Ausstellung Kunst für Kunst

Vom 20. bis 28. Oktober 20018 wird im Zentralhaus der Künstler im Rahmen des 44. russischen Antiquitätensalons eine Präsentation der neuen kreativen Vereinigung anonymer Künstler Kunst für Kunst abgehalten, die eine Alternative zum traditionellen Salon darstellt Paradigma der Existenz von bildender Kunst in der modernen Welt. Es wird von der Gallery Cart Art Foundation präsentiert, die sowohl eine Kunstgalerie als auch eine philanthropische Stiftung ist, die nicht nur zum Sammeln und Ausstellen von Kunstobjekten gegründet wurde, sondern auch, was besonders interessant ist, für deren Schöpfung. Die Galerie ist ein revolutionärer Ansatz, um zeitgenössische bildende Kunst auf dem Markt zu sammeln und zu fördern. Die Gallery Cart Art Foundation sieht ihre Mission darin, ein ideologisch neues Paradigma des künstlerischen Schaffens zu verbreiten, das sich als Protest gegen das allgemein akzeptierte Arbeitsmodell von Galerien und anderen Kunstinstitutionen herausgebildet hat. Bestimmt durch Marktverhältnisse, in die auch künstlerische Aktivitäten eingebettet sind, arbeitet dieses Modell mit Mustern wie Stil, Alter (Malerei und Künstler), Herkunft, die das Schicksal des Werkes bestimmen. Sie wird auch von der Meinung von Kritikern und Experten beeinflusst, die Modetrends setzen. In diesen Mustern ist kreative Freiheit gefangen, wie in einem Laster, und der wahre Wert der Kunst wird durch den Marktwert ersetzt. Die Art for Art-Bewegung brachte Künstler zusammen, die außerhalb dieses Systems arbeiten wollen, und die Anonymität der Autoren der Werke, wenn alle Künstler unter Pseudonymen agieren, war die erste Geste in diese Richtung. Der Fokus der Aufmerksamkeit liegt somit auf dem Produkt ihrer Arbeit, frei von jeglichen Korrelationen mit der Persönlichkeit des Autors. Dies befreit den Künstler von Konventionen, gibt uneingeschränkten Freiraum für Kreativität, Experimente, Fantasie, ohne Rücksicht auf reale Umstände, Biographie, persönliche Beziehungen, vergangene Verdienste usw. Das Objekt Kunst ist eine absolute Selbstverständlichkeit, die dem Publikum zur freien Wahrnehmung offensteht Außerhalb des historischen und biografischen Kontextes als „Ding an sich“, dessen Existenz vom künstlerischen Willen des Betrachters und der Umgebung - einschließlich des Materials - abhängt, in die er das Objekt der Kunst stellt. Die Galerie (und in unserem Fall die philanthropische Stiftung) übernimmt nicht nur die Verantwortung für diese kreativen Experimente, sondern auch für das Schicksal der Arbeiten. Seine Aufgabe ist es einerseits, in seiner Sammlung die größtmögliche Variabilität von Stilen, Maltechniken, kreativen Ansätzen und Themen zu präsentieren, die nach einem einzigen Kriterium ausgewählt wurden - um für die größte Anzahl von Zuschauern interessant zu sein. Auf der anderen Seite, um den Zugriff auf Ihr Meeting für die größte Anzahl von Personen zu ermöglichen. Daher befinden sich die Büros der Gallery Cart Art Foundation in vielen Ländern und Städten - in Monaco, Paris, Berlin, Zürich, und die von ihm organisierten Ausstellungen finden buchstäblich auf der ganzen Welt statt. Zum ersten Mal ist Moskau auch in diesem Kreis enthalten.

Eine solche Herangehensweise an die Existenz von Kunst in der heutigen modernen Welt ist sehr relevant für Galerien, die immer weniger ein „Ort, an dem Bilder aufgehängt werden“, und immer mehr - auch das Thema Kreativität, das diesen Prozess beeinflusst, korreliert es mit den führenden Trends im soziokulturellen Leben und damit sogar kontrolliert. Dies ist auch für die Künstler selbst relevant, da sich der Künstler in der modernen Welt zunehmend vom Bild eines „Demiurgen gegen die Masse“ abwendet. Elektronische Mittel zur Verbreitung von Informationen, die häufig die Grenzen zwischen Informationsfluss und künstlerischem Ausdruck aufheben, haben den Inhalt, die Wahrnehmung und den Vertrieb von Kunstwerken erheblich beeinflusst. Der Schöpfer entfernt sich zunehmend von der elitären Opposition gegen die Massen und wird immer mehr ein Teil davon, ein Exponent, der sich nicht persönlich und persönlich manifestiert und sich hinter einem Passwort, Spitznamen, Avatar oder Pseudonym verbirgt. Auf die Unvermeidbarkeit eines solchen Weges der Kunstentwicklung wurde in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts von dem herausragenden spanischen Philosophen José Ortega und Gasset in seinem Werk „Aufstieg der Massen“ hingewiesen. Wir können sagen, dass es heute voll realisiert wurde, wenn die Popularität eines bestimmten Ereignisses, einer bestimmten Botschaft, eines Phänomens auf Facebook (продукт Meta Platforms Inc., компания признана экстремистской организацией, деятельность на территории РФ запрещена), Instagram (продукт Meta Platforms Inc., компания признана экстремистской организацией, деятельность на территории РФ запрещена) und anderen sozialen Netzwerken und den Medien die Tatsache bestimmt, dass sie auf dem aktuellen Gebiet existieren. Daraus ergeben sich auch die ästhetischen Schwerpunkte der Gegenwartskunst, die darauf abzielen, möglichst genau in das Massenbewusstsein zu gelangen, archetypische Formen und populäre Genres direkt anzusprechen. All dies bedeutet nicht, dass eine solche Kunst keinen individuellen Stil und keine kreative Suche hat. Im Gegenteil, ihre Kombination mit der Fähigkeit, populäre Trends zu spüren, kann zur Schaffung wirklich interessanter, talentierter Werke führen, wie die Ausstellung Art for Art zeigt.

