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Was ist postmoderne Kunst?

Der Begriff "postmoderne Kunst" bezieht sich auf eine breite Kategorie von zeitgenössische Kunst geschaffen von ungefähr 1970 ab. Das Kennzeichen der "postmodernen Kunst" ist die Ablehnung der Ästhetik worauf sein Vorgänger – "Moderne Kunst" (1870-1970) – beruhte. Einer dieser abgelehnten Werte ist die Idee, dass "Kunst" etwas "Besonderes" ist, das vom "populären Geschmack" "angehoben" werden sollte. Die Postmoderne ist mit einer Reihe neuer technologischer Entwicklungen einhergegangen und hat zu fast fünf Jahrzehnten künstlerischen Experimentierens mit neuen Medien und neuen Kunstformen geführt, darunter " Konzeptkunst ", verschiedene Arten von" Performance-Kunst " und " Installationskunst ", sowie computergestützte Bewegungen wie Dekonstruktivismus und Projektionskunst. Mit diesen neuen Formen, postmoderne Künstler habe das gedehnt Definition der Kunst bis zu dem Punkt, wo fast "alles geht".

Leider sind die meisten Artikel über die Postmoderne voller komplizierter Wörter wie "Moderne" (nicht dasselbe wie Moderne) und "Postmoderne" (anders als Postmoderne), "Metamoderne" (von Postmoderne, aber nicht Teil davon) und "Post-Postmodernismus" (gib mir eine Pause). Anstatt Jargon zu verwenden, möchte ich Ihnen ein einfaches Dresscode-Beispiel geben, das Ihnen hilft, die "postmoderne Kunst" zu verstehen und wie sie sich von der "modernen Kunst" und ihrer noch früheren "akademischen Kunst" unterscheidet.

Der erste große Kunststil nach der Renaissance war die akademische Kunst, die klassische Kunst, die von Professoren an den Akademien gelehrt wurde. Akademische Kunst ist das künstlerische Äquivalent zum traditionellen "Anzug und Krawatte". Als nächstes, um 1870, kommt "moderne Kunst". Dies ist das künstlerische Äquivalent zu "Hemd und Hose" oder "Jacke und Hose". Ungefähr 1970 folgt "postmoderne Kunst", die das künstlerische Äquivalent zu "Jeans und T-Shirt" darstellt. Ebenso wie die Kleiderordnung weniger formal und mehr "irgendetwas geht" geworden ist, sind die heutigen Künstler weniger von den alten Vorstellungen, was Kunst sein sollte, beeindruckt und konzentrieren sich mehr darauf, etwas (alles) zu schaffen, das bemerkt wird.

Aber informelle Kleidung wie Jeans und T-Shirts sind nur deshalb populär geworden, weil die Gesellschaft selbst weniger förmlich geworden ist. Wie wir gleich sehen werden, ist "postmoderne Kunst" Teil einer breiteren Strömung des technologischen, politischen und sozialen Wandels im Westen, die viele neue Einstellungen und neue Verhaltensweisen eingeführt hat. Die volle Wirkung des Internets zum Beispiel auf die Beschaffung und Verbreitung künstlerischer Bilder und auf die Schaffung von angewandte Kunst und Design , muss noch gefühlt werden. Aber da es die Musikindustrie bereits revolutioniert hat, wird sich ihre Wirkung auf die Kunstwelt wahrscheinlich nicht lange verzögern.

Definition der postmodernen Kunst

Wenn Sie wirklich eine Ein-Satz-Definition der postmodernen Kunst brauchen, dann ist es hier.

Ein Kunststil nach den 1960er Jahren, der die traditionellen Werte und politisch konservativen Annahmen seiner Vorgänger zugunsten eines umfassenderen, unterhaltsameren Kunstbegriffs ablehnte und neue künstlerische Formen verwendete, die durch Video- und Computertechnologie angereichert wurden.

Wie unterscheidet es sich von der zeitgenössischen Kunst?

Was ist der Unterschied zwischen postmoderner und zeitgenössischer Kunst? In der Praxis sind diese beiden Begriffe mehr oder weniger austauschbar. Technisch gesehen bedeutet "postmoderne Kunst" jedoch "nach der Moderne" und bezieht sich auf eine feste Periode (etwa 50 Jahre lang) ab etwa 1970, während sich "zeitgenössische Kunst" auf die bewegte 50-jährige Periode unmittelbar vor der Gegenwart bezieht. Im Moment fallen diese beiden Perioden zusammen. Im Jahr 2050 wird beispielsweise "postmoderne Kunst" (1970-2020) von einer anderen Epoche abgelöst worden sein, während "zeitgenössische Kunst" nun den Zeitraum 2000-2050 abdecken wird. Also werden die beiden auseinander gegangen sein.

