Gegenständliche Kunst Automatische übersetzen

In der Malerei und der Bildhauerei bezieht sich der Begriff „ gegenständliche Kunst“ (häufig wird der gebräuchlichere Begriff „ gegenständliche“ verwendet) in der Regel auf Bilder, die eindeutig als das erkennbar sind, was sie vorgeben zu sein, wie zum Beispiel eine menschliche Figur, eine Banane, ein Baum und so weiter. Solche Bilder müssen nicht unbedingt dem Leben entsprechen. So muss ein Baum nicht grün sein oder sogar aufrecht stehen, aber er muss eindeutig einen Baum darstellen oder als solcher erkennbar sein. Im Gegensatz dazu besteht die ungegenständliche oder abstrakte Kunst aus Bildern, die keine eindeutige Identität haben und vom Betrachter interpretiert werden müssen.

Dennoch gibt es keine absolute Unterscheidung zwischen Abstraktion und Realismus . Stellen Sie sich stattdessen ein Kontinuum zwischen (dem einen Extrem) der reinen Abstraktion und (dem entgegengesetzten Extrem) dem Ultra-Realismus vor. An einem gewissen Punkt auf dieser Linie werden abstrakte Bilder so erkennbar, dass wir sie als gegenständlich bezeichnen können, aber es ist unmöglich, einen solchen Punkt im Voraus zu bestimmen.

Dennoch kann man sagen, dass die gegenständliche Kunst alle Bilder umfasst, die einen identifizierbaren Gegenstand oder eine Reihe von Gegenständen darstellen. Gängige Beispiele für diese Art von Kunst sind Porträts, traditionelle Landschaften, Gemälde häuslicher Szenen, historische oder mythologische Gemälde, Stillleben und natürlich verschiedene Arten von figurativen und Reiterstatuen .

Gemälde oder Skulpturen der menschlichen Gestalt, eine Art Unterkategorie der bildenden Kunst, werden manchmal auch „figurative Kunst“ genannt. Expressionistische Versionen menschlicher Formen (z. B. die Werke des zeitgenössischen kolumbianischen Künstlers Fernando Botero) können als „neofigurative“ Kunst bezeichnet werden.

Beobachtung versus Interpretation

Eine weitere Möglichkeit, den Unterschied zwischen gegenständlicher und ungegenständlicher Kunst zu erkennen, besteht darin, die Dinge aus dem Blickwinkel des Künstlers zu betrachten. Künstler der gegenständlichen Kunst handeln in der Regel als Beobachter und versuchen, das, was sie sehen, wiederzugeben. Natürlich interpretieren „sie“, was sie sehen - daher werden keine zwei Künstler eine Szene auf dieselbe Weise malen -, aber ihr Hauptziel ist es, die Objekte vor ihnen zu beobachten und wiederzugeben. So ist zum Beispiel die Pleinair-Malerei - ein Ansatz, der von den Impressionisten des neunzehnten Jahrhunderts populär gemacht wurde - fast immer gegenständlich.

Im Gegensatz dazu haben nicht-gegenständliche Künstler einen anderen Schwerpunkt. Ihr Ziel ist es, ein eher „intellektuelles“ Bild zu schaffen, das sich nicht direkt auf einen erkennbaren Gegenstand bezieht und das folglich interpretiert werden muss. Dieser ungegenständliche Ansatz wird gut durch die abstrakte Bewegung des 20. Jahrhunderts veranschaulicht, wie z. B. die Werke von Piet Mondrian (1872-1944), Mark Rothko (1903-1970) und Sean Scully (geb. 1945), deren Bilder keine objektive Bedeutung haben und daher allein vom Betrachter interpretiert werden müssen.

Ursprünge

Die meiste antike Kunst ist gegenständlich und wurde bereits in der Steinzeit (ca. 2.000.000-10.000 v. Chr.) praktiziert. Beispiele sind Skulpturen wie „Venus von Tan-Tan“ (Marokko) und „Venus von Berehat Ram“ (Israel) sowie Höhlenmalereien aus Lascaux (Frankreich) und Altamira (Spanien).

Die moderne bildende Kunst ist weitgehend von der griechischen und römischen Kunst (ca. 650 v. Chr. - ca. 350 n. Chr.) abgeleitet.), z. B. die griechische Bildhauerei, wie „Die Jugend von Marathon“ (3. Jahrhundert v. Chr.) von Praxiteles; „Der sterbende Gallier“ (ca. 232 v. Chr.) von Epigonus; Laokoon und seine Söhne (ca. 40 v. Chr.) von Hagesander, Polydorus und Athenodorus. Eines der schönsten Beispiele gegenständlicher römischer Bildhauerei ist das spiralförmige Flachrelief auf der Trajanssäule aus der julisch-claudischen Zeit. Diese Werke des klassischen Altertums bildeten die Grundlage für die italienische Spätrenaissance, die ihrerseits einen großen Einfluss auf die Künstler bis ins 20. Die chinesische Terrakotta-Armee, die während der Kunst der Qin-Dynastie (221-206 v. Chr.) geschaffen wurde, ist vielleicht das größte Beispiel der bildenden Kunst.)

