. "Christus vor der Menge, verspottet, bespuckt, aber" er ist ruhig wie eine Statue, blass wie eine Leinwand. " „Während wir uns nicht ernsthaft über Güte und Ehrlichkeit unterhalten, sind wir alle in Harmonie, versuchen, christliche Ideen ernsthaft in unser Leben umzusetzen, und sehen, wie sich das Lachen herumtreibt. Dieses Lachen verfolgt mich überall, wohin ich auch gehe, überall, wo ich ihn höre. "

"Christliche Ideen ernsthaft zu verfolgen" bedeutete für den Künstler keineswegs, die Dogmen der offiziellen Orthodoxie zu bekräftigen, es war ein Wunsch, echte Moral und Menschlichkeit zu vertreten. Die Hauptfigur von "Laughter" war die Personifizierung nicht nur der Ideen von Kramskoy selbst, sondern fasste die Gedanken vieler ehrlich denkender Vertreter jener Zeit zusammen, die, als direkte Begegnung mit Grobheit, allzerstörerischem Zynismus und Gier, dies klar bewiesen haben Das abstrakte Gute konnte das wahre wahre Böse einfach nicht besiegen.

Text

In der Mitte seines Lebens gab es in Kramskoy ein bestimmtes Drama, das mit dem Drama zu tun hatte, das Ivanov am Ende seiner Reise erlebte. Der Künstler begann zu denken, dass das kreative Scheitern, das ihm widerfahren war (das Werk „Lachen“ wurde nie abgeschlossen), eine Folge der Unrichtigkeit seiner gewählten ideologischen Position als Ganzes ist. Diese Zweifel wurden durch den utopischen Maximalismus erzeugt, der für viele der besten Vertreter der russischen Intelligenz charakteristisch ist. Der Künstler hat es geschafft, die schwierige Aufgabe, die er in Form eines Zyklus von Werken über Christus vergeblich versuchte, in seinen großartigen Porträts der 70er und 80er Jahre zu lösen und Bühnenfiguren Persönlichkeiten von hoher moralischer Erscheinung.

In den gleichen 70er Jahren schreibt Kramskoy eine Reihe von lyrischen Werken, die ihm zuvor nicht eigen waren. Ein anschauliches Beispiel dafür ist das Gemälde „Inspection of the Old House“ (1873), das vom verlassenen und einstürzenden „Adelnest“ erzählt was sein Besitzer nach vielen Jahren der Abwesenheit zurückkehrte. "Der alte Vollblut-Gentleman, ein Junggeselle", kommt schließlich nach langer, sehr langer Zeit zu seinem Familienbesitz und findet den Besitz in Trümmern: Die Decke ist an einer Stelle zusammengebrochen, überall gibt es Spinnweben und Schimmel, eine Reihe von Porträts von Vorfahren sind an den Wänden. Zwei weibliche Persönlichkeiten führen ihn unter die Arme… Hinter ihnen - der Käufer - ein fetter Kaufmann… ".

Wir sehen einen älteren Mann, der sich langsam durch die Räume eines verlassenen Familienbesitzes bewegt. Also betrat er das Wohnzimmer, hing mit von Zeit zu Zeit abgedunkelten Porträts seiner Vorfahren, sah antike Möbel in grauen Segeltuchdecken, es scheint, als ob sogar die Luft in diesem alten Haus in rauchigen, staubigen Tönen gestrichen ist, hier ist die Zeit stehen geblieben. und das schüchterne Licht von den Fenstern ist nicht in der Lage, diesen Dunst der Vergangenheit zu zerstreuen.

Wie NA in seinen Briefen erwähnte, porträtierte sich Mudrogel - einer der ältesten Angestellten der Tretjakow-Galerie, höchstwahrscheinlich "auf dem Bild" Inspektion des alten Hauses ". Der Beweis eines Zeitgenossen ist von zweifellosem Interesse, obwohl der Künstler, auch wenn dies zutrifft, diese traurige lyrische Situation nicht nur ausprobiert hat. Kramskoy investierte in sein Image und schuf eine breite poetische und tiefe gesellschaftliche Bedeutung.

Wie Sie wissen, blieb das Bild unvollendet. Vielleicht erlaubte sich Kramskoy als aktiver, aktiver, rein "öffentlicher" Mensch einfach nicht, sich zu entspannen, in den lyrischen Kanal zu gehen und diese Schwäche in sich selbst zu überwinden, um an Werken von ganz anderer gesellschaftlicher Bedeutung zu arbeiten, was wichtiger ist seiner Meinung nach unter den Bedingungen einer schwierigen soziokünstlerischen Situation in Russland in den 1870er Jahren. "Im Grunde habe ich Porträts nie geliebt, und wenn ich es erträglich gemacht habe, war es nur, weil ich die menschliche Physiognomie geliebt und geliebt habe… Ich bin notwendigerweise Porträtmaler geworden", schrieb Iwan Nikolaewitsch. Es ist jedoch offensichtlich, dass ihn allein die „Notwendigkeit“ nicht zu einem herausragenden Meister der Porträtmalerei hätte machen können.

