Dokumentarfotografie: Eigenschaften, Geschichte 2 705 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Weitere Informationen zu den frühen Erfindungen, auf denen die heutige Kunst auf Linsenbasis beruht, finden Sie unter: Geschichte der Fotografie (c.1800-1900).

FOTOGLOSSAR
Für kurze Erklärungen von
Kamera und fotografisch
Ausdrücke, sehen Sie bitte:
Kunstfotografie-Glossar .

KAMERAKÜNSTLER
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Künstler und Erfinder, siehe:
Fotografen: 19. Jahrhundert .

Definition und Eigenschaften

Es gibt keine genaue Definition oder Bedeutung des Begriffs "Dokumentarfotografie", da es sich tatsächlich um einen Überbegriff für eine Vielzahl von Kameraarbeiten handelt. Um es jedoch von anderen Formen zu unterscheiden Kunstfotografie Wir können sagen, dass "Dokumentarfotografie" eine Art scharfe Fotografie ist, die einen Moment der Realität einfängt, um eine aussagekräftige Botschaft über das Geschehen in der Welt zu vermitteln. Im Gegensatz zu Fotojournalismus – der sich auf Eilmeldungen konzentriert – oder " Strassenfotografie "- die sich ausschließlich auf einen interessanten Moment des normalen Alltags konzentriert -" Dokumentarfotografie " konzentriert sich in der Regel auf ein fortlaufendes Thema (oder eine Geschichte), das bzw. die durch eine Reihe von Fotografien erzählt wird größte Fotografen Dokumentarfotos sollen in der Regel die Öffentlichkeit auf reale Situationen aufmerksam machen, die (nach Ansicht des Fotografen) dringend Abhilfemaßnahmen erfordern. Typische Themen sind: beschämende, diskriminierende oder schädliche Arbeits- oder Lebensbedingungen, die mit einer bestimmten Gruppe von Kindern oder Erwachsenen verbunden sind; Gesundheitsprobleme oder Skandale; Umweltprobleme, Menschenrechtsverletzungen und viele andere Probleme. Neben der sozialen Dokumentarfotografie gibt es zwei andere Formen der Dokumentararbeit: die Kriegsfotografie und die Naturschutzfotografie. Das Genre der Kriegsfotografie – am Beispiel der fotografischen Arbeit von Don McCullin (geb. 1935) – spricht für sich. Naturschutzfotografie unterdessen – am Beispiel von Ansel Adams (1902-84) – ist eine Art dokumentarischer Naturfotografie, die die Aufmerksamkeit auf Themen der Tierwelt und der natürlichen Umwelt lenkt. Man sollte jedoch beachten, dass das Dokumentarfilm-Genre weit mehr als die oben genannten Kategorien umfasst: die ländliche Porträtmalerei der Depression Walker Evans (1903–1975) und die Fotoserie über das Action-Painting von Jackson Pollock von Hans Namuth (1915-90), zwei Beispiele dafür. Und wie sollten wir die erstaunliche Sammlung von Fotos der verschwundenen Pariser Architektur zusammenfassen? Eugene Atget (1857-1927) oder die Fotos des Pariser Nachtlebens von Brassai (1899-1984), oder die River Rouge Autofabrik Aufnahmen von Charles Sheeler (1883-1965) oder die Chronik von Roman Vishniac (1897-1990) über die jüdische Kultur in Mittel- und Osteuropa vor dem Holocaust. HINWEIS: Siehe auch Holocaust-Kunst , einschließlich der kraftvollen Dokumentarfotos von Margaret Bourke-White, aufgenommen in Buchenwald.

Kurz gesagt, Dokumentarfotografie ist so breit wie die Welt, die sie aufnehmen möchte.

Eine kurze Einführung in die Ästhetik und den künstlerischen Charakter der Linsenkunst finden Sie unter: Ist Fotografie Kunst?

Geschichte

Die einfachen Anfänge der Dokumentarfotografie finden sich in der Arbeit des britischen Fotografen Philip Delamotte (1821-89), der als einer der ersten Künstler die Fotografie als Mittel zur Aufzeichnung wichtiger Ereignisse – wie der Zerlegung des Crystal Palace – nutzte die Erfindung der Kalotypienfotografie. Wichtige Anfänge sind auch Reisebilder von Francis Frith (1822-98) sowie von Firmen wie dem London Stereoscope und Photographic Co in Auftrag gegebene. Die Menschen interessierten sich sehr für detaillierte Bilder von weit entfernten Orten, berühmten Persönlichkeiten und wichtigen Ereignissen. Die Schlachtfeldlandschaften und -gruppen, die Roger Fenton (1819-69) auf der Krim fotografierte, waren authentische Darstellungen des Krieges, wenn auch nach heutigen Maßstäben langweilig. Fenton wurde vom Print-Verlag Thomas Agnew gesponsert und ging mit dem Segen der britischen Regierung. Ein großer Skandal ereignete sich – für jeden von den Russen getöteten waren fünf Soldaten an einer Krankheit gestorben. Eine neue Regierung musste beweisen, dass sie den Truppen nun die richtigen Einrichtungen zur Verfügung stellte. Dies ist ein Grund, warum Fentons 360-Bilder oft lange nach der Aktion ordentliche Lagerszenen, Vorräte, formelle Gruppen von Offizieren und Schlachtfelder zeigen. Leichen werden selten gezeigt. Die Leute sagten, die Kamera könne nicht lügen, obwohl Realität und Wahrheit bereits 1855 verzerrt wurden.

