Russische Skulptur: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Im Gegensatz zur Malerei ist die Bildhauerei im Wesentlichen eine Form der öffentlichen Kunst, bei der Monumentalität, Größe und Dauerhaftigkeit gängige, wenn nicht gar obligatorische Attribute sind. Schließlich haben nur wenige Bildhauer durch Werke von geringem Umfang große Anerkennung erlangt. Man kann also sagen, dass plastische Kunst viel mehr Zeit, Ressourcen und (vielleicht) ikonografische Stabilität erfordert als die meisten anderen Kunstformen .

Inwieweit die russische Bildhauerei unter Geldmangel oder ikonografischer Unsicherheit litt, bleibt unklar, obwohl das Auftauchen einer großen Zahl hochqualifizierter russischer Bildhauer im frühen zwanzigsten Jahrhundert - zur gleichen Zeit wie der Zusammenbruch der alten Ordnung - darauf schließen lässt, dass Mangel an Talent kein Problem war. Schauen wir uns die sechs großen russischen Bildhauer vor 1900 an, sowie den Juwelier Carl Fabergé. Erinnern wir uns auch an die führenden russischen Künstler des frühen zwanzigsten Jahrhunderts.

Fedot Shubin (1740-1805)

Zar Peter der Große (1686-1725), die treibende Kraft hinter der petrinischen Kunst im frühen 18. Jahrhundert, bevorzugte den Einsatz ausländischer Bildhauer wie Carlo Bartolomeo Rastrelli der Ältere (1675-1744), Vater des Architekten Bartolomeo Rastrelli (1700-1771). Erst in der Mitte der Regierungszeit Katharinas II. (1762-96) entstand in Russland ein kontinuierlicher Strom neuer einheimischer Bildhauer. Einigen ihrer Werke mangelte es an Verdienst, viele waren kompetent, aber uninteressant; aber von Zeit zu Zeit erschienen Werke der höchsten Klasse. Unter den herausragenden Bildhauern ragte Fedot Shubin heraus. Der Sohn eines Fischers vom Weißen Meer war selbst bis zu seinem neunzehnten Lebensjahr Fischer. In dieser Zeit erlernte er die Grundlagen seines Handwerks, denn die Weißmeerfischer waren in ganz Russland berühmt für ihre Schnitzereien aus Walknochen und Perlmutt sowie für ihre Holzschnitzereien . Jahrhundert verkauften sie ihre Produkte auf dem Fischmarkt von Archangelsk in St. Petersburg, und es ist wahrscheinlich, dass einige von Shubins Schnitzereien dort zu sehen waren.

1759 fand Shubin irgendwie eine Anstellung als Heizer im Winterpalast in St. Petersburg. Vielleicht verdankte er diese Anstellung seinem Landsmann, dem bedeutenden Dichter Lomonossow, der ebenfalls aus einfachen Verhältnissen stammte und der Sohn von Bauern war, die Nachbarn der Schubins waren. Fedots Vater brachte dem zukünftigen Dichter das Lesen und Schreiben bei. Dies allein hätte Lomonosovs Sympathie für seinen Sohn erhöhen können, aber Lomonosov war ein geschickter Meister der Mosaikkunst, und die Hilfe, die er seinem jungen Nachbarn zukommen ließ, war wahrscheinlich weniger auf Dankbarkeit als auf die Wertschätzung von Shubins Talent zurückzuführen.

Wie auch immer er seinen Lebensunterhalt verdiente, Shubins Studien begannen bald nach seiner Ankunft in St. Petersburg, als sein Name auf der Liste der Studenten erschien, die bei Nikolai Gillet an der Kaiserlichen Kunstakademie Bildhauerei studierten. Gillet verehrte Anmut und Eleganz und war ein glühender Anhänger der griechischen Bildhauerei und der hellenistischen Idealisierung des menschlichen Körpers. Shubin hingegen war ein Realist. Hillel missbilligte seine Ansichten und fand seinen Stil unelegant, aber er war ein weitsichtiger und aufgeschlossener Lehrer, der Shubins Genie erkannte und ihm ein Auslandsstipendium verschaffte.

