Goya: Spanischer Historienmaler, Porträtkünstler, Grafiker Automatische übersetzen

Der spanische Maler Francisco José de Goya y Lucientes gilt als Schlüsselfigur der spanischen Malerei und als wichtiger Wegbereiter der modernen Kunst. Seine Porträtkunst, seine figurativen Zeichnungen und Stiche stellten wichtige historische Ereignisse im Spanien des späten achtzehnten und frühen neunzehnten Jahrhunderts dar. Am bekanntesten ist er für seine kühn-emotionalen Gemälde der Gewalt, insbesondere für die Darstellung der Invasion Napoleons in Spanien.

Zu seinen bekanntesten Werken gehören „Nude Macha“ (um 1797), „Dressed Macha“ (um 1800), „Dritter Mai 1808“ (1814) und „Saturn verschlingt seinen Sohn“ (1819), die sich im Museo del Prado in Madrid befinden. Weitere Werke sind Szene der Inquisition (1800, Accademia S. Fernando); Porträt von Karl IV. und seiner Familie (1800, Prado); Koloss (Riese) (1810, Prado); Porträt des Herzogs von Wellington (1814, National Gallery, London). Seine düstere Romantik wird durch die Serien „Phantasie und Erfindung“ (Gemälde, 1793), „Caprices“ (Radierungen, politische Satire, 1799), „Disasters of War“ (Aquatinten, 1812-15) und „Black Painting“ (14 Fresken, 1819-23).

Biografie

Goya wurde 1746 in Zaragoza, einem kleinen Dorf in Nordspanien, geboren. Einige Jahre später zog die Familie nach Zaragoza und sein Vater nahm eine Stelle als Vergolder an. Im Alter von etwa 14 Jahren ging Goya bei einem lokalen Künstler, José Luzán, in die Lehre, der ihn im Zeichnen unterrichtete, und wie es damals üblich war, verbrachte der junge Goya viele Stunden damit, Stiche der Alten Meister zu kopieren. Im Alter von 17 Jahren zog Goya nach Madrid und geriet unter den Einfluss des venezianischen Malers und Kupferstechers Giambattista Tiepolo und des Malers Anton Raphael Mengs . Im Jahr 1770 zog er nach Rom, wo er den zweiten Preis in einem von der Stadt Parma veranstalteten Wettbewerb der schönen Künste gewann.

Anerkennung

1774 erhielt er seinen ersten großen Auftrag: Er entwarf 42 Muster für die Dekoration der Steinmauern von El Escorial und des Palacio Real de El Pardo, den neuen Residenzen der spanischen Monarchie. Diese Arbeit machte die spanische Monarchie auf ihn aufmerksam und führte dazu, dass er 1786 zum Maler des Königs ernannt wurde.

Gemälde von Francisco Goya

Goya war ein scharfer Beobachter der Menschen und skizzierte ständig das Alltagsleben. Nachdem er 1792 an Fieber erkrankt war, wurde Goya jedoch dauerhaft taub. Durch seine Taubheit von den Menschen isoliert, zieht er sich in seine Fantasie zurück, und ein neuer Stil beginnt sich zu entwickeln - satirischer, näher an der Karikatur. Sein Werk nimmt zunehmend makabre Züge an, wie zum Beispiel in einer Serie von dreizehn Gemälden „Fantasien und Erfindungen“, 1793 - eine dramatische Alptraumfantasie mit Verrückten im Hof. Zu der Zeit, als er diese Gemäldeserie fertigstellte, erholte sich Goya selbst von einem Nervenzusammenbruch.

Düstere Romantik

1799 fertigt er eine Serie von 80 Radierungen mit dem Titel Los Caprichos (Capricen oder Launen) an, in denen er in Anlehnung an William Hogarth verschiedene Formen menschlichen Verhaltens kommentiert.

In den Jahren 1812-15, nach den Napoleonischen Kriegen, schuf er eine Reihe von Aquatinta-Gravuren mit dem Titel „Disasters of War“, die schockierende und entsetzliche Szenen auf dem Schlachtfeld zeigen. Diese Stiche blieben bis 1863 unveröffentlicht. Vergleichen Sie Goyas realistische Darstellung des Krieges mit der eher romantischen Darstellung von Antoine-Jean Gros (1771-1835).

