Religiöse Kunst: Definition, Geschichte, Typen Automatische übersetzen
Definition / Bedeutung
Was ist religiöse Kunst?
Es gibt viele Möglichkeiten, religiöse Kunst zu definieren. Wir können sagen, es ist:
(1) Jedes Kunstwerk, das ein christliches oder biblisches Thema hat ( Christliche Kunst ); oder
(2) Jedes Kunstwerk, das die Verehrung eines Gottes oder einer Gottheit darstellt; oder
(3) Jedes Kunstwerk mit einem islamischen, buddhistischen, hinduistischen, sikhischen, jüdischen, bahaiistischen oder jainistischen Thema oder jede Kunst, die Themen des Shintoismus, des Cao Dai oder der traditionellen chinesischen Religion darstellt.
Bei weiterer Analyse beziehen sich diese Definitionen jedoch eher auf religiösen "Inhalt" als auf religiöse "Qualität". Zum Beispiel würde ein Gemälde einer Kreuzigungsszene, das die Aufmerksamkeit auf ein grundlegend seltsames oder blasphemisches physisches Attribut des sterbenden Christus lenkt, die Beschreibung religiöser Kunst kaum verdienen. Darüber hinaus haben bestimmte Religionen (Ostorthodoxe, Islam) bestimmte Regeln, die die Art der erlaubten Kunst umschreiben: Eine Skulptur Mohammeds würde eher als Gotteslästerung denn als religiöse Kunst angesehen. Um sich als "religiös" zu qualifizieren, muss die betreffende Malerei, Skulptur oder Architektur eine erkennbare moralische Erzählung haben, die das Werk mit der notwendigen heiligen "Qualität" erfüllt. Wie bei der Beurteilung aller Kunst ist die Feststellung, ob dieses moralische Attribut vorliegt oder nicht, im Wesentlichen eine subjektive Aufgabe, obwohl die Antwort in den meisten Fällen ziemlich einfach sein dürfte.
Daher lautet unsere vorgeschlagene Definition von religiöser Kunst wie folgt:
Religiöse Kunst ist jedes Werk, dessen Thema die moralische Botschaft der Religion unterstützt, die es veranschaulichen soll. In diesem Zusammenhang bedeutet Religion jede Menge menschlicher Überzeugungen, die sich auf das beziehen, was sie als heilig, heilig, geistig oder göttlich ansehen – unabhängig davon, ob es sich um Gottheiten handelt oder nicht.
Gemeinsame Arten religiöser Kunst
Seit der Antike war die häufigste Art religiöser Kunst die Malerei und tragbare Skulptur. Die Form der religiösen Kunst mit der größten visuellen Wirkung ist jedoch zweifellos die Architektur . Von dem Ägyptische Pyramiden zum Stonehenge Steinkreis Von der Hagia Sophia in Istanbul bis zur Großen Moschee der Umayyaden von Damaskus, vom Felsendom in Jerusalem bis zum Französischen Gotische Kathedralen von der Petersbasilika in Rom bis zur Taj Mahal haben sich religiöse Autoritäten konsequent der Architektur zugewandt, um ihre Gemeinden zu beeindrucken und zu beeinflussen. Die künstlerischen Innen- und Außendekorationen für diese christlichen, islamischen und buddhistischen Kirchen umfassen typischerweise eine breite Palette an dekorativen Künsten, darunter: Kalligraphie, Keramik, Kunsthandwerk, Ikonen, beleuchtete Manuskripte, Metallarbeiten , Mosaik, Glasmalerei, Tapisserie und Holzschnitzerei.
Weitere Informationen zur Funktion und Gestaltung von Pyramidengräbern im alten Ägypten finden Sie unter: Ägyptische Architektur (ab ca. 3000).
Zweck und Kosten der religiösen Kunst
Die Funktion religiöser Kunst besteht direkt oder indirekt darin, Konvertiten zu gewinnen. Architektur ist daher die Hauptform, da eine Kathedrale eine Gemeinde inspirieren, unterrichten und beherbergen kann. Öffentliche Statuen können ebenso begeistern wie Innenmosaiken und Glasmalerei kann göttliche Geschichten veranschaulichen – nicht unwichtig in Zeiten, in denen Analphabetismus die Norm war. Durch die Darstellung der Botschaft eines geordneten Universums unter Gott trug die christliche Kunst auch zur Schaffung und Erhaltung der sozialen Ordnung bei. Aber es hat seinen Preis. So in ihren Versuchen, die Größe, Schönheit und das Prestige von Rom mit den feinsten Architekturentwürfen, Skulpturen und Fresken wiederzubeleben, Papst Julius II (1503-13) und Papst Leo X (1513-21) hätten die Kirche fast bankrott gemacht. Tatsächlich war die päpstliche Überschreitung der Kunstausgaben ein wichtiger Grund für die Reformation, da dies zu höheren Steuern für das einfache Volk und zu größerer Korruption unter den Beamten der Kirche führte. Trotzdem war die Kirche von Rom in mindestens neun Jahrhunderten zwischen 800 und 1700 der mit Abstand größte Schutzpatron der Künste.