1767 reiste Shubin mit Empfehlungsschreiben an Diderot und Delarive de Jules nach Paris. Auf ihren Rat hin wird er Schüler von Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785), und da sowohl der Meister als auch der Schüler im Grunde genommen Realisten waren, konnte Pigalle Shubin von der Notwendigkeit der Eleganz überzeugen, die Gilet in einem Kunstwerk für wesentlich hielt. Unter dem Einfluss des neuen Meisters akzeptierte Shubin die Eleganz, war aber in erster Linie an einer klassischen Ausführungsweise, an der Entwicklung eines Sinns für Details und an der Beherrschung einer dreidimensionalen Herangehensweise interessiert.

Shubin besuchte Italien und England, bevor er nach Russland zurückkehrte. Seine Reisen und Studien verwandelten ihn von einem temperamentvollen Genie in einen reifen Künstler, und die Skulpturen, die er nach seiner Rückkehr schuf, hatten nichts Experimentelles an sich. Im Gegenteil, sie zeichnen sich durch Sicherheit im Strich, Vielfalt, Vitalität und vor allem psychologische Überzeugung aus, denn Shubin beherrscht die Porträtmalerei ausgezeichnet.

Seine „Potemkin“ , „Paul I.“, „Zavadovsky“, alle Porträtbüsten sind im Wesentlichen faszinierende psychologische Studien, und alle offenbaren seine hervorragende Technik. In jeder von ihnen tritt der Charakter des Porträtisten mit brillanter Klarheit hervor, aber Shubins Lehrjahre waren nicht umsonst, denn die erreichte Ähnlichkeit geht nicht auf Kosten der Eleganz. Jede Büste wurde verfeinert, um den anspruchsvollsten Geschmack zu befriedigen, und in jeder spiegelt sich, zumindest in der sorgfältigen Wiedergabe von Spitzenverzierungen und dem leichten Schwung der Draperien, Shubins Fähigkeit wider, seine eigenen realistischen Ideen mit dem Beharren des 18. Jahrhunderts auf Raffinesse zu verbinden.

Obwohl Shubin sich in der Porträtmalerei hervortat, war er auch in der dekorativen Kunst herausragend. Die Flachreliefplaketten, die er für den Tschesmenski-Palast, die Dreifaltigkeitskathedrale und die Isaakskathedrale in St. Petersburg anfertigte, erfüllen ihren Zweck perfekt. Jedes von ihnen stellt ein sorgfältig ausgearbeitetes und prächtig konzipiertes Ganzes dar, aber alle ordnen sich ihrem architektonischen Umfeld unter, wie es sich gehört.

Leider fiel Shubin 1789 in Ungnade, und die restlichen sechzehn Jahre seines Lebens verbrachte er in bitterer Armut: Er starb in Armut. Sein fruchtbares Leben war also auf sechzehn Jahre begrenzt. Doch in diesen Jahren schuf er 188 bedeutende Werke, darunter 40 Büsten, die alle von hoher Qualität waren.

Etienne Maurice Falcone (1716-1791)

Die Bedeutung von Shubins Errungenschaften wird vielleicht von denen des Franzosen Etienne Maurice Falcone überschattet, der 1766 nach St. Petersburg kam. Er schuf hier nur eine einzige Skulptur, die jedoch sowohl sein Meisterwerk als auch eine der schönsten Skulpturen seiner Zeit ist. Es handelt sich um ein bronzenes Reiterstandbild von Peter dem Großen, das auf einer riesigen Granitplatte steht, die in Finnland an der Stelle, an der Peter oft stand, vom Blitz aus dem Boden gerissen und zwölf Werst entfernt in die Hauptstadt gebracht wurde, da ihre Form und Größe den Anforderungen der Statue entsprach.

Die Skulptur ist bis zu einem gewissen Grad ein kompositorisches Werk, da Marta Collot, die damalige Schülerin Falcones und spätere Ehefrau, das Gesicht nach der Petrusbüste von Rastrelli modelliert hat. Das Werk ist jedoch ein ganzheitliches Werk, das so viel vom Geist Peters und Russlands in sich trägt, dass es, obwohl es von einem Franzosen geschaffen wurde, im Wesentlichen russisch ist.

Dies ist ein weiteres Beispiel dafür, wie Russland ausländische Künstler beeinflusst hat, denn es unterscheidet sich von Falcones westlichen Werken so sehr wie zum Beispiel Fioraventis Kathedrale in Moskau von seinen italienischen Kirchen. Ihre Dimensionen sind russisch, ebenso wie ihr Sinn für latente Energie und Kraft.

