Postmoderne Kunst: Definition, Charakteristika, Geschichte Automatische übersetzen

Der Begriff „postmoderne Kunst“ bezieht sich auf die breite Kategorie der aktuellen Kunst, die seit etwa 1970 entstanden ist. Ein charakteristisches Merkmal der „postmodernen Kunst“ ist die Ablehnung der Ästhetik, auf der ihr Vorgänger, die „moderne Kunst“ (1870-1970), beruhte. Ein solcher abgelehnter Wert ist die Vorstellung, dass „Kunst“ etwas „Besonderes“ ist, das über den Volksgeschmack "erhaben" sein sollte.

Zusammen mit einer Reihe neuer technologischer Entwicklungen hat die Postmoderne zu fast fünf Jahrzehnten künstlerischer Experimente mit neuen Medien und neuen Kunstformen geführt, darunter „Konzeptkunst“, verschiedene Arten von „Performance“ und „Installation“ sowie computerbasierte Bewegungen wie Dekonstruktivismus und Projektionskunst. Mit Hilfe dieser neuen Formen erweiterten postmoderne Künstler die Definition von Kunst bis zu dem Punkt, an dem fast alles“ „unter sie passt.

Leider sind die meisten Artikel über die Postmoderne voll von komplizierten Wörtern wie „Moderne“ (nicht dasselbe wie die Moderne), „Postmoderne“ (anders als die Postmoderne), „Meta-Moderne“ (nahe an der Postmoderne, aber nicht Teil davon) und „Post-Postmoderne“ (mach mal halblang). Anstelle von Fachjargon möchte ich Ihnen ein einfaches Beispiel geben, um Ihnen zu helfen, „postmoderne Kunst“ zu verstehen und wie sie sich von „moderner Kunst“ und ihrem noch früheren Vorgänger „akademischer Kunst“ unterscheidet.

Der erste große Kunststil nach der Renaissance war die akademische Kunst, die Klassiker, die von Professoren in Akademien gelehrt wurden. Die akademische Kunst ist die künstlerische Entsprechung des traditionellen „Anzugs und der Krawatte“. Dann, um 1870, kam die „moderne Kunst“. Sie ist die künstlerische Entsprechung von „Hemd und Hose“ oder „Jackett und Hose“. Dann, um 1970, kommt „die postmoderne Kunst“, die das künstlerische Äquivalent zu „Jeans und T-Shirt“ ist. So wie die Kleiderordnung weniger formell und mehr „leger“ und „für alle Gelegenheiten“ geworden ist, so sind auch die zeitgenössischen Künstler weniger von den alten Vorstellungen davon beeindruckt, was Kunst sein sollte, und konzentrieren sich mehr darauf, etwas (irgendetwas) zu schaffen, das Aufmerksamkeit erregt.

Aber informelle Kleidung wie Jeans und T-Shirts sind nur deshalb populär geworden, weil die Gesellschaft selbst weniger formell geworden ist. Wie wir noch sehen werden, ist auch die „postmoderne Kunst“ Teil eines umfassenderen technologischen, politischen und sozialen Wandels im Westen, der viele neue Einstellungen und Verhaltensweisen mit sich gebracht hat. Die volle Auswirkung des Internets auf die Suche nach und die Verbreitung von künstlerischen Bildern sowie auf die Schaffung von angewandter Kunst und Design muss erst noch spürbar werden. Aber da sie bereits die Musikindustrie revolutioniert hat, werden ihre Auswirkungen auf die Kunstwelt wahrscheinlich nicht lange auf sich warten lassen.

Definition der postmodernen Kunst

Wenn Sie wirklich eine Definition der postmodernen Kunst in einem Satz brauchen, hier ist sie:

Ein Kunststil nach den 1960er Jahren, der die traditionellen Werte und politisch konservativen Annahmen seiner Vorgänger zugunsten einer breiteren, unterhaltsameren Kunstauffassung ablehnt und neue, durch Video- und Computertechnologie bereicherte Kunstformen verwendet.

Wie unterscheidet sie sich von der zeitgenössischen Kunst

Was ist der Unterschied zwischen postmoderner und zeitgenössischer Kunst? In der Praxis sind die beiden Begriffe mehr oder weniger austauschbar. Technisch gesehen bedeutet „postmoderne Kunst“ jedoch „nach der modernen Kunst“ und bezieht sich auf einen bestimmten Zeitraum (z. B. 50 Jahre lang) ab etwa 1970, während „zeitgenössische Kunst“ sich auf den dynamischen 50-Jahres-Zeitraum unmittelbar vor der Gegenwart bezieht. In der Gegenwart fallen die beiden Zeiträume zusammen. Aber zum Beispiel im Jahr 2050 wird die „postmoderne Kunst“ (1970-2020) von einer anderen Epoche abgelöst werden, während „zeitgenössische Kunst“ den Zeitraum 2000-2050 abdeckt. Die beiden Konzepte werden sich also voneinander entfernen.

