Rembrandt: Niederländischer Porträtkünstler, Maler der biblischen Geschichte Automatische übersetzen

Rembrandt van Rijn (1606-1669)

Oberster Porträtmaler

Von Kunstkritikern als einer der größten Europas bezeichnet Alte Meister und das wichtigste von allen Niederländische realistische Künstler , Rembrandt Harmenszoon van Rijn war der höchste Porträtist und ein wunderbarer Vertreter von Niederländischer Realismus beeinflusst durch die breiteren Stämme von Barockmalerei . Insbesondere ist er besonders berühmt für seine Biblische Kunst sowie seine Druckgrafik (insbesondere Radierung). Seine Bilder veranschaulichen die dunkle Art von Niederländische Barockkunst – Ein von Caravaggio inspirierter Stil, der sich durch üppige Pinselführung, satte Farben und meisterhafte Ausdruckskraft auszeichnet Chiaroscuro (Behandlung von Licht und Schatten).

Seine Porträtmalerei – besonders seine Selbstporträts – reflektieren eine einzigartige Fähigkeit, den menschlichen Charakter zu durchdringen, und sein Gesamtwerk ist eine lebendige Aufzeichnung des zeitgenössischen Lebens in Amsterdam. Weniger oberflächlich dramatisch als sein Zeitgenosse Rubens In Rembrandts Gemälden spiegeln sich die zurückhaltenden Gefühle und der fromme Geist des calvinistischen Hollands und des Neuen wider Protestantische reformatorische kunst . Er beherrschte alle Malerei-Genres, einschließlich Landschafts-, Geschichts- und Genremalerei sowie Porträtmalerei.

Malmethoden

Rembrandts Gemälde zeichnen sich durch breite, dicke Pinselstriche, die Verwendung von Glasurschichten aus, um den Szenen zusätzliche Tiefe und Schwerkraft zu verleihen, und insbesondere durch seine meisterhafte Behandlung von Licht und Schatten ( Helldunkel ). Er wurde stark vom italienischen Maler beeinflusst Caravaggio (1573-1610) und der Karavaggismus Rembrandt ging jedoch noch einen Schritt weiter, indem er die Stimmung und die inneren mentalen Gefühle seiner Figuren durch eine Hervorhebung der physischen Merkmale und des Gesichtsausdrucks darstellte, wie dies in seiner breiten Palette von Porträts und Selbstporträts veranschaulicht wird.

Rembrandt unterhielt viele Jahre ein Atelier für Kunstunterricht und unterrichtete fast jeden bedeutenden niederländischen Maler dieser Zeit. Zu seinen Kunstschülern gehörten Bol, Flinck, Eekhout, Koninck und Aert de Gelder, obwohl sein Einfluss sich über die gesamte Geschichte der modernen Kunst erstreckt. Unter vielen anderen berühmten Künstlern war der große amerikanische Genremaler Edward Hopper ein besonderer Bewunderer des Holländers.

Rembrandts Einzigartigkeit und künstlerische Reputation beruht auf seiner tiefen Menschlichkeit. Die Wahrnehmung seines Porträts bleibt unerreicht und seine unübertroffene Beherrschung des Hell-Dunkel-Raums (Umgang mit Licht und Schatten) wurde von allen Kunstkritikern anerkannt, auch wenn sie seine Thematik für unangemessen hielten.

Größte Gemälde

Kunstexperten des frühen 20. Jahrhunderts bewerteten Rembrandts Schaffen mit über 600 Gemälden, fast 400 Radierungen und 2.000 Zeichnungen. Jüngste Forschungen des Rembrandt-Forschungsprojekts haben dies jedoch auf knapp 300 Gemälde, 300 Drucke (Radierungen) und etwas weniger als 2.000 Zeichnungen reduziert. Es umfasst Landschaftsmalerei und biblische Christliche Kunst sowie einige Beispiele der Landschaftsmalerei und seiner bekannteren Porträtkunst.

Hier finden Sie eine kurze Auswahl seiner größten Gemälde, der wichtigsten Werke.

Ein Künstler in seinem Atelier (um 1629) Museum of Fine Arts, Boston, MA.
Samson von Delila verraten (um 1630) Gemäldegalerie, Berlin.
Der Kaufmann Nicolaes Ruts (1631) Die Sammlung Frick, New York.
Die Anatomielektion von Dr. Nicolaes Tulp (1632) Mauritshuis, Den Haag.
Porträt einer jungen Frau mit dem Fächer (1632) Nationalmuseum Stockholm.
Die königliche Sammlung des Schiffbauers Jan Rijcksen und seiner Frau Griet Jans (1633).
Das Fest von Belshazzar (um 1635) National Gallery, London, UK.
Das Opfer von Isaac (1635) Hermitage, St. Petersburg.
Die Blendung Samsons (1636) Stadelsches Kunstinstitut Frankfurt am Main.
Danae (1636) Hermitage, St. Petersburg, Russland.
Mennonitischer Prediger Cornelis Claesz Ansloo und seine Frau (1641) Berlin.
Porträt von Agatha Bas (1641) Royal Collection, UK.
Alter Rabbiner (1642) Szepmuveseti Muzeum, Budapest.
Die Nachtwache (1642) Rijksmuseum, Amsterdam.
Susanna von den Ältesten überrascht (1647) Gemäldegalerie, Berlin.
Das Abendmahl im Louvre von Emmaus (1648), Paris.
Porträt von Hendrickje Stoffels (um 1650) Louvre, Paris.
Aristoteles denkt über die Büste von Homer nach (1653) Metropolitan Museum, NY.
Bathseba hält den Brief von König David (1654) Louvre, Paris.
Porträt von Jan Six (1654) The Six Collection, Amsterdam.
Eine Frau, die in einem Bach badet (1655) National Gallery, London.
Jakob segnet die Söhne Josephs (1656) Kassel.
Dame mit Straußenfederfächer (1660) National Gallery, Washington DC.
Die Verschwörung von Claudius / Julius Civilis (1661) Nationalmuseum, Stockholm.
Die Syndiken der Tuchmacher-Gilde (Staalmeesters) (1662) Rijksmuseum.
Die jüdische Braut (um 1665-8) Rijksmuseum, Amsterdam.
Lucretia (1666) Minneapolis Institut der Künste, Minneapolis, MN.
Rückkehr des verlorenen Sohnes (1669) Eremitage, St. Petersburg.

