Mittelalterliche Skulptur: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

„Mittelalter“ und „Mittelalter“ – eher ungenaue Begriffe, die sich auf den Zeitraum der europäischen Geschichte vom Untergang des Römischen Reiches im Westen (ca. 400 n. Chr.) bis zum Fall von Konstantinopel (1453) beziehen. Dieser Artikel über die mittelalterliche Bildhauerei behandelt die ersten 600 Jahre dieser Epoche, einschließlich der Werke der Bildhauer aus der letzten Periode der Spätantike bis zur Entstehung des europäischen Stils, der als romanische Kunst bekannt ist (1000-1200). Siehe auch unseren Artikel über mittelalterliche christliche Kunst (600-1200) und unsere Biografien bedeutender mittelalterlicher Maler und Bildhauer, wie Ghislebertus (12. Jahrhundert), Meister Mateo (12. Jahrhundert) und Meister Cabestani (ca. 1130-1180).

Römische Bildhauerei

Als Bindeglied zwischen dem Christentum und dem klassischen Erbe nimmt die Zivilisation der Spätantike einen Platz zwischen dem späten Römischen Reich und dem Mittelalter ein. Diese Periode begann mit den langen Regierungszeiten von Diokletian (284-305) und Konstantin (307-337) und dauerte zwei bis drei Jahrhunderte, wobei ihre Dauer von Region zu Region variierte. Nachdem Diokletian eine tetrarchische Regierung mit zwei „Augusti“ und zwei „Caesaren“ eingeführt hatte, wurde das System 313 in eine Diarchie umgewandelt, und 324 vereinigte Konstantin, der Bezwinger des Licinius, das Reich unter dem Christentum. Diese religiöse Freiheit fand bald ihren Ausdruck in der monumentalen christlichen Kunst durch den Bau der ältesten christlichen Basiliken und die Einführung der ersten monumentalen Dekorationen. In den Städten schmückten die städtischen Eliten und die Großgrundbesitzer, die oft Landhäuser besaßen, ihre Häuser prächtig aus. Die öffentliche Architektur versuchte, die Vorbilder der Vergangenheit zu übertreffen. Die Basilica Nova in Rom wurde von Maxentius im Jahr 308 begonnen und von Konstantin vollendet. Ihre drei monumentalen Seitenschiffe standen auf einer breiten Plattform und wurden von einer riesigen westlichen Apsis mit einer kolossalen Statue des Kaisers überragt.

Das Symbol der Stadt, der Triumphbogen Konstantins, der im Jahr 315 vom Senat und dem römischen Volk errichtet wurde, steht in der Nähe des Palatinhügels. Das Monument besteht aus drei Schiffen mit freistehenden Säulen und einer Gruppe von Skulpturen, darunter wiederverwendete Elemente von bereits bekannten Monumenten, um das kaiserliche Erbe zu bekräftigen. Ein historischer Fries an prominenter Stelle in der Mitte veranschaulicht sowohl die kaiserliche Ideologie als auch den Stil der Ära Konstantins. Neben Darstellungen von Reden an die Bürger und Szenen der Verteilung von Subsidien ist vor allem die Inszenierung eines hieratischen Hofrituals bemerkenswert, bei dem der Kaiser eine streng frontale Position einnimmt. Diese Konvention, die durch grüßende Figuren im Profil unterstrichen wird, wurde von Konsuln auf Elfenbeindiptychen, von Villenbesitzern auf Mosaiken und sogar in der Darstellung von Christus inmitten der Apostel unter den Kuppeln von Kirchenscheiteln übernommen.

In der ersten Hälfte des vierten Jahrhunderts erscheint ein gemeinsamer Stil für die Bildhauerei und die farbige bildende Kunst. Daher ähnelt die äußerst lineare und grafische Darstellung von Figuren auf dem Fries des Konstantinbogens und auf modernen Sarkophagen den Mosaiken von Piazza Armerina auf Sizilien, Santa Costanza in Rom, Aquileia in Norditalien und Centella bei Tarragona in Katalonien. Die grundlegenden Elemente der Porträtmalerei mit weit aufgerissenen Augen und kurzen Haaren, die die Rundung des Kopfes betonen, finden sich bereits in den unter der Tetrarchie entstandenen Werken, von denen das berühmteste die Porphyrgruppe der vier Herrscher ist, die im Mittelalter an der Seitenfassade des Markusdoms in Venedig wiederverwendet wurde.