Porträt von Tolstoi

Das Bedürfnis zu beweisen, dass nach den Vorstellungen von Tschernyschewski „der Mensch die höchste Schönheit der Welt ist, die für unsere Sinne zugänglich ist“, weckte in Kramskoy ein reges Interesse an „menschlicher Physiognomie“. Dank des Interesses des Künstlers, die menschliche Seele zu reflektieren, waren vom Meister in dieser Zeit geschaffene Porträts ein unschätzbarer Beitrag zur russischen bildenden Kunst der 1860er und 80er Jahre.

"Die Porträts, die Sie jetzt haben", schrieb IE Repin ihm 1881, "repräsentieren die Gesichter der lieben Nation, ihrer besten Söhne, die positive Vorteile für ihre selbstlosen Aktivitäten, zum Nutzen und Wohlstand ihres Heimatlandes gebracht haben." glaubte an seine bessere Zukunft und kämpfte für diese Idee… “Ivan Nikolaevich Kramskoy wurde einer der Gründer der Galerie der Porträts, dank der wir jetzt die Gesichter von Menschen sehen können, die eine große Rolle in der Geschichte und Kunst von spielten Russland. Zu den ersten gehörte Leo Tolstoy, dessen erste Porträts von Kramskoy gemalt wurden.

Ein Porträt des großen russischen Schriftstellers in der Sammlung zu bekommen, war Tretjakows geliebter Traum, aber bisher hat es niemand geschafft, Lev Nikolaevich zum Posen zu überreden. Auf der anderen Seite gab es Kramskoy, der versuchte, den Sammler davon zu überzeugen, dem jungen talentierten Künstler FA Vasiliev zu helfen, der auf der Krim vom Konsum starb. Infolgedessen überredete Kramskoy 1873 Tolstoi, für ihn zwei Porträts zu posieren, um Tretjakows Schulden für Vasiliev zu begleichen: eines für einen Sammler, das zweite für das Haus des Schriftstellers in Yasnaya Polyana.

Ivan Nikolaevich arbeitete parallel an beiden Leinwänden, während er versuchte, eine absolute Identität zu vermeiden. Infolgedessen wählte die Familie des Schriftstellers ein Porträt mit einer intimeren Interpretation von Lev Nikolaevich, in das er sich vertieft. Tretjakow bekam ein Porträt, in dem der Schriftsteller sozusagen den Betrachter anspricht. So gelang es dem Künstler, gleichzeitig zwei grundlegend unterschiedliche künstlerische Bilder zu schaffen.

Beide Porträts haben eine Reihe von Gemeinsamkeiten. Erstens ein neutraler Hintergrund, aufgrund dessen die Position der Figur im Raum keine Rolle mehr spielt. Zweitens sind die Hände des Modells nur allgemein ausgeschrieben. Drittens hat der Künstler bewusst auf ausdrucksstarke Farbbilder verzichtet. Diese Zurückhaltung der plastischen Entscheidung ermöglichte es, alle Aufmerksamkeit auf das Gesicht des 45-jährigen Tolstoi zu lenken - offen, schlicht, von einem breiten Bart und einem männlich geschnittenen Haar eingerahmt.

Das Wichtigste in den geschaffenen Porträts sind die Augen des Autors, die die intensive Arbeit der Gedanken einer intelligenten und gebildeten Person zum Ausdruck bringen. Auf dem Bild von Kramskoy sieht Tolstoy uns „hartnäckig und streng, sogar kalt an… und lässt sich nicht erlauben, zumindest für einen Moment seine Aufgabe der Beobachtung und Analyse zu vergessen. Er wird Wissenschaftler und sein Thema ist die menschliche Seele “, beschrieb der bekannte sowjetische Kunstkritiker DV Sarabyanov seinen Eindruck. Es war das Verständnis von Tolstois starkem Intellekt, das zum Hauptziel wurde und natürlich die Hauptschwierigkeit darstellte, auf die der Künstler bei dieser Arbeit stieß.

