Fotoausstellung von Zakhar Kolovsky "Zeit der Spuren im Sand" Automatische übersetzen

29. März 2016 in den Hallen der MVK RAX Galerie der Künste von Zurab Tsereteli auf Prechistenka 19, die Eröffnung der Ausstellung der Fotografie von Zakhar Kolovsky "Zeit der Spuren im Sand" stattfinden.

ZM Kolovsky wurde 1956 in der Stadt Rybinsk im Gebiet Jaroslawl geboren. 1984 absolvierte er das Polytechnische Institut in Leningrad, 2000 das Akademische Institut für Malerei, Skulptur und Architektur in St. Petersburg. IE Repina, Institut für Theorie und Kunstgeschichte. Von 2002 bis heute leitet er das Staatliche Museum und Ausstellungszentrum ROSFOTO in St. Petersburg. Als Kurator und Aussteller hat er mehr als 100 Ausstellungsprojekte realisiert. Z. Kolovsky arbeitete weiterhin als Künstler und schuf die folgenden Werkserien: „Windows“, „Electorate“, „Lines“, „Ship Architecture“ und „Emergency Surfacing“, die er als die bedeutendsten seiner kreativen Biografie ansieht. Seine persönlichen Ausstellungen fanden in Moskau, St. Petersburg, Nischni Nowgorod, Paris, Riga, Zagreb und anderen russischen und ausländischen Städten statt.

Für den Fotografen Zakhar Kolovsky erscheint die Fotografie zunächst als Material für künstlerische Experimente aller Art. Die Techniken, auf die er in seiner Arbeit zurückgegriffen hat, sind das Kombinieren von Bildern, das Überlagern verschiedener Pläne und das Verleihen ungewöhnlicher Dynamik und Ausdruckskraft für die Technik der Vervielfältigung des Rahmens, das Aufnehmen von Arbeiten, die über den Rahmen der Fotokunst hinausgehen, um ihn näher an das Kino heranzuführen.

Die Werke von Z. Kolovsky befinden sich in Sammlungen des Staatlichen Russischen Museums, des Zentralen Marinemuseums, des staatlichen Zentrums für zeitgenössische Kunst, des Lettischen Nationalen Kunstmuseums und in Privatsammlungen.

„Zuerst wollte ich den Artikel„ Nicht dokumentarisches Foto von Zakhar Kolovsky “nennen. ” Dafür gibt es jeden Grund: Die Arbeit des Autors zeigt einen fast programmatischen Mangel an allem, was für den Dokumentarfilm erforderlich ist. Nichts von Magnum: weder die Ereignisse noch die Tatsache, durch die das Phänomen dargestellt wird… Der Photovisualismus bei Kolovsky will seine Authentizität legitimieren: nichts eingeführt, komponiert, abstrakt…

Im Kontext von Kolovskys Arbeit ist es die Erfahrung, sich mit der Zeit an die Dokumentation dieser Bewegung zu gewöhnen. Mit welchen Mitteln? Arbeiten Sie zunächst mit Spuren (oder Spuren) der Prozessualität. Alles, was der Lauf der Zeit hinter sich lässt: Schatten, Wanderwege, die Breite der Schneeschmelze…

Wie kann man die Poetik von Kolovskys fotografischen Bildern genauer bestimmen? Für mich selbst wähle ich folgenden Namen: meditativ-dokumentarische Fotografie.

… Ich könnte die Position des Autors mit der jagenden vergleichen - stundenlang inkubieren, verfolgen, "die Natur" anlocken. Aber im Wort "Jagd" gibt es Konnotationen der Aneignung, des Erhaltens. Die künstlerische Praxis des Künstlers ist frei von diesen Belastungen. Positionierung "nach Kolovsky" bedeutet eine bescheidene Auflösung in natürlichen Prozessen.