Frühchristliche Bildhauerei

Die Christianisierung der Gesellschaft nahm während des Römischen Reiches stetig zu, aber wir müssen bis in die Spätantike, insbesondere das vierte Jahrhundert, warten, um den öffentlichen Ausdruck der frühchristlichen Skulptur zu sehen – zumindest in Rom. Die ersten christlichen Bilder tauchten in den römischen Katakomben auf, jenen unterirdischen Friedhöfen mit klangvollen Namen (Calixtus, Priscilla, Petrus und Marcellinus), die sich außerhalb der Stadt der Lebenden befanden. Sie waren das römische Pendant zu den oberirdischen Nekropolen an den Eingängen der Reichsstädte. Wir kennen diese frühchristlichen Bilder und den Geschmack und die Kultur der städtischen Elite aus der bildhauerischen Dekoration der Sarkophage, die in Mausoleen oder privaten Anlagen innerhalb der Friedhöfe aufgestellt waren. (Siehe auch: Christliche römische Kunst .)

Die aus Marmor oder Porphyr gefertigten Sarkophage waren mit skulptierten Tafeln verziert, die in jeder Hinsicht mit den Friesen großer öffentlicher Monumente vergleichbar waren. Diese charakteristischen Objekte der Spätantike wurden manchmal „in Massenproduktion hergestellt“ und konnten als standardisierte Produkte von jedem gekauft werden, der zu Lebzeiten seines eigenen Andenkens oder des Andenkens an gerade verstorbene nahe Verwandte gedenken wollte. Wie die Inschrift in Arles bezeugt: „17 Kalendertage im April ruht hier in Frieden Marcia Selsa, die vornehmste Frau, die 38 Jahre, 2 Monate und 11 Tage lebte“. Es war auch möglich, Sarkophage nach individuellen Wünschen zu gestalten. Im zweiten Viertel des 4. Jahrhunderts ordnete Flavius Januarius an, seine verstorbene Frau als betende Figur darzustellen, die in der Mitte der Haupttafel des Sarkophags zwischen den beiden Aposteln und Szenen aus dem Evangelium platziert wurde.

Die Reliefplastik des Sarkophags umfasst mehrere verschiedene Typen: mit spiralförmigen Strukturen, mit einem durchgehenden Fries, auf zwei Registern, mit Kolonnetten usw. Auf die großen bukolischen und pastoralen Szenen folgten bald alttestamentliche Szenen (Jona, Daniel) in typologischem Gegensatz, neutestamentliche Szenen wie das öffentliche Leben Christi und die frühen Ereignisse seiner Passion. Der Tod Christi wird nie dargestellt; der Schwerpunkt liegt dagegen auf seiner Auferstehung, seinem Sieg über den Tod und der Verheißung seiner Wiederkehr am Ende der Zeit.

Zu den bedeutendsten Beispielen gehören die Porphyrsarkophage von Helena und Konstantin (Vatikanmuseum), die zwischen 320 und 340 typische Themen der kaiserlichen Ikonographie oder der Dekoration der reichsten Villen zeigen. Ebenso wie ein mit Jagdszenen verzierter Sarkophag, der 1974 in der Nekropole von Trenquetai in Arles entdeckt wurde. Aus der gleichen Zeit stammt ein Sarkophag mit zwei Registern, die ein verherrlichtes Paar darstellen und dem so genannten Dogmatischen Sarkophag (Vatikanmuseum) sehr ähnlich sind. Neben Episoden aus dem Alten Testament (Adam und Eva) sind auch Szenen aus dem Neuen Testament dargestellt, von der Epiphanie bis zu den Wundern Christi. Diese privaten Propagandamittel geben Aufschluss über die sehr frühe Bekehrung einiger Eliten sowie über deren Geschmack, denn der Sarkophag des Widders wurde zweifellos für viel Geld in Rom gekauft. Der Sarkophag des Junius Bassus ist ein besonders gutes Beispiel für die monumentale Qualität dieser Werke und die Konzentration des christlichen Denkens, die sie vermitteln.

Eine Anmerkung zur Wertschätzung von Skulpturen
Um zu lernen, wie man religiöse mittelalterliche Skulpturen schätzt, siehe: Wie man Skulpturen schätzt . Für neuere Werke siehe: Wie man moderne Skulpturen schätzt .