Geschichte der westlichen religiösen Kunst
Früheste prähistorische religiöse Kunst
Niemand weiß genau, wann der Mensch anfing, spezifisch religiöse Kunst zu schaffen. Wir wissen, dass verschiedene Arten von religiösen Bildern in der Ära von zu erscheinen begannen Neolithische Kunst : Beispiele sind: die Terrakotta-Figur "Inthronisierte Göttin" (6.000 v. Chr.), die bei Catal Huyuk in Anatolien, Türkei, ausgegraben wurde; und die sandsteintherianthropische Figur, bekannt als der Fischgott von Lepenski Vir (datiert auf 5.000 v. Chr.), gefunden in einer Donausiedlung in Serbien.
Religiöse Kunst der Antike (ca. 3500 v. Chr. – 400 n. Chr.)
Ägypten war die Heimat einer bedeutenden Menge religiöser Kunst. Die Rolle der ägyptischen Künstler bestand darin, ihren Pharao zu erhöhen – einen weltlichen König, der als göttlicher Herrscher verehrt wurde, angeblich die Inkarnation des Gottes Horus. Der Schwerpunkt von Ägyptische Kunst war die Pyramide – das Grab des Pharao und seines Haushalts -, die typischerweise mit Gemälden, Skulpturen und zahlreichen anderen wertvollen Artefakten gefüllt war, um ihm zu helfen, im Jenseits zu überleben und zu gedeihen. Tempel wurden auch für den lebenden Pharao gebaut, wie sie für die Götter des antiken Griechenlands und Roms waren, und zwar in der Zeit von 600 v. Religiös Griechische Kunst wird am besten durch die Parthenon (gewidmet der Göttin Athena) und andere Tempel auf der Akropolis in Athen. Bis 400 n. Chr. Sind überlebende heilige Kunstwerke fast ausschließlich architektonisch oder skulptural. Nahezu alle Gemälde sind verschwunden. Dies war auch in Nordeuropa der Fall, wo ab Ende des vierten Jahrtausends v. Chr. Zeremonielle – möglicherweise religiöse – Strukturen wie das Newgrange-Grab in Irland und Stonehenge in England entstanden.
Christliche Kunst
Christliche Kunst (meistens Biblische Kunst ) entstand etwa 150 Jahre nach dem Tod Christi. Anfänglich frühchristliche Kunst – einschließlich frühchristliche Skulptur – War eigentlich eine Art von Christlich-römische Kunst kombiniert römische Bilder mit klassischen griechischen Motiven: Das Bild von Christus in Majestät leitet sich sowohl von römischen Kaiserporträts als auch von Darstellungen des griechischen Gottes Zeus ab. In den kommenden Jahrhunderten wurde die christliche Ikonographie schrittweise vereinheitlicht und mit biblischen Texten in Einklang gebracht. Das älteste illuminierte christliche Manuskript der Welt finden Sie unter: Garima-Evangelien (390-660) aus dem äthiopischen Kloster Abba Garima.
[Eine kurze Anleitung zur jüdischen Kunst finden Sie unter Jüdisches Kunstmuseum Jerusalem mit der weltweit umfangreichsten Sammlung aschkenasischer, sephardischer und orientalischer jüdischer Kunsthandwerke]
Byzantinische Religiöse Kunst (um 400-1000)
Byzantinische Kunst in Konstantinopel entstanden eine Reihe außergewöhnlicher Beispiele christlicher Architektur, darunter die Chora-Kirche, die Hagia Irene, die Kirche St. Sergius und Bacchus und die beeindruckende Hagia Sophia (532-37). Außerdem bauten sie die Sophienkirche in Sofia (Bulgarien) (527-65) und die Hagia Sophia in Thessaloniki. Mosaikkunst war auch üblich. Weitere Informationen finden Sie unter: Christliche Kunst, byzantinische Zeit .
Russische Religionsmalerei: Ikonen, Wandmalereien (um 1950-1700)
Die Technik von Ikonenmalerei Verbreitung im gesamten östlich-orthodoxen Raum, insbesondere in Kiew, Nowgorod und Moskau. Tatsächlich wurde es ein Hauptmerkmal von Russische mittelalterliche Malerei . Für die größten russischen Ikonographen siehe: Theophanes der Grieche (c.1340-1410), Gründer der Nowgoroder Schule der Ikonenmalerei ; sein junger Schüler Andrei Rublev (c.1360-1430), berühmt für sein Meisterwerk, das Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit (1411-25); und Dionysius (um 1440-1502), bekannt für seine religiösen Ikonen für das Volokolamsky-Kloster. Das Moskauer Malschule (um 1500-1700) mit den Brüdern Stroganov, Procopius Chirin, Nicephorus Savin und Simon Ushakov (1626-1686).
Religiöse Kunst in Irland (c.600-1150)
Irland wurde durch seine isolierte Lage vor der Romanisierung und der Invasion der Barbaren geschützt und zu einem wichtigen Zentrum für frühchristliche Kunst. Irische Klöster brachten eine Reihe von herausragenden Ergebnissen hervor illuminierte Manuskripte (z. B. Book of Kells), dessen Illustrationen sich auf Designarbeiten aus der keltischen Kultur von La Tene stützten. Keltische Metallkunst wurde auch in einer Reihe von irischen Kirchenschiffen wie der Ardagh Kelch , das Moylough-Gürtelschrein sowie Prozessionskreuze wie im 8./9. Jahrhundert Tully Lough Cross und das große 12. Jahrhundert Kreuz von Cong . Die dritte Art christlicher Kunst, die durch diese Verschmelzung von klösterlicher Andacht und keltischer Kunst hervorgebracht wurde, war Keltische Hochkreuzskulptur , das im Zeitraum von 750 bis 1150 in großer Zahl in ganz Irland hergestellt wurde.