Porträts der Großen

Kramskoy malte viele von Tretjakow in Auftrag gegebene Porträts und würdigte diese herausragende Person. So schreibt der Künstler 1871 aus Fotografien ein Porträt des großen ukrainischen Dichters Taras Shevchenko. Und im Winter 1876 stand Iwan Nikolaewitsch der Familie des Sammlers besonders nahe und arbeitete an Porträts von Tretjakows Frau Vera Nikolaewna und Pawel Michailowitsch selbst, in denen er immer keinen Kaufmann, sondern einen Intellektuellen und einen wahren Patrioten sah Russische Nationalkultur, die fest daran glaubte, dass „die russische Schule der Malerei nicht die letzte sein wird. "In einem kleinen Porträt von 1876, das durch eine bestimmte" Kammer "künstlerischer Entscheidungen gekennzeichnet war, versuchte Kramskoy, die soziale Bedeutung der dargestellten Person zum Ausdruck zu bringen.

Im Auftrag von Tretjakow schuf der Künstler zwei Bilder des großen russischen Dichter-Demokraten NA Nekrasov (1877-1878), das erste ist ein Porträt von Nikolai Alekseevich, das zweite ist das Gemälde "Nekrasov in der Zeit von" Last Songs ". Die Arbeit an diesen Werken wurde durch eine schwere Krankheit des Dichters erschwert. Der Künstler schaffte es, es manchmal nur zehn bis fünfzehn Minuten am Tag zu schreiben, aber bis zum 30. März 1877 war das Porträt von NA Nekrasov fertiggestellt.

Aber der größte Wert ist nicht er, sondern das Gemälde "Nekrasov in der Zeit der" Letzten Lieder ", bei dem die Auswahl von Haushaltsdetails dazu beitrug, ein genaues Bild des Dichters zu schaffen Völlig in Gedanken versunken sitzt Nekrasov auf dem Bett, und die an den Wänden seines Büros hängenden Fotografien von NA Dobrolyubov und IS Turgenev sowie eine Büste von VG Belinsky, einem ideologischen Mentor und großartigen Freund Nekrasov, vermitteln die Atmosphäre von ein reiches, intensives kreatives Leben, in dem Sie sich wie ein großer unsterblicher Dichter fühlen.

Es ist interessant, dass bei genauem Hinsehen auf die Oberfläche der Leinwand des Bildes leicht zu bemerken ist, dass mehrere Nähte darüber verlaufen. Das Bild des Kopfes des Dichters ist auf einem separaten Fragment aufgenommen, dessen Ausgangsposition nicht schwer zu bestimmen ist. Anscheinend porträtierte der Meister den todkranken Dichter zunächst als liegend, dann baute er die Komposition wieder auf, um sie ausdrucksvoller zu machen. Nekrasov würdigte Kramskoys Talent, indem er ihm ein Exemplar seines Buches „Last Songs“ überreichte, auf dessen Titelseite er schrieb: „Kramskoy als Andenken. N. Nekrasov 3. April ".

Kramskys Arbeit an den Bildern des herausragenden Satirikers ME Saltykov-Shchedrin erwies sich als noch komplexer und erstreckte sich über mehrere Jahre. Eines der beiden vom Künstler geschaffenen Porträts war auch für die Tretjakow-Sammlung bestimmt und wurde von 1877 bis 1879 in endlosen Veränderungen geschaffen. Nachdem Kramskoy das Bild fertiggestellt hat, schreibt er an Tretjakow, dass dieses Porträt „sehr ähnlich herausgekommen ist“, wobei er von seinen künstlerischen Merkmalen spricht.

Wie im Porträt von Tolstoi ist die Färbung des Werkes sehr taub und düster. So rückt der Künstler Shchedrins Gesicht, seine hohe Stirn, die traurig gesenkten Lippenwinkel und vor allem den fordernden, nur ihm innewohnenden fragenden Blick ins Rampenlicht. Eine wichtige Rolle bei der Schaffung des Bildes eines satirischen Schriftstellers spielen die Hände - geschlossen, mit dünnen verschränkten Fingern, sie werden aristokratisch betont, aber keineswegs sanft.

Die vereinheitlichende Idee für die Porträts von Leo Tolstoi, NA Nekrasov, ME Saltykov-Shchedrin, PM Tretyakova, wurde zur Idee einer hohen Staatsbürgerschaft. In ihnen sah Kramskoy die geistigen Führer der Nation, fortgeschrittene Leute ihrer Zeit. Dies prägte die Art und Weise der Darstellung des Dargestellten. Der Künstler hat bewusst die Grenzen seiner Persönlichkeit „eingeengt“, um seine gesellschaftliche Bedeutung zu unterstreichen. Nichts hätte nach Kramskoy den Betrachter von der Hauptsache ablenken sollen - der geistigen Komponente der Helden seiner Porträts, und deshalb ist die Farbe der Gemälde so taub.