Michail Kozlovsky (1753-1802)

Die Herstellung der Bronzestatue von Falcone dauerte zwölf Jahre. Die russischen Bildhauer verfolgten ihre Entstehung mit so großem Interesse, dass sie alle, wenn auch in unterschiedlichem Maße, von ihr beeinflusst wurden. Mikhail Kozlovsky war vielleicht stärker beeinflusst als die meisten seiner Kollegen.

Wie Shubin war auch er ein Schüler von Gillet, und seine frühen Werke, wie die klassischen Reliefplatten für den Marmorpalast in St. Petersburg, wurden in hellenischer Manier ausgeführt. Er war damals von einer tiefen Bewunderung für Michelangelo durchdrungen, konnte aber gleichzeitig dem Charme der Romantik von Nicolas Poussin nicht widerstehen.

Zwei Reisen nach Frankreich entwickelten die letzte Facette seines Geschmacks, und die in dieser Zeit entstandenen Skulpturen waren von einer Verträumtheit durchdrungen, die an Greuze erinnerte. In den 1790er Jahren trat Kozlowski, vor allem unter dem Einfluss von Falcone, in eine heroische Phase ein und schuf mehrere schöne pseudoklassizistische Skulpturen, wie eine lebensgroße Figur von Alexander dem Großen als junger Mann, Herkules mit seinem Pferd und ein Denkmal für Suworow .

Sein größtes Werk, die Brunnenstatue „des Samson, der den Rachen eines Löwen aufreißt“, stammt aus dem Jahr 1800. Sie stand bis zu ihrer Zerstörung durch die Deutschen während des Großen Vaterländischen Krieges auf der Großen Kaskade in Peterhof. Sie hatte etwas von der Kraft Michelangelos und der nervösen Energie Falcones, aber auch von echter Inspiration. Es zeigte, welch großen Bildhauer Russland durch den vergleichsweise frühen Tod Kozlowskis verloren hatte.

Fjodor Gordejew (1749-1810)

Die Statue des Prometheus von Fjodor Gordejew zeigt ebenfalls deutlich den Einfluss von Falcone. Diese schöne Skulptur ist voller Verheißungen, die Gordeev nicht verwirklichen konnte, denn anstatt sich mit den Schwierigkeiten des Mediums auseinanderzusetzen, wählte er den leichteren Weg und konzentrierte sich hauptsächlich auf monumentale Statuen und in geringerem Maße auf dekorative Werke wie die Reliefs für die Kasaner Kathedrale von Woronichin.

Seine ergreifenden, weinenden Frauenfiguren, Obelisken, Urnen und Medaillons tragen zur Attraktivität der Petersburger Friedhöfe bei, erreichen aber nicht die emotionale Ebene, die sein „Prometheus“ erreicht.

Fjodor Schtschedrin

Neben Shubin und Kozlovsky ist Fyodor Shchedrin der dritte große Bildhauer dieser Periode. Die meisten seiner Werke dienten der Ausschmückung architektonischer Bauten, aber alle haben die emotionale Intensität und Subtilität der reinen Kunst. Seine besten Werke wurden für die Admiralität ausgeführt und beschäftigten diese von 1806 bis 1811. Die Karyatiden am Haupteingang und die Soldatenstatuen am Fuß des Turms sind die besten seiner Werke.

Die Karyatiden sind lebensgroß. Sie verkörpern Tapferkeit und halten die Weltkugel hoch über ihren Köpfen. Ihre Stärke und ihre Geduld, diese Last zu tragen, können als Symbol für die Unerschütterlichkeit Russlands gesehen werden. Ihre Körper sind hervorragend modelliert, und ihre Draperien fallen in so schönen Linien, dass selbst Gillet daran nichts auszusetzen gehabt hätte. Ebenso kraftvoll und phantasievoll ist der Kopf von Neptun, den Shchedrin über einer Fensterreihe in der Admiralität anbrachte; seine Kraft und lakonische Strenge sind beeindruckend.

Shchedrin war ein großer Bewunderer der antiken griechischen Bildhauerei und versuchte oft, ihre Schönheit in seinen Werken wiederzugeben. In den Figuren des Mars und des schlafenden Endymion ist ihm das fast gelungen, denn diese Statuen erinnern durch ihre Unmittelbarkeit und ihr kontinuierliches Fließen an die hellenistische Skulptur. Aber seine Göttinnen, wie z.B. Venus, Diana oder Psyche, sind weniger erfolgreich, weil sie leicht affektiert und übermäßig detailliert sind.