Romanische & Gotische Religiöse Kunst (800-1400)
König Karl der Große der Franken führte das Wiederaufleben der christlichen religiösen Kunst von seinem Aachener Hof aus. Karolingische Kunst Es umfasste Werke der Architektur, mittelalterliche Skulpturen, Wandgemälde, illuminierte Evangelienmanuskripte und mehr. Die Nachfolger Karls des Großen pflegten diese Traditionen in der Zeit von Ottonische Kunst – Bekannt für seine kostbaren Metallarbeiten – Unterstützt von einer wiederbelebten Kirche in Rom. Romanische Kunst und Architektur folgte vom 11. Jahrhundert bis ungefähr 1200, als es durch verdrängt wurde gotische Architektur (beide Rayonnant und Flamboyant) mit seinen hoch aufragenden Bögen und prächtigen Buntglasfenstern. Gotische Skulptur war eindrucksvoller und ausdrucksvoller. Die Gotik erlebte eine der großen Blütezeiten der monumentalen christlichen Kunst, die durch ein umfangreiches Bauprogramm in Frankreich veranschaulicht wurde – siehe zum Beispiel Kathedrale Notre Dame (Paris) und Kathedrale von Chartres – und danach in ganz Europa. Gotische Kathedralen wurden in Laon, Paris (Notre Dame), Chartres, Soissons, Bourges, Reims, Amiens, Beauvais, Auxerre und anderen Städten gebaut. In Deutschland ist die Gothic Style wird beispielhaft durch Strukturen wie Kölner Dom In England traten Kathedralen in Lincoln, Wells, Salisbury, Canterbury, Durham und Ely sowie in York Minster und Westminster Abbey auf. Unter den Architekten wurde eine Armee von Steinmetzarbeitern und anderen Handwerkern eingesetzt, um eine Menge dekorativer heiliger Kunstwerke herzustellen, darunter Säulenstatuen, Mosaike und Statuenskulpturen. Die Spätgotik zeichnete sich durch einen erlesenen Altar aus Holzschnitzen von Handwerkern wie Veit Stoss (um 1447-1533) und Tilman Riemenschneider (um 1460-1531).
Religiöse Malerei der Renaissance des Nordens (1400-1600)
Altarbild Kunst war in dieser Zeit ein fester Bestandteil der niederländischen religiösen Kunst, wie zum Beispiel The Gent Altarbild (1425-32) von Jan van Eyck (1390-1441) und Hubert van Eyck (d.1426), The Portinari-Altarbild (1475) von Hugo van der Goes (1440-82), The Isenheimer Altar (1515) von Matthias Grunewald (1470-1528) und The Deposition (1435), erstellt von Roger Van der Weyden (1400-1464) für die Kirche Notre Dame du Dehors (heute im Museo del Prado, Madrid). Siehe auch die außergewöhnlichen und überzeugenden Fantasiemalereien Garten der irdischen Freuden und Das Haywain-Triptychon (1516) von Hieronymus Bosch und der Turm von Babylon von Pieter Bruegel the Elder.
Religiöse Kunst der italienischen Renaissance (1400-1600)
Vorweggenommen von Giotto Fresken in der Scrovegni-Kapelle (1303-10), Quattrocento- Italienisch Renaissance-Kunst wurde von der christlichen Kirche und auch von weltlichen Führern, wie den Medici und Gonzaga Familien, finanziert, ebenso wie die konservativere Sienesische Schule für Malerei. Ein großer Teil der Malerei und Skulptur der Frührenaissance hatte jedoch religiöse Motive oder Themen: berühmte Beispiele sind: Masaccio Heilige Dreifaltigkeit (1428) und Brancacci Kapelle Fresken (1424-8) Die Ankündigung (um 1450) von Fra Angelico (1395-1455) und The Das letzte Abendmahl (1495-8) von Leonardo Da Vinci (1452-1519). Die Malerei der Hochrenaissance umfasste religiöse Meisterwerke wie die Sixtinische Madonna (1513-14) von Raphael (1483-1520) und das Erstaunliche Genesis Fresko (1508-1512) und Fresko des Jüngsten Gerichts (1536-41) in der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo (1475-1564).
Das berühmteste Werk von Renaissance-Architektur wurde neu gestaltet und umgebaut Petersdom in Rom (1506 & ndash; 1626).
Venedig
Venezianische Malerei Besaß eine Reihe von herausragenden Malern religiöser Themen, insbesondere Tizian (1477-1576) und Tintoretto (1518-94) sowie den Koloristen Paolo Veronese (1528-88) – bekannt für seine riesigen biblischen Bankettszenen wie Hochzeitsfest in Cana (1563, Louvre) und Fest im Hause Levi (1573, Akademie von Venedig). Sehen: Vermächtnis der venezianischen Malerei zur europäischen Kunst.
Beispielhaft für die religiöse Kunst der Renaissance in den Provinzen ist vielleicht die Mariä Himmelfahrt (Kathedrale von Parma) (1526-30) von Antonio Allegri da Correggio (1489-1534).