Vom Standpunkt der Technik aus betrachtet, ist Rembrandt lediglich der Adapter und Vollender der sogenannten "dunklen Art" der Malerei, die Caravaggio und seine Schüler in Westeuropa verbreitet hatten. Rembrandt ist, wenn man es genauer betrachtet, der Vertreter einer romantischen Sympathie und seines eigenen Glamours – einer persönlichen Poesie, die die niederländische Schule völlig übersteigt. So ist Rembrandt der erste große bekannte Maler, der gewohnheitsmäßig auf seine Umwelt reagiert und es vorzieht, in stolzer Isolation zu leben, das erste Genie der Rebellen in der Malerei, der erste Maler der modernen Art.

Nach fünfzehnjähriger Konformität erreichte er allmählich diese Position der Meinungsverschiedenheit.

Obwohl jetzt fest als die größte Figur in etabliert Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts Rembrandts Karriere war von außen und innen beunruhigt. Seine materiellen Widrigkeiten teilte er mit vielen zeitgenössischen Künstlern; seine moralische Fehlanpassung stammte von ihm. Er erhob sich durch viele schmerzhafte Schritte. Seiner scheint eine doppelte Persönlichkeit. In einem Punkt ist er lediglich der treueste niederländische Porträtist und der buchstäblichste niederländische Erzählmaler. In der anderen Hinsicht ist er ein Sucher nach Fremdartigkeit und Mysterium – ein unverbesserlich romantisches Temperament, das ebenso zu den romantischen Erhabenheiten und Fertigkeiten fähig ist. Er kann zur billigen Maskerade absteigen; er kann sich zu Höhen des fantasievollen Sehens erheben. Diese Dualität zieht sich durch die fast vierzig Jahre seiner Tätigkeit.

Neben seinen visionärsten Kreationen malt er die objektivsten Porträts. Er kann in jeder Stimmung sehr gut sein – großartig in der Lady mit dem Fan ; auf dem Porträt von Saskia in Kassel; im Jan Six- Porträt; noch größer und mehr er selbst im barmherzigen Samariter und im Abendmahl in Emmaus . Er versagt relativ, wenn er die beiden Ziele nicht in Einklang bringen kann, wie in der Anatomie-Lektion , die bei großer Realität keinen Glamour hat, oder in der Nachtwache , die bei außergewöhnlichem Glamour keine Realität hat. Er ist der Größte, wenn er die greifbare Realität in Glamour verwandelt , wie im Selbstporträt in der Frick-Sammlung und in der unsterblichen Gruppe der Syndics of the Cloth Guild .

Frühe Jahre

Rembrandt Harmensz van Ryn wurde am 15. Juli, wahrscheinlich im Jahr 1606, in Leyden geboren. Sein Vater war Müller, ziemlich wohlhabend und ehrgeizig für die Familie, denn er schickte den Jungen zur Vorbereitung auf das Gesetz auf die Lateinschule. Dieser Plan gab der offensichtlichen Berufung des jungen Rembrandt nach Malerei der schönen Kunst . Er studierte drei Jahre bei Jakob van Swanenburch , einem italienisierten Maler von bescheidenem, aber angenehmem Talent in idyllischer Landschaft, einem intelligenten Nachahmer von solchen italienisierten Nordländern in Rom wie Adam Elsheimer und Paul Bril, und was für Rembrandts Ausbildung vielleicht wichtiger war, ein versierter Radierer. Später arbeitete der junge Rembrandt ein halbes Jahr bei einem kräftigeren, aber immer noch italienischen Meister, dem Caravaggian Pieter Lastman , in Amsterdam. Im Jahr 1626, als Rembrandt ungefähr zwanzig Jahre alt war, bekommen wir kleine signierte Bilder von einer anstrengenden hässlichen Art, die den jugendlichen Meister zeigen, der ernsthaft mit dem Problem der Repräsentation kämpft. Dieses Unterfangen wurde in ungefähr sechs Jahren, 1632, erfolgreich abgeschlossen. Es ist die Zeit von Rembrandts technischer Selbsterziehung.

Er möchte auf die neue und modische "dunkle Art" konstruieren, die sich von dem kürzlich verstorbenen Caravaggio über seinen Emulator Gerard Honthorst nach Südholland eingeschlichen hatte. Die "dunkle Art" erforderte einen Verzicht auf die alten dekorativen Farbschemata zugunsten einer soliden Konstruktion in hellem und dunklem, vorherrschendem Dunkel, und implizierte auch eine Behauptung des Interesses des gemeinen Volkes und ihrer Verhaltensweisen gegenüber dem Adel und etwas konventionelle Würde des Renaissance-Stils. Der junge Rembrandt will in Form maximale Betonung des Bauens; In Ausdruck, maximaler Betonung der Emotionen und mit diesen Idealen für drei oder vier Jahre malte er die abstoßendsten frühen Bilder, die jemals von einem großen Maler verübt wurden. Ein Blick auf sie ist genug und oft zu viel – Tobias und seine Frau , 1626; Bileam und der Engel , 1626; Jesus vertreibt die Geldwechsler , 1626; die Goldwaage, 1627; Mit Ausnahme unbestreitbarer Unterschriften wäre es sehr schwierig, in solch erzwungener und mühsamer Arbeit die Anfänge des Schöpfers der Nachtwache , des Abendmahls in Emmaus und der Syndics of the Cloth Guild zu erkennen .

Es gibt ein Zögern zwischen Linie und Kante – beide sind hart, drahtig und hässlich, vielleicht weil sie nicht hart genug sind. Es gibt überall Probleme mit sensationellen Lichteffekten, wie dem Kerzenlicht in der Goldwaage , aber diese Effekte werden weder als natürliche Erscheinungen noch als Faktoren in der fantasievollen Gestaltung realisiert. Es gibt eine technische Schwankung. Der junge Rembrandt mag die breiten, ungetrübten, eher undurchsichtigen Schatten der Tenebristen, will sie aber auch transparent haben und lädt den Schatten auf, um Verfälschungen hervorzurufen, die die Einfachheit der Methode erschweren und stören.

