Caravaggio: Italienischer Barockmaler, Begründer des Caravaggism Automatische übersetzen

Als einer der ikonoklastischsten und einflussreichsten Alten Meister wird Caravaggio für seinen naturalistischen Stil der Barockmalerei verehrt, der eine umstrittene Alternative zum Klassizismus von Annibale Carracci sowie zum vorhergehenden Stil des Manierismus darstellt. (Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts)

Am bekanntesten für seine religiösen Gemälde, verwendete er Arbeiter, Bauern und Kurtisanen als Modelle für seine biblischen Figuren. Dieser Naturalismus rief den Widerstand von Kirchenbehörden und anderen hervor, die einen Großteil seiner religiösen Kunst als zu pietätlos ablehnten. Diese negative Reaktion scheint darauf hinzudeuten, dass sich der Vatikan zunehmend weniger Sorgen über die protestantische Revolte machte, denn Caravaggios bodenständige Barockkunst war genau das, was sich das tridentinische Konzil (1545-63) erhofft hatte, das für seine Kirchen und Kapellen eine relevantere und verständlichere Art von katholischer Gegenreformationskunst forderte.

Die Gemälde von Caravaggio

Die Virtuosität seiner Malerei - er wich dem florentinischen Ansatz disegno zugunsten der venezianischen Methode, alla prima ohne vorherige Zeichnung zu arbeiten - und seine revolutionäre Behandlung der biblischen Kunst machten ihn zu einem der einflussreichsten italienischen Barockmaler des 17. Zu seinen größten Gemälden, die seinen Ruf als einer der besten Historienmaler Italiens begründeten, gehören: Die Berufung des heiligen Matthäus (1600) und Das Martyrium des heiligen Matthäus (1600), für die Contarelli-Kapelle; Die Bekehrung auf der Straße nach Damaskus (1601) und Die Kreuzigung des heiligen Petrus (1601) für die Cerasi-Kapelle; Das Abendmahl in Emmaus (1601, National Gallery, London); Der Tod der Jungfrau (1601-6, Louvre); und Das Begräbnis Christi (1601-3, Vatikanische Museen, Rom). Caravaggios Beherrschung von tenebrismo und chiaroscuro erwies sich bei Kunstsammlern und anderen Künstlern des siebzehnten Jahrhunderts als so populär, dass er den gesamteuropäischen Trend des Caravaggismo auslöste, der Rubens (1577-1640) und Rembrandt (1606-1669) und viele andere inspirierte.

Leider war Caravaggio nicht nur ein wahres künstlerisches Genie, sondern auch ein abscheulicher und gewalttätiger Mann mit einem Strafregister, das Körperverletzung und sogar Mord beinhaltete. Nach ein paar Wochen harter Arbeit stolzierte er mit einem Schwert bewaffnet durch die Stadt und suchte einen Kampf. Im Jahr 1606 tötete er bei einer Schlägerei einen Mann, floh aus Rom und verbrachte seine restlichen Jahre auf der Flucht. Im Alter von 38 Jahren starb er in Porto Ercole an Fieber, als er auf dem Weg nach Rom war, um (Gerüchten zufolge) eine Begnadigung zu erhalten. Ein trauriges Ende für einen der besten Künstler aller Zeiten. In dieser späten Periode malte er seine Meisterwerke „Die Beweinung Christi“ (1607, Museo Capodimonte, Neapel) und „David mit dem Kopf des Goliath“ (1609-10, Galleria Borghese, Rom).

Frühe Jahre

Michelangelo Merisi da Caravaggio wurde 1571 in der Nähe von Mailand geboren, sein Vater war Architekt oder Dekorateur. Fünf Jahre später zieht die Familie auf der Flucht vor der Pest, die damals in Mailand wütet (und der sein Vater zum Opfer fällt), in die Stadt Caravaggio in der Nähe von Bergamo (woher der Nachname stammt).

Der junge Caravaggio zeigte schon früh künstlerisches Talent, und als er 13 Jahre alt war, nachdem seine Mutter an der Pest gestorben war, ging er bei dem Maler Simone Peterzano (ca. 1540-96) in die Lehre, einem ehemaligen Schüler Tizians und Anhänger der lombardischen Schule. Die lombardische Malerei legt Wert auf Einfachheit und Naturalismus, was einen wichtigen und dauerhaften Einfluss auf den jungen Künstler und seinen Kunststil hat.