1814 schuf Goya zum Gedenken an den spanischen Aufstand gegen die französischen Truppen auf der Puerta del Sol in Madrid eines seiner größten Meisterwerke, „Der dritte Mai 1808“ (1814, Prado, Madrid), das als eines der ersten echten Gemälde der modernen Kunst anerkannt wird.

Nach 1815 zog sich Goya praktisch aus dem öffentlichen Leben zurück und wurde in seinem Werk immer zurückgezogener und ausdrucksstärker, was an El Greco viele Jahre vor ihm erinnerte. Eine andere Serie von Gemälden, vierzehn große Fresken, die als „Schwarze Bilder“ (1819-23) bekannt sind, darunter „Saturn verschlingt eines seiner Kinder“ (1821, Prado, Madrid), offenbaren eine außergewöhnliche Welt der schwarzen Fantasie und Vorstellungskraft.

Seine letzten Jahre

Sein Werk erstreckt sich über mehr als 60 Jahre, und im Laufe der Zeit wurde er immer kritischer gegenüber der Welt. Er empfindet Bitterkeit und Desillusionierung gegenüber der Gesellschaft, während sich die Welt um ihn herum verändert, und drückt diese Gefühle in seiner Kunst aus.

1824, nach großen politischen Umwälzungen in Spanien, beschloss Goya, nach Frankreich ins Exil zu gehen. Dort arbeitete er bis zu seinem Tod im Jahr 1828 im Alter von 82 Jahren weiter. Gegen Ende seines Lebens zog er sich noch mehr zurück und tauchte in Wahnsinn und Fantasie ein.

Goyas Rolle in der Kunstgeschichte beschränkt sich nicht auf seine großartigen Porträts. Neben seiner Meisterschaft in der Druckgrafik beeinflusste sein dramatischer Malstil einen Großteil der französischen Kunst des 19. Jahrhunderts, und sein Werk war der Vorläufer der expressionistischen Bewegung und ein wichtiger Vorläufer der modernen Kunst. Zusammen mit Velázquez und Picasso gilt er als einer der drei besten Maler Spaniens.

Francisco José Goya: sein Leben und sein Werk

Zwei spanische Virtuosen: Goya gegen Velázquez

Vor der Epoche des Modernismus brachte Spanien zwei seiner größten Künstler hervor - den ruhigen Velázquez und den turbulenten Goya. Ähnlich in ihrem Genie, waren sie in allem anderen unähnlich. Velázquez war ein lächelnder Beobachter der Tragikomödie des Lebens. Goya war ein überschwänglicher Schauspieler. Velázquez, der Philosoph, schüttelte herablassend den Kopf und sagte: "Was für Narren diese Sterblichen sind." Goya, der Kämpfer, fuchtelte drohend mit der Faust und rief: "Was für Schurken sind diese Sterblichen!". Und er selbst war nicht der schlimmste Tyrann. Sowohl Velasquez als auch Goya waren Spanier durch und durch. Aber der Geist der Malerei von Velasquez war vor allem national, während der Geist der Malerei von Goya stets universell war. Velázquez war ein Bürger Spaniens. Goya war ein Mann von Welt.

Velázquez stellte das Leben seiner Landsleute dar. Goya stellte das Leben der Menschheit dar. Goya war einer der vollkommensten Künstler der Welt. Man kann ihn durchaus als den Shakespeare des Pinsels bezeichnen. Seine Vorstellungskraft war allumfassend. Die Bandbreite seines Genies umfasste Porträts, Landschaften, mythologische Malerei, realistische Geschichten, symbolische Darstellungen, Tragödie, Komödie, Satire, Farce, Menschen, Götter, Teufel, Hexen, das Sichtbare und das Unsichtbare und, wie bei Shakespeares extravagantem Genie, den gelegentlichen Ausflug ins Obszöne.