Er zeigt sich am besten auf seinem eigenen Terrain, d.h. im dekorativen Bereich. So ist seine riesige weibliche Figur „Die Newa“, die auf der Großen Kaskade in Peterhof aufgestellt ist und Zurückhaltung, Kraft und Ruhe vereint, zweifellos das Werk eines wahren Künstlers. Die ursprüngliche Statue wurde, wie die anderen Statuen in Peterhof, 1942-1943 von den Deutschen zerstört.

Ivan Martos (1754-1835)

Iwan Martos, der ebenfalls Werke erster Ordnung schuf, war ein Schüler von Kozlowski. Seine Skulpturen, wie die Karyatiden im Thronsaal von Pawlowsk oder das Denkmal für die Fürstin Kurakina auf ihrem Grab, spiegeln noch immer die Tendenzen des achtzehnten Jahrhunderts wider. Jahrhunderts wider. Doch schon bald lernte er die neoklassizistische Bildhauerei von Antonio Canova (1757-1822) kennen, und seine Bewunderung für diese Werke führte zu einem Stilwandel, der ihm zum Vorteil gereichte, da sein Werk eine neue Unmittelbarkeit und eine fast klassische Ruhe erhielt.

Martos’ Büste von Alexander I. ist technisch gesehen vielleicht sein Meisterwerk und die einzige Darstellung des Kaisers in der Malerei oder Bildhauerei, die die rätselhaften und doch attraktiven Aspekte seines Charakters zum Ausdruck bringt.

Iwan Prokofjew (1758-1828)

Obwohl Ivan Prokofiev kein großer Bildhauer war, schuf er so viele Dekorationen für St. Petersburger Häuser, dass sie nicht unbemerkt bleiben können. Sie stammen meist aus der späteren Periode seines Schaffens und basieren ausnahmslos auf allegorischen Themen.

Die frühen Arbeiten sind energischer - zum Beispiel in Pawlowsk, wo er eine Zeit lang für Charles Cameron (ca. 1745-1812) arbeitete und Hochreliefs für die Außenfassade des Palastes und das Ankleidezimmer der Großherzogin schuf. Aber es war Peterhof, das ihn zu seinen besten Leistungen inspirierte: die herrlichen Tritonköpfe und die Figur, die den Fluss Wolchow symbolisiert und die er 1801-1802 für die Große Kaskade schuf.

Prokofjew war praktisch der letzte Bildhauer, der St. Petersburg ausschmückte, denn in den 1840er Jahren begann die Kunst der dekorativen Bildhauerei in Russland zu verfallen, und die Ausschmückung der Häuser in der Hauptstadt ging in die Hände von Handwerkern über. Infolgedessen verdrängte die massive Ornamentik die Feinarbeit, und das Niveau der Entwürfe verschlechterte sich ebenso wie ihre Ausführung. Die Werke der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts sind daher größtenteils ohne Wert.

Mikhail Vrubel (1856-1910)

An der Wende zum 19. Jahrhundert kam es zu einer teilweisen Wiederbelebung der Bildhauerei, allerdings hauptsächlich in Form von Büsten und Ornamenten und weniger in Form von Statuen, Brunnen und Gedenktafeln. Diese wurden von einer relativ großen Zahl kompetenter Bildhauer geschaffen, aber außer Mikhail Vrubel (1856-1910) erreichte keiner von ihnen den Höhepunkt seiner Kunst. Nur Vrubel schuf Werke von hoher Qualität, aber da er im Wesentlichen ein Maler war, für den die Bildhauerei nur ein gelegentliches Ausdrucksmittel darstellte, sind seine Skulpturen in ihrem Umfang begrenzt und bei weitem nicht so zahlreich, aber in Stil und Qualität können sie mit den kleineren Werken von Auguste Rodin (1840-1917) verglichen werden.