Bald bessern sich die kleinen Erzählungen, verlieren etwas von Sensationalismus in Umgang und Ausdruck, erreichen eine faire Harmonie des Tones. So ein Bild wie die kleine Andromeda , so heimelig und doch so malerisch konzipiert, ist schon meisterhaft. Der winzige Bathseba ; das theatralisch wirksame Abendmahl in Emmaus ; Der romantisch inszenierte Simeon im Tempel mit seiner vorsätzlichen, inszenierten Gruppe, seinem vagen Orientalismus und seinen hohen Räumen, in denen sich auf mysteriöse Weise Licht und Dunkel gegenseitig durchdringen – all dies zeigt ein großes Talent dramatischer Art, das schnell gröbere melodramatische Defekte verwirft und stetig verfeinert Präsentationsmethoden, die sich offenbar zu eigen machen.

In den zahlreichen kleinen Porträts dieser Jugendjahre zeigt sich jedoch deutlicher das Kennzeichen der jungen Löwenklaue. Wir haben ungefähr hundert von ihnen, hauptsächlich von ihm oder seinem Vater, seiner Mutter und seiner Schwester. Möglicherweise das früheste und sicherlich lehrreichste von diesen ist das vertraute kleine Selbstporträt bei Cassel. Es zeigt eine ziemlich grobe und sinnliche Maske; in den unbewusst geöffneten lippen und den tiefen augen, die fast vom schatten getrübt sind, ist ein hinweis auf die unzufriedenheit und flüchtigkeit des visionärs zu sehen. Die Methode mit einer ziemlich gleichmäßigen Verteilung von stark kontrastierendem Licht und Dunkel ist so ziemlich die von Caravaggio. Aber ich denke, das zerzauste, lockige Haar, das mit ein paar Strichen in der Masse so gut angedeutet ist, hätte kaum so gemalt werden können, ohne vorher etwas von zu sehen Tintoretto . Man bekommt das Gefühl eines gewaltigen und mürrischen Charakters, der immer noch in einer gewissen Verwirrung der Ziele von Fleisch und Geist lebt. Es war in der Tat eine Verwirrung, dass Rembrandt sehr langsam herauswuchs. Nach dem Selbstporträt von 1629 in Den Haag sieht Rembrandt aus, als hätte er sich selbst gefunden. Er begegnet der Welt mit Zuversicht, ist sich seiner eigenen Meisterschaft bereits voll bewusst. Das Handling ist urbaner; das unaufgeforderte stahl-gorget ist ein bisschen maskerade, das rembrandt in porträts von sich selbst und anderen benutzen und oft missbrauchen wird.

Rembrandts Fortschritte in Richtung solcher Meisterschaften waren schnell, aber auch gebrochen. Es gibt viel Ungleichheit in diesen kleinen Köpfen, die so leidenschaftlich abgestürzt sind. Viele haben nichts Wertvolles an sich als das Monogramm RHL, das besagt, dass Rembrandt, der Sohn von Harmen von Leyden, sie gemalt hat. Ein ausgezeichneter Meilenstein seiner Fortschritte in diesen Studienzeiten ist das Porträt von 1629, das er selbst in einem Federhut im Isabella Stewart Gardner Museum in Boston zeigt. Zur alten Energie kommt Urbanität und Differenzierung hinzu. Es fehlt immer noch der Reichtum an Tonalität, den er bald befehlen wird, aber es zeigt bereits den großen Meister.

Bis 1632, Ende zwanzig, hatte Rembrandt, soweit es seine frühe Technik erlaubte, realistische Porträts getragen. Nehmen Sie zum Beispiel die ovale Büste seiner Schwester. Es hat so ziemlich alles, was ein großartiges Porträt ausmacht: eine starke Wiedergabe der Form mit sehr feinen Mitteln, ein wahres und verständnisvolles Gespür für feinen und robusten Charakter, eine bewundernswerte Komposition im Muster und in der atmosphärischen Tiefe. Und dieses kompetente und edle holländische Mädchen scheint etwas Vernünftiges und Freundliches zu sagen. Um die enorme Überlegenheit dieses Porträts gegenüber den sieben oder acht anderen derselben jungen Frau zu erkennen, muss man eine Lektion im Geschmack lernen. Abgesehen von einer gewissen Wärme und dem Charme der Tonalität fehlt ihm nichts von dem perfektionierten Rembrandt.

Rembrandts reife Zeit: Amsterdam (1632-41)

Wir können das Jahr 1632 als das Jahr betrachten, in dem Rembrandt seine studentische Tätigkeit eingestellt hat. Ein Jahr zuvor hatte er Leyden verlassen, um ein größeres Vermögen in der Handelshauptstadt Amsterdam zu suchen. Neben seiner Malerei hatte er viele Radierungen vorgenommen. Als eine Klasse sind diese frühen kratzigen Platten nicht beeindruckend, aber solche geätzten Porträts wie die seiner Mutter, datiert 1628 und 1631, verkünden seine bevorstehende Meisterschaft. Für seinen Abschluss war ein Diplomstück erforderlich, das er 1632 in Dr. Tulps Anatomiestunde in Den Haag einrichtete.
Es ist wahrscheinlich das am meisten überbewertete Bild der Welt, denn es fehlt ihm an Einheit und Würde, obwohl es sehr genau beobachtet und beharrlich gehandhabt wird.

In der Farbe ist es eher neutral und roh. Das übermäßige Beharren auf der plastischen Wirkung der Köpfe beeinträchtigt jedes vorhandene Muster und macht die Oberfläche unangenehm klumpig. Die Gruppe ist sogar mehrdeutig platziert – wie weit soll sie von der Bildebene entfernt sein? Die Anordnung der Köpfe mit zu vielen parallelen Haltungen ist eintönig, und der Versuch, drei Männer aus dem Bild zu werfen, ist unmotiviert und künstlich. Dr. Tulp selbst ist einzigartig unbedeutend. Der Kadaver ist schlaff und ohne die feine Starrheit des Todes. Man muss sich vorstellen, dass es aus einem lebenden Modell gemalt wurde. Man muss diese Gruppe nur mit Frans Hals ’erstem Doelen von St. George’s, 16 Jahre zuvor, vergleichen, um seine Minderwertigkeit in der wesentlichen Frage der feinen Komposition zu erkennen.