Religiöse manieristische Gemälde (1530-1600)
Die römisch-katholische Kirche zeigte eine ambivalente Haltung gegenüber dem Stilisierten Manierismus Kunstbewegung. In Italien, zum Beispiel nach dem Konzil von Trient, die stilisierten Formen und Künstlichkeit von Manieristische Malerei wurde als unnötige Störung der liturgischen Botschaft angesehen. Ein Beispiel eines manieristischen Malers, der seinen Stil im Einklang mit den Lehren der Kirche geändert hat: Federico Barocci (1526 & ndash; 1612). Weitere Informationen finden Sie unter: Venezianische Altarbilder (1500-1600). In Spanien wurde die Ausdruckskraft des neuen Stils jedoch als perfektes Mittel angesehen, um intensive religiöse Erfahrungen darzustellen.
Eine wichtige Entwicklung in dieser Zeit war, unter anderem dank Antonello da Messina (1430-1479) und Caravaggio (1573-1610), die Verwendung realistischerer menschlicher Formen bei der Darstellung der Heiligen Familie und anderer biblischer Figuren. Siehe zum Beispiel Christus mit Dornen gekrönt (Ecce Homo) (1470) von Antonello da Messina. Die Architektur der religiösen Renaissance wird durch den Dom von Florenz veranschaulicht, der vom Architekten und Künstler entworfen wurde Filippo Brunelleschi (1377-1446) und durch den Wiederaufbau der 1.100 Jahre alten Peterskirche in Rom (1506-1626) durch Bramante, Raffael, Sangallo, Maderno, Michelangelo und Bernini. Dieses Projekt erstreckte sich über die Hochrenaissance hinaus bis in den Barock.
Spanische Renaissanceschule (16. Jahrhundert)
Die Renaissance in Spanien blieb hinter der in Italien und anderswo zurück. Trotzdem war die spanische Frömmigkeit und Hingabe an die religiösen Dogmen Roms absolut. Es überrascht daher nicht, dass ihre Künstler stark an der Verbreitung und Veranschaulichung der christlichen Botschaft beteiligt waren. Sie umfassten: Alonso Berruguete (c.1486-1561) der größte aller Renaissance-Bildhauer in Spanien, zu dessen Meisterwerken gehören: das Altarbild für das Kloster La Mejorada Valladolid (1526) und die Chorstände in der Kathedrale von Toledo (1539-43). Ebenfalls, Juan de Juni (1507-1577), der berühmte französische manieristische Bildhauer, der sich auf religiöse Themen und den dramatischen Ausdruck von Emotionen spezialisiert hat, wie seine beiden Gruppen der Grablegung Christi (1544, Kathedrale von Valladolid) und (1571, Kathedrale von Segovia) zeigen. Die spanische religiöse Malerei der Spätrenaissance wird durch den manieristischen Maler veranschaulicht El Greco (1541-1614), zu deren Hauptwerken gehören: Die Heilige Dreifaltigkeit (1577); Die Entkleidung Christi (El Espolio) (1577); Das Begräbnis des Grafen Orgaz (1586 & ndash; 88); Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600); Die Eröffnung des fünften Siegels der Apokalypse (1608); Die Anbetung der Hirten (1612-14); Der reuige Petrus (1600); und Christus, der das Kreuz trägt (1600).
Barocke religiöse Kunst (1600-1700)
Nach Martin Luthers Reformation (um 1517) und der Entstehung der neuen Formen von Evangelische Reformation Art , – der Vatikan startete eine energische Kampagne von Katholische Gegenreformationskunst , entwickelt, um seine eigensinnigen Gemeinden in Europa zurückzugewinnen. Malen, sowie malerische Techniken wie Karavaggismus war ein Schlüsselelement dieser religiösen Propagandakampagne. Die Kirche wollte ihre Botschaft direkt an die Gläubigen weitergeben und forderte von ihren Künstlern kompromisslose Klarheit. Um dem gerecht zu werden, mussten die Bilder vor allem realistisch sein, und Caravaggios unverfälschter Realismus war genau auf die Kampagne der Gegenreformation zugeschnitten. Indem er die intellektuellen und stilistischen Ansprüche des Spätmanierismus – ein Stil, der nur von einer gebildeten Minderheit geschätzt wurde – abstreifte, gab er der Malerei die unmittelbare inspirierende Wirkung, die die Kirche von Rom verlangte. Beispiele für seinen religiösen Realismus sind: Die Berufung des heiligen Matthäus (1600), Das Martyrium des heiligen Matthäus (1600), Abendessen in Emmaus (1601), Die Kreuzigung des heiligen Petrus (1601), Bekehrung des hl. Paulus auf dem Weg nach Damaskus (1601), Tod der Jungfrau (1601-6) und Die Grablegung Christi (1601 & ndash; 3).
Eine andere Art von Kunst, die von der katholischen Gegenreformation bevorzugt wurde, war die Quadratura-Freskenmalerei, die Gemeinden mit illusionistischen Mitteln inspirieren sollte. Siehe zum Beispiel: Apotheose des heiligen Ignatius (1694) von Andrea Pozzo.