Wie unterscheidet es sich von der spätmodernen Kunst?

Im Visuelle Kunst Der Begriff "Spätmoderne" bezieht sich auf Bewegungen oder Tendenzen, die einen Aspekt der "modernen Kunst" ablehnen, aber ansonsten in der Tradition der Moderne verbleiben. Styles wie Abstrakter Expressionismus (1948-65) wurden von einer Reihe radikaler moderner Künstler praktiziert, darunter Jackson Pollock, Erfinder von Allover Action-Malerei – und Willem De Kooning, die beide viele der formalen Konventionen des Ölgemäldes ablehnten. Und doch hätten weder Pollock noch de Kooning so etwas wie Rauschenbergs Erased de Kooning Drawing (1953, San Francisco Museum of Modern Art) produziert, da beide stark an modernistische Konzepte von Authentizität und Bedeutung glaubten. Ebenso gehörten zu den Anhängern postmoderner Bewegungen wie dem Zeitgenössischen Realismus (ab 1970) und dem Neo-Expressionismus (ab 1980) zahlreiche Maler, die eher modernistisch als postmodern arbeiteten. In Bezug auf die Kleiderordnung ist die Spätmoderne das künstlerische Äquivalent von "Hemd und Hose", jedoch in einer leuchtend gelben Farbe.

Hintergrund

" Moderne Kunst "wird normalerweise mit den Jahrhunderten 1870-1970 in Verbindung gebracht – ungefähr vom Impressionismus bis zur Pop-Art. Trotz mehrerer globaler Katastrophen – der Große Krieg (1914-18), die Influenza-Pandemie (1918-19), der Wall Street Crash und die Weltwirtschaftskrise (Ende der 1920er, 1930er Jahre) – was viele der moralischen Gewissheiten der Ära untergrub, moderne Künstler Im Allgemeinen behielt er den Glauben an die fundamentalen wissenschaftlichen Gesetze der Vernunft und des rationalen Denkens bei. Im Großen und Ganzen glaubten sie, wie die meisten Westler jener Zeit, dass das Leben einen Sinn habe; dass der wissenschaftliche Fortschritt automatisch gut war; dass der christliche Westen dem Rest der Welt überlegen war; dass Männer über Frauen standen. Die Modernisten glaubten auch an die Bedeutung, Relevanz und Weiterentwicklung der Kunst, insbesondere der bildenden Kunst und der Architektur. In die Fußstapfen von Leonardo und Michelangelo getreten, glaubten sie an "hohe Kunst" – Kunst, die den kultivierten Zuschauer erhebt und inspiriert – und nicht an "niedrige Kunst", die nur die Massen amüsiert oder unterhält. Sie gingen vorausschauend vor und betrachteten Kunst als etwas, das sich ständig weiterentwickeln sollte, angeführt von einer führenden Gruppe avantgardistischer Künstler.

Der Zweite Weltkrieg und der jüdische Holocaust haben alles auf den Kopf gestellt. Paris wurde abrupt von New York als Hauptstadt der Weltkunst abgelöst. Nach Auschwitz alle gegenständliche Kunst – außer Holocaust-Kunst – plötzlich irrelevant erschienen, so wandten sich moderne Maler stattdessen an abstrakte Kunst (wenn auch voller Emotionen, Symbole oder Animationen), um sich auszudrücken. Erstaunlicherweise war in den 1950er Jahren die New Yorker Schule – mit Jackson Pollocks Gemälde sowie das ruhigere Farbfeldgemälde von Mark Rothko – leiteten eine vorübergehende Wiederbelebung der Kunst auf beiden Seiten des Atlantiks ein. Diesen avantgardistischen Malern gelang es, den Rahmen für abstrakte Gemälde neu zu definieren, aber sie blieben innerhalb der Grenzen der Moderne. Sie glaubten an authentische, fertige Kunstwerke mit wichtigen Inhalten.