Als der Künstler Porträts von Schriftstellern und Künstlern malte, die seiner Meinung nach die „geistige Ladung“ der Epoche nicht so stark anhäuften, machte er die bildplastische Lösung des Werkes freier, ungehinderter, was die Bilder von Menschen machte von ihm lebendig und direkt dargestellt. Diesen Arbeiten kann ein Porträt von Iwan Iwanowitsch Schischkin zugeschrieben werden, das der Maler 1873 aufführte. Dieses Werk gehört, wie die Leinwand "Nekrasov in der Zeit der" Letzten Lieder ", zur Kategorie der Porträts und Gemälde kombiniert zwei Prinzipien gleichzeitig - Porträt und Landschaft.

Das in dieser Arbeit geschaffene Bild der Natur ist nicht nur ein natürlicher Hintergrund für das Bild des Meisters der Landschaft, sondern das Element, in dem er lebte und arbeitete. Die lyrische und zugleich majestätische Landschaft (ein klarer blauer Himmel mit leichten Wolken, die mysteriöse Silhouette eines Waldes und hohes Gras zu Shishkins Füßen) stellt nicht nur das Aussehen eines bestimmten Gebiets wieder her, sondern repräsentiert einen verallgemeinerten Ausdruck von russischer Natur, wie es in den 70er Jahren dargestellt wurde, darunter II Shishkin selbst.

Der Künstler wollte seine unauflösliche Einheit mit der Außenwelt betonen. Die schlanke, aber kraftvolle Figur eines Landschaftsmalers, sein willensstarkes, offenes Gesicht, die äußerliche Einfachheit und zugleich die unbestreitbare Größe seines Aussehens, die Art und Weise, wie er ruhig und sachlich in endlose Entfernungen blickt, vermitteln genau Kramskys Ansicht von Shishkin als "Menschschule", "Meilenstein in der Entwicklung der russischen Landschaft. "

Später, im Jahr 1880, wird Kramskoy ein weiteres Porträt des großen russischen Sängers schreiben. Darin wird der Künstler erneut über seine körperliche Stärke erstaunt sein und feststellen, dass Shishkins Persönlichkeit mit dem Alter reicher und komplexer wurde.

Außergewöhnliches Porträtgeschenk

Unter den vielen Porträts russischer Schriftsteller und Künstler, die in den 70er Jahren gemalt wurden und von denen Kramskoy für PM Tretjakow die meisten malte, befanden sich IA Gontscharowa, IE Repin, IP Polonski, PI Melnikow-Petscherski, MM Antokolski, ST Aksakowa, FA Wassiljew, MK Klodt und viele andere.

Zwei Porträts können besonders unterschieden werden - der Schriftsteller Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) und der Maler Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).

Als er ein Porträt des Autors des damals beliebten Romans Anton-Goremyk schuf, bemerkte der Meister aufmerksam Grigorovichs gewohnte Haltungslosigkeit und eine Art Nachsicht und Selbstgefälligkeit in seinen Augen, die für eine Person charakteristisch waren, die es nicht gewohnt war, sich mit der Komplexität des Lebens auseinanderzusetzen um ihn herum. Eine betonte theatralische Geste einer Hand mit einem goldgerahmten Zwicker zwischen seinen dünnen Fingern. "Dies ist kein Porträt, sondern nur eine Szene, Drama!.. Also sitzt Grigorovich mit all seinen Lügen, französischem Feuilletonismus, Prahlerei und Lachen vor Ihnen", schrieb VV Stasov enthusiastisch an Kramskoy. Obwohl der Künstler selbst nach einigen Jahren einen Brief an den berühmten Verleger AS Suvorin schrieb, versuchte er, den Vorwurf der offensichtlichen Tendenz abzuwehren, indem er behauptete, er wolle „nichts Komisches machen,abgesehen von einer ganz natürlichen Leidenschaft für die sichtbare charakteristische Form, ohne sie zu unterstreichen. “Soweit dies zutrifft, werden wir es wahrscheinlich nie erfahren, aber eines ist klar: Das Porträt von DV Grigorovich fasziniert uns heute gerade durch die Faszination des Künstlers mit der „sichtbaren charakteristischen Form“, die der Schlüssel zur Schaffung eines überraschend lebendigen und lebendigen menschlichen Bildes war.