Körperlich war dieser überschwängliche Ritter mit Dolch und Pinsel eher imposant als ansehnlich. Leicht unterdurchschnittlich groß, besaß er die Figur eines Athleten. Seine Gesichtszüge waren rau und uneben, aber in ihnen loderte ein Feuer von unaufhaltsamem Ungestüm. Seine tiefschwarzen Augen leuchteten plötzlich mit der Kühnheit eines Kindes auf, das zu einem schelmischen Streich bereit ist. Seine Nase war dick, fleischig, sinnlich. Seine Lippen waren fest, aggressiv und teilnahmslos. Aber in ihren Ecken lag manchmal ein Lächeln von gutmütiger Belustigung. Sein Kinn war das runde, sensible, glatte Kinn eines Liebhabers. Ein Liebhaber des Lebens, des Vergnügens und der Schönheit. Drei Dinge mochte er gleichermaßen: mit einem Mädchen flirten, Duelle austragen und Bilder malen. Er war ein Meister in der Kunst des ausschweifenden Lebens - ein Draufgänger, Raufbold, Schürzenjäger, Kumpel, Räuber und Träumer Don Juan von Saragossa!

Frühe Jahre

Francisco José Goya y Lucientes wurde am 13. März 1746 als Sohn eines Bauern aus der Provinz Aragonien geboren - zu einer Zeit, als die spanische Kunst auf dem Tiefpunkt war. Der rotblütige Realismus des spanischen Barock von Velázquez und Ribera war zu den blutleeren rosa-weißen Figuren der uninspirierten Maler des 18. Diese Künstler besaßen das Genie der Mittelmäßigkeit. Die Welt war alt und sehr müde. Sie schlief unter dem Schnee einer der winterlichsten Epochen der Geschichte. Niemand ahnte, als Goya durch die Felder seines Heimatdorfes Fuendetodos wanderte, dass vor ihm der junge Mann stand, der einen neuen Frühling einläuten würde. Das letzte, was Goya selbst über sein Schicksal wusste, war, dass er ein junger Mann war. Um seine fleißigen Hände zu beschäftigen, vergnügte er sich mit Skizzen in den Feldern, die an die Straße nach Zaragoza grenzten.

Eines Tages, im Jahre 1760, ging ein Mönch langsam diese Straße entlang und las in seinem Brevier. Ein Schatten legte sich über seinen Weg. Als er aufblickte, sah er einen jungen Mann, der Kohlezeichnungen an der Wand einer Scheune anfertigte. Da der Mönch eine Art Kenner ist, bleibt er stehen, um die Arbeit des Jungen zu betrachten. Er war erstaunt über die Fähigkeiten des Jungen. „Bring mich nach Hause zu deinen Eltern", sagte er. "Ich möchte mit ihnen sprechen."

Als er auf Goyas Bauernhof ankam, hatte er keine Schwierigkeiten, die Eltern zu überreden, ihm das Kind anzuvertrauen. Es war dieser anonyme Mönch, der das verborgene Genie Goyas weckte und für die Wiederbelebung der spanischen Malerei verantwortlich war.

Goya war fünfzehn Jahre alt, als er in die Malerlehre ging. Durch die Empfehlung seines kirchlichen Gönners wurde er in das Atelier von Don José Luján Martínez aufgenommen. Hier blieb er fünf Jahre lang und erwarb eine überschwängliche Virtuosität in Farbe und Zeichnung, eine leidenschaftliche Bewunderung für Velázquez und eine aufrichtige Verachtung für die akademischen Konventionen seiner Künstlerkollegen. Unter ihnen gab es nur einen, vor dem er den geringsten Respekt hatte, einen Maler namens Francisco Bayeu (1734-1795). Obwohl Bayeu zwölf Jahre älter als Goya war, wurden die beiden Luhan-Schüler schnell Freunde.

Goya ist ein wilder junger Mann

„Schnell“ in mehr als einem Sinne. Goya und Baillieu waren das Leben im Atelier - und das Gesprächsthema der Stadt. Eifrig in ihrer Arbeit, entschlossen in ihren Vergnügungen und rücksichtslos gegenüber den Folgen ihrer Eskapaden stürzten sie sich kopfüber in den Strudel der aragonesischen Unterwelt - sie sangen, tanzten, tranken, feierten, stritten und töteten manchmal zum Spaß.