Wie sie sich von der Spätmoderne unterscheidet

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff „Spätmoderne“ auf Bewegungen oder Tendenzen, die einige Aspekte der „modernen Kunst“ ablehnen, ansonsten aber in der modernistischen Tradition stehen. Stile wie der Abstrakte Expressionismus (1948-65) wurden von einer Reihe radikaler moderner Künstler praktiziert, darunter Jackson Pollock, der Erfinder des Action Painting, und Willem de Kooning, der viele der formalen Konventionen der Ölmalerei ablehnte. Doch weder Pollock noch de Kooning schufen so etwas wie de Koonings „Ausgelöschte Zeichnung“ Rauschenberg (1953, San Francisco Museum of Modern Art), da beide fest den modernistischen Konzepten von Authentizität und Bedeutung verpflichtet blieben.

Auch unter den Anhängern postmoderner Bewegungen wie dem Modernen Realismus (1970er Jahre bis heute) und dem Neoexpressionismus (1980er Jahre bis heute) gab es viele Künstler, die eher modernistisch als postmodernistisch arbeiteten. In Bezug auf die Kleiderordnung ist die Spätmoderne das künstlerische Äquivalent „von Hemd und Hose“, allerdings in leuchtendem Gelb.

Hintergrund

„Die moderne Kunst“ wird gewöhnlich mit dem Jahrhundert 1870-1970 in Verbindung gebracht - ungefähr vom Impressionismus bis zur Pop Art. Trotz mehrerer globaler Katastrophen - dem Ersten Weltkrieg (1914-18), der Grippepandemie (1918-19), dem Wall-Street-Crash und der Weltwirtschaftskrise (Ende der 1920er, 1930er Jahre) -, die viele der moralischen Grundlagen der Epoche untergruben, hielten moderne Künstler im Allgemeinen am Glauben an die grundlegenden wissenschaftlichen Gesetze der Vernunft und des rationalen Denkens fest. Im Allgemeinen glaubten sie, wie die meisten Westler dieser Zeit, dass das Leben einen Sinn hat, dass wissenschaftlicher Fortschritt automatisch etwas Gutes ist, dass das christliche Abendland dem Rest der Welt überlegen ist und dass Männer den Frauen überlegen sind.

Die Modernisten glaubten auch an die Bedeutung, die Relevanz und den Fortschritt der Kunst, insbesondere der bildenden Künste und der Architektur. In den Fußstapfen von Leonardo und Michelangelo glaubten sie an „hohe Kunst“ - Kunst, die den kultivierten Betrachter erhebt und inspiriert, und nicht an „niedere Kunst“, die die Massen lediglich amüsiert oder unterhält. Sie vertraten einen zukunftsorientierten Ansatz und betrachteten Kunst als etwas, das sich unter der Leitung einer führenden Gruppe von Avantgarde-Künstlern ständig weiterentwickeln sollte.

Der Zweite Weltkrieg und der Holocaust stellen alles auf den Kopf. Paris wurde abrupt von New York als Kunsthauptstadt der Welt abgelöst. Nach Auschwitz wurde die gesamte bildende Kunst mit Ausnahme der Holocaust-Kunst plötzlich irrelevant, so dass sich die zeitgenössischen Künstler der Abstraktion zuwandten (wenn auch mit Emotionen, Symbolismus oder Animation durchsetzt), um sich auszudrücken. Überraschenderweise leitete in den 1950er Jahren die New York School mit den Gemälden von Jackson Pollock und der ruhigeren Farbfeldmalerei von Mark Rothko eine vorübergehende Wiederbelebung der Kunst auf beiden Seiten des Atlantiks ein. Diesen Avantgarde-Künstlern gelang es, die Grenzen der abstrakten Malerei neu zu definieren, aber sie blieben innerhalb der Grenzen der Moderne. Sie glaubten an die Schaffung authentischer, vollendeter Kunstwerke mit wichtigen Inhalten.

Doch die Ära „der Moderne“ neigte sich unaufhaltsam ihrem Ende zu. Die zunehmenden Enthüllungen über den Holocaust, die Atombombentests, die Kubakrise (1962) und den Vietnamkrieg (seit 1964) führten zu einer zunehmenden Desillusionierung der Menschen über das Leben (und die Kunst). Bereits Mitte der 50er Jahre schufen Jasper Johns und Robert Rauschenberg die ersten postmodernistischen Werke im Stil von Neo-Dada und Pop Art. Der Mainstream der Pop Art wurde bald zum eigentlichen Beginn der Postmoderne, da sich die amerikanischen Fernsehsender auf die Tet-Offensive 1968 und den chaotischen Demokratischen Kongress in Chicago konzentrierten.