Natürlich muss eine jahrhundertelange Überschätzung ihre Gründe haben. Der solide Verdienst des Bildes – eine erstaunliche Schöpfung, immerhin für einen erst 25-jährigen Maler – liegt in der professionellen Nachdenklichkeit und Konzentration der Köpfe. Für sich genommen sind sie hervorragend charakteristisch. Jeder wohlhabende Amsterdamer, der dieses Bild gesehen hat, möchte zu Recht, dass Rembrandt seine Familienporträts malt. Und genau das ist passiert. Für neun Jahre, bis 1641, und die Nachtwache , gedieh Rembrandt mächtig als professioneller Porträtmaler, perfektionierte seine "dunkle Art", indem er die Dunkelheit noch durchdringender machte, indem er dem harmonisierten Ton den Reichtum und Wert von verlieh Farbe .

Diese Phase seines Fortschritts ist am ehesten aus einem Bild zu ersehen, das zu bekannt ist, um reproduziert werden zu müssen. Der kleine Gelehrte in der Nähe einer Wendeltreppe , 1632. Obwohl ein großer Teil der Oberfläche sehr dunkel ist, gibt es keine toten Bereiche. Die Konstruktion ist klar, auch wenn sie fast verloren ist. Alles ist mit größter Sorgfalt gemalt, ohne Verlust an Stärke, Betonung oder Charakter. Schließlich dominiert die kleine Figur des Denkers seltsamerweise eine große Szene, die in einem Aspekt nur sein Studium ist; in einem anderen scheint eine Art Ausstrahlung seiner kontemplativen Stimmung. Ganz in Braun gestrichen, gibt es kein Gefühl von Monochrom. Man akzeptiert es als so viel satte und abwechslungsreiche Farbe.

Sein Fortschritt als Porträtist lässt sich an den beiden Doppelporträts messen – dem Schiffsführer und seiner Frau (1633) und dem mennonitischen Prediger Cornelis Claesz Ansloo und seiner Frau (1641). aber Beziehungen, die von Bedeutung sind. Die Frau des Schiffsmeisters verschwindet, sobald der Brief zugestellt wurde. Ihre Hand hat den Türgriff nicht verlassen – keine Unterbrechung des Schiffsdesigns mehr als unbedingt notwendig. Die Frau des Predigers hört aufmerksam und respektvoll einer anscheinend gut begonnenen Predigt zu. Es ist ihr weiblicher Teil, und sie hat es bereitwillig akzeptiert. Bewundernswerterweise werden beide Innenräume vorgeschlagen, das spätere Bild mit einer subtileren und stärkeren Modulation von Licht und Dunkelheit und einem lebendigeren Gefühl von Räumlichkeit.

Rembrandts Ehe mit Saskia van Uylenborch

Am 10. Juni 1634 heiratete Rembrandt ein hübsches und liebenswürdiges Mädchen und nebenbei eine Erbin, Saskia van Uylenborch . Ihr Glück wird in dem berühmten Dresdner Bild, in dem Rembrandt ein Weinglas erhebt und 1635 Saskia auf dem Knie streichelt, fast zu eindringlich beworben. Es ist ein herrliches Meisterwerk und magisch bemalt.

Es ist üblich, eine dramatische und sensationelle Phase von Rembrandts Kunst aus seiner Ehe als Steigerung der körperlichen Liebe zu datieren, und das ist möglich. In jedem Fall finden wir neben objektiven Porträts ein neues Interesse an sensationellen Themen. Es ist die Zeit der Vergewaltigung von Proserpina und Samson, die seinen Schwiegervater bedrohen . das Blenden von Samson ; die Danae ; große bilder, oft turbulent überbetont. Radierungen gleichen Charakters sind Christus, der die Geldwechsler vertreibt , die Steinigung des heiligen Stephanus , der Tod der Jungfrau , der Engel aus der Familie Tobias , die Auferweckung des Lazarus , die Kreuzabnahme , die beiden Löwenjagden .

Nun ist es eine erfreuliche Hypothese, dass Rembrandt in Saskias Armen die Inspiration für den Ausdruck einer hauptsächlich physischen Energie fand; aber schließlich hatte er diese Themen in seiner späten Jugend gemocht, und es ist vernünftiger, wenn auch prosaischer, sich vorzustellen, dass er zu solchen Themen zurückkehrte, als sein eigenes Patronat und Saskias Mitgift seine Malerei zu rechtfertigen schienen, um sich selbst zu gefallen.

In der professionellen Porträtmalerei dieser zweiten Periode gibt es natürlich einige Ungleichungen. Die Angewohnheit, fantastische und unangemessene Accessoires – Rüstungen, Schein-Orientalische Kopfbedeckungen – aufzuerlegen, ist manchmal fast unangenehm. Es entspricht der billigeren Seite seiner Fantasie. Aber es zeigt auch den großen Techniker, der es liebt, Schwierigkeiten zu multiplizieren. Und im Allgemeinen ist das Porträt seiner frühen Reife für seine unerschütterliche Rechtschaffenheit bewundernswert. Unvergessliche Porträts gibt es zuhauf – das Oval seiner selbst ohne Kopf, 1633; die unendlich gerade und zarte halbe Länge von Saskia im Profil; oder die ruhige und bescheidene Perfektion des Herman Doomer, "The Gilder"; oder die aristokratische Ruhe der halben Länge der Dame mit einem Fächer , 1641. Diese Porträts seiner frühen Blütezeit, einmal gesehen, werden nie vergessen. Später sollte er tiefgreifendere Porträts mit einer tieferen Investition von Sympathie und Geheimnis malen, aber nur als Maler sollte er diese besten Porträts seiner jungen Männlichkeit kaum übertreffen. Nur die besten Werke von Frans Hals und Diego Velazquez der gleichen Jahre können sicher mit diesen eher frühen Porträts von Rembrandt verglichen werden. Das Halses wirkt etwas überfordert und spröde; Die Velazquezes sind zwar ebenso diskret wie die Malerei, scheinen jedoch weniger menschlich bedeutsam zu sein.

Der Hinweis auf multiple Persönlichkeit in Rembrandt scheint wiederum durch die beträchtliche Ungleichheit seiner Porträtmalerei gerechtfertigt zu sein – seine Tendenz, sich einer kindlichen Maskerade zu verschreiben, und vor allem durch die Tatsache, dass er gleichzeitig mit seiner hervorragenden objektiven Porträtmalerei Bilder malt, die empörend sensationell oder billig melodramatisch sind, und Gleichzeitig fängt er an, Bibelthemen mit einer einzigartigen Ernsthaftigkeit und Durchdringung zu malen, mit völlig eigenen neuen Interpretationen. Das größte Werk dieser Art fällt in seine letzte Periode, aber die Tendenz war in diesen sechs oder sieben Jahren des wahrscheinlich extravaganten Glücks und sicherlich des extravaganten Lebens fest verankert.