Dies ist in einem großformatigen Porträt von AD Litovchenko noch deutlicher. Der Künstler trägt einen dichten dunkelbraunen Mantel und ist auf einem hellgrau-grünlichen Hintergrund abgebildet. Kramskoy betonte die natürliche Leichtigkeit seines Modells, indem er die sich bewegende Kontur der Figur ein wenig „erodierte“. Die Position von Litovchenko ist ungewöhnlich ausdrucksvoll, die rechte Hand wird mit seiner freien Bewegung hinter den Rücken gelegt, und die linke Hand hält anmutig eine Zigarre mit einer üblichen Geste. Die Finger werden nicht gezeichnet, sondern nur durch mehrere präzise, ​​dynamische Striche umrissen. Es war kein Zufall, dass Kramskoy den Rand des Ärmels, der diesen Arm umrahmt, „beschmierte“ und ihn absichtlich unscharf machte. So vermittelte er überzeugend die natürliche Augenblicklichkeit der Geste, die genau dem lebhaften, wechselhaften Gesichtsausdruck des Helden des Porträts entsprach, eingerahmt von einem üppigen Bart.Man kann nur das Lippenmuster erraten, aber schwarz wie Glut sehen die Augen der abgebildeten Person so durchdringend scharf aus, dass sie die Unmittelbarkeit ihrer Natur am besten zum Ausdruck bringen, dass das gesamte Bild Litovchenkos als "lebendig" wahrgenommen wird. Der Künstler verwendet geizige, aber äußerst ausdrucksstarke Details mit erstaunlicher Genauigkeit: Die Kappe in konischer Form rundet die Silhouette der gesamten Künstlerfigur perfekt ab, ebenso wie die hellgelben Handschuhe, die beiläufig aus der Tasche von Litovchenkos Mantel herausschauen und vervollständigen Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick. Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick.am besten drückt er die Unmittelbarkeit seiner Natur aus, dass das gesamte Bild Litovchenkos als "lebendig" wahrgenommen wird. Der Künstler verwendet geizige, aber äußerst ausdrucksstarke Details mit erstaunlicher Genauigkeit: Die Kappe in konischer Form rundet die Silhouette der gesamten Künstlerfigur perfekt ab, ebenso wie die hellgelben Handschuhe, die beiläufig aus der Tasche von Litovchenkos Mantel herausschauen und vervollständigen Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick. Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick.am besten drückt er die Unmittelbarkeit seiner Natur aus, dass das gesamte Bild Litovchenkos als "lebendig" wahrgenommen wird. Der Künstler verwendet geizige, aber äußerst ausdrucksstarke Details mit erstaunlicher Genauigkeit: Die Kappe in konischer Form rundet die Silhouette der gesamten Künstlerfigur perfekt ab, ebenso wie die hellgelben Handschuhe, die beiläufig aus der Tasche von Litovchenkos Mantel herausschauen und vervollständigen Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick. Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche herausschaut, vervollständigt seinen Blick.Die Kappe in konischer Form rundet die Silhouette der gesamten Künstlerfigur perfekt ab, ebenso wie die hellgelben Handschuhe, die beiläufig aus der Tasche von Litovchenkos Mantel herausschauen und sein Bild vervollständigen Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche späht, vervollständigt seinen Blick.Die Kappe in konischer Form rundet die Silhouette der gesamten Künstlerfigur perfekt ab, ebenso wie die hellgelben Handschuhe, die beiläufig aus der Tasche von Litovchenkos Mantel herausschauen und sein Bild vervollständigen Der Mantel von Litovchenko, der achtlos aus seiner Tasche späht, vervollständigt seinen Blick.

Das Porträt von AD Litovchenko ist ohne Zweifel einer der größten kreativen Erfolge von Kramskoi. Sein Bild erwies sich dank der hohen bildlichen Vorzüge dieses Bildes als so lebendig und leuchtend individuell, "durch Feuer, Leidenschaft und Vitalität der schnellen Ausführung, ähnlich wie spontan" (V. Stasov).

Ivan Nikolaevich „zeichnet“ nicht mehr mit einem Pinsel, wie es in vielen seiner Gemälde der Fall war, wie viele er breit und temperamentvoll schreibt, indem er eine plastische Form mit Farbe ausrichtet und die besten Porträtbilder von IE Repin vorwegnimmt. MP Mussorgsky war beeindruckt von seinem kraftvollen Gesichtsausdruck und erwiderte so viel über seine Arbeit: „Als ich zum Porträt von Litovchenko ging, erholte ich mich…“, schrieb er an VV Stasov. - Was für ein Wunder, Kramskoy! Dies ist keine Leinwand - es ist das Leben, die Kunst, die Kraft, die in der Kreativität gesucht wird! "

Wir können sehen, was der Künstler selbst zu dieser Zeit geworden war, dank seines Selbstporträts von 1874. Ein kleinformatiges Bild wurde deutlich "für mich" geschrieben. Gesättigter dunkelroter Hintergrund trägt zur Schaffung einer Atmosphäre betonter Konzentration im Porträt bei. Kramskoy blickt in sein eigenes Gesicht und zeigt, wie über die Jahre seine Gelassenheit und Ausdauer, die durch ein schwieriges Leben und ständige Arbeit entstanden sind, zugenommen haben. Sein Blick wurde viel tiefer und trauriger als im Selbstporträt von 1867, in dem der Meister seine Position als Wrestling-Künstler öffentlich zu erklären schien. Nun, ohne einen einzigen Schritt vom gewählten Weg abzuwenden, gesteht er sich selbst ein, wie enorm die spirituelle Kraft ist, die diese Ausdauer und dieser Mut erfordern.