Aber die "modernistische" Ära neigte sich unaufhaltsam dem Ende zu. Die zunehmenden Enthüllungen der Shoah, die Erprobung von Atombomben, die Kubakrise (1962) und der Vietnamkrieg (ab 1964) ließen die Menschen immer desillusionierter über das Leben (und die Kunst) werden. Bereits Mitte der 50er Jahre Jasper Johns und Robert Rauschenberg hatte die ersten postmodernen Stilwerke von Neo-Dada und Pop produziert. Bald würde der Mainstream der Pop-Art die eigentliche Postmoderne einläuten, da sich die amerikanischen Fernsehsender auf die Tet-Offensive von 1968 und den chaotischen demokratischen Kongress in Chicago konzentrierten.

HINWEIS: In Architektur des 20. Jahrhunderts war die Situation etwas anders. Das moderne Gebäudedesign wurde von dem Wunsch beeinflusst, einen brandneuen Stil für den "modernen Menschen" zu kreieren. Die Architekten der Moderne wollten alle historischen Bezüge beseitigen und etwas ganz Neues schaffen. (Also keine griechischen Säulen, Bögen im gotischen Stil oder andere Erinnerungen an vergangene Stile.) Internationaler Architekturstil (1920-70), ein minimalistisches Idiom langweiliger Regelmäßigkeit, gesäuert mit wirklich schrecklichem Brutalismus (Betonwohnblocks mit winzigen Fenstern). Glücklicherweise begannen postmoderne Architekten ab etwa 1970, die Architektur des 20. Jahrhunderts zu re-humanisieren, indem sie Bauwerke mit interessanten Merkmalen entwarfen, die der Populärkultur und traditionelleren Stilen entnommen waren.

Merkmale der Postmoderne

"Postmodernismus" ist keine Bewegung, sondern eine allgemeine Haltung. Es gibt also keine vereinbarte Liste von Merkmalen, die "postmoderne Kunst" definieren. Aber wir müssen irgendwo anfangen, deshalb hier ein paar ausgewählte Hinweise.

Allgemeine Ideologie

Die Postmoderne spiegelt eine weitverbreitete Desillusionierung des Lebens wider sowie die Kraft vorhandener Wertesysteme und / oder Technologien, um positive Veränderungen herbeizuführen. Infolgedessen sind Autorität, Fachwissen, Wissen und herausragende Leistungen in Misskredit geraten. Künstler sind jetzt viel vorsichtiger gegenüber "großen Ideen" (z. B. ist jeder "Fortschritt" gut). Am wichtigsten ist, dass die "modernistische Kunst" nicht nur als elitär, sondern auch als weiß, von Männern dominiert und für Minderheiten uninteressiert angesehen wurde. Aus diesem Grund setzt sich die Postmoderne für die Kunst von Künstlern aus der Dritten Welt, Feministinnen und Minderheiten ein. Kritiker sagen jedoch, dass die postmoderne Bewegung – trotz ihrer angeblichen "Ablehnung" großer Ideen – viele eigene große Ideen zu haben scheint. Beispiele sind: "Alle Arten von Kunst sind gleichermaßen gültig"; "Kunst kann aus allem gemacht werden"; "Die Demokratisierung der Kunst ist eine gute Sache" (wie wäre es mit der Demokratisierung der Gehirnchirurgie?).

Umschreiben Andy Warhol "Jeder kann für 15 Minuten berühmt sein". Diese Idee fasst mehr als jede andere das postmoderne Zeitalter zusammen. Angesichts einer neuen unsinnigen Welt war die postmoderne Reaktion:

Okay, lass uns mit diesem Unsinn rumspielen. Wir akzeptieren, dass Leben und Kunst keine offensichtliche innere Bedeutung mehr haben, aber was nun? Lassen Sie uns experimentieren, die Kunst interessanter machen und sehen, wohin sie führt. Wer weiß, vielleicht können wir 15 Minuten lang berühmt sein!

Kunstunterricht

Die Postmoderne veränderte die Bildungsprioritäten an zahlreichen Kunsthochschulen. In den 1970er Jahren wurde die Kunst der Malerei (und in geringerem Maße Skulptur ), wurde als abgenutzt angesehen. Außerdem galt die Idee, vier Jahre lang daran zu arbeiten, die notwendigen Fähigkeiten dieser traditionellen bildenden Künste zu erlernen, als rückläufig. Es wurde angenommen, dass Kunst von der Elite befreit und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden sollte, und so begannen die Kunstschulen, einen neuen Absolvententyp zu entwickeln – jemanden, der sich mit postmodernen Formen und grundlegenden Produktionstechniken auskennt. Kurz gesagt, die individuelle "Kreativität" wurde als wichtiger angesehen als die Ansammlung handwerklicher Fähigkeiten.