In der Architektur des 20. Jahrhunderts war die Situation etwas anders. Die Gestaltung moderner Gebäude wurde von dem Wunsch beeinflusst, einen völlig neuen Stil für den „modernen Menschen“ zu schaffen. Die Architekten der Moderne wollten alle historischen Bezüge eliminieren und etwas völlig Neues schaffen. (Also keine griechischen Säulen, Bögen im gotischen Stil oder andere Erinnerungen an „vergangene“ Stile). Dies führte zum Internationalen Architekturstil (1920-1970), einem minimalistischen Idiom langweiliger Regelmäßigkeit, durchsetzt mit furchtbarem Brutalismus (Betonwohnblocks mit winzigen Fenstern). Glücklicherweise begannen postmoderne Architekten um 1970, die Architektur des 20. Jahrhunderts zu rehumanisieren, indem sie Bauwerke mit interessanten Elementen aus der Populärkultur und traditionelleren Stilen entwarfen.

Merkmale der Postmoderne

„Die Postmoderne“ ist keine Bewegung, sondern eine allgemeine Haltung. Daher gibt es keine vereinbarte Liste von Merkmalen, die die „postmoderne Kunst“ definieren. Aber irgendwo müssen wir anfangen, deshalb hier ein paar ausgewählte Orientierungspunkte.

Allgemeine Ideologie

Die Postmoderne spiegelt eine weit verbreitete Desillusionierung über das Leben und über die Kraft bestehender Wertesysteme und/oder Technologien wider, nützliche Veränderungen zu bewirken. Infolgedessen sind Autorität, Kompetenz, Erfahrung, Wissen und herausragende Leistungen in Misskredit geraten. Künstler sind jetzt viel misstrauischer gegenüber „großen Ideen“ (z. B., alle „Errungenschaften“ sind gut). Vor allem aber gilt die „Kunst der Moderne“ nicht nur als elitär, sondern auch als weiß, männlich dominiert und ohne Interesse an Minderheiten. Aus diesem Grund unterstützt die Postmoderne die Kunst von Künstlern aus der Dritten Welt, von Feministinnen und Minderheiten.

Kritiker sagen jedoch, dass die postmoderne Bewegung trotz der angeblichen „Ablehnung“ der großen Ideen viele eigene große Ideen zu haben scheint. Beispiele hierfür sind: "alle Kunstformen sind gleichwertig"; "Kunst kann aus allem gemacht werden"; "die Demokratisierung der Kunst ist eine gute Sache" (aber was ist mit der Demokratisierung der Gehirnchirurgie?).

Um Andy Warhol zu paraphrasieren, "jeder kann für 15 Minuten berühmt sein". Dieser Gedanke fasst mehr als jeder andere das Zeitalter der Postmoderne zusammen. Angesichts einer neuen bedeutungslosen Welt antworteten die Postmodernen mit den Worten:

"Na gut, spielen wir mit diesem Unsinn. Wir geben zu, dass das Leben und die Kunst keinen offensichtlichen inneren Sinn mehr haben, aber was soll’s? Lasst uns experimentieren, die Kunst interessanter machen und sehen, wohin das führt. Wer weiß, vielleicht können wir für 15 Minuten berühmt werden!"

Kulturelle Bildung

Die Postmoderne veränderte die Prioritäten der Ausbildung an zahlreichen Kunsthochschulen. In den 1970er Jahren wurde die Kunst der Malerei (und in geringerem Maße die Bildhauerei) als veraltet anerkannt. Darüber hinaus wurde die Idee, vier Jahre lang zu arbeiten, um die notwendigen Fertigkeiten dieser traditionellen bildenden Künste zu erlernen, als rückschrittlich angesehen.

Man war der Ansicht, dass die Kunst von der Elite befreit und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden sollte, und so begannen die Kunstschulen, einen neuen Typus von Absolventen hervorzubringen - solche, die mit den unmittelbaren Formen des postmodernen Stils sowie mit den grundlegenden Produktionstechniken vertraut waren. Kurz gesagt, die individuelle „Kreativität“ wurde als wichtiger angesehen als die Anhäufung von handwerklichen Fähigkeiten.

Einsatz von Technologie

Die Ära der „postmodernen Kunst“ fiel mit dem Aufkommen mehrerer neuer bildbasierter Technologien (z. B. Fernsehen, Video, Siebdruck, Computer, Internet) zusammen und profitierte in hohem Maße von ihnen. Das neue Angebot an Video- und Fotobildern hat die Bedeutung der zeichnerischen Fähigkeiten verringert, und durch die Manipulation der neuen Technologien konnten die Künstler (insbesondere diejenigen, die sich mit neuen Medien wie Installation, Video und objektivbasierter Kunst befassen) die traditionellen Prozesse der „Kunstherstellung“ reduzieren und dennoch etwas Neues schaffen. Dies wird durch die Dokumentarfotografie von Diane Arbus, die sich auf Angehörige von Minderheitengruppen in New York City konzentriert, und die Videokunst des koreanisch-amerikanischen Nam June Paik (1932-2006) illustriert.