„Bisher waren für Herrn Kramskoy nur Männerporträts erfolgreich“, schrieb einer der siebten mobilen Beobachter, „aber die aktuelle Ausstellung hat gezeigt, dass ein unvergleichlich schwierigeres Frauenporträt für ihn gleichermaßen zugänglich ist.“

Eine wahre Bemerkung, besonders wenn man bedenkt, dass vor Kramskoy eine solche demokratische Art von Frauenporträt, deren Verdienst dessen Entwicklung ganz ihm zusteht, in der russischen Malerei nicht existierte.

Das Bild des russischen Volkes

Kramskoy schrieb oft, dass er in St. Petersburg die Hauptlast der unterdrückenden öffentlichen Atmosphäre verspürte und sogar sagte, dass das "Petersburger Klima", dem er sich immer widersetzte, "russische Kunst und Künstler tötet". In dieser Empfindung hatte er viele Gleichgesinnte. Erinnern wir uns an A. Puschkin, der sagte, der „Norden ist schädlich“ für ihn, KP Brüllow, der aus Italien zurückkehrte und in der Herrlichkeit des Ruhms badete, aber schrieb, dass er „mopste“, weil er „Angst vor“ hatte das Klima und die Knechtschaft. “

"Er zieht mich aus Petersburg", schrieb Kramskoy, "es macht mich krank!" Wo zieht, warum krank? Wo ist Frieden? Ja, und das wäre nichts, wenn dort, in den Tiefen von Sümpfen, Wäldern und unpassierbaren Straßen, kein reiches und unvorstellbar großes Material außerhalb der Städte liegen würde. Was für Gesichter, was für Figuren! Ja, die Gewässer von Baden-Baden helfen dem anderen, Paris und Frankreich dem anderen, und das dritte… Suma, ja Freiheit! Der Künstler antwortete lebhaft auf das aufkommende "Gehen zu den Menschen" und schrieb: "Im Zentrum zu sitzen… man beginnt die Nerven eines weiten freien Lebens zu verlieren; zu weit draußen, und die Leute sind etwas, das geben kann! Oh mein Gott, was für ein riesiger Frühling! Habe nur Ohren zum Hören und Augen zum Sehen… Es zieht mich raus, so zieht es! "Es war unter den Leuten von Kramskoy, die die Hauptkraft des Lebens sahen,darin eine neue Quelle kreativer Inspiration entdecken.

Die Bilder der Bauern in den Werken von IN Kramskoy sind sehr unterschiedlich. Dies ist der "Kontemplator" (1876, Kiewer Museum für russische Kunst), ein Philosoph, ein Sucher nach ewiger Wahrheit und ein Imker, der ein mit der Natur vereinigtes Leben führt ("Pasechnik", 1872), und "Little Man with a Hook". (1872, Tallinner Kunstmuseum) - lebte ein langes, freudloses Jahrhundert, ein verstopfter alter Bauer. Es gibt andere Bilder, wie den Helden des Gemäldes „Dorfwächter“ („Miller“, 1873) oder den mächtigen, strengen Mann auf der Leinwand von 1874 „Das Haupt des Bauern“ (Pensa Art Gallery von KA Savitsky)..

Das bedeutendste Werk zu einem Volksthema war jedoch das Bild von 1874 "Woodland". In Bezug auf sie schreibt Kramskoy an Premier Tretyakov: „… meine Skizze in einem Schusshut sollte laut Plan einen der Typen darstellen (sie gehören zum russischen Volk), die einen Großteil des sozialen und politischen Systems des Volkes verstehen Leben mit ihrem Verstand, und der Unzufriedenheit, die an Hass grenzt, zutiefst ansiedelte. Von diesen Menschen gewinnen in schwierigen Zeiten Stenka Razina und Pugacheva ihre Banden, und in gewöhnlichen Zeiten handeln sie allein, wo und wie sie wollen, lassen sich aber nie gefallen. Der Typ ist unsympathisch, ich weiß, aber ich weiß auch, dass es viele gibt, ich habe sie gesehen. "

In der späten Schaffensperiode wandte sich der Künstler auch dem Bauernthema zu. Im Jahr 1882 wurde eine "Studie eines russischen Bauern" erstellt - ein Porträt von Mina Moiseyev. 1883 das Gemälde „Der Bauer mit dem Zaumzeug“ (Kiewer Museum für russische Kunst). In diesen beiden Werken schuf der Meister zwei diametral gegenüberliegende Bilder, die jedoch nach demselben Modell geschrieben wurden.