Schmuck

Während des gesamten achtzehnten und neunzehnten Jahrhunderts wurden in Russland Metallarbeiten und Schmuck von hervorragender Qualität hergestellt, wobei der Schwerpunkt eher auf der Verbesserung der handwerklichen Fähigkeiten als auf der Entwicklung neuer Formen lag. Jahrhunderts hatte die Kunstfertigkeit der russischen Juweliere ein solches Niveau erreicht, dass unter der Leitung von Carl Fabergé einige der schönsten Fantasieobjekte, die sowohl in der östlichen als auch in der westlichen Welt bekannt waren, in Russland hergestellt wurden.

Im achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert stellten russische Kunsthandwerker, die hauptsächlich mit Gold und Silber arbeiteten, getriebene, geprägte, gravierte und gestempelte Gegenstände sowie geschwärzte und Emaillegegenstände her. Außergewöhnlich hoch war das Niveau der Nielloarbeiten , bei denen entgegen der üblichen Praxis oft der Hintergrund geschwärzt und das Motiv in Silber belassen wurde. Ein besonders wichtiges Zentrum für diese Arbeiten war Wologda, wo bis zum Ende des 19. Jahrhunderts Gegenstände von hoher Qualität hergestellt wurden.

Von größerer künstlerischer Bedeutung waren jedoch die russischen Emaillen. Bereits im 17. Jahrhundert waren Emaillen nicht mehr selten, und die Farbpalette wurde immer umfangreicher. Die Moskauer und Wologdaer Emaillierer stellten sie in großer Vielfalt her und erzielten eine ausgezeichnete Transparenz. Trotzdem wurden in der Regierungszeit Peters vergleichsweise wenige Emaillen hergestellt, da er dieser Kunst nicht sehr zugetan war.

Unter Katharina II. entwickelte sich das Emaillieren, wobei Rostow und St. Petersburg zu den wichtigsten Zentren wurden. Rostow und St. Petersburg wurden zu den wichtigsten Zentren der Emaillierkunst. In Rostow wurden äußerst komplexe Ornamente in einer Vielzahl von Farben hergestellt, während in St. Petersburg das völlige Gegenteil der Fall war: Die Farben beschränkten sich auf einen reinweißen oder dunkelblauen Grund, auf dem elegante, oft sehr kunstvolle Muster in Silber oder Bronze eingraviert wurden. Es überrascht nicht, dass diese zurückhaltende Kunst nicht weit verbreitet war. Ihre Produktion war in der Tat sehr begrenzt, und noch heute sind Emaillen dieser Art außerhalb Russlands kaum bekannt.

Weitaus bekannter sind die Goldwaren aus der Regierungszeit Katharinas, insbesondere die Schnupftabakdosen. Ihre Menge war zu dieser Zeit enorm, aber die Qualität der Verarbeitung ist ausnahmslos hoch, und jede Dose ist in sich selbst ein Juwel, das auch das anspruchsvollste Auge erfreut.

Das Haus Fabergé (1842-1917)

Diese hohe Kunstfertigkeit und dieser Einfallsreichtum wurden Ende des 19. Jahrhunderts erneut erreicht, als Carl Fabergé, ein gebürtiger Hugenotte, aber mit russischem Geist und Temperament, seine berühmten Werkstätten in St. Petersburg gründete. Hier wurden die seltensten Metalle und Edelsteine verwendet, um exquisit geformte und herrlich einfallsreiche Kleinigkeiten herzustellen, die die europäischen Höfe begeisterten.

Fabergés Tiere und Vögel gehören technisch gesehen zu den fortschrittlichsten Schmuckstücken, die es gibt, und sind oft von höchster künstlerischer Qualität. Bei den Tieren die gelungenste Verbindung von westlichem Naturalismus und extremer Stilisierung, bei den Blumen eine fast orientalische Naturbetrachtung, ausgedrückt mit russischer Leichtigkeit und Anspruchslosigkeit.

Beide Gruppen von Objekten können einer fotografischen Vergrößerung auf jede Größe standhalten - ein sicheres Zeichen für perfekte Proportionen. Fabergés atemberaubende Ostereier, Zigarettenschachteln, einige mit musikalischen Vögeln oder Edelsteinen verziert, konkurrieren mit den feinsten Arbeiten der französischen Juweliere.

Siehe auch: Russische Malerei (neunzehntes Jahrhundert) .