Rembrandt stimmte mit Caravaggio, dem Erfinder der "dunklen Art", überein, dass das biblische Volk keine klassische Würde hatte, sondern ein armes Volk wie das von Rom und Amsterdam war. Dabei haben sie beide die von den italienischen Meistern übermittelte Tradition der Hellenisierung des Anstands scharf hinterfragt. Umso bemerkenswerter war Rembrandts Reaktion, dass er im Gegensatz zu Caravaggio, der die edlen Konventionen verachtete, diese Eigenschaften selbst schätzte, italienische Bilder ständig studierte und sogar sammelte. Als guter Protestant und Anhänger der wörtlichen Wahrheit der Heiligen Schrift ging Rembrandt über Caravaggios allgemeine Formel hinaus – das Volk der Bibel sei demütig – und bestand ausdrücklich darauf, Juden zu sein, wie sie in den Armenvierteln von Amsterdam schwärmten. Es dauerte alles zehn Jahre, bis er es in seinem merkte Kunst der volle Wert seiner eigenen Sicht.

Die Münchner Passionsserie , die er in den 1630er Jahren für Frederik Hendrik von Oranien produzierte, verwendet die neuen Ideale nur oberflächlich und verrät viel von dem Sensationismus dessen, was wir als Rembrandts turbulente Jahre bezeichnen müssen. Auch die Technik ist rückwärtsgerichtet, als müsse Rembrandt in biblischen Fächern die Lektion, die er bereits in der Porträtmalerei gelernt hatte, noch einmal neu lernen.

Das vielleicht vollendete Meisterwerk der Malerei der zweiten Periode ist die sogenannte Danae von 1636. In der zarten Lebendigkeit, mit der die nackte Frau dargestellt wird, kann Rembrandt alle großen Hellseherinnen mit Erfolg konkurrieren – Correggio , dessen Gemälde er gut kannte; Velazquez, der seine Venus noch nicht gemalt hatte. Mitten in Accessoires von Möbeln, die schwer und geschmacklos sind, aber als beleuchteter Teil eines Märchenlandes, ist das nackte und leidenschaftliche Mädchen bereit, den Liebhaber zu begrüßen, dessen Gesicht gerade hinter dem Vorhang erscheint. Die Reflexionen aus dem warmen Elfenbein ihres Körpers und der weißen Bettwäsche scheinen die fantastische Szene zu erhellen, die hier und da auf geschnitztem Holz, Kanten von Samtvorhängen und auf einem von Natur aus absurden, aber bildlich wertvollen Amor, der über ihrem Kopf schwebt, funkelt. Von allen eher frühen Rembrandts ist dies wahrscheinlich derjenige, den ein Maler am meisten schätzen würde. Ganz einfach als legitime Verherrlichung der körperlichen Leidenschaft gedacht, ist es ein wahrer Schatz feiner Malerei. Es bringt die Aufrichtigkeit, Sensationalität und Exotik von Rembrandts blühenden Jahren in eine einzigartige Harmonie.

Inzwischen lebte er in rücksichtsloser Extravaganz. Das schöne Haus an der Bree Street wurde zum Museum. Seltene Bilder und Kunstgegenstände, mit dem unverbesserlichen Optimismus des Sammlers, betrachtete er als sichere Investition für Saskias kleines Vermögen und für das Geld, das so leicht aus der Porträtmalerei und dem Unterricht stammte. Zusammen mit dem, was nur als verzeihlich erscheinen mag, scheint das schlechte Urteil eine gewisse Entspannung des Charakters erfahren zu haben. Er hatte Dutzende von Schülern und verkaufte ihre Arbeit gewinnbringend, zweifellos als seine eigene. Diese Tatsache kann für die über dreihundert minderwertigen Bilder in den Standardlisten von etwa siebenhundert Rembrandts verantwortlich sein.

In Bezug auf Rembrandts Arbeitsweise fertigte er – wie Frans Hals – ständig kleine Ölskizzen von Köpfen an – viele zum Üben, anscheinend nur sehr wenige entsprechen fertigen Porträts. Weitere zusammenfassende Studien von Figuren, Figurenkompositionen und Landschaften wurden mit gröbsten Werkzeugen – großen Pinseln, dem Schilfstift, einem Weichholzstift, seinen Fingern – fortwährend abgetragen. Eine dicke Linie dient sowohl als Kontur als auch als Modellierungsschatten und ist eine Abstraktion für beide. Diese zeichnungen haben die außergewöhnlichste formgebende und raumbildende Kraft.

Es gibt auch Figurenzeichnungen Reich an emotionalen Obertönen, wie dem Studium von Saskia, die im Bett krank ist, oder seinem verwitweten Ich, das versucht, das Baby Titus von einem Löffel zu füttern. Die Methode, mit der ein einzelner Prozess – eine modulierte grobe Linie – das Muster in der Ebene und die Existenz in der Tiefe und Masse eines Designs auf einmal vermittelt, ist derjenigen der großen Chinesen und Japaner ähnlich Stift- und Tuschemaler . In Hokusai finden Sie es in Perfektion. Kein Wunder also, dass fernöstliche Amateure, die dem, was sie als wörtlich des abendländischen Zeichnens ansehen, generell abgeneigt sind, die Zeichnungen, Radierungen und Zeichnungen akzeptieren und bewundern figur malerei von Rembrandt.

