Russische Skulptur: Geschichte, Eigenschaften 1 933 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Kunst in Russland
Für eine Anleitung zum Malen und
Skulptur (ca. 30.000 v. Chr. – 1920) Siehe: Russische Kunst .

Einführung

Im Gegensatz zur Malerei, Skulptur ist im Wesentlichen eine Form von öffentliche Kunst , in denen Monumentalität, Größe und Haltbarkeit gemeinsame, wenn nicht wesentliche Attribute sind. Immerhin haben nur wenige Bildhauer große Anerkennung für kleine Werke erlangt. So könnten wir das sagen plastische Kunst erfordert viel mehr Zeit, Geld und (wohl) ikonografische Stabilität als die meisten anderen Arten von Kunst . Inwieweit die russische Bildhauerei unter mangelnden Ressourcen oder ikonografischen Unsicherheiten gelitten hat, ist unklar, obwohl die Entstehung zahlreicher hochwertiger russischer Bildhauer im frühen 20. Jahrhundert – gleichzeitig mit dem Zusammenbruch der alten Ordnung – darauf hindeutet, dass es nicht an Talent mangelt ein Problem. In diesem Artikel behandeln wir sechs der größten russischen Bildhauer bis 1900 sowie den Goldschmied Carl Fabergé. Wir überprüfen auch die führenden Russische Künstler des frühen 20. Jahrhunderts.

Fedot Shubin (1740-1805)

Zar Peter der Große (1686-1725), die treibende Kraft hinter dem frühen 18. Jahrhundert Petrine Kunst entschied sich für ausländische Bildhauer wie Carlo Bartolomeo Rastrelli d. Ä. (1675-1744), Vater des Architekten Bartolomeo Rastrelli (1700-71). So hat Russland erst seit etwa Mitte der Regierungszeit von Katharina der Großen (1762-96) einen kontinuierlichen Strom einheimischer Bildhauer hervorgebracht. Ein Teil ihres Outputs ist mangelhaft, viel ist kompetent, wenn nicht aufregend; aber hier und da wurde Arbeit auf höchstem Niveau produziert. Unter den großen Bildhauern war Fedot Shubin hervorragend. Als Sohn eines Fischers aus dem Weißen Meer war er selbst bis zu seinem neunzehnten Lebensjahr Fischer. Damals lernte er die Grundlagen seines Handwerks, denn die Fischer des Weißen Meeres waren in ganz Russland bekannt für ihre Schnitzereien in Walbein und Perlmutt sowie für ihre Holzschnitzen . Im achtzehnten Jahrhundert verkauften sie ihre Handarbeiten auf dem Fischmarkt der Erzengel in St. Petersburg, und es ist sehr wahrscheinlich, dass einige der Schnitzereien von Shubins Kindheit den Weg zu den Ständen dort fanden.

1759 erhielt Shubin eine Anstellung als Heizer im Winterpalast in St. Petersburg. Möglicherweise verdankte er diese Ernennung seinem Landsmann, dem angesehenen Dichter Lomonossow, denn auch er war demütig geboren, Sohn von Bauern, Nachbarn der Shubins. Fedots Vater hatte dem zukünftigen Dichter tatsächlich seine Briefe beigebracht. Dies allein hätte Lomonosov für den Sohn prädisponiert, aber Lomonosov war ein erfahrener Exponent von Mosaikkunst und die Hilfe, die er seinem jungen Nachbarn gab, beruhte wahrscheinlich ebenso auf seiner Wertschätzung für Shubins Talent wie auf seiner Dankbarkeit.

Wie auch immer er seinen Lebensunterhalt verdiente, Shubin begann seine Ausbildung sehr bald nach seiner Ankunft in St. Petersburg, als sein Name auf einer Liste von Studenten steht, die an der kaiserlichen Akademie der bildenden Künste bei Nicholas Gillet Bildhauerei studierten. Gillet verehrte Eleganz und Anmut und unterstützte sie leidenschaftlich Griechische Skulptur und die hellenistische Idealisierung des menschlichen Körpers. Shubin hingegen war ein Realist. Gillet mochte seine Ansichten nicht und hielt seinen Stil für unelegant, aber er war weit genug und empfänglich für einen Lehrer, um Shubins Genie anzuerkennen und ein Reisestipendium für ihn zu erhalten.

