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In der Malerei und Skulptur bezieht sich der Begriff "gegenständliche Kunst" normalerweise auf Bilder, die für das, was sie vorgeben, klar erkennbar sind, wie eine menschliche Figur, eine Banane, ein Baum und so weiter. Solche Bilder müssen nicht dem Leben treu sein. Ein Baum muss also nicht grün oder sogar aufrecht sein, sondern er muss eindeutig einen Baum darstellen oder als solcher erkennbar sein. Im Gegensatz dazu nichtrepräsentativ oder abstrakte Kunst besteht aus Bildern, die keine eindeutige Identität haben und vom Betrachter interpretiert werden müssen.

Trotzdem gibt es keinen absoluten Unterschied zwischen Abstraktion und Realismus . Stellen Sie sich stattdessen ein Kontinuum zwischen (an einem Extrem) reiner Abstraktion und (am anderen Extrem) Ultra-Realismus vor. An einem gewissen Punkt auf dieser Linie werden abstrakte Bilder so gut erkennbar, dass wir sie als repräsentativ bezeichnen können, aber es ist unmöglich, einen solchen Punkt im Voraus zu definieren.

Dennoch kann man sagen, dass Repräsentationskunst alle Bilder umfasst, die ein identifizierbares Objekt oder eine Reihe von Objekten darstellen. Allgemeine Beispiele für diese Art von Kunst Dazu gehören Porträts, traditionelle Landschaften, Gemälde von Alltagsszenen, historische oder mythologische Malerei , Stillleben und natürlich verschiedene Arten von figurativen und Reiterstandbild .

Gemälde oder Skulpturen der menschlichen Form – eine Art Unterkategorie der gegenständlichen Kunst – werden manchmal auch als "figurative Kunst" bezeichnet. Expressionistische Versionen menschlicher Formen (wie die des zeitgenössischen kolumbianischen Malers) Fernando Botero ) kann als "neo-figurativ" bezeichnet werden.

Beobachtung versus Interpretation

Eine andere Möglichkeit, den Unterschied zwischen gegenständlicher und nicht gegenständlicher Kunst zu erkennen, besteht darin, die Dinge aus der Sicht des Künstlers zu betrachten. Repräsentative Maler treten typischerweise als Beobachter auf und versuchen zu reproduzieren, was sie sehen. Natürlich ’interpretieren’ sie das, was sie sehen – daher malen keine zwei Maler eine Szene auf identische Weise -, aber ihr Hauptziel ist es, die Objekte vor ihnen zu beobachten und zu reproduzieren. So zum Beispiel Plein-Air-Malerei – ein Ansatz, der von Impressionisten des 19. Jahrhunderts populär gemacht wurde – ist fast immer gegenständlich.

Nichtrepräsentative Maler hingegen haben einen anderen Fokus. Ihr Ziel ist es, ein „intellektuelleres“ Bild zu schaffen, das keinem erkennbaren Objekt direkt zugeordnet ist und daher interpretiert werden muss. Diese nicht gegenständliche Herangehensweise wird durch die abstrakte Bewegung des 20. Jahrhunderts treffend veranschaulicht, wie in den Werken von Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-70) und Sean Scully (* 1945), deren Gemälde keine objektive Bedeutung haben und muss daher vollständig vom Zuschauer interpretiert werden.

Ursprünge

Die meisten Antike Kunst ist gegenständlich und wurde schon in der Antike praktiziert Steinzeit (ca. 2.000.000–10.000 v. Chr.). Beispiele sind Skulpturen wie die "Venus von Tan-Tan" (Marokko) und die "Venus von Berekhat Ram" (Israel) sowie Höhlenmalereien aus Lascaux (Frankreich) und Altamira (Spanien).

Moderne gegenständliche Kunst leitet sich größtenteils ab griechisch und Römische Kunst (ca. 650 v.Chr. bis ca. 350 v.Chr.), wie am Beispiel von Griechische Skulptur wie "The Marathon Youth" (3. Jahrhundert v. Chr.) von Praxiteles; "The Dying Gaul" (ca. 232 v. Chr.) Von Epigonus; Laokoon und seine Söhne (ca. 40 v. Chr.) Von Hagesandrus, Polydorus und Athenodoru. Eines der besten Beispiele für Repräsentation Römische Skulptur ist das Spiralflachrelief auf Trajansäule aus der Julio-Claudianischen Zeit. Diese Werke der klassischen Antike bildeten die Grundlage für die spätere italienische Renaissance, die selbst bis zum 20. Jahrhundert einen großen Einfluss auf die Künstler ausübte. (Obwohl bis in die Neuzeit unentdeckt, die Chinesische Terrakotta-Armee , geschaffen während der Ära von Qin Dynastie Kunst (221-206 v. Chr.) Ist vielleicht das beste Beispiel für gegenständliche Kunst.)