Postmoderner Fokus auf populäre oder „niedere“ Kultur

Der Begriff „Hochkultur“ wird häufig von Kunstkritikern verwendet, wenn sie versuchen, die „Hochkultur“ der Malerei und Bildhauerei (und anderer bildender Künste) von der „niedrigen“ Populärkultur der Zeitschriften, des Fernsehens, der Belletristik und anderer Massenprodukte zu unterscheiden. Die Modernisten und ihre einflussreichen Anhänger wie Clement Greenberg (1909-1994) waren der Meinung, dass die niedrige Kultur der hohen Kultur unterlegen sei. Im Gegensatz dazu betrachten Postmodernisten - Befürworter einer eher „demokratischen“ Vorstellung von Kunst - „Hochkultur“ als elitär.

Die Pop Art - die erste postmoderne Bewegung - schuf zum Beispiel Kunst aus gewöhnlichen Konsumobjekten (Hamburger, Suppendosen, Seifenpulverpackungen, Comics), die sofort erkennbar wurden. Pop-Art-Künstler und andere gingen in ihren Versuchen, die Kunst zu demokratisieren, sogar noch weiter, indem sie ihre „Kunst“ auf Tassen, Papiertüten und T-Shirts druckten: eine Methode, die übrigens beispielhaft für den Wunsch der Postmoderne ist, die Originalität und Authentizität der Kunst zu untergraben.

Mischen von Genres und Stilen

Seit Neo-Dada lieben es die Postmodernen, Dinge zu vermischen - oder neue Elemente in traditionelle Formen einzuführen - um neue Kombinationen und Pastiches zu schaffen. Fernando Botero schafft primitiv anmutende Gemälde von beleibten Figuren; Georg Baselitz malt auf dem Kopf stehende Figuren. Gerhard Richter kombinierte Fotografie und Malerei in seinen „fotografischen Gemälden“ der 1970er Jahre, und Jeff Koons kombinierte Verbraucherbilder (Ballonformen) mit einer hochentwickelten bildhauerischen Technik, um seine Pop-Skulpturen „Air Dog“ (1994-2000) zu schaffen. In der Zwischenzeit kombiniert Andreas Gursky Fotografie mit computergenerierten Bildern, um Werke wie Rhine II (1999, MoMA, New York) zu schaffen, und Jeff Wall verwendet Fotomontagen mit digitaler Verarbeitung in seinen postmodernen piktorialistischen Kreationen.

Postmoderne Multivalenz

Postmoderne Künstler haben die Vorstellung aufgegeben, dass ein Kunstwerk nur eine inhärente Bedeutung hat. Stattdessen glauben sie, dass der Betrachter ein ebenso wichtiger Beurteiler der Bedeutung ist. Die surrealistische Fotografie von Cindy Sherman zum Beispiel unterstreicht die Idee, dass ein Kunstwerk auf viele verschiedene Arten interpretiert werden kann. Einige Künstler - wie die Performance-Künstlerin Marina Abramović (geb. 1946) - lassen den Betrachter sogar an ihren „Kunstwerken teilhaben“ oder verlangen sogar, dass der Betrachter eingreift, um das Werk zu vollenden.

Befriedigung von Verbraucherbedürfnissen

Die Zunahme des Konsums und der sofortigen Befriedigung in den letzten Jahrzehnten des 20. Die Verbraucher wollen heute das Neue. Sie wollen auch Unterhaltung und Spektakel. Als Reaktion darauf haben viele postmoderne Künstler, Kuratoren und andere Fachleute die Gelegenheit ergriffen, Kunst in ein „Unterhaltungsprodukt“ zu verwandeln.

Die Einführung neuer Kunstformen, wie Performance, Happenings und Installationen, zusammen mit neuen Sujets - wie tote Haie, sterbende Fliegen, riesige Eisskulpturen, Menschenmengen nackter Körper, Gebäude, die sich zu bewegen scheinen, eine Sammlung von 35.000 Terrakotta-Figuren, in rosafarbenes Polypropylentuch eingewickelte Inseln, bemalte Körper, unheimliche Projektionen auf öffentliche Gebäude usw. - haben den Betrachtern eine Reihe neuer (manchmal schockierender) Erfahrungen beschert. Die Frage, ob diese neuen so genannten Kunstformen tatsächlich „Kunst“ sind, wird nach wie vor kontrovers diskutiert. Postmoderne Konzeptualisten sagen „ja“, Traditionalisten sagen „nein“.

Fokus auf das Spektakel

In Ermangelung eines wirklichen Sinns im Leben - vor allem, wenn wir Tag und Nacht mit Radio- und Fernsehwerbung bombardiert werden und gleichzeitig gezwungen sind, Politikern zuzuhören, die erklären, dass zwei plus zwei gleich drei ist - haben sich die Postmodernen dafür entschieden, sich auf Stil und Spektakel zu konzentrieren, wobei sie oft Werbematerialien und -techniken für einen maximalen Effekt einsetzen. Beispiele für diesen Ansatz sind die kommerziellen Drucktechniken, die Bilder im Plakatstil und die Primärfarben von Pop-Künstlern wie Roy Lichtenstein und James Rosenquist .