Shubin brach 1767 mit Empfehlungsschreiben an Diderot und Delarive de Julles nach Paris auf. Auf ihren Rat hin wurde er Schüler von Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), und da sowohl der Meister als auch der Schüler im Herzen Realisten waren, konnte Pigalle Shubin davon überzeugen, dass für die Eleganz, die Gillet für ein Kunstwerk für wesentlich hielt, einiges zu sagen war. Unter dem Einfluss seines neuen Meisters stimmte Shubin zu, Eleganz zu akzeptieren, aber er bemühte sich hauptsächlich, einen klassischen Touch zu erlangen, sein Auge für Details zu entwickeln und den dreidimensionalen Ansatz zu meistern.

Shubin besuchte Italien und England, bevor er nach Russland zurückkehrte. Seine Reisen, zusammen mit seinen Studien, verwandelten ihn von einem temperamentvollen Genie in einen reifen Künstler, und die Skulpturen, die er nach seiner Rückkehr schuf, hatten nichts Experimentelles mehr an sich. Im Gegenteil, sie waren bemerkenswert für ihre Berührungssicherheit, ihre Vielfalt, ihre Vitalität und vor allem ihre psychologische Überzeugungskraft, denn Shubin zeichnete sich durch ein herausragendes Porträt aus. Sein Potemkin , sein Paul I. , sein Zavadovski , alles sein Porträtbüsten In der Tat sind spannende psychologische Studien, und alle offenbaren seine hervorragende Technik. In jedem von ihnen erstrahlt der Charakter des Darstellers in brillanter Klarheit, doch Shubins jahrelange Lehrzeit war nicht verschwendet worden, denn die Ähnlichkeit wurde nicht auf Kosten der Eleganz erreicht. Jede Büste wird mit einer Geldstrafe belegt, um den anspruchsvollsten Geschmack zu befriedigen, und jede reflektiert, wenn auch nur in der akribischen Wiedergabe von Spitzenbesätzen und dem leichten Durchwischen des Gewandes, Shubins Kraft, seine eigenen realistischen Ansichten mit der Beharrlichkeit der Verfeinerung des achtzehnten Jahrhunderts zu kombinieren.

Obwohl Shubin im Portrait von seiner besten Seite war, hat er sich auch in ausgezeichneter Weise hervorgetan dekorative Kunst . Die Flachreliefs, die er für den Cheshmen-Palast sowie für die Kathedralen Trinity und St. Isaac in St. Petersburg anfertigte, erfüllen ihren Zweck auf bewundernswerte Weise. Jedes ist ein sorgfältig ausgearbeitetes und bewundernswert konzipiertes Ganzes, aber alle sind ihrem architektonischen Umfeld untergeordnet, wie es eigentlich sein sollte.

Leider geriet Shubin 1789 in Ungnade, und die verbleibenden 16 Jahre seines Lebens verbrachte er in größter Armut: Er starb in Not. Sein produktives Leben war daher auf 16 Jahre beschränkt. Doch in diesen Jahren schuf er 188 Hauptwerke, davon 40 Büsten, von hoher Qualität.

Etienne Maurice Falconet (1716-1791)

Die Bedeutung von Shubins Leistungen wird wahrscheinlich von der des Franzosen überschattet Etienne Maurice Falconet , der 1766 nach St. Petersburg kam. Er schuf dort nur eine Skulptur, aber dies ist sowohl sein Meisterwerk als auch eine der schönsten Skulpturen der Zeit. Es ist eine Bronze Reiterstandbild von Peter dem Großen, auf einer riesigen Granitplatte montiert, die an einer Stelle, an der Peter oft stand, vom Blitz seines finnischen Bettes gerissen wurde, und eine Strecke von zwölf Meilen in die Hauptstadt zog, weil Form und Größe genau dem entsprachen wurde benötigt, um die Statue auszugleichen. Die Skulptur ist zu einem gewissen Grad ein zusammengesetztes Werk, für Marthe Collot, den der damalige Falconet-Schüler und später seine Frau das Gesicht von Rastrellis Peter-Büste modellierten. Es ist jedoch ein Werk der völligen Einheit, und so viel von Peters und Russlands Geist ist in das Werk eingeflossen, dass es – obwohl es die Schöpfung eines Franzosen ist – im Wesentlichen russisch ist. Es ist ein weiteres Beispiel dafür, wie Russland ausländische Künstler beeinflusste, denn es unterscheidet sich ebenso sehr von Falconets westlichen Werken wie zum Beispiel die Kathedrale von Fioraventi in Moskau von seinen italienischen Kirchen. Seine Größe ist russisch; so ist sein Sinn für latente Energie und Kraft.