Mathew Brady (1822-96)

Fenton war der erste, aber nicht der produktivste Dokumentar-Kriegsfotograf. Der amerikanische Bürgerkrieg (1861-1865) wurde mit Hilfe von Fotografien, die dem Gemetzel nicht aus dem Weg gingen, viel ausführlicher behandelt. Die Idee, über diesen Krieg zu berichten, war die Idee – und Besessenheit – eines Mathew Brady, eines bekannten Inhabers von modischen Porträtstudios in New York und Washington. Brady hatte bereits eine Porträtserie von "Illustrious Americans" veröffentlicht und war von der historischen Bedeutung der Dokumentation des Krieges überzeugt. Er erhielt nur widerwillig die offizielle Erlaubnis, in den Kampfgebieten zu arbeiten, aber keine finanzielle Unterstützung. Brady gab jedoch Tausende von Dollar aus, um Teams von Collodion-Fotografen ins Feld zu schicken, die die wichtigsten Aspekte des Krieges abdecken. Etwa 7000 Negative wurden größtenteils von Mitarbeitern gemacht, obwohl alle als "Brady-Fotos" bezeichnet wurden.

Natürlich haben andere Fotografen auch Kriegsszenen gezeigt, aber keine mit Bradys Gründlichkeit und Organisation. Er sah sich als Bildhistoriker seiner Zeit, und seine Besessenheit mit den Kriegsfotografien trug zu seinem finanziellen Niedergang bei. Nach dem Ende des Krieges im Jahr 1865 waren die Menschen von dem Konflikt zu krank, als dass sie daran erinnert werden wollten. Die Regierung war zunächst nicht bereit, die Sammlung zu kaufen, und als Brady zu einer realistischen Summe gewählt wurde, war er hoffnungslos verschuldet. Heute befinden sich die meisten Brady-Bilder in der Library of Congress, Washington.

Tim O’Sullivan (1840-82)

Ein paar Jahre nach dem Krieg arbeitete ein ehemaliger Brady-Fotograf, Tim O’Sullivan, an einem anderen neuen Aspekt der Dokumentarfotografie. Die heutigen Vereinigten Staaten sandten Expeditionen aus, um geologische Informationen über ihre weniger bekannten Gebiete – Nevada und die Rockies, Panama, New Mexico – zu kartieren und zu entdecken. Die Fotografie war der ideale Weg, um die Berge, Pässe und andere landschaftliche Wunderwerke zu dokumentieren, um sie den Beamten zu Hause in Washington DC im Detail zu zeigen. Stellen Sie sich vor, wie aufregend es gewesen sein muss, Bilder von einer nahezu unbekannten Schlucht zu machen. Sie wären das Äquivalent der heutigen Weltraumaufnahmen anderer Planeten gewesen.

William Jackson (1843–1942)

Andere Fotografen wanderten mit diesen Packpferden und Zeltexpeditionen der späten 1860er und frühen 1870er Jahre nach Westen. Der berühmteste war William Jackson, ein professioneller Fotograf, der freiberuflich die Landschaft entlang der kürzlich fertiggestellten Union Pacific Railroad fotografierte und sich dann an Umfragen in Wyoming und der Yellowstone-Region beteiligte. Wie O’Sullivan hatte er ein Gespür für Landschaftskompositionen mit Nasskameras und Stereokameras. Jacksons Fotografien der Wunder von Yellowstone wurden in den Hallen des Kongresses als Beweis für Expeditionsentdeckungen ausgestellt. Sie beeinflussten die Stimmen bei der Verabschiedung des Gesetzes von 1872, mit dem Yellowstone als erster US-Nationalpark gegründet wurde, stark. Einige der natürlichen Merkmale, die diese Umfragen entdeckten, wurden nach Mitgliedern der Expedition, einschließlich ihrer Fotografen, benannt. Daher erinnern Jackson Canyon, Jacksons See, Mount Haynes, Mount Watkins und andere an Pioniere der Dokumentarfotografie.

Soziale Dokumentarfotografie

So wie Bradys Bilder dazu beitrugen, zu zeigen, wie Krieg wirklich war, wurde die Dokumentarfotografie nach und nach eingesetzt, um das Leben der Armen und Benachteiligten zu enthüllen. Dr. Thomas John Barnardo, der berühmte britische Gründer von Häusern für mittellose Jungen, begann bereits 1870 mit der Fotografie. Er war schlau genug, professionelle Fotos von Jungen zu machen, als sie bei ihrer Ankunft auftauchten und als sie die Häuser von Barnardo wieder verließen. Jedes Foto war wie eine Visitenkarte auf eine Karte geklebt. Auf der Rückseite war ein Text aufgedruckt, der die Arbeit der Häuser erklärte. Karten wurden verkauft und in Sätzen gesammelt. Sie schufen eine sehr effektive Öffentlichkeitsarbeit und sammelten Mittel, um für Lebensmittel und Kleidung zu bezahlen.

John Thomson (1837–1921)

Einige Jahre später, im Jahr 1877, wurde von den Sozialreformern John Thomson und Adolphe Smith ein Buch mit dem Titel Street Life in London veröffentlicht. Es beschrieb das Leben verschiedener Exemplare der Armen in London und enthielt 36 Thomson-Fotografien (reproduziert von Woodburytype). Die Fotografien dokumentierten Beispiele der verschiedenen Berufe der Zeit. John Thomsons Collodion-Bilder sind in dem Sinne „aufgestellt“, dass die meisten seiner Motive in ihrer normalen Umgebung, einer Straßenkehrmaschine oder einem Zeitungsverkäufer, gestellt wurden. Er fotografierte sie unsentimental, aber eher distanziert – wie sorgfältig aufgezeichnete Beispiele eines ungewöhnlichen Stammes oder einer ungewöhnlichen Spezies. (Der Maler des 16. Jahrhunderts Peter Bruegel der Ältere Auf ähnliche Weise zeichneten sie die Aktivitäten der mittelalterlichen Bauern auf.) Dennoch war es ein Durchbruch, Fotos von solchen „ungeeigneten“ Themen wie den Armen und Vernachlässigten zu veröffentlichen: Einige Leute dachten, sie würden ein künstlerisches Medium missbrauchen.