Goya war immer an vorderster Front bei Straßenschlachten dabei. Bei einer dieser Schlägereien, die durch eine unbekannte und unbedeutende Ursache ausgelöst wurde, blieben drei junge Männer, die zu einer rivalisierenden Gruppe gehörten, leblos am Boden liegen. Jemand warnte Goya, dass die Inquisition ihn verhaften wolle. In aller Eile packte er seine Sachen und verließ Zaragoza mitten in der Nacht in Richtung Madrid.

Madrid

Hier eilte ihm sein Ruf als Künstler voraus. Bayeux, der kurz vor ihm in Madrid eingetroffen war, machte ihn mit einem Deutschen Anton Raphael Mengs (1728-1779) (1728-1779), Superintendent der schönen Künste in Madrid, bekannt. Mengs, ein etwas besser als mittelmäßiger Künstler, aber etwas schlechter als ein mittelmäßiger Lehrer, war zu dieser Zeit mit der Dekoration des Königspalastes in Madrid beschäftigt. Von allen Schülern, die ihm bei dieser Arbeit assistierten, verlangte er sklavischen Gehorsam und treue Nachahmung seiner eigenen, nichtssagenden Ideen. Er lud Goya ein, ihn als einen seiner Assistenten in sein Atelier aufzunehmen. Goya, dessen künstlerische Ideen denen von Mengs überlegen waren, lehnte das Angebot ab.

Goya kam nicht nach Madrid, um Arbeit zu finden, sondern um seine Ausbildung fortzusetzen. Obwohl er großes Vertrauen in seine Fähigkeiten hatte, fühlte er sich noch nicht bereit für eine berufliche Laufbahn. Er glaubte fest an die Formel: leichtes Geld durch hartes Studium. So verbrachte er seine Tage mit dem Studium der Kunstschätze der Hauptstadt. Und seine Nächte verbrachte er damit, die Herzen der Señoritas und Señores zu erobern. Ob ledig oder verheiratet, die Frauen waren für ihn gleichermaßen begehrenswert - und ebenso verfügbar. Nur wenige konnten seinen ungestümen Annäherungsversuchen widerstehen. Mit dem Degen in der Hand und der Gitarre in der Hand zog er durch die Straßen und sang sich in die Herzen der Damen, deren heimlich geschriebene Botschaften ihn hinter verschlossenen Fenstern erreichten. Die Frauen verehrten ihn und die Männer beneideten ihn zu Recht. Und sie hatten jedes Recht, eifersüchtig zu sein.

Früher oder später musste ihn diese sorglose Verfolgung verbotener Liebesabenteuer teuer zu stehen kommen. In der Tat hätte es ihn fast das Leben gekostet. Eines frühen Morgens fand man ihn auf der Straße mit einem Dolch im Rücken. Um ihn vor den allgegenwärtigen Augen der Inquisition zu schützen, hielten seine Freunde ihn eine Zeit lang geheim. Dann, als er wieder ganz gesund war, schmuggelten sie ihn aus Madrid heraus.

Italien

Diesmal geht Goya nach Italien. Hier, wie auch in Madrid, widmet er sich dem Studium der großen Meister der Renaissance und des Manierismus, darunter der kurzlebige Caravaggio (1571-1610). Er lobt die geometrische Präzision ihrer Entwürfe, er rühmt die Subtilität ihres Helldunkels, die dramatische Qualität des Caravaggianismus . Er bewunderte die Präzision ihrer Beobachtungen, verneigte sich vor dem Feuer ihres Genies - und weigerte sich, sich von einem von ihnen beeinflussen zu lassen. Die meiste Zeit seines Lebens kam seine Inspiration von innen, nicht von außen. Er wurde von keiner Schule erzogen. Seine Kunst war streng und vollständig seine eigene.