Stile des Repräsentationalismus

Italienisch Renaissance-Kunst förderte einen "idealen" Typ von Repräsentationalismus, wie ihn die David – Skulpturen von Donatello und Michelangelo . Der menschliche Akt wurde als die höchste Form des kreativen Ausdrucks angesehen, und Figuren wurden häufig in idealisierter Weise gemalt und modelliert. In der Renaissance waren nur sehr wenige „hässliche“ Gesichter oder Körper zu sehen Florenz , Rom oder Venedig . Techniken von Geradlinige Perspektive wurden erforscht und dokumentiert.

Diese Situation änderte sich jedoch während der Manierismus Zeitraum (ca. 1530-1600) beginnend mit Michelangelos Sixtinische Kapelle Fresko "Das Letztes Urteil ". Die Figuren wurden weniger idealisiert und" realer ", insbesondere außerhalb Italiens, wo nichtidealistisches Ölgemälde dominierte, insbesondere in Holland, wo die realistischen Traditionen von Jan Van Eyck (1390-1441) und Roger Van der Weyden (1399-1464) führte zu der unvergleichlichen Schule des niederländischen Realismus, die durch die exquisite Innenausstattung von Jan Vermeer (1632-75) veranschaulicht wird. Aufgrund der Macht der Kirche und des anhaltenden Einflusses der italienischen Renaissance – wie durch die großen europäischen Kunstakademien zum Ausdruck gebracht – war die Realismusbewegung jedoch erst nach der industriellen Revolution (ca. 190-1850) tätig geboren und Maler begannen, die wahre Realität des Lebens anstelle der idealisierten Vielfalt darzustellen. (Siehe aber auch die Englische Schule der figurativen Malerei: 18./19. Jahrhundert .) Dies wirkte sich sowohl auf die Malmethoden als auch auf den Gegenstand aus. Zum Beispiel wurde der Farbe der volle Ausdruck verliehen, als Künstler versuchten, das zu malen, was sie sahen. Wenn also ein Heuhaufen im sterbenden Licht rosa erschien, wurde er rosa gestrichen.

Repräsentative Kunst des 20. Jahrhunderts

In den letzten 30 Jahren des 19. Jahrhunderts wurde die europäische gegenständliche Malerei von den frei fließenden Methoden der Malerei dominiert Impressionismus , deren Mitglieder den traditionellen Fähigkeiten von Zeichnung , Farbe und Zusammensetzung.

Zum Beispiel der Impressionist Edgar Degas (1834-1917), der sich bei Genre-Malerei , war einer der besten Zeichner der Kunstgeschichte, während der Impressionist Porträtkünstler John Singer Sargent (1856-1925) war ein Meister der "au premier coup" -Technik (ein exakter Pinselstrich, keine Überarbeitung) und einer der großen Ölmaler der Neuzeit. Das Erscheinungsbild von Van Gogh (1853-90) in den späten 1880er Jahren signalisierte eine wichtige Veränderung.

Van Gogh ist dramatisch pastos Pinselführung und hochgradig personalisierte Gemälde läuteten den Beginn eines Expressionist Stil, der später von dem Norweger Edvard Munch (1863-1944) und insbesondere von deutschen Gruppen wie Der Blaue Reiter, Die Brücke, Die Neue Sachlichkeit und von Künstlern wie Wassily Kandinsky (1844-1944), Paul Klee (1879-1940) entwickelt wurde), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Otto Dix (1891-1969), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Egon Schiele (1890-1918), Oskar Kokoschka (1886-1980) und Max Beckmann (1884-1950). Der frühe Expressionismus hielt zwar (weitgehend) an einem gegenständlichen Ansatz fest, lehnte jedoch akademische Traditionen ab und bevorzugte stattdessen einen subjektiveren Zugang zur Kunst. Dies führte mit der Zeit zu einer Abschwächung der traditionellen malerischen Methoden, die – in Verbindung mit politischen Ereignissen im frühen 20. Jahrhundert – zu einer Zunahme der abstrakten Kunst und dem Aufstieg der Postmoderne führten. Infolgedessen erlebte die Kunstwelt (bis dahin in New York) in den 1940er Jahren die Dominanz der Form über die Substanz. Siehe auch Repräsentative Malerei in Irland .

Picasso, Kubismus und der Appell der Abstraktion

Neben dem Aufstieg von Deutscher Expressionismus und der ihm zugrunde liegende Subjektivismus, die naturgetreue Malerei, wurde von anderen Künstlern unter Druck gesetzt, die mit ihrem altmodischen Image und dem Mangel an intellektuellen Möglichkeiten unzufrieden waren. Unglücklicherweise warfen diese Künstler bei ihrem Versuch, Kunst neu zu interpretieren und zu modernisieren, das Baby mit dem Badewasser hinaus, ein Phänomen, das vielleicht durch das Werk des hervorragenden spanischen Künstlers Pablo Picasso (1881-73) veranschaulicht wird sowohl in der gegenständlichen als auch in der nichtgegenständlichen Kunst. (Hinweis: Eine Erklärung der modernen Werke von Künstlern wie Picasso finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde : 1800-2000.)