Paul Martin (1864-1944)

Neue Schnappschusskameras ab Ende der 1880er Jahre machten es einfacher, auf weniger formelle Weise fotografische Aufzeichnungen über das Leben gewöhnlicher Menschen zu erstellen. Viele solcher Bilder sind mit der Zeit verloren gegangen, aber einige Sammlungen sind erhalten und geben uns jetzt wertvolle Informationen. Es gibt zum Beispiel viele Arbeiten von Paul Martin, einem Londoner Holzstecher, der zum Fotografen wurde. Martin kümmerte sich um die normale professionelle Arbeit, nahm aber auch gerne Menschen und Dinge auf, wie sie der Mann in den 1890er Jahren auf der Straße sah. Meist fotografierte er mit einer großen, getarnten Boxkamera. Es sah aus wie ein Päckchen oder eine Kiste und war so angeordnet, dass es operiert werden konnte, wenn es unter seinem Arm gehalten wurde. Martin konnte also alles fotografieren, was er sah, ohne dass es jemand bemerkte. Keine der Fotografien von Paul Martin plädiert für Reformen oder vertritt einen anderen Standpunkt als sein Interesse an Mitmenschen. Sie zeichnen einfach die authentische Passierszene auf und wurden als solche zu dieser Zeit als „nicht-künstlerisch“ abgetan. (Es ist traurig, dass Amateurfotografen, die fortschrittlicher und kompetenter wurden, sich vom zeitgenössischen Leben und der realen Welt abwandten und dies den Anfängern überließen. In ähnlicher Weise konnten Profis keinen Markt für Bilder von alltäglichen Szenen finden, die in den billigeren Gegenden fotografiert wurden Stadt, Dorf.)

Jacob Riis (1849-1914)

Die Ungerechtigkeiten, mit denen benachteiligte Menschen leben mussten, waren im 19. Jahrhundert viel größer als heute. Es war eine Zeit der "Selbsthilfe" – die Armen wurden als gescheitert akzeptiert und als Warnung an andere hochgehalten. Die Öffentlichkeit hatte ein distanziertes, krankhaftes Interesse. Sie besuchten Vorträge mit Titeln wie The Heathen Abroad und The Unfortunate oder Improvident At Home .
Trotzdem könnte ehrliche Dokumentarfotografie die Menschen mehr beunruhigen. Es konnte überzeugend und detailliert zeigen, wie es war, im Alter von 8 oder 9 Jahren in den Slums eingemauert zu leben oder 10 Stunden am Tag in einer Baumwollspinnerei oder Kohlemine zu arbeiten.

Besonders in Teilen von Amerika herrschten schlechte Bedingungen. Nach dem Bürgerkrieg beeilte sich das Land, das industrielle Wachstum aufzuholen. Es schien, dass die Menschen nicht so wichtig waren, wie die Produktionskosten zu senken und die Gewinne zu steigern. Ein New Yorker Zeitungsreporter namens Jacob Riis kümmerte sich leidenschaftlich um die Situation in seiner Stadt, in der Kinder für 30 Cent pro Tag arbeiteten und ganze Familien in feuchten Kellern lebten. In den 1890er Jahren schrieb er bitter über Slums und setzte sich für bessere Lebens-, Lern- und Arbeitsbedingungen ein. Er entdeckte zum Beispiel, dass eine Drittel-Million Menschen, hauptsächlich Einwanderer aus Ost- und Südeuropa, auf eine Quadratmeile der Lower East Side gepackt waren.

Die Leute dachten, Riis übertreibe, also nahm er die Fotografie auf, um seine Berichte zu beweisen. Flashpowder ermöglichte es ihm, Bilder von mittellosen Menschen bei Nacht und unter anderen technisch schwierigen Bedingungen aufzunehmen. Riis interessierte sich nicht für die künstlerischen Aspekte der Fotografie. Er verwandelte seine Bildnachweise in Laternenrutschen und hielt damit öffentliche Vorträge. Sie wurden auch grob als Illustrationen für neun Bücher reproduziert, darunter sein inzwischen berühmter Titel von 1890 "How The Other Half Lives".

Riis ’Fotografien enthüllten Tatsachen und Situationen, von denen die meisten Bürger kaum glaubten, dass sie existierten. Schließlich führten seine Bemühungen zu neuen Kinderarbeitsgesetzen, die Ausstattung der Schulen wurde verbessert und einige der schlimmsten Slums wurden abgerissen und durch Siedlungen und Freiflächen ersetzt. In New York markiert Jacob Riis Park heute den Ort einer der schlimmsten Gegenden – eine permanente Erinnerung an diesen frühen Dokumentarjournalisten / Fotografen.

Lewis Hine (1874-1940)

Auch andere Reformer entdeckten die Überzeugungskraft der Fotografie. Lewis Hine, ein ehemaliger Arbeiter, der sich seinen Weg zur Universität bahnte und einen Abschluss in Soziologie machte, war krank darüber, wie die US-Regierung das Wohlergehen von Unternehmen vor das Wohlergehen von Menschen stellte. 1908 gab er seine Lehrtätigkeit auf, um hauptberuflich Dokumentarfotograf zu werden, nachdem er gelernt hatte, wie man eine Ansichtskamera und ein Blitzpulvergerät benutzt.

Hine begann, einige der Zehntausende von Menschen zu fotografieren, die damals nach Amerika kamen, um das versprochene Land zu finden – Einwanderer, die in der Regel in Schweißfabriken arbeiteten und in Slums lebten. Bald darauf wurde er vom National Child Labour Committee (NCLC) eingestellt und bereiste die USA als Ermittler / Fotograf, um zu zeigen, wie Industrielle Jugendliche für billige Zwangsarbeit einsetzen. Etwa 1, 7 Millionen Kinder waren damals gewerblich beschäftigt, aber die meisten Bürger akzeptierten dies nur – bis Hine die Statistiken in detaillierte Bilder von Menschen aus Fleisch und Blut umwandelte. Oft infiltrierte er eine Fabrik mit einer in einer Brotdose versteckten Graflex-Handkamera, interviewte und fotografierte dann Kinderarbeiter.