Diese Konzentration auf die Oberfläche ist ein wiederkehrendes Merkmal der postmodernen Kunst und führt manchmal zu melodramatischen, schillernden und sogar schockierenden Bildern. Zum Beispiel die Modefotografie von Nick Knight und David LaChapelle. Seit 1980 hat der Einsatz von Computern und anderen Technologien die Multimediakunst (z. B. Animation) revolutioniert und besondere Möglichkeiten in Bereichen wie Architektur und Projection Mapping geschaffen.

Wie wichtig es für die Postmoderne ist, die Aufmerksamkeit des Publikums zu erregen, wird durch die Schocktaktik einer Gruppe von Studenten des Goldsmiths College, bekannt als Young British Artists, in den späten 1980er und 1990er Jahren in London perfekt veranschaulicht. Berühmt wurden sie durch drei Ausstellungen - „Freezing“ (1988) und „Modern Medicine“ (1990), die von einem unbekannten Studenten, Damien Hirst (geb. 1965), kuratiert wurden. 1965), und „Modern Medicine“ (1990) und Sensation (1997) - YBAs wurden für ihren schockierend schlechten Geschmack verurteilt, aber einige von ihnen (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen, Mark Wallinger) wurden mit dem Turner-Preis ausgezeichnet, während andere (Jake und Dinos Chapman, Tracey Emin, Mark Quinn und Jenny Savile) ebenfalls beträchtlichen Ruhm und Reichtum erlangten.

Drei Prinzipien „der Postmoderne“

❶ Sofortige Bedeutung

Keine verblassten Ölgemälde mehr, die obskure Ereignisse aus der griechischen Mythologie darstellen und dem kultivierten Betrachter ein verständnisvolles Lächeln entlocken. Die postmoderne Malerei und Bildhauerei, die ihren Ursprung in der Pop-Art-Bewegung hat, ist kühn, hell und sofort erkennbar. Die Themen und Bilder wurden hauptsächlich aus Konsumgütern, Zeitschriften, Werbegrafiken, Fernsehen, Film, Cartoons und Comics entlehnt. Zum ersten Mal verstand jeder die ausgestellte Kunst. Obwohl sich die Postmoderne aus der Pop Art weiterentwickelt hat, bleibt das Hauptziel die sofortige Erkennbarkeit.

Einige Werke „der postmodernen Kunst“ sind jedoch eher „sofort verständlich“ als andere. Nehmen wir zum Beispiel Äquivalent 1 (1966, Kunstmuseum, Basel) von Carl Andre (geb. 1935). Es handelt sich um eines jener Kunstwerke, die von einem Experten erklärt werden müssen, um sie zu verstehen. Es handelt sich um eine postmoderne minimalistische Skulptur, die aus 120 gewöhnlichen Bauziegeln besteht. Die Ziegel sind auf dem Boden in zwei Schichten von 60 Ziegeln übereinander gestapelt, die in einer präzisen rechteckigen Konfiguration von drei mal zwanzig angeordnet sind.

Auf den ersten Blick sieht dieses Meisterwerk der modernen Kunst aus wie etwas, das man auf einer superglatten Baustelle sehen würde. Zum Glück erfahren Sie in Ihrem Kunstgalerie-Katalog, dass André 1965 beim Kanufahren auf einem See in New Hampshire die radikale Entscheidung traf, ein Kunstwerk direkt auf dem Boden zu schaffen, und dass dieser majestätische Haufen Ziegelsteine sein künstlerisches Credo veranschaulicht: „Form = Struktur = Ort“. Zufälligerweise wurde das ursprüngliche Äquivalent 1 1966 „abgerissen“ und 1969 „umgestaltet“. (Vielleicht wurden die Ziegelsteine für etwas gebraucht).

❷ Kunst kann aus allem gemacht werden

In der Tradition von Marcel Duchamp dessen Urinal mit dem Titel „Fountain“ (1917) das erste bekannte Beispiel für die Verwandlung eines gewöhnlichen Gegenstandes in ein Kunstwerk war - haben es sich die Postmodernen zur Aufgabe gemacht, Kunst aus den unwahrscheinlichsten Materialien und Abfällen zu schaffen. Siehe: Trash Art .

Bildhauer, Installateure und Assemblage-Künstler haben Kunst aus Industrieschrott, Gasmasken, Filz, menschlichen Schädeln, menschlichem Blut, toten Fliegen, Neonröhren, Schaumgummi, Suppendosen, Beton, Gummi, alten Kleidern, Elefantenmist und vielem mehr geschaffen. Die Idee ist, die Kunst zu demokratisieren und sie zugänglicher zu machen.

❸ Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk selbst

Bis in die 1960er Jahre glaubten die Künstler (einschließlich Picasso, Pollock und Lichtenstein), dass es nichts ohne ein fertiges Produkt gibt. Daher wurde großer Wert auf die Qualität des fertigen Kunstwerks und die zu seiner Herstellung erforderliche Handwerkskunst gelegt. Heute sind die Dinge anders. Postmoderne Menschen neigen dazu, mehr an das Konzept hinter dem fertigen Produkt zu glauben als an das Produkt selbst. Deshalb werden viele Arten der „postmodernen Kunst“ als „konzeptuelle Kunst“ oder „Konzeptualismus“ bezeichnet.