Michael Kozlovski (1753-1802)

Falconets Bronze Statue Die Fertigstellung dauerte zwölf Jahre. Russische Bildhauer sahen zu, wie es mit so starkem Interesse wuchs, dass alle von ihm beeinflusst wurden, wenn auch in unterschiedlichem Maße. Michael Kozlovski war vielleicht stärker betroffen als die Mehrheit seiner Kollegen. Wie Shubin war auch er ein Schüler von Gillet, und seine frühen Werke, wie die klassischen Plaketten in Flachrelief für den Marmorpalast in St. Petersburg, waren auf hellenische Weise. Dann entwickelte er eine tiefe Bewunderung für Michelangelo aber zur gleichen Zeit konnte nicht die Faszination von ertragen Nicolas Poussin Romantik. Zwei Besuche in Frankreich entwickelten die letztere Facette seines Geschmacks, und die Skulpturen, die er zu dieser Zeit herstellte, waren von einer Verträumtheit durchdrungen, die etwas an Greuze erinnerte. In den 1790er Jahren trat Kozlovski vor allem aufgrund des Einflusses von Falconet in eine heroische Phase ein und schuf einige schöne pseudoklassische Skulpturen, darunter eine lebensgroße Figur Alexanders des Großen als Jugendlicher, einen Herkules und sein Ross sowie eine Denkmal für Suworow . Sein größtes Werk – die Brunnenstatue von Samson und dem Löwen – ist auf das Jahr 1800 datiert. Sie befand sich bis zu ihrer Zerstörung im letzten Krieg durch die Deutschen in der Großen Kaskade bei Peterhof. Es hatte etwas von Michelangelos Kraft und von Falconets nervöser Energie sowie von wahrer Inspiration. Es zeigte sich, wie groß der Verlust eines Bildhauers Russland durch Kozlovskis relativ frühen Tod war.

Theodore Gordeev (1749–1810)

In seinem Statue von Prometheus zeigt auch Theodore Gordeev deutlich den Einfluss von Falconet. Diese schöne Skulptur ist voll von einem Versprechen, das Gordeev nicht eingelöst hat, denn anstatt die Schwierigkeiten seines Mediums durchzuhalten, wandte sich Gordeev einem einfacheren Weg zu und konzentrierte sich hauptsächlich auf Leichenstatuen und in geringerem Maße auf dekorative Arbeiten, wie z wie seins Reliefskulptur für Woronichins Kasaner Kathedrale. Seine ergreifenden, weinenden weiblichen Figuren, seine Obelisken, Urnen und Medaillons haben die Friedhöfe von St. Petersburg mit Anziehungskraft erfüllt, aber sie bleiben hinter der emotionalen Ebene zurück, die sein Prometheus erreicht hat.

Fedor Shchedrin

Fedor Shchedrin tritt neben Shubin und Kozlovski als dritter großer Bildhauer der Epoche auf. Die meisten seiner Werke sollten architektonische Bauwerke schmücken, doch alle besitzen die emotionale Spannkraft und Feinheit der Konzeption von Reinheit Kunst . Sein bestes Werk wurde für die Admiralität geleistet und beschäftigte ihn von 1806 bis 1811. Die am Haupteingang errichteten Karyatiden und die Kriegerstatuen auf dem Sockel des Kirchturms sind die schönsten seiner Leistungen. Die Karyatiden sind überlebensgroß. Als Zeichen der Standhaftigkeit erheben sie die Erdkugel hoch über ihren Köpfen. Ihre Stärke und geduldige Akzeptanz dieser Belastung kann als Symbol für Russlands Kraft der Ausdauer angesehen werden. Ihre Körper sind hervorragend modelliert und ihre Vorhänge fallen in eine so schöne Linie, dass selbst Gillet nichts gefunden hätte, was sie hätte kritisieren können. Ebenso mächtig und einfallsreich ist der Kopf des Neptun, den Schtschedrin über einer Reihe von Admiralitätsfenstern anbrachte. am eindrucksvollsten sind seine Kraft und seine lakonische Schwere.