Hine entdeckte Situationen wie Kinder im Alter von 6 oder 7 Jahren in Baumwollspinnereien, die an einem 12-Stunden-Tag arbeiteten. Er machte Aussagen, zeichnete ihre Körpergröße (gegen seine Mantelknöpfe) und ihren allgemeinen Gesundheitszustand auf und fotografierte sie dann unsentimental unter ihren beengten, gefährlichen Arbeitsbedingungen. All diese Art menschlicher Information wurde öffentlich durch NCLC-Broschüren vorgeführt, die dank der Entwicklung von Halbtonblöcken nun mit Fotografien illustriert wurden.

Einige Leute nannten Hine einen Mistjournalisten; andere nannten ihn ein Gewissen mit einer Kamera. In jedem Fall haben seine tausenden Fotos und detaillierten Fallbeispiele den mächtigen Widerstand der Arbeitgeber gegen Reformen zunichte gemacht. Hine setzte diese Arbeit bis in die 1930er Jahre fort, bis schließlich ein Bundesgesetz gegen Kinderarbeit verabschiedet wurde.

Die Farm Security Administration

1929 stürzte der New Yorker Aktienmarkt ab. Es war der Beginn einer Depression, die in den 1930er Jahren andauerte. Bald waren Millionen arbeitslos und viele Unternehmen kamen zum Erliegen. Darüber hinaus traf eine anhaltende Dürre die Ackerlandebenen Mittelamerikas in den Jahren 1932-1936 und erzeugte eine große Staubschale von Texas bis zu den Dakotas. Die Mechanisierung durch Traktoren hatte bereits Kleinbauern vom Land vertrieben und die verfügbaren Arbeitsplätze reduziert. Diese Kombination von Katastrophen ließ die Menschen nach Westen nach Kalifornien ziehen. Dazu gehörten Pächter (Wanderarbeiter, die normalerweise die Ernte der Erbsen, Orangen, Baumwolle usw. nachverfolgten) sowie gescheiterte oder enteignete Landwirte. Ganze Familien wurden in ramponierte Autos gestapelt oder ihre Habseligkeiten in Handkarren geschoben. Die Menschen lebten in Zelten und Barackenstädten am Rande der Autobahn.

Die US-Regierung richtete eine Neuansiedlungsbehörde ein, um diesen unglücklichen Menschen zu helfen. Im Jahr 1935 hieß es Farm Security Administration und der College-Absolvent Roy Stryker (1893-1975) wurde beauftragt, eine historische Abteilung zu leiten. Im Geiste von Hine und anderen beschloss er, Fotografen einzustellen, die den Amerikanern direkt zeigen konnten, wie es war, in den betroffenen Gebieten zu leben. Dorothea Lange (1895-1965), Walker Evans (1903-75), Arthur Rothstein (1915-85), Ben Shahn (1898-1969) und andere Fotografen (insgesamt etwa 30, jedoch nicht mehr als 6) wurden angewiesen, überzeugende Bilder zu machen und die Erfahrungen der Flüchtlinge aus erster Hand kennenzulernen.

Stryker war ein brillanter Benutzer von Fotografien – er hatte ein Gespür für historische Perspektiven wie Brady. Beide sahen den Wert der Aufzeichnung von Ereignissen von großer gesellschaftlicher Bedeutung. Aber jetzt, da die Bilder direkt an die Pressevertreter der Nation im ganzen Land weitergeleitet werden konnten, konnte der Skandal dieser ländlichen Slums sichtbar werden. Mitglieder der FSA-Einheit fotografierten Migrantenlager, entblößte Landschaften, verlassene Gehöfte, Menschen auf den Autobahnen, Familien hilflos, besiegt, vergessen. Meistens mieden sie Bilder, die nur malerisch, selbstgefällig oder falsch waren. Stryker ließ sogar Fotos von reichen Amerikanern machen, die damals in Miami Urlaub machten, um den Lebensstilen stark entgegenzuwirken.

FSA-Bilder und Bildunterschriften wurden an Zeitungen und Zeitschriften verteilt; Ausstellungen wurden nach Washington DC, New York und in andere Städte geschickt. John Steinbeck, inspiriert von Dorothea Langes Einwanderungsbildern, recherchierte und schrieb "Grapes of Wrath". Walker Evans ’Bilder wurden vom Dichter James Agee in seinem Buch "Now Let Us Praise Famous Men" verwendet. Jetzt wurden auch Dokumentarfilme gedreht – sie standen in scharfem Kontrast zu dem glänzenden Bild von Amerika, das Hollywood zu dieser Zeit gab.

Die öffentliche Unterstützung blühte auf und bald nahmen die staatlichen Beihilfen für Umsiedlungsprogramme zu. Durchgangslager wurden eingerichtet, Arbeit geleistet und Hilfe für die Wiederaufnahme der Tätigkeit geleistet. Es war ein klassisches Beispiel für eine kleine Gruppe von Fotografen, die es geschafft haben, eine Situation zu ändern. Die FSA-Einheit dauerte von 1935 bis sie 1941 in das US Office of War Information aufgenommen wurde. Bis dahin war der Fotojournalismus sowohl in Amerika als auch in Europa gut etabliert.

Leni Riefenstahl (1902-2003)

Der deutsche Filmemacher und Fotograf Leni Riefenstahl veranschaulicht die dunkle Kunst des propagandistischen Films und der Fotografie. Am bekanntesten für ihre Dokumentarfilme "Triumph des Willens" (1934) und "Olympia" (1936), die die Werte der arischen Überlegenheit und der nationalsozialistischen Ideologie in der Welt bekannt machten, war sie Pionierin vieler der Kinematografietechniken, die wir heute für selbstverständlich halten. In den 1970er Jahren produzierte sie auch zwei Bücher mit Farbfotos, die die nubischen Stämme des Sudan dokumentierten. Leider wurden ihre Talente von ihr überschattet Nazi-Kunst und ihre Verbindung mit Hitler.