Russische Skulptur des 20. Jahrhunderts

Das plötzliche Auftauchen des Kubismus durch Picasso und Braque (um 1908-14) erschütterte die Kunstwelt in ihren Grundfesten. So etwas hatte es zuvor noch nie gegeben. Die Bildhauer des zwanzigsten Jahrhunderts reagierten schnell darauf. Die Perspektive wurde flacher und fragmentarischer, und es entstand eine neue Reihe dreidimensionaler Werke. Beispiele für russische kubistische Skulpturen sind „Walking Woman“ (1912, Privatsammlung) des in der Ukraine geborenen russischen Bildhauers Alexander Arkhipenko (1887-1964); „Symphony No. 1 (1913, MoMA, NY) des russischen experimentellen Künstlers und Bildhauers Vladimir Baranov-Rossine (1888-1942); „Mann mit einer Gitarre“ (1915, MoMA, NY) des in Litauen geborenen Künstlers Jacques Lipshitz (1891-1973), einem der bedeutendsten kubistischen Bildhauer.

Der italienische Futurismus (ca. 1909-14) war eine weitere sehr einflussreiche Kunstrichtung. Sie versuchte, die Dynamik und Geschwindigkeit der neuen technologischen Welt zum Ausdruck zu bringen. Beispielhaft für diese Bewegung ist Umberto Boccionis radikale Skulptur „Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum“ (1913; Abgüsse im MoMA NY, Tate London usw.), die einen großen Einfluss auf die Entwicklung der kinetischen Kunst hatte. Zu den russischen Bildhauern, die von dieser Bewegung beeinflusst wurden, gehörte Naum Gabo (1890-1977), Schöpfer der „Kinetischen Konstruktion“ (1919-20, Sammlung Tate, London).

Die europäische Bildhauerei vor, während und nach dem Ersten Weltkrieg wurde weiterhin von den Ereignissen in Paris und im revolutionären Russland geprägt, wo die Kunst mit politischem Eifer verschmolz, um modernistische Ausdrucksformen wie den Konstruktivismus zu schaffen, der die Bildhauer aufforderte, Werke aus industriellen Materialien wie Metall, Glas und Kunststoff zu schaffen.

Beispiele für die russische konstruktivistische Bildhauerei sind unter anderem: Konstruktion Nr. 557 (1919) von Konstantin Medunetsky (1899-1935), einem Schüler Tatlins und Rodtschenkos an der Höheren Technischen Kunstschule in Moskau; Denkmal für die Dritte Internationale (1920, Nationalmuseum für Moderne Kunst, Paris) des russischen Künstlers Wladimir Tatlin (1885-1953), dem Begründer des Konstruktivismus; Räumliche Konstruktion Nr. 12 c (1920., MoMA, New York) des russischen Bildhauers und Industriedesigners Alexander Rodtschenko (1891-1956); Torso (1924-6, MoMA, New York) des in Russland geborenen französischen Bildhauers Anton Pevzner (1884-1962); und Konstruierter Kopf Nr. 2 (1916, Nasher Sculpture Centre, Dallas) von Naum Gabo. Ein weiterer wichtiger russischer Bildhauer, der mit dieser Form der gegenstandslosen Kunst in Verbindung gebracht wurde, war El Lissitzky (1890-1941), ein Mitglied der Gruppe Gegenstandslose Kunst Abstraktion-Kreativität (1931-36).

Zwei weitere russischstämmige Bildhauer des zwanzigsten Jahrhunderts, die es zu erwähnen gilt, sind Zadkin und Nevelson.

Die New Yorker Bildhauerin Louise Nevelson (1899-1988) (geboren als Louise Berlawski) erlangte erst spät internationale Anerkennung für ihren einzigartigen Stil der Assemblagekunst . Beispiele sind Dawn’s Wedding Chapel (1959, Whitney Museum of American Art, New York) und Mirror Image 1 (1969, Museum of Fine Arts, Houston).

Der in Russland geborene französische Bildhauer Ossip Zadkin (1890-1967), der vor allem für seinen modernen expressionistischen Stil bekannt ist, erlangte Weltruhm durch sein Meisterwerk „Ruined City“ (1953, Schiedamse Dijk, Rotterdam) und andere Werke.

Beispiele russischer Bildhauerei sind in den besten Kunstmuseen und Skulpturengärten der Welt zu sehen.

Handbuch der Malerei und Bildhauerei (ca. 30.000 v. Chr. - 1920) Siehe: Russische Kunst .