In Spanien die Frommen Francisco de Zurbaran (1598-1664), stark vom spanischen Quietismus beeinflusst, schuf heilige Gemälde für zahlreiche Klöster und Orden (Kartäuser, Kapuziner, Dominikaner, Jeronymiten ua) sowie Kathedralen und andere kirchliche Autoritäten. Zu seinen bekanntesten Werken zählen Christus am Kreuz (1627), die Apotheose des heiligen Thomas von Aquin (1631) und die Anbetung der Hirten (1638). Der große Diego Velazquez (1599–1660), als virtuoser Porträtist berühmt, schuf auch eine Reihe von Heiligen Gemälden wie Die Unbefleckte Empfängnis (1618), Josephs Mantel (1630) und Christus gekreuzigt (1632). Die spanisch-barocke religiöse Skulptur ist vom Künstler aus Sevilla gut vertreten Juan Martinez Montanes (1568-1649), der wegen seiner Schnitzkunst Gott des Holzes genannt wurde, fertigte hauptsächlich hölzerne Kruzifixe und religiöse Figuren an. Zu seinen bekanntesten Werken gehören der Barmherzige Christus (1603, Kathedrale von Sevilla) und der Santiponce-Altar (1613); und auch durch den Sprengstoff Alonso Cano (1601-1667), bekannt als "spanischer Michelangelo", dessen Meisterwerk die Unbefleckte Empfängnis ist (1655, Kathedrale von Granada).
In Flandern der größte Vertreter der Religiösen des 17. Jahrhunderts Flämische Malerei war Rubens (1577-1640), der unbestrittene Führer der flämischen Barockschule, auf den Spuren früherer religiöser Künstler wie Robert Campin, Hugo van der Goes und Hans Memling.
In Italien, der Heimat der römisch-katholischen Kirche, erhielten Maler wie Nicolas Poussin (1594–1665) und Claude Lorrain (1600–1682) zahlreiche religiöse Aufträge. Die größten Vertreter der italienischen Religionsskulptur waren die unvergleichlichen Bernini (1598-1680) – siehe seine Ekstase von St. Teresa (1645–52), geschaffen für die Cornaro-Kapelle der Kirche Santa Maria della Vittoria in Rom – und seinen großen Rivalen Alessandro Algardi (1598–1654), die beide zahlreiche päpstliche Aufträge erhielten. Aus dem katholischen Barock entstand ein emotionaler Baustil, der das melodramatische Potenzial der Stadtlandschaft voll ausschöpfte. Dies zeigt sich vor allem am Petersplatz (1656-67) und seinen Annäherungen vor dem Petersdom in Rom.
Der Protestantismus hatte seine eigene religiöse Kunst. Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts zeigt einige herausragende alttestamentliche Werke von Rembrandt. Darüber hinaus mögen niederländische Realisten Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Pieter Claesz (1597-1660), Willem Kalf (1622-93) und Willem Claesz Heda (1594-1681) ein Genre namens Vanitas Malerei (basierend auf Prediger 12: 8 "Eitelkeit der Eitelkeiten, sagt der Prediger, alles ist Eitelkeit"), dessen Hauptthema die vergängliche Natur des Lebens und die Absurdität menschlicher Eitelkeiten war. Siehe auch die Kirchengemälde von Emanuel de Witte (1615-92) und Pieter Jansz Saenredam (1597 & ndash; 1665).
In der Zeit von ungefähr 1650 bis 1750 begann sich das Wesen des europäischen Kunstmarktes zu verändern. Bis 1650 war die meiste Kunst gewesen öffentliche Kunst richtet sich an die Massen – meist in Form von Architektur und Skulptur, und das meiste davon religiös. Bis 1750 wurde diese Art von öffentlicher Kunst durch tragbare Staffelei-Kunst abgelöst – hauptsächlich Gemälde für gewerbliche Kunden. Die Ära der hohen Ausgaben der Kirchenbehörden war vorbei.
Rückgang der religiösen Kunst (ab 1700)
Das 18. Jahrhundert war die Ära der absoluten Monarchen, deren despotische Herrschaft auf dem von Gott bestimmten sogenannten "göttlichen Recht der Könige" beruhte. Diese Monarchen, wie Ludwig XIV., Ludwig XV., Die russischen Romanows und die österreichischen Habsburger, waren jedoch zu besorgt darüber, ihren eigenen weltlichen Status zu erhöhen und ihre knarrenden Reiche zu stärken, um Geld in religiöse Malerei, Skulptur oder Architektur zu investieren. Außer auf der Iberischen Halbinsel, wo die spanische Frömmigkeit nie nachließ, war die Macht der römisch-katholischen Kirche durch die Zerstörung ihrer Klöster in den vergangenen zwei Jahrhunderten erheblich geschwächt worden. Diese Kombination aus säkularer und kirchlicher Schwäche führte dazu, dass – mit seltsamen Ausnahmen, wie den katholischen Aufträgen an Giambattista Tiepolo (1696-1770) in Bayern und Venedig – im 18. Jahrhundert der für religiöse Zwecke aufgewendete Geldbetrag erheblich abnahm Kunst. Darüber hinaus stieg in dieser Zeit die Nachfrage von Kaufleuten und Landbesitzern nach Porträts und topografischen Landschaften enorm an. So wie es war, endete die Periode mit der Französischen Revolution, die eine Stimmungsänderung in ganz Europa ankündigte. Von nun an würde die Kunst eher Menschen als Gottheiten feiern.