In Rom, wie auch in Zaragossa und Madrid, lebte er ein Leben voller romantischer und gefährlicher Abenteuer. "Einmal", sagt Signor Cardarera, "ritzte Goya seinen Namen mit einem Messer in die Laterne der Kuppel von Michelangelo" - eine halsbrecherische Leistung - "in die Ecke eines bestimmten Steins, den keiner der anderen Künstler, Deutsche, Engländer oder Franzosen, die ihm bei diesem verrückten Aufstieg vorausgegangen waren, erreichen konnte. Und bei einer anderen Gelegenheit "drehte er eine Runde um das Grab von Caecilia Metella, wobei er sich kaum auf dem schmalen Sims des Gesimses halten konnte."

Dies waren nur die Vorboten eines noch gefährlicheren Abenteuers. Er lernte in Rom ein junges Mädchen kennen, verliebte sich in sie und machte ihr gegen den Willen ihrer Eltern einen Heiratsantrag. Rechtzeitig gewarnt, steckten ihre Eltern sie in ein Kloster. Goya, entschlossen, seine Braut zu bekommen, versuchte, in das Kloster einzubrechen und sie zu entführen. Er wurde gefasst und der Polizei übergeben. Die Entführung einer Nonne aus einer heiligen Kirche war eine ernste Angelegenheit. Nur das Eingreifen des spanischen Botschafters rettete ihn.

Rückkehr nach Spanien

Nachdem sich Goya, wenn auch nur vorübergehend, beruhigt hatte, gab er seine unmögliche Suche auf und kehrte nach Madrid zurück. Hier waren seine früheren Eskapaden zum Glück vergessen. Er traf seinen alten Freund Bayeu wieder, entdeckte, dass er Bayeus Schwester liebte, heiratete sie und wurde sesshaft. Seine Studienzeit war vorbei. Nun musste er sich überlegen, wie er seinen Lebensunterhalt verdienen konnte. Wieder bot Mengs ihm einen Job an. Diesmal nahm Goya das Angebot an. Er willigte ein, die Anweisungen seines deutschen Arbeitgebers zu befolgen, nahm die leblosen mythologischen Figuren dieses Künstlers und hauchte ihnen den Geist lebendiger Männer und Frauen ein.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Goya noch nichts getan, was ihn als einen der wirklich großen Künstler der Welt ausweisen könnte. Man hielt ihn lediglich für einen Playboy mit einem geschickten Pinsel. Doch nun trat er vor einem staunenden Publikum als inspirierter Playboy auf. Seine überbordende Phantasie, seine kühne Gestaltung, sein Spiel mit Farbeffekten, sein Humor und sein unverkennbares Gespür für das Dramatische begeisterten sogar einen so hartgesottenen Traditionalisten wie Mengs selbst.

Die Madrider Kunstkenner, die vergeblich nach Zeichen eines neuen Lebens in ihrer nationalen Kunst suchten, begrüßten Goyas Werk mit Ovationen. Goya nahm diese öffentliche Anerkennung seines Genies mit der gleichen Selbstsicherheit entgegen, mit der er das Lächeln seiner Senoritas akzeptierte. Goya litt nie an übertriebener Bescheidenheit - oder gar an übertriebener Eitelkeit. Er erkannte in sich einfach eine höhere Macht. "Jetzt (im Alter von dreißig Jahren)", schreibt M. Charles Iriarte, "wusste er, dass er nur einen Pinsel in die Hand nehmen musste, um ein großer Maler zu werden.

Goya ist ein Genremaler

Fünfzig Jahre lang arbeitete er mit seinem Pinsel, erfreute seine Generation und bereicherte die nachfolgenden Generationen. Er begann mit der Genremalerei, in der er farbenfrohe Geschichten von den verschiedenen Beschäftigungen der Menschen erzählte - lebendige, vibrierende, energiegeladene Szenen von Theaterstücken, Prozessionen, Stierkämpfen, Räubern, Maskeraden, Brautwerbung, Verführung, Tänzen, Banketten, Picknicks, Spaziergängen, Streitereien, Versöhnungen - kurzum, das ganze Panorama des spanischen Lebens im 18.