Stile der Darstellung

Die italienische Kunst der Renaissance förderte den „idealen“ Typus der Gegenständlichkeit, der durch die Skulpturen von David Donatello und Michelangelo veranschaulicht wurde. Der Akt galt als die höchste Form des kreativen Ausdrucks, und die Figuren wurden oft in idealisierter Form gezeichnet und geformt. In der Renaissance wurden in Florenz, Rom oder Venedig nur wenige „hässliche“ Gesichter oder Körper dargestellt. Techniken der Linearperspektive wurden untersucht und dokumentiert.

Diese Situation änderte sich jedoch während der Periode des Manierismus (ca. 1530-1600), beginnend mit Michelangelos Fresko Das Jüngste Gericht in der Sixtinischen Kapelle . Die Figuren wurden weniger idealisiert und realer „“, vor allem außerhalb Italiens, wo die nicht-idealistische Ölmalerei vorherrschte, insbesondere in Holland, wo die realistischen Traditionen von Jan Van Eyck (1390-1441) und Rogier van der Weyden (1399-1464) zur Entstehung der unvergleichlichen Schule des holländischen Realismus führten, für die die exquisiten Interieurs von Jan Vermeer (1632-1675) beispielhaft sind.

Dank der Macht der Kirche und des anhaltenden Einflusses der italienischen Renaissance, der sich in den großen europäischen Kunstakademien ausdrückte, entstand jedoch erst nach der industriellen Revolution (ca. 1790-1850) die Bewegung des Realismus, und die Künstler begannen, die wahre Realität des Lebens anstelle einer idealisierten Variante darzustellen. (Siehe aber auch Die englische Schule der figurativen Malerei: 18. bis 19. Jahrhundert). Dies wirkte sich sowohl auf die Malmethoden als auch auf die Themen aus. So kam zum Beispiel die Farbe voll zum Tragen, als die Künstler versuchten, das, was sie sahen, darzustellen. Wenn also ein Heuhaufen im abnehmenden Licht rosa erschien, wurde er rosa gemalt.

Bildende Kunst des 20. Jahrhunderts

In den letzten 30 Jahren des 19. Jahrhunderts wurde die europäische Kunstmalerei von den freien Methoden des Impressionismus beherrscht, dessen Vertreter jedoch großen Wert auf die traditionellen Fertigkeiten der Zeichnung, der Farbe und der Komposition legten.

Der Impressionist Edgar Degas (1834-1917) beispielsweise, der sich in der Genremalerei auszeichnete, war einer der besten Zeichner der Kunstgeschichte, und der impressionistische Porträtist John Singer Sargent (1856-1925) war ein Meister der „au premier coup“ Technik (ein präziser Strich, keine Verfeinerung) und einer der größten Ölmaler der Neuzeit. Das Auftauchen von Van Gogh (1853-1890) in den späten 1880er Jahren bedeutete jedoch eine wichtige Veränderung.

Van Goghs dramatische Pinselführung , sein Impasto und seine stark personalisierten Gemälde markierten den Beginn des expressionistischen Stils, der später von dem Norweger Edvard Munch (1863-1944) und vor allem von deutschen Gruppen weiterentwickelt wurde, wie Der Blaue Reiter, Die Brucke, Die Neue Sachlichkeit und Künstler wie Wassily Kandinsky (1844-1944), Paul Klee (1879-1940), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Otto Dix (1891-1969), Alexej von Jawlensky (1864-1941), Egon Schiele (1890-1918), Oskar Kokoschka (1886-1980), und Max Beckmann (1884-1950). Obwohl der frühe Expressionismus noch einen (weitgehend) gegenständlichen Ansatz verfolgte, lehnte er die akademischen Traditionen ab und bevorzugte einen eher subjektiven Zugang zur Kunst. Dies führte im Laufe der Zeit zu einer Schwächung der traditionellen bildnerischen Methoden, was in Verbindung mit den politischen Ereignissen des frühen 20. Jahrhunderts zum Aufkommen der abstrakten Kunst und der Postmoderne führte. In den 1940er Jahren wurde die Kunstwelt (deren Zentrum New York war) Zeuge einer Vorherrschaft der Form über den Inhalt.

Picasso, der Kubismus und die Anziehungskraft der Abstraktion

Neben dem Aufkommen des deutschen Expressionismus und dem ihm zugrundeliegenden Subjektivismus stand die reale Malerei unter dem Druck anderer Künstler, die mit ihrem altmodischen Image und dem Mangel an geistigen Möglichkeiten unzufrieden waren. Leider haben diese Künstler in ihrem Versuch, „die Kunst neu zu definieren“ und „zu modernisieren“, das Kind mit dem Bade ausgeschüttet“. Dieses Phänomen wird vielleicht durch das Werk des spanischen Künstlers Pablo Picasso (1881-73) veranschaulicht, der sich sowohl in der gegenständlichen als auch in der ungegenständlichen Kunst auszeichnete. (Anmerkung: Für eine Erklärung der zeitgenössischen Werke von Künstlern wie Picasso siehe: Analyse der zeitgenössischen Malerei : 1800-2000).