Das 19. Jahrhundert brachte noch weniger religiöse Kunst hervor. Obwohl die Industrielle Revolution sowohl für Nationen als auch für Einzelpersonen einen erheblichen Überschuss an Wohlstand schuf, wurde sie nicht in christliche Kunst investiert. Stattdessen ging es um die Entwicklung sozialer und öffentlicher Dienstleistungen. Die einzigen regulären Aufträge, die von den Behörden der Kirche angeboten wurden, waren freistehende Aufträge Skulptur verstorbenen Bischöfen und anderen Geistlichen zu gedenken. Und während einige Maler weiterhin biblische Szenen malten, brach die Nachfrage nach religiösen Kompositionen ein – ein Trend, der sich bis ins 20. Jahrhundert fortsetzte. Aber sieh mal Eine Beerdigung in Ornans (1850) des realistischen Malers Gustave Courbet und der seltsamen symbolistischen Werke des belgischen Malers James Ensor (1860-1949), insbesondere Christi Einzug in Brüssel .
Religiöse Kunst des 20. Jahrhunderts
Ein Merkmal der modernen christlichen Kunst im Westen war die Tempelarchitektur der Kirche Jesu Christi der Heiligen der Letzten Tage (Mormonen). Seine Entwicklung – vom einfachen kirchlichen Entwurf des Kirtland-Tempels (erbaut um 1830) über die komplizierten gotischen Stile der frühen Tempel in Utah bis zu den modernen Tempeln, die in Massenproduktion hergestellt werden – zeichnet die Entwicklung der modernen religiösen Architektur selbst nach. Zu den jüngsten postmodernistischen Kirchen gehört die Gemeinschaft des Christus-Tempels in Independence, Missouri; Unity Temple, der von Frank Lloyd Wright (1867-1959) entworfene Unitarian Universalist in Chicago; die von Pietro Belluschi entworfene Kathedrale Mariä Himmelfahrt (San Francisco); und die von Jose Rafael Moneo entworfene katholische Kathedrale Unserer Lieben Frau von den Engeln (Los Angeles). Leider hat das 20. Jahrhundert auch enorme Zerstörungen erlebt: Viele schöne Kirchen und andere religiöse Kunstwerke wurden von den kommunistischen Regimen Osteuropas zerstört. Was die sakrale Malerei anbelangt, so haben die Maler des 20. Jahrhunderts diese mit wenigen Ausnahmen ignoriert und es vorgezogen, sich um den weltlicheren modernistischen und zeitgenössischen Kunstsammler zu kümmern. Außergewöhnliche moderne religiöse Gemälde umfassen: Christus am Kreuz (1936) von Georges Rouault (1871-1958); Ecce Homo (1925) von Lovis Corinth (1958-1925); Christus in Emmaus (1963) von Patrick Caulfield (1936-2005); Crucifixion 3.85 (1985) von Antonio Saura (1930-98); und das seltsame abstrakte Werk St John (1988) von Gerhard Richter (geb. 1932). Inzwischen ist die postmoderne religiöse Skulptur sicherlich ein Beispiel für Virgin Mother (2005) von Damien Hirst (* 1965), die auf der Plaza of Lever House in New York City steht.
Themen der christlichen Kunst
Maler und Bildhauer wurden von Päpsten, religiösen und weltlichen Autoritäten beauftragt, eine Vielzahl von Szenen aus der Bibel zu illustrieren. Die Wahl der Szenen kann von der Religionspolitik sowie von der Art der Kunstform und den beteiligten Medien bestimmt werden. Eines der bekanntesten Themen der religiösen Skulptur ist zum Beispiel David und Goliath : Zeuge der drei Davids, die von Donatello (1386-1466), Andrea del Verrocchio (1435-1488) und Michelangelo (1475-1564) gemeißelt wurden. Leonardo behandelte das schwierige Thema der Unbefleckten Empfängnis in seiner schönen Jungfrau der Felsen (1484-6, Louvre, Paris). Occaisonally spezialisierten sich Künstler auf bestimmte biblische Themen: zum Beispiel die weibliche Barockmalerin Artemisia Gentileschi (1593–1656) gemalt ’ Judith enthauptet Holofernes mehrmals.
Beliebte Kunstgegenstände aus den neutestamentlichen Evangelien
Beliebte Kunstgegenstände aus den alttestamentlichen Evangelien
Nichtchristliche religiöse Kunst
In dieser kurzen Übersicht sind Ausdrücke wie hinduistische Kunst, buddhistische Kunst und islamische Kunst nichts anderes als Überbegriffe für Kunst und dekoratives Handwerk, die in den von der betreffenden Kultur besetzten Gebieten geschaffen wurden. Architektur und Skulptur (oft kombiniert) sind die beiden visuell faszinierendsten Kunstformen. Siehe zum Beispiel das 11. Jahrhundert Kandariya Mahadeva Tempel (1017-29) in Indien, 12. Jahrhundert Angkor Wat Khmer Tempel (1115-45) in Kambodscha und das berühmte Taj Mahal (1632-54) aus dem 17. Jahrhundert – herausragende Beispiele nichtchristlicher religiöser Architektur. Andere Kunstformen sind Reliefskulptur, Bodypainting, Bronzeguss, Kalligraphie, Teppichweberei, Keramik, Kostümdekoration, Vorhänge, Zeichnen, Sticken, Schminken, Friesen, Möbelherstellung, Edelsteinschnitzen, Goldschmieden, Manuskriptenbeleuchtung. Elfenbein schnitzen , Schmuckherstellung, lackierte Buchbinderei, Glanzwaren, Metallverarbeitung, Mosaike, Malerei, Töpferei, Tapisserie-Kunst , Textildesign, Holzschnitzerei ua
Kunst mit Ahnenverehrung
Diese Art von Religion verkörpert eine Vielzahl unterschiedlicher Praktiken und Überzeugungen in Bezug auf die Geister verstorbener Verwandter. Zu den Gesellschaften, deren Kunst und Kultur eng mit der Feier der Verehrung religiöser Vorfahren verbunden waren, zählen mehrere aus der Antike Zivilisation des Mittelmeerraums – siehe zum Beispiel Ägäische Kunst (2600-1100 v. Chr.) – sowie Asiatische Kunst aus Japan, China, Korea, Südostasien und dem indischen Subkontinent. Die Ahnenverehrung war im alten China besonders verbreitet. In den folgenden Quellen finden Sie einen genauen Überblick über die beteiligten chinesischen Kulturen:
Chinesische neolithische Kunst (7500-2000 v. Chr.)