Zeitungsfotografie und Fotojournalismus

Die technischen Probleme bei der Reproduktion von Fotografien in Tinte auf der gedruckten Seite wurden in den 1880-1890er Jahren weitgehend gelöst. Ungefähr zu dieser Zeit begann auch die Schulpflicht für Kinder bis 10 Jahre. Dies bedeutete, dass um die Jahrhundertwende weit mehr Erwachsene lesen konnten (wenn auch nicht sehr gut). Bestehende Zeitungen mit ihren soliden, kleinen Kolonnen waren für diese neue Leserschaft nicht sehr ermutigend. Zeitungsinhaber erkannten, dass Nachrichten, die in Bildern mit leicht lesbaren Untertiteln und kurzen Absätzen ausgedrückt wurden, einen riesigen neuen Markt erobern würden. Dies führte zu Zeitungen wie dem Daily Mirror , der 1904 als weltweit erste Zeitung herausgegeben wurde und ausschließlich mit Fotografien illustriert wurde. Es war ein sofortiger Erfolg.

Die Zeitungen beschäftigten ihre eigenen Fotografen und kauften auch Fotos von Pressefotoagenturen, die Kameramänner sendeten, die über die meisten wichtigen Nachrichtenereignisse berichteten. Ihre Aufgabe bestand im Wesentlichen darin, eine Situation oder eine Person auf einem Bild zusammenzufassen und diese dann für die nächste Ausgabe vorzubereiten. Geschwindigkeit war wichtiger als technische Qualität (ein Grund, warum Platten bevorzugt wurden – sie konnten abgewischt und vergrößert werden, wenn sie noch feucht waren). Die meisten der ersten Nachrichtenbilder waren Porträts, aber als sich die Linsen und das Fotomaterial verbesserten, wurden mehr Actionbilder möglich. Blitzlampen wurden für Motive unter schwierigen Lichtverhältnissen verwendet. 1907 konnten sogar Fotos per Telegrafendraht von einem Zeitungsbüro zu einem anderen übertragen werden – auch von Land zu Land. "Heiße" Nachrichtenbilder konnten fast so schnell wie das geschriebene Wort verbreitet werden.

Die Möglichkeiten, Fotos in gedruckter Form zu verwenden, wurden mit dem Erscheinen wöchentlicher Bildmagazine in den 1920er Jahren noch größer. Hier könnte der Fotograf mehr Spielraum bekommen – mehrere Seiten könnten eine Geschichte erzählen und ein Thema durch eine Reihe von Bildern entwickeln. Beispielsweise könnte die Zeitschrift anstelle des einzelnen Pressefotos eines Torhüters, der ein Tor spart, ausführlich über "Ein Tag im Leben eines Torhüters" berichten. Eine Bildfunktion ermöglichte es, viel umfassendere Aspekte als eine Nachricht zu behandeln.

Fotografen in Bildmagazinen mussten auf journalistische Weise arbeiten und Bildersets mit einer interessanten Handlung und einem starken Anfang und Ende anstreben. Diese Art von Arbeit wurde bald als Fotojournalismus bekannt. Es unterscheidet sich von der reinen Dokumentarfotografie dadurch, dass Ereignisse vom Fotografen oder der Zeitschrift offener interpretiert werden. Wie der schriftliche Journalismus kann ein Bildessay eine persönliche Sichtweise vermitteln. Es endet auch nicht mit der Fotografie, denn die Auswahl und das Zuschneiden von Abzügen, das Schreiben von Texten und die Art und Weise, wie die Reihenfolge auf den Seiten des Magazins angeordnet ist, können die endgültige Bildgeschichte stärken oder schwächen. Der Kunstredakteur, dessen Aufgabe es ist, die Arbeit des Fotografen auf sinnvolle Weise zusammenzustellen (anstatt sie nur auf der Seite zu gruppieren), wird ein wichtiges Mitglied des Teams.

Bildmagazine begannen Mitte der 1920er-Jahre in Deutschland, als dieses Land das Druckzentrum der Welt und zugleich die Quelle der weltweit modernsten Kameras mit Weitwinkelobjektiven war. Diese fingen an, Fotografie in ziemlich schwachem Licht zu ermöglichen, ohne die Blitzutensilien des Pressefotografen zu benötigen. Das wohl früheste Bildmagazin war 1928 die Berliner Illustrierte Zeitung .

In den 1930er Jahren verbreitete sich der neue Stil der Berichterstattung in ganz Europa und Amerika. Die Herausgeber des Time Magazine begannen LIFE 1936; Rivalen ins Leben gerufen Schauen Sie im folgenden Jahr. In Großbritannien erschienen Picture Post und Illustrated 1938 und 1939, Paris Match 1949. Tatsächlich war 1935-1955 das goldene Zeitalter für Bildmagazine.

Erich Salomon (1886–1944)

Der talentierteste Fotograf, der für die Berliner Illustrierte Zeitung arbeitete, war der diskrete jüdische Arzt Erich Salomon. In den frühen 1930er Jahren war Europa ein Bienenstock internationaler Konferenzen. Politiker trafen sich in Berlin, Paris, Wien und Rom, um drohende Konflikte zu vermeiden, und versuchten, einen Völkerbund zu gründen. Konferenzen zwischen Diplomaten und Staatsmännern wurden hinter verschlossenen Türen abgehalten – die einzigen Fotos, die die Menschen sahen, waren formelle Holzgruppen, die für die Presse aufgestellt wurden.