In seiner frühen Karriere (um 1901-7), insbesondere in seiner "Blauen Periode" und "Rosenperiode", konzentrierte sich Picasso auf realistische Malerei. Dies führte zu seiner kurzen "afrikanischen Periode" (époque negre), in der seine Bilder verzerrter wurden (z. B. "Les Demoiselles d’Avignon") und später zu seiner revolutionären Kubismus Stil (um 1908-19), dessen unzusammenhängende Formen (z. B. "Mädchen mit Mandoline", 1910) zu den bekanntesten Beispielen für nichtrepräsentative Malerei zählen. In sehr einfachen Worten dachte Picasso, dass die naturalistische Kunst unter den Impressionisten (1870-1900) und an ihre Grenzen gestoßen war Fauvisten (c.1905). Infolgedessen entschloss er sich, mit weniger gegenständlichen / abstrakten Kunstformen zu experimentieren – ein Ansatz, den er und er Georges Braque als „intellektueller“ betrachtet – woraufhin sie den Kubismus erfanden. (Picassos Reise vom Realismus zur ’Abstraktion’ lässt sich am besten anhand seines Portfolios von Porträts , bis zu seinem berühmten " Schluchzende Frau ", 1937.)

Trotz des wirklich revolutionären Charakters des Kubismus und seines Beitrags zum Kunstgeschichte und trotz Picassos großem kreativen Schaffen in seinen 92 Lebensjahren – ein Oeuvre, das Expressionismus, Kubismus und Surrealismus – Er war nie wirklich an reiner Abstraktion interessiert, und die meisten seiner Meisterwerke waren (wohl) gegenständlich. Beachten Sie auch seine Verwendung der klassizistischen Sprache – siehe: Neoklassische Figurenbilder von Picasso (1906-30) – und sein Beitrag zum Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).

Warum ist Repräsentative Kunst wichtig?

Die objektive Bedeutung einer Aussage hänge nach Ansicht des zweifelsfreien Philosophen Karl Popper davon ab, ob sich diese als falsch erweisen ließe. Wenn nicht gezeigt werden kann, dass es falsch ist, hat es keine große Bedeutung. Zum Beispiel kann meine Aussage: "Ich denke, das ist Kunst" nicht widerlegt werden und hat daher keine große Bedeutung, außer vielleicht als Beweis für meine persönliche Meinung.

Standard der künstlerischen Leistung

Repräsentative Kunst ist vor allem deshalb wichtig, weil sie einen Maßstab darstellt, an dem sich der künstlerische Wert messen lässt. Zum Beispiel a Porträt kann nach der Ähnlichkeit beurteilt werden, die es dem Dargestellten vermittelt; ein Landschaft kann nach seiner Ähnlichkeit mit einer bestimmten Szene beurteilt werden; und eine Straßenszene kann mit dem wirklichen Leben verglichen werden; Ein Bild einer abgedunkelten Szene kann danach beurteilt werden, wie gut es Licht und Schatten usw. darstellt. Nichtrepräsentative Kunst soll jedoch nichts im wirklichen Leben darstellen und kann daher nicht anhand objektiver Kriterien beurteilt werden. Infolgedessen hängt der Ruf von nichtrepräsentativen Malern und Bildhauern möglicherweise ganz von den Launen der Mode in der Kunstwelt ab und nicht von nachweisbaren Fähigkeiten.

Eine Grundlage für alle visuellen Künste

Zweitens ist die gegenständliche Kunst eine wichtige Grundlage für die gesamte visuelle Kunst, da sie von den Fähigkeiten eines Künstlers in Bezug auf Zeichnung, Perspektive, Verwendung von Farbe / Ton, Darstellung von Licht und Gesamtkomposition abhängt: Fähigkeiten, die zahlreiche Formen der visuellen Kunst untermauern. Darüber hinaus können diese objektiven Fähigkeiten den Schülern zum Wohle aller vermittelt werden, nicht zuletzt, weil diese Ausbildung auf künstlerischen Methoden aufbauen, diese aufrechterhalten und verbessern kann.

Macht Kunst für die Öffentlichkeit zugänglich

Drittens tragen sie dazu bei, Kunst für die breite Öffentlichkeit zugänglich zu machen, da gegenständliche Bilder leicht erkennbar und damit spürbar sind. Im Gegensatz dazu können abstrakte oder nicht gegenständliche Kunstwerke erhebliche Kenntnisse seitens des Zuschauers erfordern, bevor sie "wirklich" verstanden werden können. Diese Forderung wirkt oft als bedauerliche "Barriere" zwischen Künstlern und der Öffentlichkeit.

Nichts davon wertet die eigentlichen Vorzüge der abstrakten Kunst ab. Dennoch hoffe ich, dass diese Punkte zeigen, dass gegenständliche Malerei und Skulptur eine unersetzliche Rolle bei der Schaffung, Bewertung und dem Genuss von bildender Kunst spielen und von verantwortlichen Personen und Körpern gleichermaßen stark gefördert werden sollten.