Ein Beispiel für diesen neuen Ansatz ist Martin Creeds konzeptuelles Kunstwerk (Liste von Anweisungen) mit dem Titel „227: The Lights Going On and Off“ („Lights Going On and Off“ 2001), das 2001 den Turner Prize gewann. Zu den anderen Formen des produktlosen Konzeptualismus gehören Installationen (die ja rein temporär sind), Performances, Happenings, Projektionskunst usw.

Das vielleicht prominenteste Beispiel für Konzeptkunst war eine Ausstellung, die im März 2009 im französischen Nationalmuseum für moderne Kunst im Centre Pompidou in Paris stattfand. Sie trug den Titel „Spezialisierung eines rohstofflichen Zustandsgefühls in ein stabilisiertes bildliches Gefühl“ und bestand aus neun völlig leeren Räumen und sonst nichts.

Postmoderne Kunstsammlungen
Zwei hervorragende Ausstellungen postmoderner Kunst sind in der Saatchi Gallery, London, oder im Guggenheim, New York, zu sehen.

Postmoderne Kunstbewegungen

Bislang gab es in der Zeit der Postmoderne keine großen internationalen Kunstbewegungen. Stattdessen entstanden in dieser Epoche eine Reihe kleiner, lokal begrenzter Bewegungen sowie mehrere völlig neue Kunstformen wie Video und Wortmalerei. Darüber hinaus entstanden Dutzende von künstlerischen Splittergruppen sowie ein oder zwei antipostmodernistische Schulen, deren Mitglieder versuchten, Kunst zu schaffen, die Michelangelo oder Picasso stolz machen würde.

Pop Art (ab den 1960er Jahren)
Der Meister der Pop Art war Andy Warhol (1928-1987), der aus banalen, massenproduzierten Bildern schöne Kunst machte. Für weitere Einzelheiten siehe Andy Warhols Pop Art der 1960er und 70er Jahre und die Skulpturen von Claes Oldenburg (geb. 1929).

Word Art (Textbasierte Malerei) (seit den 1960er Jahren)
Eine Form der konzeptuellen Malerei oder Skulptur, die verbale oder textuelle Bilder verwendet. Ein gutes Beispiel für die postmoderne Technik der Einführung neuer Elemente in alte Medien. Assoziiert mit den Pop-Art-Künstlern Robert Indiana (geb. 1928) und Jasper Johns (geb. 1930), dem japanischen Künstler On Kawara (1932-2014), bekannt für seine „Gemälde von Verabredungen“, Barbara Kruger (geb. 1945), berühmt für ihre „I Buy So I Am“, und Christopher Wool (geb. 1955), dessen Wortgemälde mit dem Titel „Apocalypse Today“ (1988) 2013 für 26,4 Millionen Dollar verkauft wurde.

Konzeptkunst (ab den 1960er Jahren)
Die definitive Ausdrucksweise der Postmoderne. Nicht das fertige Produkt ist wichtig, sondern die zugrunde liegende Idee. Der erste und (wohl) größte Konzeptkünstler war Yves Klein (1928-1962), der Begründer des Nouveau Realisme. Für weitere Einzelheiten siehe: Die postmoderne Kunst von Yves Klein (1956-62).

Performance und Happenings (ab Anfang der 1960er Jahre)
Dieses Genre, das von Künstlern wie John Cage (1912-1992) und Allan Kaprow (1927-2006) begründet wurde, war eine neue Art, Kunst für die Massen zu präsentieren. Siehe auch „lebende Skulpturen“ Gilbert und George (geb. 1943, 1942).

Installationskunst (seit den 1960er Jahren)
Eine neue Art, die Betrachter in ein Kunstwerk oder eine Montage einzubeziehen. Der führende Vertreter der Installationskunst ist der deutsche Künstler Joseph Beuys (1921-1986). Siehe auch die ungewöhnlichen installativen Kunstprojekte („Interventionen“) von Christo und Jeanne-Claude (Christo Javacheff und Jeanne-Claude Denat).

Fluxus (1960er Jahre)
Anti-Kunst-Bewegung im Dada-Stil, gegründet von George Maciunas (1931-1978). Entstand zunächst in Deutschland und breitete sich später nach New York aus. Weitgehend verbunden mit Happenings und anderen Aktivitäten auf der Straße „“.

Videokunst (ab den 1960er Jahren). Siehe auch: Animationskunst .
Video ist eines der vielseitigsten Medien, die es gibt. Ein Videofilm kann
❶ das Kunstwerk selbst sein; und/oder
❷ eine Aufzeichnung der Herstellung des Kunstwerks; und/oder
❸ ein Element einer Installation; und/oder
❹ Teil einer multiplen Videokomposition. Unabhängig von seiner genauen Rolle macht Video die Kunst dynamischer, fesselnder und spannender. Seit den späten 1980er Jahren sind sowohl Video als auch Animation von der Verwendung von Computersoftware zur Manipulation und Steuerung von Bildern abhängig.