All die Extravaganz und romantische Exzesse von Rembrandt in seinen frühen Dreißigern spiegelt sich in seinem berühmtesten, wenn auch weit von seinem besten Bild, der Nachtwache von 1642, wider. Es sollte ein Porträt von Captain Banning Cocq mit etwa fünfzehn Offizieren sein militärische Kompanie. Die Formel für diese Art von Gruppe wurde fest etabliert. Alle Patriotenkrieger sollten auf die erkennbarste Weise vertreten sein, und jeder sollte eine Prominenz in der Gruppe erhalten, die in etwa seinem Beitrag und seinem Rang entsprach. Was jeder Offizier trug, war fast so wichtig wie das Aussehen seines männlichen Gesichts. Rembrandt lehnte jedoch das solide Prinzip ab, dass es sich um eine einfache Porträtaufnahme handelte und stattdessen ein Mysterium und einen Glamour ersetzte, die unter den gegebenen Umständen völlig unvernünftig waren. Damit bot er nicht nur eine unbewusste Beleidigung des Geschmacks und der Sparsamkeit seiner Gönner an, sondern lehnte auch das ab, was dem nationalen Geschmack am Herzen lag. (Was ist, wenn er durch solch scheinbar mutwilligen Selbstausdruck ein großartiges Meisterwerk geschaffen hat? Ich höre einen Protest eines individualistischen Kunstliebhabers.) Aber hat Rembrandt ein großartiges Meisterwerk geschaffen, oder etwas, das mit dieser Absicht hinter seinem Ziel zurückblieb?

Es ist leicht zu verstehen, warum die Offiziere von Captain Cocq das Gefühl hatten, nicht auf ihre Kosten gekommen zu sein. Von den fünfzehn Mitarbeitern waren nur vier oder fünf leicht zu erkennen. Der bildliche Schwerpunkt lag nicht auf dem Kapitän, sondern auf dem Adjutanten in Silbergelb. Es gab seltsame Züge, wie die Zwergin in Weiß, die mit einem Schwanz in der Hand zwischen den Beinen des Soldaten dahingleitet. Der Ort und die Tageszeit der Versammlung waren völlig unklar. Schließlich war eine gut ausgebildete Firma wie in sinnloser Verwirrung vertreten. Kein Wunder, dass sich die Offiziere über den Preis stritten und das Beste daraus machten, indem sie zumindest ihre Namen deutlich auf einer Tafel niederschrieben. Man kann mit Recht sagen, dass ihre Erwartungen ernsthaft untergraben wurden.

Was viel interessanter und weniger leicht zu erraten ist, ist Rembrandts Haltung in dieser Angelegenheit. Wahrscheinlich verleitete ihn der große Maßstab des Bildes von über 30 mal 30 Metern dazu, die bunte "dunkle Art", die er erfolgreich ausgearbeitet hatte, auf den kleinen Maßstab von Erzählung und Porträt auszudehnen. Diese Entscheidung bestand darin, die große Leinwand nicht als Porträt einer militärischen Kompanie, sondern als Schlachtfeld von Licht und Dunkelheit zu gestalten, wobei die Offiziere und der Militärapparat lediglich als Absorber oder Reflektoren des Lichts dienten. Dies sollte das Phantasmen zu einer vertrauten Szene machen. Um das Verfahren zu rechtfertigen, wählte er den Moment offensichtlicher Unordnung, bevor eine militärische Gruppe sich formierte. Dies mag sich als richtig erwiesen haben, aber nicht als richtig für seine Gönner. In der Tat sollte uns der relative Erfolg, mit dem Rembrandt ein im Wesentlichen unvernünftiges Unterfangen unternahm – denn das Bild hat einen faszinierenden Glamour – nicht darüber hinwegtäuschen, dass seine Methode nur in relativ geringem Umfang anwendbar war und ist. Ein großes narratives oder historisches Bild will mehr Klarheit, mehr Konventionalität, und die erfolgreichen Maler solcher Bilder – die Tintorettos, Veroneses, Halses, Rubenses und Velazquezes – sind innerhalb dieser Konvention bescheiden geblieben. Und hier ist es bezeichnend, dass bis auf die Nachtwache die Handvoll großer historischer Gemälde von Rembrandt so vernachlässigbar sind, dass Kritiker sie selten erwähnen. Sie alle scheitern aus dem gleichen Grund, dass eine für kleine und intime Bilder geeignete Leuchtmethode leer und bedeutungslos wird, wenn sie auf große Bilder von öffentlicher Bedeutung angewendet wird. Man kann hinzufügen, dass das Auge in diesem großen Maßstab vernünftigerweise mehr Fülle und Farbvielfalt verlangt, als die Methode von Rembrandt zulässt.

Obwohl die Nachtwache , einfach für einzelne Passagen magisch leichter und einfallsreicher Malerei, ein faszinierendes Beobachtungsfeld ist, ist sie insgesamt ein Meisterwerk, das schief gelaufen ist.

Es ist üblich, den tragischen Fall von Rembrandts Vermögen aus der Kontroverse um die Nachtwache und ihrer allgemeinen Unbeliebtheit zu datieren. In dieser Sichtweise gibt es wahrscheinlich einige dramatische Übertreibungen. Wir machen wahrscheinlich alles schneller als es tatsächlich war. Aber die allgemeine Wahrheit ist, dass Rembrandts Porträtaufträge nach der Nachtwache deutlich nachlassen. Er malt seine Freunde, die düsteren Juden, die seine Neugier und Sympathie wecken, Bibelszenen von tiefster Einsicht, wahrscheinlich nicht gegen Bezahlung, sondern für sein eigenes Auge. Und als Saskia im Juni 1642, wenige Wochen nach Fertigstellung der Nachtwache , chronologisch starb, brach Rembrandts persönliches Glück mit seinem beruflichen Schicksal zusammen. Rembrandt wurde in dem großen, überfüllten Haus mit einem kranken Sohn zurückgelassen, Titus , neun Monate alt, Überlebender von vier Kindern, die innerhalb von ebenso vielen Jahren auf natürliche Weise im frühen Kindesalter gestorben waren.

Die Kritiker schreiben in der Regel über eine Zeitspanne in Rembrandts Kunst, die durch Saskias Tod im Jahr 1642 und seinen Bankrott im Jahr 1656 begrenzt war. Seit dieser Zeitspanne war die Synthese seines phantastischen und realistischen Strebens, die Herstellung seiner besten Drucke und praktisch das Ende dieser Tätigkeit zu verzeichnen scheint die Teilung gerechtfertigt. Es sollte jedoch beachtet werden, dass es keinen deutlichen Unterschied in den Idealen zwischen einer solchen dritten Periode und der Arbeit seiner letzten Jahre gibt, sondern vielmehr einen Unterschied in den Möglichkeiten und Errungenschaften. Er trat in diese Zeit ein starker und stolzer Mann von ungefähr fünfunddreißig Jahren ein und beendete sie mit neunundvierzig geschwächt und vorzeitig gealtert.