Schtschedrin war ein großer Bewunderer der Skulptur des antiken Griechenlands und er bemühte sich oft, seine Schönheit in seiner eigenen Arbeit wiederzugewinnen. In seinen Figuren von Mars und von Endymion Asleep kam er dem Erfolg nahe, denn diese Statuen haben eine Direktheit und eine ungebrochene Fließfähigkeit, die an hellenistische Skulpturen erinnern. Aber seine Göttinnen, wie zum Beispiel seine Venus , Diana oder Psyche , sind weniger erfolgreich, weil sie leicht manieristisch und überfeinert sind. Er zeigt sich von seiner besten Seite – also im dekorativen Bereich. So ist seine enorme weibliche Figur der Newa , die in der Großen Kaskade von Peterhof errichtet wurde und Zurückhaltung, Kraft und Ruhe vereint, zweifellos das Werk eines wahren Künstlers. Diese Statue wurde zusammen mit den übrigen auf Peterhof von den Deutschen in den Jahren 1942-1943 zerstört.

Ivan Martos (1754-1835)

Ivan Martos, der auch Arbeiten erster Ordnung produzierte, war ein Schüler von Kozlovski. Seine Skulpturen – zum Beispiel seine Karyatiden im Thronsaal von Pawlowsk oder sein Totendenkmal für Prinzessin Kurakin – spiegeln noch immer die Strömungen des 18. Jahrhunderts wider. Es dauerte jedoch nicht lange und er kam in Kontakt mit der neoklassizistische Skulptur von Antonio Canova (1757-1822), und seine Bewunderung für diese Werke führte zu einem Stilwechsel, der zum Guten war, denn seine Arbeit erhielt eine neue Direktheit und eine fast klassische Ruhe. Martos ’Büste von Alexander I. ist technisch gesehen vielleicht sein Meisterwerk und hat den zusätzlichen Verdienst, das einzige Bildnis des Kaisers zu sein, sei es in der Malerei oder in der Skulptur, das die rätselhaften und gleichzeitig ansprechenden Aspekte seines Charakters zum Ausdruck bringt.

Ivan Prokofiev (1758–1828)

Obwohl Ivan Prokofiev kein großer Bildhauer ist, fertigte er so viele Dekorationen für St. Petersburgs Häuser an, dass er nicht unbemerkt bleiben kann. Diese gehören größtenteils zu seinen späteren Jahren und basieren ausnahmslos auf allegorischen Themen. Seine frühere Arbeit ist lebhafter – zum Beispiel in Pawlowsk, wo er eine Zeit lang arbeitete Charles Cameron (um 1745–1812), in dem die niedrigen Reliefs für das Äußere des Palastes und für die Umkleidekabine der Großherzogin angefertigt wurden. Peterhof inspirierte jedoch seine besten Leistungen – die prächtigen Tritonenköpfe und die Figur, die den Fluss Wolchow symbolisierte, den er zwischen 1801 und 1802 für die Große Kaskade herstellte.

Prokofjew war praktisch der letzte Bildhauer, dem es gelang, St. Petersburg zu verschönern, denn in den 1840er Jahren begann die Kunst der dekorativen Skulptur in Russland zu sinken und die Aufgabe, die Häuser der Hauptstadt zu schmücken, ging an Handwerker über. Infolgedessen ersetzten massive Verzierungen die gute Verarbeitung, und der Standard der Entwürfe verschlechterte sich ebenso wie ihre Ausführung. Arbeiten aus der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts sind daher größtenteils wertlos.

Michail Wrubel (1856-1910)

Um die Wende des 19. Jahrhunderts kam es zu einer teilweisen Wiederbelebung der Skulptur, hauptsächlich jedoch von Büsten und Ornamenten im Gegensatz zu Statuen, Brunnen und Gedenktafeln. Sie wurden von einer vergleichsweise großen Anzahl kompetenter Bildhauer hergestellt, aber abgesehen von Mikhail Vrubel (1856-1910) erreichte keiner den Höhepunkt ihrer Kunst. Nur Vrubel schuf Arbeiten von hoher Qualität, aber da er im Wesentlichen ein Maler war, für den die Skulptur nur ein gelegentliches Ausdrucksmittel war, sind seine Skulpturen im Maßstab beschränkt und bei weitem nicht zahlreich, doch in Stil und Qualität können sie mit den kleinen verglichen werden Maßstabsarbeit von Auguste Rodin (1840-1917).