Späte Schaffensperiode

Trotz der politischen Niederlage des demokratischen Denkens in Russland in den 70er und 80er Jahren des 19. Jahrhunderts, die vom Regime buchstäblich niedergeschlagen wurde, erlebte die russische demokratische Kunst einen beispiellosen Aufstieg. Signifikante Veränderungen fanden im Leben der Partnership of Traveling Art Exhibitions statt; das Werk von Titanen der russischen bildenden Kunst wie IE Repin und VI Surikov trat in den Vordergrund. Ivan Nikolaevich Kramskoy arbeitete weiter hart und hart. Trotz der hohen Autorität, die der Künstler unter seinen Zeitgenossen hatte, wurde es für ihn immer schwieriger zu arbeiten. Ein Beweis dafür ist das seit vielen Jahren unvollendete Bild "Lachen", dessen Idee nicht mehr den Bedürfnissen der Gemeinschaft entsprach. Infolgedessen hatte Kramskoy nur noch Porträts.

In dieser Zeit porträtiert der Künstler mit seinem inhärenten Können und seiner Psychologie II Shishkin, die herausragende Figur in der russischen Medizin SP Botkin und den Künstler VV Samoilov. Darüber hinaus sah Kramskoy nicht nur neben jüngeren Porträtmalern wie IE Repin und NA Yaroshenko würdig aus, sondern spielte auch weiterhin die Rolle eines „Lehrers“ für sie. Und ihre Gemälde spiegeln wiederum Kramskoys Kunst wider.

Der Künstler verstand jedoch, dass er irgendwo wachsen musste, um nach neuen Wegen für seine Arbeit zu suchen. Er versucht sich an einem zeremoniellen Porträt, sucht nach neuen Licht- und Farblösungen und hechelt gleichzeitig unter dem Gewicht ständiger Befehle. Kramskoy beeilte sich, die Familien so gut wie möglich zu versorgen, und stellte fest, dass ihm die Kraft ausgeht, und wechselte zwischen zeitaufwändiger kreativer Suche und schneller Arbeit, die manchmal nicht zum besten Ergebnis führte. Der Künstler, der hoch respektiert und sogar geehrt wurde, war mit diesen Misserfolgen konfrontiert.

Die Anforderungen, die das Leben selbst an die Kunst stellte, änderten sich daher und das Kunstsystem musste sich ändern. 1883 schrieb der junge Künstler KA Korovin, ein Schüler von AK Savrasov und VD Polenov, an der Moskauer Schule für Musik und Kunst eine Skizze „Chorus Girl“, in der er ein ungewöhnliches Motiv und sehr kühne Maltechniken verwendete. Sogar Polenov, der mit den Werken der französischen Impressionisten vertraut war, war von diesem kühnen Experiment des Künstlers beeindruckt, als er feststellte, dass er seiner Zeit weit voraus war. In Kürze wird VA Serov, ein enger Freund Korovins, sein „Mädchen mit Pfirsichen“ (1887) schreiben und das Porträt der zwölfjährigen Vera - der Tochter des berühmten Moskauer Industriellen SI Mamontov - in ein strahlendes Bild der Jugend verwandeln.

Um die Essenz neuer Trends einzufangen, schreibt Kramskoy sein „Unbekanntes“ (1883) - eines seiner mysteriösesten Gemälde. So beschreibt der Kunsthistoriker NG Mashkovtsev das Gemälde: „Vor dem Hintergrund des rostrot gestrichenen Anichkov-Palastes wird eine junge Frau in einem Kinderwagen dargestellt. Diese Farbe wird durch den Winternebel und die Konturen der Architektur gemildert. Mit größerer Klarheit tritt die weibliche Figur in den Vordergrund. Sie ist mit allem Luxus der Mode gekleidet. Sie lehnte sich in der Besatzung zurück und war mit dunkelgelbem Leder bezogen. In ihrem Gesicht ist der Stolz einer Frau, die sich ihres Charmes bewusst ist. In keinem Porträt widmete Kramskoy Accessoires so viel Aufmerksamkeit - Samt, Seide, Fell. Der dunkle Handschuh, der fest die Hand bedeckt, wie eine zweite Haut, dünn und durchscheinend, durch die ein lebender Körper gefühlt wird,ist mit besonderer Wärme geschrieben. Wer ist sie, diese fesselnde Frau, es bleibt unbekannt. "

Viele glauben, dass Kramskoy Anna Karenina als Symbol für die neue Position einer Frau in der Gesellschaft darstellt, wie sie werden sollte. Diese Version hat sowohl Unterstützer als auch Gegner, aber es wäre richtiger anzunehmen, dass der Künstler IN Kramskoy und der Schriftsteller LG Tolstoy, die ihre weiblichen Bilder schufen, mehr in sie investiert haben als ein Porträt einer bestimmten Frau, nämlich ihre Idee des Ideals einer modernen Frau. Wie Tolstoi, Kramskoi, der die Menschenwürde einer Frau verteidigte, stellte er sich die Aufgabe, seine Vorstellung von der moralischen und ästhetischen Kategorie der Schönheit durch die sichtbare, „objektive“ Attraktivität des Modells zu verwirklichen.