In diesen Tagen des verengten Glücks machte er sich ein neues und demütiges Glück. Die treue Krankenschwester und Haushälterin Hendrickje Stoeffels , eine junge Frau von größter Sanftmut und Freundlichkeit, wurde, wie seine zahlreichen Porträts zeigten, seine Geliebte und, da die Beziehung nicht verheimlicht wurde, in allen Belangen seine Frau. In diesen Tagen muss er ständig die Bibel gelesen haben, vielleicht nicht so sehr zum religiösen Trost als vielmehr wegen seines erstaunlichen Repertoires ergreifender menschlicher Beziehungen – Geschichten seiner Mitpatienten aus alter Zeit.

In diesen Jahren fallen die größten religiösen Bilder – der barmherzige Samariter und das Abendmahl in Emmaus ; die Vision von Daniel . Während sich die Methode nicht wesentlich geändert hat, hat die durchdringende Dunkelheit, mit der Rembrandt seine Figuren gerne verhüllt und entlastet, einen neuen und spirituellen Wert angenommen.

Es gibt viele Porträts von Hendrickje Stoeffels, die perfekter sind als das im Louvre, so instinktiv mit gütiger Demut und bescheidener Standhaftigkeit. Sie trägt unbewusst und ohne Stolz reiche Juwelen, die sie wahrscheinlich mit Saskias Geld gekauft hat. Die wenigen professionellen Porträts dieser Jahre sind von bester Qualität. Das seines Freundes und Gönners, Jan Six , 1654, ist keinem Porträt der Welt unterlegen, sei es in rascher und massiver Konstruktion, reichhaltiger dekorativer Wirkung oder in sympathischer Darstellung des Charakters. Für ein so vollkommenes Gemälde ist alles mündliche Lob eine Zumutung. Die einzige wirkliche Hommage besteht darin, sich selbst beim Betrachten zu vergessen. Velazquez oder Hals haben nie geschickter und richtiger gemalt, während das Porträt einen Schwerpunkt auf Charakter und Wert hat, den selbst diese großen Rivalen kaum geboten haben.

In diesen eintönigen und mageren Jahren entstanden die meisten seiner feineren, einfallsreichen Kreationen. Wir haben die Verkörperung jugendlicher Hoffnungen und Abenteuer im polnischen Reiter . Wie sicher das Stripling vor gewisser Gefahr und möglichem Tod steht. Pferd und Reiter sind ein Stück – beide Vollblüter. Sogar die aufsteigende, zerbrochene Landschaft vermittelt ein Gefühl lauernder Gefahr. In dieser Zeit fallen die meisten seiner Landschaften. Er sieht die Natur als bedrohlich und unfreundlich an – als Ort drohender Stürme, die Bäume und die Konstruktionen des Menschen bedrohen. In diesen Landschaften liegt der Schwerpunkt mehr auf tragischer Stimmung als auf Wahrhaftigkeit. Tatsächlich ist die Methode mit ihren extremen Hell-Dunkel-Kontrasten und ihrer Reduktion der Farbe auf den Ton im Wesentlichen dramatisch und nicht beschreibend. In zwei der größeren Bilder, der Landschaft mit den Ruinen und der Mühle – ein Meisterstück, das ihm einige Kritiker vorenthalten – Rembrandt hat die diffuse Friedlichkeit von eventide eingefangen. Wahrscheinlich war Rembrandt im Grunde genommen ein Stadtmensch, der der Natur nur selten viel direkte Beachtung schenkte und lediglich seine romantische Exzessivität in Studioimprovisationen ausübte, die weniger Landschaften als Erleichterungen für seine eigenen turbulenten Stimmungen waren. Seine schöne Beobachtungsarbeit in der Landschaft findet sich nicht in seinen Gemälden, sondern in seinen Radierungen.

Seine besten Akte sind gelegentliche Nachbildungen dieser mittleren Jahre. Die Danae haben wir bereits betrachtet, während andere Arbeiten Bathing Woman und den großen Bathsheba einschließen, dessen Formen, wie Renoir später sagte, "das Licht schön nehmen". Dies war einer der Gründe, warum Gesundheit und Vermögen nachließen.

Das Radieren , das in den blühenden Jahren vor allem eine Erholung gewesen sein mag, wird bald zu einer entscheidenden Einnahmequelle. Die frühen 1650er Jahre sahen die Schaffung von Meisterwerken wie Christus predigt , Christus die Kranken zu heilen , Christus vor den Menschen , Dr. Faustus . Der alte romantische Emotionalismus taucht in züchtigter und disziplinierter Form in den Drei Kreuzen , im Opfer Isaaks , in der erbärmlichsten aller Beschwörungen, Blind Tobit, wieder auf . Der heutige Preis für einen dieser Abzüge hätte die kleine Familie für viele Jahre zufrieden gestellt. Mit der Zeit wurde die familiäre Situation immer bedrückender. Rembrandts Sammlerlust war unersättlich. Saskias Mitgift und das kleine Geld, das er sich verdient hatte, schlüpften durch seine losen Finger.

Schließlich griffen Saskias Beziehungen legal ein und retteten ein wenig, um ein Vertrauen für den jungen Titus zu bilden. 1656 wurde das große Haus in der Bree Street für einen Konkursverkauf inventarisiert. Zwei Räume enthielten mehr als fünfzig Gemälde, viele von angesehenen italienischen Meistern, ganz zu schweigen von Waffen und Rüstungen, persischen Miniaturen und Hunderten von Drucken. Rembrandt versuchte im Mai 1656, seinen Gläubigern zuvorzukommen, indem er seinen Besitz an Titus abgab. Die Auktion, von der Rembrandt gehofft hatte, sich zu erholen, verlief katastrophal. Erst nach neun Jahren und vielen Rechtsstreitigkeiten holte Titus den ihm zustehenden kleinen Betrag ein.

Das große Haus wurde über den Kopf verkauft, die kleine Familie zog in das Gasthaus der Krone. Rembrandt machte wahrscheinlich ein wenig aus seinen Radierungen, aber als Hendrickje und Titus 1660 eine Druckerei gründeten, erklärten ihre Partnerschaftsartikel Rembrandt für unfähig, irgendetwas zu verdienen.