Ausbildung im Naturalismus

Die Tatsache seiner Ausbildung geht Hand in Hand mit der Tatsache seines kritischen Rufs. Schon zu seinen Lebzeiten bezeichnete Federico Zuccaro (1540-1609), der erste Präsident der neuen Kunstakademie in Rom, ihn verächtlich als schlechten Nachahmer von Giorgione (1477-1510), während seine Anhänger ihn als einen Künstler priesen, der keinen anderen Meister als die Natur hatte.

Nur der anspruchsvolle Mäzen Vincenzo Giustiniani (1564-1637) sah hinter der naturalistischen Unmittelbarkeit von Caravaggios Gemälden eine bewusste Teilnahme an der Bewegung „der Rückkehr zur Natur“, die die Hauptleidenschaft der italienischen Malerei im späten 16. und frühen 17. Akademische Kritiker hingegen (z. B. Zuccaro) warfen Caravaggio vor, Szenen ohne Geschichte oder Handlung zu malen und religiöse Szenen ohne Rücksicht auf die von der Kirche festgelegte Ikonographie darzustellen.

Caravaggios Unterstützung für die bodenständigen, realistischen, antihumanistischen Ideen, die die besten lombardischen Werke des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts kennzeichneten, und seine Beziehung zu den Manieristen, wie Giovanni Savoldo (aktiv 1506-48), Moretto da Brescia (1498-1554), Lorenzo Lotto (1480-1556) und den Gebrüdern Campi, bleibt eine gesicherte Tatsache, die für das Verständnis seines Gesamtwerks wesentlich ist.

Frühe Jahre in Rom

Es ist nicht nötig, sich mit den Abenteuern aufzuhalten, die Caravaggio in seinem Leben erlebte. Sie sind nur insofern von Interesse, als sie dazu beitragen, seinen Charakter und die Chronologie seines Werdegangs zu erklären. Als er Anfang zwanzig war, gelang es ihm, trotz des Unterschieds zwischen seinem Stil und dem in den damaligen Künstlerkreisen offiziell akzeptierten, in Rom Gönner und aristokratische Sammler zu finden. Trotz Gefangenschaft, Flucht und allerlei Schwierigkeiten schuf er weiterhin Meisterwerke und bewahrte sich das poetische Verständnis, das nur die größten Meister besitzen. Eine seiner wichtigsten Eigenschaften war, dass er nie den Kontakt zum Alltagsleben verlor und die Helden seiner Gemälde weiterhin unter den einfachen Menschen fand.

Caravaggio kam zwischen 1591 und 1592 nach Rom; auf dem Weg dorthin lernte er die Werke von Künstlern wie Giotto (1267-1337) und Mazaccio (1401-1428) kennen, mit denen er sich an Vorstellungskraft und innovativer Vision messen sollte. Das Leben in Rom gestaltete sich schwierig, und er war gezwungen, seinen Lebensunterhalt mit der Herstellung populärer, billiger Werke zu bestreiten, obwohl er auch begann, an seinen eigenen Gemälden zu arbeiten. Während seines Aufenthalts im Krankenhaus Santa Maria della Consolazione malte er mehrere Gemälde, die der spanische Vorgesetzte des Krankenhauses nach Sevilla schickte.

Danach besuchte Caravaggio die Schule des Chevalier d’Arpino (Giuseppe Cesari) (1568-1640), eines charmanten, aber oberflächlichen Künstlers, der keinen Einfluss auf ihn hatte und den er bald verließ, um sich im Haus seines ersten bedeutenden Mäzens, Kardinal Francesco Maria del Monte (1549-1627), niederzulassen. In dieser ersten Periode seines Lebens in Rom schuf er für Sammler eine Gruppe kleiner Staffeleibilder, deren Stil sehr individuell ist und deren Position gegenüber der Tradition des 16. Jahrhunderts klar definiert ist. In ihrer Beziehung zwischen Raum und Bild sind sie im Wesentlichen antimanneristisch und übernehmen von der manieristischen Malerei eine gespannte, nervöse Linie, während helle Farben und Hintergründe die Vitalität der Motive betonen. Die scharf umrissenen Figuren nehmen den vorderen Teil des Bildes ein, was in Verbindung mit der starken Beleuchtung ein sehr starkes Gefühl der physischen Präsenz erzeugt.