Schmuck

Während des gesamten 18. und 19. Jahrhunderts wurden in Russland nach wie vor Metallarbeiten und Schmuck höchster Qualität hergestellt, wobei der Schwerpunkt eher auf der Verfeinerung der Verarbeitung als auf der Entwicklung neuer Formen lag. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts war die russische Handwerkskunst so herausragend, dass unter der Führung von Carl Fabergé in Russland einige der besten Phantasieobjekte hergestellt wurden, die der östlichen oder der westlichen Welt bekannt waren.

Während des gesamten 18. und 19. Jahrhunderts stellten russische Handwerker, die hauptsächlich in Gold und Silber arbeiteten, gemeißelte, geprägte, gravierte und geprägte Gegenstände sowie Niello- und Emailwaren her. Ein außergewöhnlich hoher Standard wurde in Niello erreicht , wo im Gegensatz zur üblichen Praxis die Hintergründe häufig geschwärzt und die Motive in Silber erscheinen gelassen wurden. Wologda war ein besonders wichtiges Zentrum für diese Arbeit, und dort wurden bis zum Ende des 19. Jahrhunderts Qualitätsgegenstände hergestellt.

Künstlerisch wichtiger waren jedoch russische Emails. Bereits im 17. Jahrhundert waren Emails keine Seltenheit mehr und die Farbpalette war umfangreich geworden. Die Emailleure von Moskau und Wologda haben eine bemerkenswerte Vielfalt hervorgebracht und eine schöne Transparenz erreicht. Trotzdem wurden während Peters Regierungszeit vergleichsweise wenige Emails hergestellt, da er die Kunst nicht besonders mochte. Emaillieren kam unter Katharina der Großen mit Rostow und St. Petersburg als den wichtigsten Zentren zur Geltung. Ersteres führte zu äußerst komplizierten Designs, die in einer Vielzahl von Farben ausgeführt wurden. Letzteres bot einen vollständigen Kontrast, denn die Farben beschränkten sich auf das tote Weiß oder das tiefe Blau des Bodens, auf dem die oft aufwändigen Entwürfe in Silber oder Bronze filigran gearbeitet waren. Es ist nicht verwunderlich, dass sich diese äußerst zurückhaltende Kunst nicht als allgemein beliebt erwiesen hat. Die Produktion war in der Tat sehr begrenzt, und auch heute sind solche Emails außerhalb Russlands kaum bekannt.

Weitaus allgemeiner bekannt ist die Goldschmiedekunst von Catherine Regierungszeit, vor allem in Form von Schnupftabakdosen. Die Zahl, die zu dieser Zeit produziert wurde, war gewaltig, aber die Verarbeitung war ausnahmslos von sehr hoher Qualität, und jede Schachtel ist ein Juwel für sich, das auch die anspruchsvollsten Augen erfreuen kann.

Haus von Fabergé (1842-1917)

Ähnlich hohe Kunstfertigkeit und Erfindungsreichtum wurden gegen Ende des 19. Jahrhunderts wieder erreicht, als Carl Fabergé, ein hugenottischer, aber gebürtiger und temperamentvoller Russe, seine berühmten Werkstätten in St. Petersburg gründete. Dort wurden exquisit gestaltete und genial raffinierte Kleinigkeiten aus den seltensten Metallen und Edelsteinen hergestellt, um die Gerichte Europas zu erfreuen. Fabergés Tiere und Vögel gehören technisch gesehen zu den perfektesten Ornamenten überhaupt und sind oft auch von hoher künstlerischer Qualität. Die Tiere zeigen eine äußerst gelungene Verbindung aus westlichem Naturalismus und extremer Stilisierung. Die Blumen zeigen eine fast orientalische Naturbeobachtung, die mit russischer Unberührtheit und Sorgfalt ausgedrückt wird. Beide Objektgruppen können eine fotografische Vergrößerung auf jede Größe aushalten – ein sicherer Test für ihre hervorragenden Proportionen. Die fantastische Fabergé Ostereier , Zigarettenschachteln, einige mit musikalischen Vögeln oder Juwelen, alle Rivalen der französischen Goldschmiedekunst arbeiten auf höchstem Niveau.