Kultur der Xia-Dynastie (2100-1600 v. Chr.)
Shang-Dynastie Kunst (1600-1050 v. Chr.)
Zhou Dynastie Kunst (1050-221 v. Chr.)
Qin Dynastie Kunst (221-206 v. Chr.)
Han-Dynastie Kunst (206 v. Chr. – 220 n. Chr.)
Hindu Art
Der Hinduismus, der aus dem 2. Jahrtausend v. Chr. Stammt, ist die wichtigste Religion in Indien mit etwa 850 Millionen Anhängern und 64 Arten traditioneller Kunst. Beispielhaft für die hinduistische Malerei sind frühmittelalterliche Werke von Ajanta, Bagh, Ellora und Sittanavasal, während die hinduistische Skulptur nicht durch plastische Fülle, sondern durch einen linearen Charakter mit Konturschwerpunkt wie im Shiva gekennzeichnet ist Statuette [links]. Die hinduistische Architektur umfasst Tempel wie den Akshardham in Delhi, den Hoysaleswara-Tempel in Halebidu, den Chennakesava-Tempel in Belur, den Kesava-Tempel in Somanathapura, den Brihadeeswara-Tempel, Thanjavur und den Sri Ranganathaswamy-Tempel in Srirangam.
Weitere Lektüre über hinduistische Kunst
Für einen kurzen Überblick über die indische Kunst siehe: Indien: Malerei & Skulptur .
Weitere Informationen finden Sie in den folgenden Artikeln:
Klassische indische Malerei (Bis zu 1150 CE)
Postklassische indische Malerei (14.-16. Jahrhundert)
Mughal Malerei (16.-19. Jahrhundert)
Rajput Malerei (16.-19. Jahrhundert)
Indische Skulptur (3300 v. Chr. – 1850)
Buddhistische Kunst
Der Buddhismus, der um 600 v. Chr. Von Siddhartha Gautama gegründet wurde, hat etwa 380 Millionen Anhänger in Indien, Zentral- und Südasien und Japan. Die buddhistische Architektur ist hauptsächlich Tempeln, Klöstern und Schreinen gewidmet, einschließlich Stupas, Dagobas und Pagoden in ganz Asien. Die buddhistische Ikonographie, die in Künsten wie der Bildhauerei verwendet wird, variiert jedoch je nach Region: In Südostasien (Myanmar, Kambodscha, Thailand, Indonesien) fördern die Theravada-Traditionen Bilder von Buddha in vermittelnden oder liegenden Positionen. In Zentralasien (China, Korea, Japan, Tibet, Bhutan, Vietnam, Afghanistan) haben die Mahayana-Traditionen zu einer größeren Bandbreite von Darstellungen geführt, darunter verschiedene Buddhas, Heilige, Bodhisattvas und andere Gottheiten. Für mehr sehen Sie Chinesische buddhistische Skulptur (c.100-Präsens). Buddhistische 3-D-Kunst wird durch die Sandsteinskulpturen von Mathura, Indien, veranschaulicht. (Weitere Informationen finden Sie unter: Japanische Kunst , und Chinesische Kunst .)
Anmerkung: Chinesische buddhistische Kunst – insbesondere Malerei, Skulptur und Gebäudeentwurf – nahm während der östlichen Jin-Dynastie (317-420), der südlichen und nördlichen Dynastie (420-581), des Sui-Reiches (589-618) und des größten Teils der Tang-Dynastie zu (618-906) und das Lied (906-1279) Epochen. Weitere Informationen finden Sie in den folgenden Ressourcen:
Kunst der sechs Dynastien (220-589)
Sui-Dynastie Art (589-618)
Tang-Dynastie Art (618-906)
Song-Dynastie Art (906-1279)
Yuan-Dynastie Kunst (1271-1368)
In Korea, wo der Buddhismus um 370 n. Chr. Aus China kam, blieb die buddhistische Kultur länger stark: Einzelheiten siehe Koreanische Kunst (ab ca. 3.000 v. Chr.). In Indien war die Beziehung zwischen Buddhismus, Hinduismus und Islam äußerst komplex. Die hinduistische Kunst wurde von der jüngeren buddhistischen Kunst beeinflusst, bis der Buddhismus um 950 n. Chr. Unter anderem aufgrund des wachsenden Einflusses des Islam (und der islamischen Kunst) parallel zum Hinduismus verblasste. Aufgrund dieses Einflusses passten die hinduistischen Architekten ihre Entwürfe an die Traditionen der neuen Religion an, wie dies im Entwurf und in der Konstruktion von Taj Mahal und Gol Gumbaz dargestellt ist. Beachten Sie aber auch den jüngsten Konflikt religiöser Ideologien in Afghanistan, als Taliban-Muslime die monumentalen Steinskulpturen, die als Buddhas von Bamyan bekannt sind, zerstörten.