Minimalismus (seit den 1960er Jahren)
Ein Zufluchtsort für intellektuelle Maler und Bildhauer, denen es um „Reinheit“ in der Kunst ging. Die Minimalisten versuchten, eine Kunst zu schaffen, die von allen äußeren Bezugspunkten befreit ist und nur noch die Form enthält. Das war vielleicht klug, aber absolut langweilig. Zu den Künstlern der Minimalisten gehören Agnes Martin (geb. 1912), Ed Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (geb. 1923), Kenneth Noland (b. 1924), Robert Ryman (geb. 1930), Robert Morris (geb. 1931), Robert Mangold (geb. 1937), Frank Stella (geb. 1936) und Brice Marden (geb. 1938). Zu den minimalistischen Bildhauern, siehe unten.

Fotorealismus (1960er, 1970er Jahre)
Eine hyperrealistische Form der Malerei, die gewöhnlich auf Fotografien basiert. Zu den ersten führenden Fotorealisten gehören Chuck Close (geb. 1940) und Richard Estes (geb. 1936). Zu den fotorealistischen Bildhauern gehören John De Andrea (geb. 1941), Duane Hanson (1925-1996) und Carol Feuerman (geb. 1945).

Land Art (Mitte der 1960er Jahre)
Keine gierigen kommerziellen Galerien (angeblich). Der Verfechter dieses Trends ist der experimentelle Künstler Robert Smithson (1938-1973). Siehe auch die „umhüllenden“ Eingriffe in die Natur von Christo und Jeanne-Claude (beide 1935 geboren) und die Umweltarbeiten von Andy Goldsworthy.

Fotografie (ab den 1960er Jahren)
Die YBA waren nur eine von mehreren postmodernen Gruppen, die sich für die Verwendung von Kamerakunst einsetzten. Tatsächlich überstiegen die Werke der größten Fotografen bei Auktionen bald die 1-Million-Dollar-Marke. Das Beste der postmodernen Fotografie ist in den Werken von Helmut Newton (1920-2004), Robert Mapplethorpe (1946-1989), Cindy Sherman (geb. 1954) und Nan Goldin (geb. 1953) zu sehen.

Arte Povera (1966-71)
Selbstbetitelte „arme Kunst“, die von einer antikommerziellen Avantgarde-Kunstgruppe in Italien, bestehend aus Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone und anderen, geschaffen wurde. Großes Augenmerk wurde auf die physischen Eigenschaften der verwendeten Materialien gelegt.

Postminimalismus (1970er Jahre)
In der postminimalistischen Kunst - ein Begriff, der erstmals von dem Kunstkritiker Robert Pincus-Witten (geb. 1935) geprägt wurde - verlagert sich der Schwerpunkt von der Reinheit einer Idee auf die Art und Weise, wie sie vermittelt wird. Siehe die Werke der deutsch-amerikanischen Eva Hesse (1936-1970).

Feministische Kunst (1970er Jahre)
Kunstbewegung, die sich mit spezifischen Frauenthemen wie Geburt, Gewalt gegen Frauen, Arbeitsbedingungen für Frauen usw. beschäftigt. Zu den namhaften Künstlerinnen dieser Bewegung gehören Louise Bourgeois (1911-2010) und die in Japan geborene Performance-Künstlerin Yoko Ono (geb. 1933). Weitere Aktivistinnen sind Miriam Shapiro (1923-2015), Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entin (*1935), Joan Jonas (*1936), Judy Chicago (*1939), Mary Kelly (*1941), Barbara Kruger (*1945) und die englische Künstlerin Margaret Harrison (*1940).

Graffiti (ab den 1970er Jahren)
Die endgültige postmoderne Bewegung: Instant painting, instant fame. Siehe Biografie „des Graffiti-Terroristen“ und Straßenkünstlers Banksy (geb. 1973-4). Für zwei der erfolgreichsten Mainstream-Straßenkünstler siehe Jean-Michel Basquiat (1960-88), Keith Haring (1958-1990) - Schöpfer des „Crack is Wack“ Wandbildes in Harlem - und David Wojnarowicz (1954-1992), AIDS-Aktivist und sehr talentierter Straßenkünstler und Collagist.

Postmoderne Bildhauerei (1970er.

Wichtige Vertreter der postmodernen plastischen Kunst sind beispielsweise der Surrealist Salvador Dalí (1904-1989), bekannt für seinen „Geschmolzenen Eiswagen“ (1970, Privatsammlung); der französische Bildhauer César (1921-1998), am besten bekannt für seine „Kompressionen“ ; der Schweizer kinetische Künstler Jean Tinguely (1925-1991); der Neureiche Armand (1928-2005), bekannt für seine „Akkumulationen“; die Minimalisten Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007) und Richard Serra (geb.. 1939); die Wandmaler Anish Kapoor (geb.1954) und Anthony Gormley (geb. 1950); und der Amerikaner Bruce Naumann (geb. 1941), der vor allem für seine Neonskulpturen bekannt ist. Zwei neue Arten von Skulpturen, die in den 1980er Jahren aufkamen, waren Eisskulpturen die Weltmeisterschaften für Eiskunst werden seit 1989 jährlich in Fairbanks, Alaska, ausgetragen - und Sandkunst die Weltmeisterschaften für Sandkunst wurden von 1989 bis 2009 in Harrison Hot Springs in Harrison, British Columbia, Kanada, ausgetragen.