Barbarische Bildhauerei und Metallarbeiten

Die Ankunft verschiedener germanischer Völker im Westen und ihre Ansiedlung in den Gebieten des antiken Römischen Reiches ab dem 5. Jahrhundert führte zur Entstehung einer eigenständigen Kultur mit römischen und germanischen Komponenten. Die erste Invasion fand im Jahr 401 statt, als die Westgoten unter der Führung von Alarich in Italien einmarschierten. Nachdem sie vor den Toren Roms angekommen waren, zog sich dieses Volk unter der Führung von Ataulf im Jahr 412 nach Südgallien zurück. Etwas früher, Ende 406, überquerten die Vandalen, Alanen und Sueben bei Mainz oder Worms den Rhein und zogen auf die Iberische Halbinsel. Die Geschichte der Feldzüge dieser Völker, ihrer Eroberungen und ihrer fortschreitenden Sesshaftwerdung erstreckte sich über das gesamte 5. Ihre endgültige Sesshaftwerdung in bestimmten Gebieten stellt den ersten Zusammenschluss in der mittelalterlichen historischen Geographie dar. Die Franken in Gallien, die Westgoten auf der Iberischen Halbinsel und die Ostgoten in Italien schufen originelle Kunstwerke, die fast ausschließlich der Metallverarbeitung und der Schmiedekunst zuzuordnen sind. In architektonischer Hinsicht schätzten sie das, was sie in den romanisierten Ländern vorfanden. So zeigen Nekropolen germanische Grabausstattungen, während die von Archäologen ausgegrabenen Villen Architektur und Mosaikkunst in reinster römischer Tradition zeigen. Die Symbiose zwischen diesen verschiedenen künstlerischen Kulturen markiert den Beginn einer neuen mittelalterlichen Zivilisation.

Die Werke der Juweliere aus der Zeit der barbarischen Invasionen waren zahlreich. Sie umfassten liturgische Gegenstände, Tafelgeschirr, Waffen und persönlichen Schmuck. Das Werk des heiligen Eligius, Juwelier am merowingischen Hof und Hersteller liturgischer Gegenstände wie dem Kreuz des heiligen Denis, ist gut bekannt. Aber der Schmuck dieser Zeit wird hauptsächlich anhand von Grabfunden untersucht. Der Schatz von Sutton Hoo ist das bekannteste der königlichen oder fürstlichen Gräber der frühen angelsächsischen Zeit. Sein Inhalt, der sich heute im British Museum befindet, wurde 1939 aus einem vergrabenen Schiff exhumiert. Zu den Gegenständen dieses Schatzes gehörten Einfuhren aus dem östlichen Mittelmeerraum (Silber- und Bronzegeschirr), Schweden (Schilde), dem merowingischen Gallien (Münzen) und dem Rheinland (Rüstungen). Das Datum der Beisetzung wird anhand von byzantinischen Silbergegenständen mit den Prüfstempeln des Kaisers Anastasius ermittelt.

Die angelsächsischen Artefakte in der Schatzkammer von Sutton Hoo bestehen hauptsächlich aus Waffen, Edelsteinen und Gegenständen des täglichen Gebrauchs. Gold ist reichlich vorhanden, und Email – meist Cloisonné – verteilt in kleinen, mehrfarbigen Zellen, die die Oberfläche gliedern. Bei aller Betonung der Technik darf man jedoch nicht das dekorative Repertoire vernachlässigen, das auf zeitgenössischen Produkten zu finden ist. Geometrische Formen und figürliche Verzierungen sind in einem Gewirr von Kurven eng miteinander verwoben, die oft kontinuierliche Wechsel beschreiben. Diese Motive verbreiteten sich in Westeuropa durch die Verbreitung von Artefakten und Manuskripten.