Einsatz von Technologie

Die Ära der "postmodernen Kunst" fiel mit der Einführung mehrerer neuer bildbasierter Technologien (z. B. Fernsehen, Video, Siebdruck, Computer, Internet) zusammen und hat in großem Maße davon profitiert. Die neue Palette von Video- und Fotoaufnahmen hat die Bedeutung von verringert Zeichnung Fähigkeiten und die Manipulation der neuen Technologie haben es Künstlern (insbesondere denjenigen, die sich mit neuen Medien beschäftigen, wie Installation, Video und linsenbasierte Kunst) ermöglicht, die traditionellen Prozesse des "Kunstmachens" zu verkürzen, aber dennoch etwas Neues zu schaffen. Dies zeigt die dokumentarische Fotografie von Diane Arbus , das sich auf Angehörige von Minderheiten in New York City und die Videokunst des Koreaners konzentriert Nam June Paik (1932-2006).

Postmodernistischer Fokus auf Populärkultur

Der Begriff "Hochkultur" wird häufig von verwendet Kunstkritiker bei dem Versuch, die "Hochkultur" von Malerei und Skulptur (und anderen bildenden Künsten) von der "niedrigen" Populärkultur von Zeitschriften, Fernsehen, Pulp Fiction und anderen Massenware zu unterscheiden. Modernisten, zusammen mit ihren einflussreichen Anhängern wie Clement Greenberg (1909-94), als niedrige Kultur der hohen Kultur unterlegen. Postmodernisten hingegen, die eine demokratischere Vorstellung von Kunst bevorzugen, sehen die "Hochkultur" als elitärer an. So machte Pop-Art – die erste postmoderne Bewegung – Kunst aus gewöhnlichen Konsumgütern (Hamburger, Suppendosen, Päckchen Seifenpulver, Comics), die von Joe Public sofort erkannt wurden. Popkünstler und andere gingen bei ihren Versuchen, Kunst zu demokratisieren, noch einen Schritt weiter, indem sie ihre "Kunst" auf Tassen, Papiertüten und T-Shirts druckten: eine Methode, die im Übrigen den postmodernen Wunsch zum Ausdruck bringt, die Originalität und Authentizität von Kunst zu untergraben.

Mischen von Genres und Styles

Seitdem Neo-Dada Postmodernisten mischten gerne Dinge miteinander – oder injizierten neuartige Elemente in traditionelle Formen -, um neue Kombinationen und Pastiches zu kreieren. Fernando Botero schafft primitive Gemälde von übergewichtigen Figuren; Georg Baselitz malt verkehrte Figuren. Gerhard Richter kombinierte Kamerakunst und Malerei in seinen ’Foto-Gemälden’ der 1970er Jahre, während Jeff Koons kombinierte konsumistische Bilder (Ballonformen) mit hochmodernen bildhauerischen Techniken, um seine Balloon Dog Pop-Skulpturen (1994-2000) zu schaffen. inzwischen Andreas Gursky kombiniert Fotografie mit computergenerierten Bildern, um Werke wie Rhein II (1999, MOMA, New York) zu schaffen Jeff Wall verwendet digital bearbeitete Fotomontage in seinen postmodernistischen Bildkreationen.

Postmoderne Mehrfachbedeutungen

Postmoderne Künstler haben die Vorstellung verkannt, dass ein Kunstwerk nur eine inhärente Bedeutung hat. Stattdessen glauben sie, dass der Zuschauer ein ebenso wichtiger Sinnrichter ist. Die surrealistische Fotografie von Cindy Sherman beispielsweise unterstreicht die Idee, dass ein Kunstwerk auf verschiedene Arten interpretiert werden kann. In der Tat gestatten einige Künstler – wie die Performancekünstlerin Marina Abramovic (* 1946) – den Zuschauern sogar, an ihren „Kunstwerken“ teilzunehmen, oder erfordern sogar die Intervention von Zuschauern, um ihre Arbeit zu vervollständigen.