In den vielfältigen Aspekten der Wirklichkeit, die Caravaggio inspirierten, gab es keine Hierarchie der Werte. So wird Bacchus in einem anderen Gemälde als kränklicher Tavernenjunge dargestellt - Der kranke Bacchus (1593, Galleria Borghese) -, während Die büßende Magdalena (Galleria Doria Pamphili, Rom) nicht als Kurtisane, sondern als Frau aus dem Volk erscheint, die mit ihrem Elend in einem armen, kahlen Raum allein gelassen wird. So wird auch „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (1595, Galleria Doria Pamphili) als ein mit solchen weltlichen Gemälden vergleichbarer Ausschnitt des Lebens gezeigt, wie „Wahrsagerin“ (1598-99, Louvre), „Lutherische Frau“ (1595-96, Eremitage Museum, St. Petersburg), und Kartenspieler (1594, Kimbell Art Museum, Fort Worth). Das einzige Motiv von „Stilleben mit einem Korb voller Früchte“ (1601, Pinacoteca Ambrosiana, Mailand) schließlich beeindruckt den Betrachter durch seine greifbare Realität. Dieses Werk, das als eines der besten Beispiele der modernen Stilllebenmalerei gilt, weil es den rein deskriptiven Glamour ablehnt, markiert einen klaren Bruch mit der Genremalerei, die ihm vorausging.

Späte Jahre in Rom

Gemälde, die er für die Contarelli-Kapelle gemalt hat, Altarbild in der Kirche von S. Luigi dei Francesi, deren Entstehungsdaten kürzlich als 1599-1600 für die Seitentafeln ) Die Berufung des heiligen Matthäus und Das Martyrium des heiligen Matthäus) und als 1600-2 für das Altarbild ) Der heilige Matthäus und der Engel) ermittelt wurden, markieren eine wichtige Etappe in Caravaggios Karriere. Diesen Gemälden ging eine Reihe von Werken voraus, die erste Anzeichen eines Stilwandels erkennen lassen, der wahrscheinlich mit der Ankunft von Annibale Carracci (1560-1609) im Jahr 1595 in Rom zusammenhängt und auf jeden Fall eine Änderung der Einstellung zur offiziellen klassischen Kultur signalisiert.

Das Abendessen in Emmaus (1601, National Gallery, London) mit seiner übertriebenen Perspektive und seinem strengen und feierlichen Ton scheint tatsächlich eine Antwort auf die stattliche Art der Bologneser Schule zu sein, Während Johannes der Täufer (in zwei Versionen in der Galleria Capitolina (1602) und der Galleria Borghese (1610) in Rom) und Amor Vincit Omnia (1602, Gemäldegalerie SMPK, Berlin) eine Art Parodie sind - eine offene, sogar ironische Manifestation von Caravaggios Vertrautheit mit der klassischen Tradition des sechzehnten Jahrhunderts.

Nach seiner jugendlichen Ablehnung der Tradition scheint Caravaggio eine Phase des Nachdenkens und der ängstlichen Interpretation religiöser Ereignisse durchlebt zu haben. Seine künstlerischen Überzeugungen wurden gestärkt, und ihr revolutionärer Charakter wurde umso bereitwilliger akzeptiert, je ruhiger und selbstbewusster sie zum Ausdruck gebracht wurden. Kühn in ein modernes Umfeld übertragen (der Kartentisch in „Die Berufung des heiligen Matthäus“, das Innere einer römischen Kirche in „Das Martyrium des heiligen Matthäus“), wird das Geschehen in Caravaggios religiösen Gemälden unmissverständlich durch die aufschlussreiche Rolle des Lichts vermittelt. Von der Seite, von einer Quelle außerhalb des Gemäldes, wird das Licht eingesetzt, um die wichtigsten Elemente der Komposition hervorzuheben, wobei es nicht objektiven optischen Gesetzen, sondern den expressiven Forderungen des Künstlers gehorcht, indem es die Bewegung wie bei einer Momentaufnahme plötzlich anhält und die Szene in ein stilles, dramatisches Helldunkel taucht. Dies war ein Ausdruck des Luminismus von Caravaggio, dessen kulturelle Wurzeln im Manierismus zu finden sind.

Die erste Version des Altarbildes „Der heilige Matthäus und der Engel“ (1945 in Berlin zerstört) wurde als zu realistisch und nicht pietätvoll genug angesehen und daher verworfen. Das zweite Gemälde ist eher klassisch gehalten. Es fällt vor allem durch die Wucht der den Engel umhüllenden Vorhänge auf, als ob sie ihn in der Luft halten sollten (Caravaggio war völlig unfähig, den Engel fliegen zu lassen), und durch die Farben, eine zurückhaltende und eher spärliche Palette, die sich aufzulösen scheint, wenn das Licht hart auf den düsteren Hintergrund der Leinwand trifft.