In der Merowingerzeit wurden diese Schmuckstücke in den Gräbern der reichsten Menschen gefunden. Einige von ihnen bevorzugten noch die Bestattung in Sarkophagen in der klassischen Tradition. Die oft trapezförmigen Sarkophage, die im 8. Jahrhundert aus dem Gebrauch kamen, waren mit Kreuzen oder geometrischen Motiven verziert. Eine besondere Gruppe bilden die Gipssarkophage, die in großen Mengen in der Pariser Region gefunden wurden und deren Verbreitungsgebiet sich von Rouen bis Yonne und von der Loire bis zur Marne erstreckte. In Südfrankreich wurde die Produktion von Marmorsarkophagen bis ins 5. Jahrhundert, wenn nicht sogar noch später, fortgesetzt, während insbesondere in Aquitanien eine Gruppe von sattelüberzogenen Sarkophagen mit universell verziertem Blattwerk sicherlich bis zum Ende der Merowingerzeit weiter produziert wurde. Diese Prestigeobjekte reisten durch ganz Europa, aber ihre Schnitzereien wurden wahrscheinlich in den städtischen Werkstätten Aquitaniens hergestellt. Sie entsprachen dem Bedarf der Großgrundbesitzer in Südwestgallien, für die die Jagd noch immer ein beliebter Zeitvertreib war, wie der Sacrophagus im Augustinermuseum in Toulouse beweist.

Zu den privilegierten Gräbern gehört eine Grabkapelle, die 1878 südöstlich der Stadt Poitiers entdeckt wurde und deren bildhauerischer Schmuck von besonderer Bedeutung ist. Dieses Hypogäum, das so genannte Hypogäum der Dünen, bestand aus einem „Gedenkraum“, der von mehreren Kultbauten umgeben war, und befand sich in der Nekropole. Das Monument, das auf das Ende des 7. oder das erste Drittel des 8. Jahrhunderts datiert werden kann, war eine Art Familiengruft mit mehreren Gräbern; eine lange Inschrift auf dem Türpfosten der rechten Tür lautet: „Mellebaudi, Schuldner und Diener Christi, ich habe mir diese kleine Höhle geschaffen, in der mein unwürdiges Grab ruht. Ich habe es im Namen des Herrn Jesus Christus getan, den ich liebe und an den ich geglaubt habe…“

Eine Treppe mit zehn Stufen führt zum Gewölbe. Das Monument besteht aus einem Raum, der durch zwei seitliche Arkosolen erweitert wird. Zusätzlich zu den Säulen und Kapitellen, die den Eingang einrahmen, erstreckt sich die architektonische Skulptur über die drei Stufen der Treppe, die Türpfosten und die Stufe vor dem Altarraum. Diese Dekoration in sehr flachem Relief besteht aus Blättern von Grieben, Fischen und einer vierhörnigen Sense mit Schlangenköpfen an den Gliedern. Das Denkmal bewahrt auch Elemente von geschnitzten Möbeln, die die Existenz gut organisierter Werkstätten belegen. Geflügelte Figuren schmücken die Platten, mit denen die Sarkophage in der Nähe des Altars abgedeckt sind. Eine von ihnen trägt die Symbole der Evangelisten Matthäus und Johannes sowie der Erzengel Raphael und Rachel. Neben dem Altar befand sich ein gemeißelter Säulensockel, der mit zwei an Kreuze genagelten Figuren verziert war, die als zwei Diebe gedeutet werden könnten, die die Kreuzigung Christi umrahmten, die heute verschwunden ist. Das andere Skulpturenfragment stellt den unteren Teil dar und wird in der Inschrift als Simeon bezeichnet.

Stilistisch ähneln diese Skulpturen westgotischen Werken aus dem 7. Jahrhundert und Denkmälern in Norditalien. Soziologisch gesehen veranschaulicht das Hypogäum von Poitiers das Phänomen „der Aristokratisierung“ eines Teils der Nekropole: ein privilegiertes kirchliches Grab, das ursprünglich eine Kapelle gewesen sein könnte und auf jeden Fall privat genutzt wurde. Ein Fragment des Deckels trägt die folgende Inschrift: „Zum Gedenken an Mellebaudis (memoria), Abt, Schuldner Christi. Die Frommen kommen von allen Seiten zu ihm (Christus), um Opfergaben zu bringen, und sie kehren jedes Jahr zurück“. Der Skulpturenschmuck im Hypogäum von Poitiers zeigt ebenso wie die Inschriften und die Spuren der Malerei, dass die merowingischen Eliten über eine hybride Kultur verfügten, in der sich die klassische Kultur, die sich durch östliche Elemente auszeichnet, mit der Kunst der Abwechslung verband, die die plastischen Innovationen des frühen Mittelalters im Westen so deutlich kennzeichnet.