Diese Gemälde sind nicht immer fehlerfrei in ihrer Konzeption. Einige der Stiere und manchmal auch die menschlichen Figuren sind mit übertriebenen anatomischen Proportionen gezeichnet. Aber diese Übertreibungen sind immer beabsichtigt. Sie sind für einen bestimmten dramatischen Effekt gedacht. Wenn man sie betrachtet, hat man das Gefühl, dass die Natur, wenn sie solche Kreaturen nicht erschaffen hat, sie doch erschaffen haben muss. Schließlich ist Goya ein Maler und kein Fotograf. Er ist ein Realist mit Fantasie. Und seine Kunst ist so lebendig, so vergeistigt, so ungestüm, dass sie auch beim lethargischsten Betrachter einen sympathischen Funken der Vorstellungskraft entfacht.

Goya der Kräutersammler

In dieser Periode seiner Kunst erkennt Goya einen Meister an, Diego Velázquez (1599-1660). Er fertigt eine Reihe von Radierungen an, in denen er die besten Gemälde von Velázquez reproduziert. Allerdings ist „reproduziert“ nicht das richtige Wort. Es wäre richtiger zu sagen, dass er sie nachahmte. Denn Goya war nie ein Nachahmer. Wie Shakespeare drückte er allen Ideen, die seiner universellen Persönlichkeit in den Sinn kamen, seinen eigenen, originellen Stempel auf.

Mit den Radierungen, die Goya 1778 veröffentlichte, tat er Velázquez kein Unrecht. Im Gegenteil, er tat ihm einen großen Gefallen. Es war, als ob er sich von einem Freund eine Summe Geld geliehen hätte, die er anschließend mit Zinsen zurückzahlte. Heute sind diese Radierungen von unschätzbarem Wert. Sie hatten auch einen enormen Einfluss: Das deutsche symbolistische Genie Max Klinger (1857-1920) war nur einer von vielen Künstlern, die von Goyas Werken inspiriert wurden.

Neben Genrebildern und Radierungen schuf Goya etwa zur gleichen Zeit zwei religiöse Gemälde: „Christus am Kreuz“ und „Der heilige Franziskus predigt“. Diese Gemälde sind, obwohl sie in Farbe und Absicht lebendig sind, minderwertiger als seine anderen Werke. In der Tat fühlte sich Goya in diesen Themen nicht zu Hause.

Sein Wesen war nicht religiös. Diese beiden Gemälde haben alle künstlerischen Qualitäten außer einer: Ehrfurcht. Für seine Zeitgenossen waren die religiösen Gemälde Goyas jedoch ebenso zufriedenstellend wie seine anderen Gemälde und Radierungen. Das spanische Publikum hatte ihre Vorzüge gelobt und ihre Mängel nicht beachtet. Sie vergöttern ihn nun als ihren Nationalkünstler und zwingen die Akademie des Heiligen Markus trotz der Eifersucht ihrer Minister, ihn in ihre Reihen aufzunehmen. So wurde Goya am 7. Mai 1780 öffentlich mit dem offiziellen Titel „eines verdienten Akademikers“ geehrt.

Goya der Porträtist

Nachdem Goya seine Meisterschaft in der Genremalerei und im Kupferstich bewiesen hatte und mit seinen religiösen Gemälden das Publikum zu begeistern wusste, wandte er sich einem anderen Kunstzweig zu - der Porträtmalerei. Hier war er von Anfang an erfolgreich. Sich von Goya malen zu lassen, wurde zur Mode - ja zur Leidenschaft - der damaligen Zeit.

Er wurde zu einem der berühmtesten Maler Spaniens und sein Atelier wurde von morgens bis abends von reichen und adligen Kunden belagert. Dies war umso überraschender, als er nie einem seiner Sujets schmeichelte. Er malte sie, wie sie waren, mit all ihren körperlichen Unvollkommenheiten und moralischen Mängeln. „"Hier sind wir", sagen sie zum Betrachter, "ein Haufen so ungeheuerlicher Schurken, wie man sie sich nur wünschen kann“. Dies ist besonders auffällig in zwei Porträts von Maya, deren Motiv unbekannt ist, von der man aber annimmt, dass sie die Herzogin von Alba war, und in einem Porträt von König Karl IV. und seiner Familie .