Weitere Informationen zur Entwicklung der buddhistischen Kunst und Kultur in Ostasien finden Sie unter: Chinesische Kunst Timeline (ca. 18.000 v. Chr. – Gegenwart).
Islamische Kunst
Der Islam, der im 7. Jahrhundert n. Chr. Vom Propheten Mohammed gegründet wurde, hat rund 1, 5 Milliarden Anhänger. Wie seine Glaubensgenossen, Islamische Kunst ist eine Mischung aus vielen Kulturen. Obwohl es das muslimische Credo bezüglich der absoluten Macht des Einen Gottes (Allah) widerspiegelt, vereint es Elemente der griechischen und frühchristlichen Kunst sowie die großen Kulturen Ägyptens, Byzanz und des alten Persiens im Nahen Osten mit dem östlichen Erbe von Indien und China. Dennoch ist der Einfluss der Araber, die die alte islamische Welt eroberten, von größter Bedeutung. Es hat den Koran (Qur’an), die arabische Schriftform, die Kufic- und Naskhi- Schriften des traditionellen Islam verbreitet Kalligraphie , eine unendliche Vielfalt abstrakter Ornamente und ein ganzes System linearer Abstraktion (Arabesken), das allen Formen der islamischen Kunst eigen ist. Diese abstrakte Designarbeit gleicht das islamische Verbot der figurativen Reproduktion aus.
Andere bemerkenswerte islamische Künste und Handwerke schließen ein: keramische Kunst, insbesondere Glanzware, Steinschnitzen, Textilseidenkunst und Wandmalerei. Die Buchmalerei war eine iranische Spezialität, wie das Manuskript Manafi al-Hayawan (Nützlichkeit von Tieren) (1297) und der Jami al-Tawarikh von Rashid al-Din zeigen. Emailliertes Glas und Metallarbeiten wurden ebenfalls hoch geschätzt, beispielsweise das exquisite Metallbecken der Mamluk-Silberarbeiten, das als "Baptistere de Saint Louis" (Syrien, 1290-1310) bekannt ist. Die islamische Architektur ist besonders berühmt für religiöse Bauwerke wie den Felsendom (Jerusalem, erbaut von Abd al-Malik, 691); die Große Moschee von Damaskus (fertiggestellt 715); der Alhambra-Palast (Granada, c.1333-91); die Große Moschee von Samarkand (seit 1400); Die osmanische Moschee des Sultans Ahmet I. ("Blaue Moschee") (Istanbul, 1603-17); die gewölbte Moschee von Shaykh Lutfullah (1603-18), erbaut von Safavid-Architekten in Isfahan; Die Mogularchitektur umfasst den Palastkomplex von Fatehpur Sikri (um 1575), der während der Regierungszeit von Akbar erbaut wurde, sowie den erhabenen Taj Mahal (1630-53), der von Kaiser Shah Jahan in Erinnerung an seine Lieblingsfrau Mumtaz Mahal erbaut wurde.
Einheimische religiöse Kunst
Stammeskunst (auch bekannt als primitive einheimische Kunst), dh Kunst und Kunsthandwerk, die von indigenen Ureinwohnern aus Stammesgesellschaften in Afrika, dem Südpazifik und Indonesien, Australien, Amerika und Alaska hergestellt wird, ist in der Regel viel heiliger oder religiöser als westliche Kunst. Dies liegt daran, dass Stammesreligionen allgegenwärtig waren. So verkörperten Stammesbilder (Gemälde), Skulpturen (Stein- oder Holzschnitzereien) oder 3D-Modelle (Masken) die Lebenskräfte, die in allen Lebewesen vorhanden sind. Manchmal stellten diese Bilder die Geister der Toten dar, die lebenswichtige Essenz der Stammesvorfahren. Leider sind viele solcher Kunstwerke umgekommen oder wurden mit weißen Entdeckern getauscht. Was bleibt, sind hauptsächlich Steinmetzarbeiten (Skulpturen, Tempel), einige Erdarbeiten oder verschiedene Formen der Felskunst. Trotzdem wurden einige außergewöhnliche Funde einheimischer religiöser Kunst gemacht, darunter: (1) prähistorische Gemälde in den Höhlen von Laas Gaa’l in Hargeisa in Somalia, die Zeichnungen von Männern und Frauen enthielten, die Vieh verehrten und religiöse Rituale durchführten; (2) Gemälde in Ukhahlamba-Drakensberg, Südafrika, die Tiere und Menschen darstellen, die nach Ansicht von Experten religiöse Überzeugungen repräsentieren. Weitere Einzelheiten zur primitiven religiösen Kunst finden Sie unter: Stammeskunst .
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