Karolingische Kunst: Elfenbein und Gold

Die kulturelle Wiedergeburt der Karolinger entstand nicht plötzlich, weder mit dem Aufstieg Karls des Großen noch mit seiner Krönung durch den Papst im Jahr 800. Sie begann im späten 7. Jahrhundert in Italien, Gallien und auf den britischen Inseln. Aus dieser Zeit stammt auch die Wiederbelebung des Mönchtums im Westen. Corbie, Lahn, Tours, Fleury-sur-Loire und Saint-Denis waren lange vor der karolingischen Wiedergeburt kulturelle Zentren, die für ihre Skriptorien und Bibliotheken berühmt waren, ebenso wie die germanischen Abteien von Echternach, Sankt Gallen und Fulda. (Siehe Deutsche Kunst des Mittelalters um 800-1250.) Die Herrschaft Karls des Großen und seines Sohnes Ludwig des Frommen (768-855) führte zum Bau von Hunderten von Klöstern, fast dreißig neuen Kathedralen und etwa hundert königlichen Residenzen. Siehe Karolingische Kunst (ca. 750-900).

Der Wunsch, mit dem Ansehen von Rom und Byzanz zu konkurrieren, war der Grund für die Entscheidung Karls des Großen, eine ständige Residenz zu wählen, in der er seinen Hof, seine Schatzkammer und seine Bibliothek einrichten konnte. Die Aachener Pfalz Karls des Großen und das dort nach dem Vorbild von Ravennaat im späten 8. und frühen 9. Jahrhundert errichtete Pfalzzelt bildeten ein Zentrum für religiöse Kunst und für das Studium der Buchstaben, an dem berühmte Meister wie Alkuin teilnahmen. In den Hofwerkstätten wurden illustrierte Manuskripte hergestellt, die eines der wirksamsten Mittel zur Bewahrung der antiken Kultur und zur Verbreitung des modernen Kunstgeschmacks waren. Zu den ersten Büchern, die vor dem Ende des 8. Jahrhunderts am Hof illustriert wurden, gehörte das Evangelienbuch von Godescalca, das die wachsende Bedeutung italienischer und byzantinischer Vorbilder erkennen lässt. Die Handschriften der Ada-Schule, die von der Äbtissin des Klosters, vermutlich der Schwester Karls des Großen, unterzeichnet wurden, markieren einen Moment der Diversifizierung der pfälzischen Schulen, der der Nachfolge Alkuins durch Eginhard entspricht.

Die neuen künstlerischen Tendenzen, die unter Ludwig dem Frommen nach seiner Krönung aufkamen, lassen sich in den Evangelien (Alte Schatzkammer, Wien) nachweisen, und zwar im hellenistischen oder alexandrinischen Stil. In Reims, unter Erzbischof Ebbo, wurden die Handschriften in einem Stil illustriert, in dem die Bewegung dominiert, die die Figuren und ihre Gewänder zu erschüttern scheint. Der Utrechter Psalter, der Ende des ersten Drittels des neunten Jahrhunderts in der Abtei von Utvilliers geschrieben und illustriert wurde, charakterisiert diese karolingische Renaissance und die Schule von Reims besonders durch seine schnelle, scharfe, lebendige und nervöse Feder. Nach dem Tod Karls des Großen und dem Sturz Ebbos in Reims belebten mehrere Künstler die Schule von Saint-Martin Tour wieder, die sich von Abt Vivian (843-851) durch die Illustration von Bibeln mit erzählenden Szenen in übereinanderliegenden Registern unterscheidet.

Die Herstellung von Manuskripten, die in verschiedenen spezialisierten Werkstätten entstanden, erforderte die Arbeit von Goldschmieden und Handwerkern, die sich auf die Elfenbeinschnitzerei spezialisiert hatten, hauptsächlich für die Herstellung von kostbarem Schmuck. Dies erklärt die enge stilistische Beziehung zwischen den illustrierten Manuskripten und der Elfenbeinschnitzerei. Es wurde sogar vermutet, dass die Werkstätten für die Herstellung beider Gattungen ausgerüstet waren. So sind die Elfenbeine der Ada-Schule den Manuskripten aus demselben Kreis sehr ähnlich. Die Einbände der Lorscher Evangelien, die ganz am Ende des 8. Jahrhunderts entstanden, basieren auf byzantinischen Vorbildern aus der justinianischen Zeit, während die Einbände der Dagulf-Psalter ihre Quelle in westlichen frühchristlichen Werken finden. Diese Vielzahl von Quellen beweist auch die Rolle, die diese Werkstätten bei der Überlieferung spätantiker Modelle spielten. In Metz, unter dem Bischof von Drago (825-855), spiegeln die Elfenbeintafeln („Dragos Abendmahl“) die Bewegung wider, die die Handschriften derselben Schule belebte, in denen sich Kontraste mit der Schule von Reims zeigen.