Die Bewegung des Schattens, die Größe des Lichtquadrats um den Wasserhahn, das Flattern der Vorhänge - die Autorin sucht nach ihren visuellen Eigenschaften für temporäre Zeremonien. Er arbeitet in Serien, aber oft in Einzelaufnahmen. Denken ist auf jeden Fall palimpsestisch: Ein separates Bild ist bereit, seine Komponenten zu erweitern. Eine Serie - um eine einzelne zu bilden. Kolovskys Lieblings-Palimpsest-Technik wurde nach dem Motiv der Strecke ausgearbeitet - im Schnee oder im Sand. Schritt für Schritt, Route für Route, Kette für Kette… Ein weiterer Moment ist Kolovskys Landschaftsarbeit. Er mag Panoramaaufnahmen und gleichzeitig Bilder von Bäumen und Pflanzen aus der Nähe des Betrachters. Er interessiert sich für Walddickicht und Weizenfelder, Kräuter, - den Moment des Blühens, Übertretens, Fegens - in der Tat alle die gleiche Begeisterung des Lebensprozesses. "

Aus einem Artikel von AD Borovsky

„Der vorherrschende Mythos in der Kunst im Allgemeinen und in der Fotografie im Besonderen, der beständige Mythos über die Priorität von Ideen,„ Ideen “in der Kunstpraxis, hat sich lange Zeit abgeschwächt, und wir bewegen uns wieder vom„ Glauben “zum„ Sehen “ ”. Es gibt eine Rückkehr zur Bedeutung der visuellen, kontemplativen Wahrnehmung, wenn die bedingte künstlerische Räumlichkeit der Literatur und der natürlichen Objektivität widerspricht.

Ein Beispiel dafür ist die hier vorgestellte Arbeit.

Erster Eindruck: Traditionelle Ästhetik und visuelle Kultur existieren im Rahmen der heutigen zeitgenössischen Kunst frei; Die künstlerische Strategie und die fotografische Praxis des Autors sind einer fokussierten, aufmerksamen, zurückhaltenden und unkomplizierten Wahrnehmung der Außenwelt untergeordnet.

In diesen Werken gibt es weder "modernistische" visuelle Kuriositäten, die mit "bedeutenden" sozialen Kommentaren überhäuft sind, noch eine narrative Geschichte oder Spuren aktueller, radikaler Phänomene der zeitgenössischen Kunst. Sie verfügen über ein klares System zum Aufbau räumlicher Lichtfarbenstrukturen.

Der Autor, der mehrere Sichtweisen und Wahrnehmungen kombiniert und sie einer ganzheitlichen Lösung unterordnet, offenbart neue Bedeutungen für den Einsatz fotografischer Techniken.

Die charakteristische Multiplikativität, Serialität, scheinbare Panoramalage der präsentierten Werke ist keine Fragmentierung dessen, was sie sahen. Dies ist ein Prozess der Reflexion einer ganzheitlichen komplexen Weltanschauung, ihrer Gesichter, es ist eine Welt aus verschiedenen Blickwinkeln. "

Aus einem Artikel von V. Orlow

„… Flugzeuge, die sich in die Ferne erstrecken oder für das Lumen transparent sind. Das Flugzeug ist der Raum der Bucht, das Flugzeug ist der Raum des Rasens oder der Einöde, das Flugzeug ist der Raum des Stadtplatzes, der Kreuzung, des Tores. Das Flugzeug ist der Raum des Himmels, dieses blaue Zelt darüber, das die Weiten von Wasser, Stadtlandschaft und Wiesengras bedeckt.

In diesen Gewässern von Buchten und Flüssen, in Parks und Wäldern, an den Rändern und am Stadtbett scheint nichts zu passieren. Als ob alle Ereignisse bereits stattgefunden hätten. Kriege fegten über diese Städte, Herbst und Winter erstarrten und bewegten die Vegetation, Passanten bewegten sich wie aus Trägheit dorthin, wo sie gebraucht wurden Die belagerte Stadt, neue Hoffnungen und neue Enttäuschungen sind in die Geschichte eingegangen. Es gab Gräser am Rand, Zweige von Bäumen gegen den Himmel, eine einsame Flasche auf dem Pier. Spuren blieben - im Sand, im Schnee, auf dem Bürgersteig.

Denken Sie nur nicht, dass der St. Petersburger Meister Kolovsky eine Art melancholischer Sänger der Anämie ist. Seine Fotografien sind streng und kühl wie Stahl. Kunst in dieser Form ist zu diesem Zeitpunkt eine Kunst mit einem hohen Grad an Aushärtung. Es fällt bereits wie in der Häresie in eine unerhörte Einfachheit. "

Aus dem Artikel von A. Jakimowitsch „Ein Blick. Bilder von Zakhar Kolovsky“

Die Ausstellung läuft bis zum 17. April 2016.