Aber nicht unfähig, großartige Bilder zu malen! Das Selbstporträt in der Frick Collection, New York, wurde im Jahr der Insolvenz von Rembrandt gemalt. Wir haben einen Mann, der traurig und abgenutzt ist, aber seine Würde als große Persönlichkeit selbstbewusst beibehält. Rembrandt ruiniert ist immer noch Rembrandt. Das Porträt hat etwas, das mit Sympathie eine gewisse Ehrfurcht hervorruft. Wir sehen einen König, zwar in schäbigem Ornat, aber dennoch einen König. Das Bild hat eine Art Monumentalität, die in vielen späteren Porträts die neue Note ist. Es ist stark in der Gegenwart Sechster Jan. von 1654, und ebenso gezeichnet von einer alten Frau, die ihre Nägel schneidet , wie von der überaus eleganten Dame mit einer Straußenfeder , einem der neuesten Porträts aus seiner Hand. Diese monumentale Qualität muss in der Anatomiestunde von Dr. Joan Deijman , deren zentraler Teil in Amsterdam aufbewahrt wird , hervorragend gewesen sein. Die stark verkürzte Leiche hat den größten Akzent, ebenso die festen und geschickten Hände des Demonstranten. Das Feuer, das den größten Teil dieses großartigen Bildes von 1656 zerstörte, hat uns immerhin genügend Beweise für seine Meisterschaft hinterlassen, und eine Kompositionsskizze zeigt, dass das Thema monumental konzipiert wurde. Ein Vergleich des Fragments mit der Anatomielektion von 1632 zeigt, wie weit Rembrandt in vierundzwanzig Jahren gereist war.

Das größte Bild dieser sich verengenden Jahre sind natürlich die 1662 gemalten Syndics of the Cloth Guild beste barocke Gemälde Es ist sicherlich die größte existierende Porträtgruppe. Aus einer bloßen Ausschusssitzung von fünf Geschäftsleuten hat Rembrandt ein universelles Symbol für Rechtschaffenheit und Umsicht entwickelt. Es gibt eine erstaunliche Bandbreite klar bezeichneten Charakters – Ironie, einfache Gutmütigkeit, Bluff-Geradlinigkeit, Verdacht auf Schlauheit und dumpfe Hartnäckigkeit. Und diese verschiedenen Temperamente konzentrieren sich auf den einzigen Zweck, die Interessen eines wichtigen Handels zu wahren, der praktisch eine öffentliche Dienstleistung ist. Es ist das Zusammengehörigkeitsgefühl, das gegenseitige freundschaftliche Verständnis, das den spirituellen Inhalt der Syndics ausmacht . Zwei Jahre später, in Haarlem, sollte der gealterte und altersschwache Frans Hals das gleiche Gefühl ausdrücken wie die Regentin des St. Elizabeth’s Hospital . Aber er war nicht mehr in der Lage, eine solche Vision mit einer Schönheit der Kunstfertigkeit zu verkörpern, die sich Rembrandts näherte.

Auf mysteriöse Weise scheint das matte Rot des Orientteppichs, der als Tischdecke dient, die gesamte braune Oberfläche zu durchdringen. Die makellose Arabeske der Gruppe wird bewundernswert von den rechteckigen Elementen auf dem Tisch, dem Stuhl und der Vertäfelung hervorgehoben. Die Figuren leben in einer eigenen Atmosphäre. Wenn Sie diese Anordnung von kühlem und rotem Braun betrachten, blicken Sie in eine Welt, die am genauesten die alltägliche Welt der großen Angelegenheiten ist.

Die Syndics war wirklich Rembrandts Schwanenlied, und es war ein großartig klangvolles Lied. Ein Jahr zuvor, 1661, ist seine letzte Radierung datiert. Seine müden Augen eignen sich nicht mehr für so enge Arbeit. Wie es gegen Ende bei ihm stand, kann man im Selbstporträt im Kenwood House, London, erahnen. Von der Fürstlichkeit des Frick-Porträts ist nichts mehr übrig. Ein müder und fast gebrochener alter Mann, der sich vor Wärme zusammengekauert hat, schaut fast unsichtbar über die Hand hinaus, die die Palette und die Pinsel hält. Feines weißes Haar ist ungepflegt. Mit der Weisheit der Resignation hat Rembrandt die Stellung eines armen und schäbigen Mannes angenommen. Das Gesicht ist nicht traurig; Der Künstler hat den Trost seiner Kunst. Es ist ein Gesicht, das Sympathie bis zu Tränen zwingt, ohne wirklich Mitleid zu beanspruchen. Seltsamerweise hat diese milde und sanfte Erscheinung eine seltsame spektrale Monumentalität. Zusammen mit Syndics zeigt, wie großartig Rembrandt sein kann, wenn tatsächliche Erscheinungen und einfallsreiche Visionen sein Genie gemeinsam herausfordern.

Im Alter eines jeden starken Mannes muss es schwarze Momente geben, in denen er die schiere Scheußlichkeit der allmählichen Verschlechterung seines Körpers erkennt. In einem solchen Moment malte Rembrandt sicherlich das Selbstporträt in Köln, in dem er uns und sich selbst trotzig anstarrt. Und dieses Gesicht verziehendes Gespenst ist das Porträt eines Mannes, der noch keine 60 Jahre alt ist. Hier geht es um Tiefen des Mitleids, aber das Bild ist nicht selbstmitleidig. Es rechnet nur mit den entsetzlichen Tatsachen, und das schmutzige Abbild menschlicher Trümmer wird seltsamerweise von einem goldenen Licht verherrlicht, wie das des Sonnenuntergangs einen Hulk verwandeln könnte, der schmutzig am Strand verfault.

Der liebevolle Pöbel Hendrickje starb 1661. Der kranke Sohn Titus folgte ihr 1668 bis zum Grab. Rembrandt blieb noch ein Jahr der Einsamkeit. Er wurde in den frühen Sechzigern am 8. Oktober 1669 in der Westerkerke beigesetzt.

Als Rembrandt starb, wusste Amsterdam wahrscheinlich, dass es einen sehr exzentrischen und interessanten Charakter verloren hatte, aber man hat das Gefühl, dass es keinen Sinn hatte, dass ein großer Maler gegangen war. Dutzende junger Maler, viele Rembrandts Schüler, wussten es besser. Sie versuchten tapfer, das zu imitieren, was beinahe unnachahmlich war, seinen Bildstil und noch schlechter beraten das, was völlig unnachahmlich war – seine persönliche Emotion.

Werke von Rembrandt sind im zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, insbesondere das Rijksmuseum Amsterdam .