Kundenbedürfnisse erfüllen

Das Anwachsen des Konsums und die sofortige Befriedigung in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts haben auch die bildende Kunst stark beeinflusst. Verbraucher wollen jetzt Neuheit. Sie wollen auch Unterhaltung und Spektakel. Als Reaktion darauf haben viele postmoderne Künstler, Kuratoren und andere Fachleute die Gelegenheit genutzt, Kunst zu einem "Unterhaltungsprodukt" zu machen. Die Einführung neuer Arten von Kunst Zum Beispiel – wie Performance, Happenings und Installationen – zusammen mit neuen Themen – darunter Dinge wie tote Haie, sterbende Fliegen, riesige Eisskulpturen, Massen nackter Körper, Gebäude, die in Bewegung zu sein scheinen, eine Sammlung von 35.000 Terrakotta-Figuren, mit rosa Polypropylen-Stoff umwickelte Inseln, bemalte Körper, gespenstische projizierte Bilder auf öffentlichen Gebäuden usw. haben den Zuschauern eine Reihe neuer (manchmal schockierender) Erfahrungen beschert. Ob diese neuen sogenannten Kunstformen tatsächlich "Kunst" darstellen, bleibt umstritten. Die postmodernen Konzeptualisten sagen "Ja", die Traditionisten "Nein".

Spektakel im Fokus

In Ermangelung eines wirklichen Sinns für das Leben – besonders wenn wir Tag und Nacht von Radio- und Fernsehwerbung bombardiert werden und gleichzeitig gezwungen sind, Politikern zuzuhören, erklären wir, dass zwei plus zwei gleich drei sind – haben Postmodernisten es vorgezogen, sich auf Stil und Kunst zu konzentrieren Spektakel, oft mit Werbemitteln und Techniken für maximale Wirkung. Beispielhaft für diesen Ansatz sind die kommerziellen Druckmethoden, Bilder im Plakatstil und Grundfarben von Pop-Künstlern wie Roy Lichtenstein und James Rosenquist . Diese Fokussierung auf die Oberfläche ist ein wiederkehrendes Merkmal der postmodernen Kunst und geht manchmal mit melodramatischen, blendenden oder sogar schockierenden Bildern zu weit. Siehe zum Beispiel die Modefotografie von Nick Knight und David LaChapelle. Seit 1980 hat der Einsatz von Computern und anderen Technologien die multimediale Kunst (z. B. Animation) revolutioniert und besondere Möglichkeiten in Bereichen wie Architektur und Projektionsmapping geschaffen.

Die Bedeutung, die die Postmoderne der Aufmerksamkeit des Publikums beimisst, wird durch die Schocktaktik einer Gruppe von Goldsmiths College – Studenten – verdeutlicht Junge britische Künstler – Ende der 1980er und 1990er Jahre in London. Bekannt geworden durch drei Ausstellungen – Freeze (1988) und Modern Medicine (1990), beide kuratiert von einem unbekannten Studenten namens Damien Hirst (geb. 1965) und Sensation (1997) – wurden die YBAs für ihren schockierenden schlechten Geschmack lambastiert und doch Einige (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen und Mark Wallinger) wurden später Turner-Preisträger Andere (Jake und Dinos Chapman, Tracey Emin, Marc Quinn und Jenny Saville) erlangten ebenfalls beträchtlichen Ruhm und Reichtum.

Drei Prinzipien der "postmodernen Kunst"

1. Sofortige Bedeutung

Keine verblassten Ölgemälde mehr, die obskure Ereignisse aus der griechischen Mythologie darstellen, um bei kultivierten Zuschauern ein wissendes Lächeln hervorzurufen. Von den Anfängen in der Pop-Art-Bewegung an war die postmoderne Malerei und Skulptur kühn, hell und sofort erkennbar. Die Themen und Bilder wurden größtenteils von hochkarätigen Konsumgütern, Zeitschriften, Werbegrafiken, Fernsehern, Filmen, Zeichentrickfilmen und Comics entlehnt. Zum ersten Mal verstand jeder die ausgestellte Kunst. Obwohl sich die Postmoderne seit der Pop-Art weiterentwickelt hat, bleibt ein zentrales Ziel die sofortige Anerkennung.