Porträts von Maya

Bei den beiden Mayas handelt es sich um zwei Darstellungen ein und derselben Frau in genau derselben Pose und mit genau demselben Gesichtsausdruck. Auf dem einen Gemälde ist sie nackt, während sie auf dem anderen ein langes durchsichtiges Gewand aus feiner weißer Seide trägt, das alle verführerischen Konturen ihres Körpers fest umschließt. (Einige Zeitgenossen spekulierten, dass Goya die bekleidete Maya für ihren Mann und die nackte für sich selbst malte).

Auf beiden Gemälden liegt sie auf einer Couch, die Arme unter ihrem auf einem Kissen erhöhten Kopf verschränkt und den Körper zu drei Vierteln dem Betrachter zugewandt. Der rechte Fuß ruht leicht auf dem linken. Die Kurven des Körpers, die halb schlafende Üppigkeit der Augen und das verführerische, dünne Lächeln der Lippen scheinen auf einen Gedanken ausgerichtet zu sein: ’Ich will begehrt werden’."

Das Gemälde erzeugt eine seltsame Wirkung. Es zieht an und stößt gleichzeitig ab. Es gibt Schönheit in seiner Hässlichkeit und Hässlichkeit in seiner Schönheit. Die Interpretation des Doppelporträts ist auf jeder Zeile groß geschrieben: "Was für Schurken ihr sterblichen Frauen seid…". Aber was für begehrenswerte Schurken!"

Ein königliches Porträt

Ein weiteres Porträt - „König Karl und seine Familie“ - ist ein weiterer Beweis für Goyas Verachtung der menschlichen Rasse. Karl IV. verlieh Goya den Titel des ersten Malers. Aber Goya verlieh Karl IV. nicht den Titel des ersten Spaniers, wie dieses Gemälde zeigt. Die Gesichtszüge des Königs und eines Großteils seiner Familie sind extrem vulgär. Sie sehen aus wie eine Familie von Arbeitern, die sich in königliche Gewänder gehüllt hat.

Der König mit seiner Hakennase und seinem selbstgefälligen Grinsen; die Königin mit ihren dicken nackten Armen, ihrem Doppelkinn und ihren reich mit Juwelen geschmückten Gesichtszügen, die sich zu einem Heiligenschein pompöser Dummheit aufblasen; die Prinzen und Prinzessinnen des Blutes, zwölf an der Zahl, jede mit einem Gesicht so unschuldig wie die jüngste von ihnen - ein Bild des Königtums in Dekadenz. Und doch waren der König und die Königin stolz auf dieses Bild. Denn sie sahen darin, was sie sehen wollten - die große kaiserliche Familie, dargestellt in kolossalen Proportionen auf einer Leinwand von enormer Größe. Wie muss Goya insgeheim gelächelt haben, als er dieses fertige Werk betrachtete - eine Brut elender Sterblicher, mit den Körpern von Titanen und den Seelen von Flöhen!

Es gibt etwa zweihundert Porträts, von denen bekannt ist, dass Goya sie gemalt hat. Fast alle berühmten Persönlichkeiten dieser Epoche haben sich irgendwann einmal von diesem unermüdlichen Realisten mit dem Pinsel verewigen lassen. Das Ergebnis ist ein beredter Kommentar zu den Verrücktheiten und Launen des Spaniens des achtzehnten Jahrhunderts. Diese Porträts bilden jedoch nur einen kleinen Teil der Gemälde, in denen Goya die menschliche Komödie seiner Zeit darstellte.