Unter Karl dem Kahlen waren die Werkstätten von Corbie, Reims und Saint-Denis besonders aktiv und hatten eine größere stilistische Affinität zu den Reimser Manuskripten. Der Einband des Psalters Karls des Kahlen (Bibliothèque Nationale, Paris) erinnert besonders an die Interpretation der Handschriften durch die Elfenbeinschnitzer. In diesem Fall ist der Utrechter Psalter das Vorbild –. Die Münchner Kreuzigung mit ihrer Darstellung der Auferstehung unter den Personifikationen von Sonne und Mond und ihren antiken Bezügen zu Oceanus und Roma dürfte ein Meisterwerk dieser Zeit sein. Dieser Elfenbeindeckel ist prächtig mit einer Fassung aus Gold, Edelsteinen und Emaillen umrahmt, was uns einmal mehr dazu anregt, über die Zusammenarbeit zwischen Elfenbeinschnitzern und Juwelieren in diesen hervorragenden Werkstätten nachzudenken. (Für weitere Einzelheiten siehe. Auch: Die Kunst der keltischen Metallhandwerker .)

Die Entwicklung des Reliquienkults und die zunehmende Größe der großen Kirchen boten den Juwelieren in der Karolingerzeit reichlich Arbeit: Urnen, Statuen aller Art , Reliquien aller Art, Bucheinbände und andere Gegenstände für den liturgischen Gebrauch bildeten einen wesentlichen Teil der Produktion und sollten eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Monumentalskulptur spielen. Ein gutes Beispiel dafür ist ein Reliquienschrein, der Triumphbogen Eginhards, der nur durch eine Zeichnung bekannt ist. Er diente zweifellos als Fuß des Kreuzes, und seine reiche Dekoration findet ihre Inspiration in römischen und frühchristlichen Triumphobjekten, während sie gleichzeitig das monumentale ikonographische Bild der großen romanischen Kirchenportale verkündet.

Die karolingische Goldschmiedekunst profitierte von den Fortschritten der Merowingerzeit und kombinierte die antike Praxis der Teilung mit Ziselierungen und Einlegearbeiten. Zu den bekanntesten Werken gehören der Einband des Münchner Codex mit einer in fünf Felder unterteilten Dekoration und die Ziborien von König Arnulf. Aufgrund seiner Größe, seines Ansehens und seines Einflusses auf die Bildhauerei ist auch das Altarbild der Mailänder Front aus Gold und Silber bemerkenswert, das der Juwelier Volvinius unter dem Episkopat von Angilbert II. in Auftrag gab. Die Vorderseite zeigt religiöse Szenen und die Rückseite Szenen aus dem Leben des Ambrosius, eines Mailänder Heiligen. Die stilistischen Unterschiede zwischen den beiden Seiten entsprechen genau der Situation der karolingischen Kunst, die zwischen der glanzvollen Antike und der neuen Ästhetik hin- und hergerissen war. Die Bronzeskulptur und die Statuette „Karls des Großen“ ) Louvre, Paris) weisen deutlich auf diese doppelte Dimension hin und bestätigen die imperiale Idee. Sie spiegelt die Tätigkeit der Werkstätten der Bronzegießer wider, die in der Aachener Kapelle weitere berühmte Werke hinterlassen haben, wie die Gitter der Emporen und Türen. Siehe auch: Ottonische Kunst (ca. 900-1050).

Über eine andere einflussreiche, aber spätere Schule der mittelalterlichen Kunst in Westeuropa, die stark von der karolingischen Kultur beeinflusst war, siehe Maas-Schule, die sich um Lüttich entwickelte und durch die Metallarbeiten und den Schmuck von Nikolaus von Verdun (1156-1232) und Godefroid de Clare (1100-1173) veranschaulicht wurde.

Ergänzende Materialien:
Kunstverständnis
Wie man Skulpturen schätzt