Salomon hatte eine winzige Ermanox-Plattenkamera. Salomon verkleidete sich im Abendkleid und nutzte seine Fähigkeit, sieben Sprachen zu sprechen, um viele Konferenzen höflich zu zerschlagen. Er ging diskret unter berühmten Politikern vorbei und fotografierte mit vorhandener Innenbeleuchtung, wobei die Kamera halb unter seiner Jacke versteckt war. Seine einzigartigen Bilderserien vermittelten die allgemeine Atmosphäre und zeigten die Persönlichkeiten der Teilnehmer in unbewachten Momenten, die in Diskussionen nach dem Abendessen vertieft waren. Sie standen in scharfem Kontrast zu dem blendenden Blitz und Rauch, die jeder mit Kameraleuten in Verbindung brachte, und machten sie zu einem unerwünschten Ärgernis.

Für den Leser der Zeitschrift gab diese neue Form der politischen Berichterstattung ein echtes Gefühl, da zu sein. Worüber sprachen diese Leute – worüber planten sie? Andere Fotojournalisten folgten Salomons Vorbild, meistens mit kleineren Kameras wie der Leica, die es ermöglichten, Bilder schneller nacheinander aufzunehmen und eine größere Schärfentiefe zu erzielen. Leider sollte Salomon 1944 durch die Nazis im Vernichtungslager Auschwitz sterben.

Henri Cartier-Bresson (1908-2004)

Wahrscheinlich der berühmteste und originellste aller ’aufrichtigen’ Reportagefotografen, Henri Cartier-Bresson ursprünglich wollte er maler werden. Er begann in den frühen 1930er Jahren mit dem Fotografieren, als er eine Leica kaufte und fand sie ein großartiges Mittel, um das, was er als "den entscheidenden Moment" in alltäglichen Situationen bezeichnet, einzufangen. Mit anderen Worten, er behauptete, es gebe einen flüchtigen Sekundenbruchteil, in dem die Bedeutung eines Ereignisses zusammengefasst und in einer möglichst starken visuellen Komposition ausgedrückt werden könne.

Cartier-Bresson war hauptsächlich ein Fotograf von Menschen – aber nicht als Sozialreformer oder Nachrichtenreporter, sondern nur als Beobachter der vorbeiziehenden Szene. Seine Bilder dokumentieren gewöhnliche Menschen mit Wärme und Humor, ohne seine Motive zu beeinflussen, sondern in Momenten von außergewöhnlicher Intensität. Normalerweise wandte er sich von einem wichtigen Ereignis ab – Prozession, Feier usw. -, um sich auf die Reaktionen der Zuschauer zu konzentrieren.

Cartier-Bresson verwendete niemals Blitzlicht oder spezielle Objektive, und das gesamte Negativ wird immer ohne Zuschneiden gedruckt. Er fotografierte die Menschen in den meisten Ländern, zeigte aber auch andere Europäer. Seine Bilder wurden in allen wichtigen Zeitschriften und vielen Büchern seit mehr als 60 Jahren verwendet. Sie wurden auch von vielen Kunstgalerien der Welt gekauft und ausgestellt.

Nach dem Zweiten Weltkrieg gründeten Cartier-Bresson und die Fotografen Robert Capa und David Seymour 1947 eine Bildagentur mit dem Namen "Magnum". Magnum wird als Genossenschaft geführt und befindet sich im Besitz der Fotografen. Mitglieder sind in verschiedenen Ländern vertreten. Sie verkauft Bilder an Verlage aller Art und hat sich zur weltweit bekanntesten Fotojournalistik-Agentur ihrer Art entwickelt.

Bill Brandt (1904-1983)

Einer der angesehensten Fotografen Großbritanniens war Ende der 1930er Jahre auch als Fotojournalist tätig. Bill Brandt wurde in London geboren und lernte 1929 in Paris Fotografie als Assistent von Man Ray (Emmanuel Radinski) (1890-1976). Die Reportagearbeit war für junge Fotografen das neue herausforderndste Gebiet, und Brandt wurde von der Arbeit von Cartier-Bresson und anderen beeinflusst. Während der Wirtschaftskrise kehrte er nach Großbritannien zurück und produzierte Bilder des industriellen Nordens, die einen Vergleich mit anderen reicheren Schichten der britischen Gesellschaft zuließen. Er war auch ein Exponent von Pictorialism mit einer reihe von inszenierten fotos von vororten.

Brandts Arbeiten erschienen als Bilderbücher wie The English at Home und A Night in London . Er übernahm auch viele Aufträge für Picture Post (wo seine Bilder oft anonym erschienen, wie es zu dieser Zeit üblich war). Später spezialisierte sich Brandt auf Landschaften und Bücher mit originellen experimentellen Fotografien wie verzerrten Bildern der menschlichen Form.

Während der Kriegsjahre (1939-1945) arbeiteten die meisten Fotojournalisten für Organisationen wie den US-Informationsdienst oder das britische Informationsministerium oder wurden zu Luftwaffen- oder Armee-Fotoeinheiten eingezogen. Die British Army Film and Photography Unit produzierte über 137.000 dokumentarische Bilder von Offensiven. In Deutschland gab es eine vergleichbare Organisation namens PBK (German Propaganda Corp.).

Robert Capa

Robert Capa , der Krieg hasste und versuchte, seine Sinnlosigkeit darzustellen, wurde ein bekannter Kriegsfotograf. Wie viele Kriegsfotografen sollten auch Capa und sein Mitbegründer David Seymour (1911-1956) einige Jahre später in Aktion sterben – Capa über Konflikte in Indochina und Seymour in Ägypten.

Aufstieg und Fall von Bildmagazinen

In gewisser Weise waren Bildmagazine der 1930er und 1940er Jahre das moderne Äquivalent zu den Stereoskopkarten des 19. Jahrhunderts. Sie boten dem gewöhnlichen Menschen von ihrer besten Seite ein Fenster in die Welt – eine Berichterstattung über große Ereignisse, einen Blick hinter die Kulissen, einen Tag, an dem er das Leben berühmter Persönlichkeiten teilte – detaillierter, als es Zeitungsfotos jemals bieten konnten. Sie könnten den Lesern auch die Kluft zwischen dem, was Leben ist und sein könnte, bewusster machen.