Ein realistischer Maler der spanischen Gesellschaft

Er stellte das rastlose Leben der Stadt in den Gemälden „Blinde Straßensängerin“, „Töpfermarkt“ , Gemüsefrau dar, Stelzenläufer, Karneval, Maifest in Madrid, Irrenhaus und Corrida . Er verewigte die Mühen und Freuden der Dorfbewohner in „Wäscherin am Teich“, „Heuernte“, „Überfall auf eine Postkutsche“, Witwe am Brunnen, Dorfhochzeit, Wasserträger, Dorftanz, Geölte Stange und Jahreszeiten . Er schilderte die Schrecken des Krieges - denn trotz seines überschwänglichen Geistes verabscheute er das organisierte Geschäft des Gemetzels - in einer Reihe von verheerenden Satiren wie Das Massaker von 1808, Für immer die gleiche Grausamkeit, Death Beds, Hanging, Garrote (eine spanische Methode der Strangulierung mit einem eisernen Kragen und einer Schraube), Dead Men Tell No Tales, I Have Seen Horrors, und They Have No One to Help Them . Sie sind hart, ehrlich, realistisch und erschütternd und zeigen die Unmenschlichkeit des Menschen gegenüber dem Menschen auf. Aber das charakteristischste aller Gemälde Goyas sind vielleicht seine berühmten Capricen .

Goyas Capricen

Diese Capricen, die in Radierung und Aquarell ausgeführt wurden, waren weder vor noch nach Goya zu finden. Sie sind eine ganze Welt, die durch einen verzerrten Spiegel betrachtet wird, halb realistische, halb fantastische Darstellungen von tierähnlichen Menschen und menschenähnlichen Bestien, Szenen, die Raubbau, Heuchelei, Grausamkeit, Aberglaube, Zügellosigkeit, Prunksucht, Gewalt, Dummheit und das unausweichliche Schicksal der Kreatur namens Mensch darstellen, die ihr Leben in Hoffnung beginnt und in Unglück endet.

Eines dieser Werke mit dem Titel „Bis zum Tod“ stellt eine alte Frau dar, deren Hände und Gesicht bereits skelettartig geworden sind, die schadenfroh in den Spiegel schaut und sich eine luxuriöse Haube über ihr zerzaustes Haar zieht, während ihre Dienerinnen zusehen und ihr Bestes tun, um ihren Spott hinter ausgestreckten Handflächen zu verbergen.

In einem anderen Bild mit dem provokanten Titel „Die Jagd nach den Zähnen“ schleicht sich eine verängstigte Frau im gespenstischen Licht des Mondes an den Galgen heran und zieht einem gehängten Verbrecher die Zähne. Ihr Ziel? Sie will diese Zähne als Amulett gegen Krankheiten verwenden.

Eine andere Laune mit dem Titel „Aufstieg und Fall“ zeigt die Hilflosigkeit des Menschen in den Händen des Schicksals. Eine riesige Gestalt mit den Beinen einer Ziege und dem Gesicht eines Teufels hat den Mann gerade an den Knöcheln gepackt und ihn in den Himmel befördert. Der Mann jubelt über sein Glück und seine teure Kleidung. Flammen schießen aus seinen Händen und seinem Kopf hervor. Er ist ein König unter seinen Mitmenschen! In seinem Hochgefühl bemerkt er nicht, armer kleiner Sterblicher, dass andere Menschen, wie er selbst, gerade hochgehoben wurden, um dann kopfüber auf den Boden zu stürzen. Diese pessimistische Caprice ist mit folgendem Kommentar versehen: "Das Schicksal ist grausam zu denen, die ihm nachschauen. Die Mühe des Aufstiegs ist umsonst. Wir steigen nur auf, um zu fallen."

Und so weiter. Goyas Kapriolen sind wie Dantes Inferno. Doch im Gegensatz zu Dante schildert Goya nicht das Leiden der Toten, sondern die Qualen der Lebenden. Und offenbar hielt Goya das Inferno des Lebens für noch tragischer als das Inferno des Todes.

Die letzten Tage in Frankreich

„Goyas Caprichos“ machten ihn zur persona non grata für die Inquisition. Denn in zahlreichen Fantasien griff er die Praktiken dieser überholten Institution des Mittelalters an. Spanien wurde zu einem ungesunden Ort für Goyas Leben. So packte der alte und junge Abenteurer im Alter von etwa siebzig Jahren seine Pinsel und Farben zusammen und ging ins französische Bordeaux, um dort sein Leben im Exil zu beenden. Hier traf er auf einige seiner Landsleute, die vor der Tyrannei des neuen spanischen Königs, Ferdinand VII.