Die Ausstellung zeigt mehr als 30 Gemälde in verschiedenen Techniken und Genres. Künstler, deren Bilder an der Ausstellung beteiligt sind, suchten auf ihre Weise nach Wegen, eine Harmonie zwischen Masse und Individuum zu erreichen. So besitzt beispielsweise Harry Carlson, der auf der Ausstellung Werke aus den beiden Zyklen „On Nature“ und „Life of Machines“ präsentiert, die äußerst mühsame Technik eines einzigartigen Autors, lange durchgehende Linien mit verschiedenen Stärken aus halbflüssiger Tinte zu schreiben, die darauf gepresst werden Die Leinwand, die Schicht für Schicht miteinander verwoben ist, erzeugt einen einzigartigen Effekt von Volumen und Bildtiefe. Seine Werke sind der Philosophie nicht fremd. Der Zyklus „Leben der Maschinen“ widmet sich der Idee der Zeit: Autos, die einst Luxusgüter waren, wurden in Gemälden von den Geistern der Illusionen zerstört, ein Teil der Natur, die sie aufnimmt. In diesen Gemälden wird der Kampf und die Einheit des technischen Fortschritts mit den Naturkräften mit tiefer Energie und einer besonderen semantischen Implikation vermittelt. In der Serie "On Nature" schafft der Künstler ein Gefühl von unglaublicher Tiefe und Realismus der Naturlandschaft. Indem er subtil mit Farben und Mitteltönen spielt, erzielt er einen erstaunlichen, fast mystischen Effekt, der den Betrachter verzaubert.

John Atwood arbeitet im Pointillismus. Er baut seine Leinwände wie ein Mosaik aus den kleinsten Punkten, Pixeln verschiedener Farbnuancen. Der schlanke Kolorist John Atwood vermittelt Form und Volumen in einem Spiel mit Farben und Mitteltönen und verleiht seinen Charakteren Dynamik. In seinen Gemälden spiegelt er moderne Trends in Bezug auf gesellschaftlich beliebte Themen wider: die Heroisierung von Musikstars, die Ästhetik der Modewelt, die Idealisierung der Weiblichkeit usw.

Otto Wagner ist ein Künstler, der für seine Interpretation ethnischer Motive bekannt ist. Seine Bilder sind Ausdruck der archetypischen Grundbilder in der modernen Interpretation. Sie werden mit einem Spachtel im Stil des Postimpressionismus mit weiten freien Strichen ausgeführt.

Ursula Larsen - der Stil dieser Künstlerin ist auf den ersten Blick erkennbar. Ihr Fokus liegt auf weiblichen Bildern, die sich auf die präraffaelitischen Motive konzentrieren. sie stehen in der mitte eines satten ornamentalen hintergrunds, der die rolle eines externen kontexts spielt. Ihre Gemälde ähneln im Geiste den Motiven des europäischen Jugendstils, der amerikanischen Kunst und des Kunsthandwerks und des russischen Jugendstils, wobei sie sich von der Folklore und den russischen Volksmärchen inspirieren lassen.

Patrick Duchamp fügt seine Leinwände in einen modernen digitalen soziokulturellen Raum ein, in dem ein helles und einprägsames Bild alle anderen Bedeutungen im Namen der Idee aufnimmt oder verdrängt, um die Aufmerksamkeit so vieler Menschen wie möglich zu erregen. Die Themen seiner Bilder, die zu dieser Ideologie passen - Mode, Stars des Showbusiness, moderne Popkultur, Chic und Luxus -, kurz gesagt, alles, was in der modernen Gesellschaft zur Definition des Konsums gehört. Aber er schildert all diese Themen mit subtiler Selbstironie und Psychologie und greift als Technik auf blutrünstiges Papier, Bleistift, Kohle auf Pappe und gestrichenem Papier zurück.

Alice Zimmerman verherrlicht in seinen Gemälden die Schönheit und individuelle Originalität des menschlichen Körpers. Hinter der formalen Einfachheit von Linien und Formen öffnet die Künstlerin die vielschichtige Innenwelt ihrer Figuren. In ihren Gemälden wendet sie sich häufig vertrauten Bildern zu: Weiblichkeit, Mutterschaft, Liebe, Treue, Verrat, Einsamkeit usw., die oft auf philosophische und mythologische Weise interpretiert werden.

Jing Wu ist ein amerikanischer Künstler, der im Stil des abstrakten Expressionismus arbeitet. Als subtiler Kolorist baut er aus dem Chaos der Farbflecken eine subtile Harmonie auf, die den Betrachter mit innerer Ruhe und Gelassenheit erfüllt. Jing Wu-Gemälde lassen sich perfekt mit einer Vielzahl von Einrichtungslösungen kombinieren und eignen sich hervorragend als Farbakzent für jedes Designprojekt.

Die Kunst für Kunst-Ausstellung ist vom 21. bis 28. Oktober von 12 bis 20 Uhr im DNA-Saal des Zentralen Künstlerhauses in 10 Krymsky Val für Besucher geöffnet.