Zu Beginn seiner Karriere (ca. 1901-7), insbesondere in der „Blauen Periode“ und „Rosa Periode“, konzentrierte sich Picasso auf die realistische Malerei. Es folgte die kurze „Afrikanische Periode“ (époque negre), in der seine Bilder stärker verzerrt wurden (z. B. „Les Demoiselles d’Avignon“), und dann der revolutionäre Stil des Kubismus (ca. 1908-19), dessen disparate Formen (z. B. „Mädchen mit Mandoline“, 1910) zu den bekanntesten Beispielen ungegenständlicher Malerei gehören. Vereinfacht ausgedrückt, war Picasso der Ansicht, dass die naturalistische Kunst während der Epochen des Impressionismus (1870-1900) und des Fauvismus (um 1905) ihre Grenzen erreicht hatte.

Infolgedessen beschloss er, mit ungegenständlicheren (abstrakten) Kunstformen zu experimentieren - ein Ansatz, den er und Georges Braque als eher „intellektuell“ ansahen - und so kamen sie schließlich zum Kubismus. (Picassos Weg vom Realismus zur „Abstraktion“ lässt sich am besten anhand seiner Porträtmappe bis hin zu seiner berühmten „Weinenden Frau“ von 1937 nachvollziehen).

Doch trotz des wirklich revolutionären Charakters des Kubismus und seines Beitrags zur Kunstgeschichte und trotz Picassos immenser Kreativität in seinen 92 Lebensjahren - sein Werk umfasste den Expressionismus, den Kubismus und den Surrealismus - war er nie wirklich an reiner Abstraktion interessiert, und die meisten seiner Meisterwerke waren (wohl) gegenständlich. Man beachte auch seine Verwendung des Idioms des Klassizismus - siehe: Picassos neoklassizistische Figurenbilder (1906-30) - und seinen Beitrag zur Wiederbelebung des Klassizismus in der modernen Kunst (um 1900-30).

Warum ist gegenständliche Kunst wichtig?

Nach dem unvergesslichen Philosophen Karl Popper "hängt die objektive Bedeutung einer Aussage davon ab, ob ihre Falschheit bewiesen werden kann. Wenn ihre Unwahrheit nicht bewiesen werden kann, dann hat sie wenig Bedeutung. Zum Beispiel kann meine Aussage: Ich denke, es ist Kunst - nicht widerlegt werden und hat daher wenig Bedeutung, außer vielleicht als Beweis für meine persönliche Meinung."

Maßstab des künstlerischen Verdienstes

Repräsentative Kunst ist vor allem deshalb wichtig, weil sie einen Maßstab liefert, nach dem der künstlerische Wert beurteilt werden kann. Zum Beispiel kann ein Porträt nach der Ähnlichkeit mit dem Dargestellten beurteilt werden; eine Landschaft kann nach ihrer Ähnlichkeit mit einer bestimmten Szene beurteilt werden; ein Straßenbild kann mit dem wirklichen Leben verglichen werden; ein Gemälde einer abgedunkelten Szene kann danach beurteilt werden, wie gut es Licht und Schatten darstellt, und so weiter. Ungegenständliche Kunst gibt jedoch nicht vor, irgendetwas im wirklichen Leben abzubilden, und kann daher nicht nach objektiven Kriterien beurteilt werden. Infolgedessen kann der Ruf von ungegenständlichen Malern und Bildhauern vollständig von den Launen der Mode in der Kunstwelt abhängen und nicht von ihrem offensichtlichen Können.

Die Grundlage für alle bildende Kunst

Zweitens ist die gegenständliche Kunst eine wichtige Grundlage für alle bildenden Künste, weil sie von den Fähigkeiten des Künstlers im Zeichnen, in der Perspektive, in der Verwendung von Farbe/Ton, in der Darstellung von Licht und in der Gesamtkomposition abhängt: Fähigkeiten, die vielen bildenden Künsten zugrunde liegen. Darüber hinaus können diese objektiven Fähigkeiten den Schülern zum Nutzen aller vermittelt werden, nicht zuletzt, weil ein solcher Unterricht die künstlerischen Methoden nutzen, unterstützen und verbessern kann.

Kunst für die Öffentlichkeit zugänglich machen

Drittens: Da gegenständliche Bilder leicht erkennbar und daher wahrnehmbar sind, tragen sie dazu bei, Kunst für die Allgemeinheit zugänglich zu machen. Im Gegensatz dazu können abstrakte oder nicht gegenständliche Kunstwerke ein beträchtliches Wissen auf Seiten des Betrachters erfordern, bevor sie wirklich „“ verstanden werden können. Diese Anforderung stellt oft eine bedauerliche „Barriere“ zwischen Künstlern und Publikum dar.

All dies schmälert nicht die Vorzüge der abstrakten Kunst. Dennoch hoffe ich, dass diese Bestimmungen zeigen, dass gegenständliche Malerei und Bildhauerei eine unverzichtbare Rolle bei der Schaffung, der Wertschätzung und dem Genuss visueller Kunst spielen und von verantwortungsbewussten Einzelpersonen und Organisationen aktiv gefördert werden sollten.