Neoexpressionismus (ab den 1980er Jahren)
Kennzeichnend sind typischerweise großformatige Gemälde mit intensiven, oft gewalttätigen Motiven, die mit hoher Geschwindigkeit gemalt werden. Manchmal wurden Materialien in die Oberfläche des Gemäldes eingedrückt. Zu den führenden Neoexpressionisten gehören Georg Baselitz (geb. 1938), Gerhard Richter (geb. 1932), Jörg Immendorf (geb. 1945), Anselm Kiefer (geb. 1945), Rainer Fetting (geb. 1949) und A.R. Penck (Ralph Winkler, geb. 1939), Julian Schnabel (geb. 1951) und David Salle (geb. 1952).

Dekonstruktivismus (1980er-2000er Jahre)
Ein postmoderner Architekturstil, der durch das Werk des Architekten Frank O. Gehry (geb. 1929) aus Los Angeles sowie von Daniel Libeskind, Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Zaha Hadid, Bernard Tschumi und der Gruppe Co-op Himmelblau verkörpert wird. In der dekonstruktivistischen Architektur der Gravitation werden häufig computergestützte Entwürfe unter Verwendung von High-Tech-Software sowie die Ressourcen von Spitzenarchitekturbüros wie Skidmore Owings and Merrill eingesetzt.

Young British Artists (Britart) (1985-1999)
Eine Kombination aus atemberaubendem geschäftlichen Opportunismus und schockierenden Ideen. Eine Explosion von extrem schlechtem Geschmack, der als Kunst ausgegeben wird. Die Öffentlichkeit liebte es. Der bekannteste YBA ist Damien Hirst (geb. 1965), und der Hauptsponsor der Gruppe war der Kunstsammler Charles Saatchi (geb. 1943).

Neo-Pop-Kunst (ab Ende der 1980er Jahre)
Riesige Plastikskulpturen aus Kinderspielzeug und vieles mehr in dieser Richtung, z. B. das Werk von Jeff Koons (geb. 1955).

Körperkunst (1990er Jahre)
Ein Kunststil, der den Körper als „Leinwand“ verwendet. Die beliebteste Form sind Tätowierungen, gefolgt von Gesichtsbemalungen verschiedener Art. Nagelkunst ist eine weitere Neuheit. Die postmoderne Körperkunst wird durch die illusionistische Zeichnung der Neuseeländerin Joanne Gair von Demi Moore - fotografiert von Annie Leibovitz veranschaulicht, die im August 1992 auf der Titelseite von Vanity Fair erschien. Die extremsten Formen der Körperkunst werden von Künstlern wie Marina Abramovic (geb. 1946) und Frank Uwe Laisipen (alias Ulay) (geb. 1943) praktiziert.

Postmoderne Malerei
Wichtige, oben nicht aufgeführte Vertreter der postmodernen Malerei sind: der unnachahmliche Francis Bacon (1909-1992), der moderne Realist Lucian Freud (1922-2011), der Objektmaler Jack Vettriano (geb. 1951), und der figurativen Malerin (§1951), und der figurativen Künstlerin Jenny Saville (* 1970).

Zynischer Realismus (1990er Jahre)
Bewegung der zeitgenössischen chinesischen Kunst, die nach der Niederschlagung des Tiananmen-Platzes (1989) entstand. Die Zynischen Realisten verwendeten einen Stil der figurativen Malerei mit einer spöttischen (manchmal selbstironischen) Erzählung. Clownartige Figuren, kahlköpfige Männer und Porträts im Stil von Fotografien wurden als wiederkehrende Motive verwendet. Der Stil stellte die politische und soziale Situation Chinas auf satirische Weise dar und wurde, da es sich um einen neuen Ansatz für chinesische Künstler handelte, von westlichen Sammlern gut aufgenommen. Zu den Künstlern, die mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht werden, gehören Yue Mingjun (geb. 1962), Fang Lijun (geb. 1963) und Zhang Xiaogang (geb. 1958), die alle einen Umsatz von mehreren Millionen Dollar erzielten.

Projection Mapping (Projektionskunst) (21. Jahrhundert)
Eine der jüngsten Formen der Postmoderne, die Projektionskunst, umfasst die computergesteuerte Darstellung von Videobildern auf Gebäuden oder anderen großen Flächen.

Computerkunst (21. Jahrhundert)
Auch digitale Kunst oder Internetkunst genannt, ist dies eine allgemeine Kategorie, die eine Vielzahl von computerbezogenen Kunstformen umfasst. Ob die Ergebnisse neuronaler Netze als Kunst einzustufen sind, muss von der Gesellschaft noch entschieden werden.