1884 vollendete der Künstler sein in den späten 70er Jahren entstandenes Gemälde "Untröstlicher Kummer". Die Handlung der Leinwand ist inspiriert von der persönlichen Trauer des Meisters - dem frühen Tod seiner beiden jüngeren Söhne. Durch diese Arbeit, die eine ungewöhnliche Anzahl von Skizzen und Skizzen (die zeigen, wie wichtig es für Kramskoy war) für den Künstler hat, übertrug er sein eigenes Leid und Leid auf seine Frau Sophia Nikolaevna. Der Maler investierte viel persönliches, tief Verborgenes in das Bild und versuchte gleichzeitig, seinen Inhalt zu maximieren und zu vertiefen. Präzise und sparsam ausgewählte Elemente bringen uns in die Atmosphäre des Hauses, in die großer Kummer geriet, der jedoch sehr zurückhaltend ohne melodramatische Exzesse übertragen wurde, nur das rötliche Leuchten der hinter den Vorhängen flackernden Bestattungskerzen deutet auf seine Ursache hin.

Das kompositorische und semantische Zentrum der Leinwand ist das Bild einer Frau voller Dramen. Ihre angespannte, gerade Figur, der traurige Blick derjenigen, die keine Augen sehen, der Schal, der an ihre Lippen geführt wurde und ein Zeugnis für das kaum zurückhaltende Schluchzen ist, offenbaren die ganze Tiefe ihres Leidens. Eine solche psychologische Ausdruckskraft des Bildes fiel dem Künstler nicht leicht. "Ich habe aufrichtig Verständnis für die Trauer der Mutter gezeigt", schrieb Kramskoy an PM Tretyakov. „Ich suchte nach einer langen, sauberen Form und entschied mich schließlich für diese Form…“ Es war die strenge Form, die ohne unnötige Theatralik erreicht wurde und die es ihm ermöglichte, das Bild einer willensstarken Person und die monumentale Struktur der zu schaffen Leinwand vermittelte Gefühle und Emotionen, wie ein Persönlichkeitsdrama, das der Meister auf die Ebene eines großen sozialen Phänomens zu heben versucht.

Es ist anzumerken, dass im Gegensatz zu den Porträts der 70er Jahre, in denen die Gefühle der Helden von Kramskoy eher durch das Siegel der hohen Staatsbürgerschaft gekennzeichnet waren, die Charaktere späterer Werke in einer viel verschlosseneren Welt persönlicher Erfahrungen leben.

Kramskys Briefe an seine Freunde sagen uns, wie schwierig die letzte Phase seines Lebens für ihn war. 1883 schreibt er PM To Tretyakov: „… Ich gestehe, dass die Umstände sich meinem Charakter und meinem Willen entziehen. Ich bin von meinem Leben zerbrochen und habe bei weitem nicht getan, was ich wollte und was ich haben sollte… ". Gleichzeitig wurde ein Brief an den Künstler PO Kovalevsky geschrieben:„ Ich arbeite seit langer Zeit in der Dunkelheit. In meiner Nähe gibt es bereits niemanden, der wie eine Gewissensstimme oder die Posaune des Erzengels einen Menschen benachrichtigen würde: "Wohin geht er? Ist es eine echte Straße oder verloren?" Von mir ist nichts mehr zu erwarten Ich habe schon aufgehört, auf mich zu warten. “

Der Meister arbeitete jedoch bis zu seinem letzten Tag. Fünf Stunden am Tag führte er Porträtaufnahmen durch, wobei er ständig vor Schmerzen schrie, aber fast bemerkte, dass er von seinem kreativen Prozess so mitgerissen war. So war es am letzten Tag des Malers. Er verspürte morgens eine Welle der Kraft und malte ein Porträt von Dr. Rauchfus. Plötzlich hörte sein Blick auf und er fiel direkt auf seine Palette. Es war der 24. März 1887.

"Ich erinnere mich nicht, dass das Begräbnis herzlicher und berührender war!… Friede sei mit dir, ein mächtiger Russe, der aus der Bedeutungslosigkeit und dem Schmutz der Wälder herausgekommen ist", schrieb IE Repin später über die Drähte der letzten Reise von seinem alten Freund.

Im selben Jahr 1887 wurde eine große postume Ausstellung der Werke des großen russischen Meisters organisiert, begleitet von der Veröffentlichung eines detaillierten illustrierten Katalogs. Ein Jahr später erschien ein Buch über das Leben und Werk von Ivan Nikolaevich Kramskoy.