Natürlich enthielten die Magazine immer viel reines Unterhaltungsmaterial wie niedliche Tierbilder, Stills aus neuen Hollywood-Filmen, die neueste Mode-Begeisterung. Sie könnten aber auch mächtige Gestalter der öffentlichen Meinung in wichtigeren Fragen sein. Im Gegensatz zu den heutigen Farbzusätzen führten die meisten von ihnen gelegentlich Kreuzzüge zu Themen wie schlechtes Wohnen, Umweltverschmutzung, Hilfe für benachteiligte Personen usw. durch. Sie haben Partei ergriffen, anstatt eine milde neutrale Berichterstattung anzustreben. Dies machte eine lebhafte und viel interessantere Zeitschrift, legte aber die Verantwortung auf die Schultern von Fotojournalisten, Schriftstellern und Redakteuren. Das Produktionsteam musste gut informiert und in der Lage sein, ein begründetes Argument anstelle von Propaganda vorzulegen. Sie waren in den Tagen vor dem Fernsehen das vielleicht überzeugendste visuelle Medium – denn Kinowochenenden waren meist flippig und schnell vergessen.

Auch Bildmagazine haben sich gegenseitig beeinflusst. Stefan Lorant (1901-97), ungarischer Jude und Herausgeber des Münchner Rivalen der Berliner Illustrierten, verließ Deutschland unter nationalsozialistischem Druck. Einige Jahre später, 1938, wurde er der erste Herausgeber von Picture Post . Zusammen mit den Fotografen Kurt Hutton (geb. Kurt Hubschmann) (1893–1960), Felix Man (1893–1985) und anderen europäischen Flüchtlingen brachte er den Einsatz von 35-mm-Kameras sowie die Ideen und das Layout deutscher Bildmagazine nach Großbritannien. Sie füllten Picture Post (und seinen Rivalen Illustrated ) mit Action-Bildern und Features, die sich stark von traditionellen britischen Wochenzeitungen wie Tatler oder Illustrated London News unterschieden . In Amerika leisteten andere europäische Fotografen mit Migrationshintergrund wie Alfred Eisenstaedt (1898-1995) und Robert Capa hervorragende Beiträge für LIFE. In Britannien, Larry Burrows (1926-71) war der herausragende Fotojournalist für LIFE.

Bildmagazine blühten trotz Papiermangels während des Konflikts und der Aufregung des Zweiten Weltkriegs auf. Sie schienen alles zu verkaufen, was sie drucken konnten, und hatten einen enormen Status. In den 1950er Jahren verlor die Picture Post jedoch allmählich ihren Sinn. Selbst die neuartige Verwendung mehrerer regulärer Farbseiten konnte es nicht wiederbeleben. Illustriert 1958 geschlossen, Picture Post 1957, Look 1971. Das LEBEN hielt bis 1972 in etwa seiner ursprünglichen wöchentlichen Form an.

Das Fernsehen hatte eine schnellere und universellere Methode zur visuellen Kommunikation von Nachrichten und Features übernommen. Es stahl auch die meisten Werbetreibenden. In den 1970er Jahren hatte der Fotojournalismus viel an Einfluss verloren, obwohl er in Magazinen wie Stern (Deutschland) und Paris Match (Frankreich) sowie in einer Reihe von teuer produzierten Firmenzeitschriften für die Ölindustrie usw. verblieb.

Verzerrung und Manipulation von Bildern

Die Art und Weise, wie die Welt durch dokumentarische Fotografie dargestellt wird, ist oft in der einen oder anderen Form verzerrt – es ist fast unmöglich, vollständig objektiv und wahr zu sein. Mit der Verbesserung der Ausrüstung und des Materials wurde die Freiheit größer, zu entscheiden, was und wann Bilder aufgenommen werden sollten. Und sobald Fotos in Veröffentlichungen erscheinen konnten, wurde nach der Wahl des Fotografen entschieden, welche Bilder verwendet wurden oder nicht, wie Bildunterschriften geschrieben wurden und wie die Bilder auf der Seite zueinander in Beziehung gesetzt wurden.

Die Halbtonwiedergabe hat der Dokumentarfotografie ein großes Publikum beschert und sie einflussreich gemacht. Die Leute wollten bald ein so mächtiges Medium manipulieren. Fotografen begannen damit, ihre Motive zu posieren und den Blickwinkel, die Beleuchtung und den Zeitpunkt auszuwählen. Herausgeber durch Auswahl und Präsentation ihrer Ergebnisse.

Manipulation muss nicht immer schlecht sein. Für die Vorher-Nachher-Bilder von Dr. Barnardo waren Jungen normalerweise in Lumpen gekleidet, um die Vorher-Situation nachzubilden. Einer der FSA-Fotografen wurde heftig kritisiert, als er feststellte, dass er einen Kuhschädel mehrere Meter von einem Stück Scheuergras entfernt hatte, um ein stärkeres Bild zu erhalten. Beide haben jedoch die Wahrheit über die allgemeine Situation, die sie zu zeigen versuchten, nicht wirklich verfälscht – sie haben sie einfach auf visuell stärkere Weise kommuniziert.

Andererseits ist es seit den Anfängen von Bildzeitungen üblich, Fotos von Prominenten zu machen, die selbstbewusst, besiegt, aggressiv, dumm usw. aussehen. Solche Bilder werden herausgezogen und als Presseportraits reproduziert, um der Stimmung der Menschen zu entsprechen Moment, in dem diese Person entweder bevorzugt oder nicht gemocht wird. Auch hier kann ein Redakteur auf einfache Weise aus den Bildserien eines Fotografen ein Bild auswählen, das er normalerweise ablehnt. Indem er eine Überschrift und eine Überschrift hinzufügt, gibt er ihr eine starke Bedeutung.