Siehe auch: Russische Malerei (19. Jahrhundert) .

Russische Skulptur des 20. Jahrhunderts

Das plötzliche Auftauchen von Picasso und Braque Kubismus (fl.1908-14) hat die Kunstwelt auf die Beine gestellt. So etwas hatte man noch nie gesehen. Bildhauer des 20. Jahrhunderts waren schnell zu reagieren. Die Perspektive wurde flacher und fragmentierter, als eine ganze Reihe dreidimensionaler Arbeiten auftauchte. Beispiele russischer kubistischer Skulpturen sind: Woman Walking (1912, Private Collection) des in der Ukraine geborenen russischen Bildhauers Alexander Archipenko (1887-1964); Symphonie Nr. 1 (1913, MoMA, NY) des in der Ukraine geborenen russischen Experimentalmalers und Bildhauers Vladimir Baranoff-Rossine (1888-1942); Man With Guitar (1915, MoMA, NY) des in Litauen geborenen Künstlers Jacques Lipchitz (1891-1973), einer der bedeutendsten kubistischen Bildhauer.

Italienisch Futurismus (fl.1909-14) war eine weitere einflussreiche Kunstrichtung. Damit sollte die Dynamik und Geschwindigkeit der neuen technologischen Welt zum Ausdruck gebracht werden. Am Beispiel von Umberto Boccionis radikaler Skulptur Unique Forms of Continuity in Space (1913; Besetzung in MoMA NY, Tate London und anderswo) hatte die Bewegung einen großen Einfluss auf die Entwicklung von Kinetische Kunst . Zu den betroffenen russischen Bildhauern gehörten: Naum Gabo (1890–1977), Schöpfer von Kinetic Construction (1919–20, Tate Collection, London).

Die europäische Skulptur vor, während und nach dem Ersten Weltkrieg war weiterhin von den Entwicklungen in Paris geprägt, aber auch von denen im revolutionären Russland, wo Kunst mit politischem Eifer verschmolz, um modernistische Ausdrucksformen wie Konstruktivismus , die Bildhauer herausforderte, Werke aus Industriematerial wie Metall, Glas und Kunststoff zu konstruieren. Beispiele russischer konstruktivistischer Skulpturen sind: Bau Nr. 557 (1919) von Konstantin Medunetsky (1899-1935), Schüler von Tatlin und Rodchenko an der Technisch-Künstlerischen Hochschule in Moskau; Denkmal für die Dritte Internationale (1920, Musee National d’Art Moderne, Paris) des in der Ukraine geborenen russischen Designers Vladimir Tatlin (1885-1953), der den Konstruktivismus gründete; und Spatial Construction No.12c (1920, MoMA, NY) des russischen Bildhauers und Industriedesigners Alexander Rodchenko (1891-1956); Torso (1924-6, MoMA, NY) des in Russland geborenen französischen Bildhauers Anton Pevsner (1884-1962); und konstruierter Kopf Nr. 2 (1916, Nasher Sculpture Center, Dallas) von Naum Gabo. Ein weiterer wichtiger russischer Bildhauer, der mit dieser Form der nicht objektiven Kunst in Verbindung gebracht wurde, war El Lissitzky (1890-1941), Mitglied der nicht-objektive Kunst Gruppe Abstraction-Creation (1931-36).

Zwei weitere in Russland geborene Bildhauer des 20. Jahrhunderts sind Zadkine und Nevelson.

Der New Yorker Louise Nevelson (1899-1988) (geb. Louise Berliawsky) erlangte verspätete internationale Anerkennung für ihren einzigartigen Stil Assemblage-Kunst . Beispiele sind: Dawns Hochzeitskapelle (1959, Whitney Museum of American Art, New York) und Mirror Image 1 (1969, Museum of Fine Arts, Houston).

Der in Russland geborene französische Bildhauer Ossip Zadkine (1890-1967), bekannt für seinen modernen expressionistischen Stil, erlangte weltweite Berühmtheit mit seinem Meisterwerk The Destroyed City (1953, Schiedamse Dijk, Rotterdam) und anderen Werken.

Beispiele für russische Skulpturen sind in einigen der beste Kunstmuseen und Skulpturengärten auf der ganzen Welt.