Einige Werke der "postmodernen Kunst" werden jedoch "augenblicklicher" verstanden als andere. Nehmen wir zum Beispiel Equivalent 1 (1966, Kunstmuseum, Basel) von Carl Andre (geb. 1935). Es ist eines dieser Kunstwerke, die von einem Experten erklärt werden müssen, bevor sie geschätzt werden können. Es ist eine postmoderne minimalistische Skulptur, die aus 120 normalen Bausteinen besteht. Die Steine ​​werden in zwei Schichten zu je 60 Steinen übereinander auf dem Boden verlegt, und zwar in einer präzisen rechteckigen Anordnung von drei zu zwanzig Einheiten. Auf den ersten Blick sieht dieses Meisterwerk der zeitgenössischen Kunst wie etwas aus, das man auf einer aufgeräumten Baustelle sehen kann. Glücklicherweise sagt Ihnen Ihr Katalog in der Kunstgalerie, dass Andre 1965 beim Kanufahren auf einem See in New Hampshire seine radikale Entscheidung getroffen hat, Kunst flach auf dem Boden zu machen, und dass dieser majestätische Ziegelhaufen sein künstlerisches Credo darstellt, das "Form = Struktur =" Ort." Zufällig wurde das ursprüngliche Äquivalent 1 1966 "zerstört" und 1969 "neu hergestellt". (Vielleicht brauchten sie die Bausteine ​​für etwas).

2. Kunst kann aus allem gemacht werden

Fortsetzung der Traditionen von Marcel Duchamp – dessen Urinal mit dem Titel "Fountain" (1917) das erste berühmte Beispiel dafür war, dass ein gewöhnliches Objekt zu einem Kunstwerk gemacht wurde – haben Postmodernisten es sich zum Ziel gesetzt, Kunst aus den unwahrscheinlichsten Materialien und Abfallstücken zu schaffen. Sehen: Junk-Art . Bildhauer, Installateure und Montagekünstler haben Kunst aus Industrieschrott, Gasmasken, Filz, menschlichen Schädeln, menschlichem Blut, toten Fliegen, Neonlicht, Schaumgummi, Suppendosen, Beton, Gummi, alten Kleidern, Elefantenkot und Mehr. Die Idee dahinter ist, Kunst zu demokratisieren und zugänglicher zu machen.

3. Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk

Bis in die 1960er Jahre glaubten Künstler (einschließlich Picasso, Pollock und Lichtenstein) im Großen und Ganzen, dass es ohne ein fertiges Produkt nichts gäbe. Daher wurde der Qualität des fertigen Kunstwerks und der Handwerkskunst, die für dessen Herstellung erforderlich war, große Aufmerksamkeit geschenkt. Heute ist das anders. Postmodernisten glauben in der Regel eher an das Konzept hinter dem fertigen Produkt als an das Produkt selbst. Aus diesem Grund wird viel "postmoderne Kunst" als "Konzeptkunst" oder "Konzeptualismus" bezeichnet. Ein Beispiel für diesen neuen Ansatz ist das konzeptuelle Kunstwerk (eine Liste von Anweisungen) von Martin Creed mit dem Titel "227: Die Lichter gehen an und aus" (2001), das mit dem Preis ausgezeichnet wurde Turner-Preis 2001. Andere Formen von No-Product-Conceptualism sind Installationen (immerhin nur temporäre Angelegenheiten), Performance-Kunst, Happenings, Projektionskunst und so weiter.

Vielleicht das ultimative Beispiel für konzeptuelle Kunst war die Ausstellung im März 2009 im Französischen Nationalmuseum für zeitgenössische Kunst in der Centre Pompidou in Paris. Unter dem Titel "Die Spezialisierung der Sensibilität im Rohstoffzustand in eine stabilisierte Bildsensibilität" bestand sie aus neun völlig leeren Räumen und sonst nichts.

Sammlungen postmoderner Kunst
Besuchen Sie für zwei hervorragende Ausstellungen postmoderner Kunst die Saatchi Galerie in London oder der Guggenheim, New York .

Postmoderne Kunstbewegungen

Bisher gab es keine große internationale Kunstbewegungen während der postmodernen Zeit. Stattdessen sind in der Ära eine Reihe enger, lokalisierter Bewegungen sowie einige brandneue Kunstarten wie Video- und Wortmalerei aufgetaucht. Darüber hinaus gab es Dutzende von künstlerischen Splittergruppen sowie eine oder zwei antipostmoderne Schulen, deren Mitglieder sich bemüht haben, die Kunst zu produzieren, auf die Michelangelo oder Picasso stolz gewesen wären. Hier ist eine kurze Liste der wichtigsten postmodernen Bewegungen und Stile, einschließlich der meisten neuen Kunstformen.