Die Menschen erkannten allmählich die Öffentlichkeit, die sie durch Fotografie gewinnen konnten. Eine Demonstration wird oft gewalttätig, wenn professionelle Fotografen oder TV-Teams anwesend sind. In einem extremen Fall wurde Ende der 1960er Jahre eine öffentliche Hinrichtung für 12 Stunden ausgesetzt, da das Abendlicht für die Presse zu schlecht war, um Bilder aufzunehmen. Der betroffene Fotograf muss sich daher fragen, ob etwas, das er dokumentiert, so passiert wäre, wenn er nicht anwesend gewesen wäre. Sollte ein Weitwinkelobjektiv verwendet werden, bei dem Nahaufnahmen von Personen mit ausgestreckten Armen gewalttätiger aussehen? Würden körnige Filme und dunkler Druck schlechte Lebensbedingungen verschlechtern?

Wie man sieht, ist die Versuchung größer, eine bestimmte Situation kraftvoll darzustellen, je stärker der Fotograf oder Redakteur sie empfindet. Eine streng objektive Aufnahme ist fast unmöglich – auf jeden Fall entstehen häufig überfüllte Bilder, die das Gezeigte verwirren. Aber dann kann zu viel Sorge für Klarheit der Darstellung die realen Ereignisse verzerren. In der Praxis muss die Dokumentarfotografie irgendwo zwischen diesen Extremen funktionieren.

Zeitgenössische Dokumentarfotografie

Seit Mitte der 60er Jahre oder danach hat die Ära der postmodernen Kunst eine wachsende Zahl von Dokumentarfilmen erlebt, die mit dem Aufkommen der Globalisierung einhergingen und die moralischen Ansichten sowie die soziale Fragmentierung veränderten. Berühmt postmoderne Künstler Zu den namhaften Dokumentarfilmern gehören: Diane Arbus (1923-1971), dessen erschütternde Schwarzweißfotos von Freaks, Exzentrikern und Randpersonen in New York für viele Kunstkritiker zu kontrovers waren; Bernd und Hilla Becher , der verschwundene Stile der Industriearchitektur aufzeichnete; Garry Winogrand (1928–1984) und Lee Friedlander (* 1934), die sich mit der amerikanischen Kulturlandschaft befassten; Robert Adams (* 1937) – dessen Fotos 1975 in der wegweisenden Ausstellung "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" zu sehen waren – thematisiert die Außenlandschaft; William Eggleston (* 1939), einer der Pioniere der Farbdokumentarfotografie; und Nan Goldin (b.1953) dessen Beitrag zu zeitgenössische Kunst Enthält zahlreiche Serien von Dokumentarfotos zu abweichenden Gruppen und feministischen Themen. Siehe auch Werke von Lewis Baltz, Frank Gohlke und Stephen Shore.

Berühmte Dokumentarfotografen

Hier ist eine kurze Liste einiger der größten Vertreter der dokumentarischen Fotografie, die in chronologischer Reihenfolge aufgeführt sind:

Roger Fenton (1819-69)
Pionier des Kriegsfotografs.

Mathew Brady (1822-96)
fotografierte den amerikanischen Bürgerkrieg.

John Thomson (1837-1921)
Pionier-Sozialfotograf, bekannt für "Street Life in London" (1877).

Tim O’Sullivan (1840-82)
Pionier der Wildnisfotografie des amerikanischen Westens.

William Jackson (1843-1942)
Beeinflussender Landschaftsfotograf, insbesondere aus Wyoming und der Yellowstone-Region.

Jacob Riis (1849-1914)
Bekannt für seine wegweisenden sozialdokumentarischen Fotografien von New Yorker Slums, insbesondere für seine Serie "How The Other Half Lives" (1890).

Eugene Atget (1857-1927)
Bekannt für sein Archiv von Aufnahmen von Gebäuden in Paris.

Lewis Hine (1874-1940)
Berühmt für seine Sichtbarkeit der Arbeitsbedingungen von Kindern in West Virginia, North Carolina, New Jersey und anderswo.

Charles Sheeler (1883-1965)
Präzisionsmaler, bekannt für das Fotografieren des Ford Motor Werks in Michigan.

Roman Vishniac (1897-1990)
Jüdisch-amerikanischer Fotograf, der das jüdische Leben vor dem Zweiten Weltkrieg katalogisierte.

Walker Evans (1903–1975), Dorothea Lange (1895–1965)
Alle berühmt für ihre Porträtfotos von Menschen und Familien aus der Zeit der Depression.

Ansel Adams (1902-84)
Berühmt für seine Wildnisfotografie des amerikanischen Westens.

Ken Domon (1909-90)
Bekannt für seine Fotos von Überlebenden der Atombombe in Hiroshima und für die Kinderarmut in der Bergbaugemeinde in Chikuho, Kyushu.

Hans Namuth (1915-90)
Berühmt für seine Fotoserien über Künstler wie Jackson Pollock, den Kubisten Stuart Davis; die Popkünstler Andy Warhol, George Segal und Roy Lichtenstein; der minimalistische Bildhauer Richard Serra und andere.

Diane Arbus (1923-1971) Bekannt
für ihre Fotos von Freaks.

Robert Frank (geb. 1924)
Bekannt für seine Serie "The Americans" (1959)

Larry Burrows (1926-71)
Fotojournalist für das LIFE-Magazin, bekannt für Foto-Essays zum Vietnamkrieg.

Don McCullin (geb. 1935)
Hoch angesehener Fotograf von Personen, die in Kriegsgebieten gefangen sind.

Steve McCurry (geb. 1950)
Bekannt als National Geographic Fotokünstler.

Nan Goldin (geb. 1953)
Feministische Fotografin, bekannt für ihre bahnbrechende Arbeit in sozialen Minderheitengruppen.

Nadav Kander (geb. 1961)
Bekannt für seine stumpfe Fotoserie vom Yangste in China.

In einigen von ihnen werden regelmäßig soziale Dokumentarfotos gezeigt beste Galerien für zeitgenössische Kunst quer durch Amerika.