Obwohl die Farbeffekte dieses Gemäldes auf einen venezianischen Einfluss bei der Verwendung des Lichts hindeuten, ist es mit zwei Gemälden aus dem Vorjahr verwandt ) Die Kreuzigung des heiligen Petrus und Die Bekehrung auf der Straße nach Damaskus) für die Cerasi-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Popolo. Der Auftrag wurde Caravaggio von seinem neuen Gönner, dem Bankier und Kunstsammler Marchese Vincenzo Giustiniani (1564-1637), vermittelt, und die Gemälde wurden laut Dokumenten im November 1601 fertiggestellt.

Noch intensiver als die Gemälde in der Contarelli-Kapelle sind diese beiden Werke das Ergebnis einer tieferen Interpretation religiöser Themen, mit denen sich Caravaggio von nun an fast ausschließlich beschäftigte. Die biblische Geschichte wird in die Volkssprache übersetzt. Einigen Autoritäten zufolge könnte dies auf die Predigten des Heiligen Ignatius von Loyola und des Heiligen Philipp Neri zurückzuführen sein.

In den Gemälden der Cerasi-Kapelle wird der Realismus bis zum Äußersten getrieben (z. B. der Steiß des Pferdes im Vordergrund in „Bekehrung auf der Straße nach Damaskus“, der Caravaggios Zeitgenossen schockierte). Durch die Verwandlung von Hell-Dunkel in eine tiefe Düsternis, die von gelegentlichen Lichtstrahlen durchbrochen wird, erscheinen die Szenen selbst mit erschütternder Wahrheit.

Caravaggios andere Gemälde, die er vor seiner Flucht in Rom gemalt hat, lassen sich mit diesen zusammenfassen. Um 1602-4 scheinen seine klassischen Ideen ) Das Begräbnis Christi, 1601-3, Vatikanische Pinakothek, Rom) ein Gleichgewicht mit Madonna von Loreto (1603-6), gemalt für die Kirche San Agostino, gefunden zu haben, in der die bildhauerische Schönheit der Jungfrau durch menschliche Zärtlichkeit im stillen Dialog mit ihren demütigen Anbetern belebt wird. Caravaggio wählte die Tochter eines seiner armen Nachbarn als Modell für die Jungfrau in der „Madonna mit der Schlange“ ) Madonna dei Palafrenieri, 1605-6, Galleria Borghese, Rom). Die für die Bruderschaft der Palafrenieri gemalte Komposition zeichnet sich durch ihre ungewöhnliche Ikonographie aus.

Zur gleichen Zeit wird die Dunkelheit in seinen Gemälden immer deutlicher, und zwar nicht als komplementäres Element zum Licht, sondern als Gegensatz zu diesem. Dies zeigt sich in Der heilige Hieronymus (1605) und David mit dem Haupt des Goliath (1610) in Rom (beide in der Galleria Borghese), in Der heilige Hieronymus im Kloster von Montserrat und vor allem in Der Tod der Jungfrau (1601-6, Louvre), einer stillen Tragödie, die von einem rötlichen Schein erleuchtet wird. Der Realismus dieses letzten Werks verärgert Caravaggios Zeitgenossen.

Caravaggio flieht aus Rom

Es ist bekannt, dass Caravaggio ein wütendes Temperament besaß, und die Leidenschaft seiner Gemälde spiegelte sich oft in seinem Leben wider. Eine frühe Notiz über ihn wurde 1604 veröffentlicht, in der es heißt, dass er "nach vierzehntägiger Arbeit einen oder zwei Monate lang mit dem Degen in der Hand und einem Diener im Schlepptau von einem Ballplatz zum anderen stolziert, immer bereit, sich auf einen Kampf oder Streit einzulassen, so dass es sehr unangenehm ist, mit ihm auszukommen". Im Mai 1606 tötete er seinen Gegner Ranuccio Tomassoni während einer Schlägerei nach einem Streit über den Spielstand eines Tennismatches.

Caravaggio wird des Mordes beschuldigt und flieht nach Neapel, wo er den Schutz der einflussreichen Familie Colonna erhält. Außerhalb der Gerichtsbarkeit der römischen Behörden wurde Roms berühmtester Künstler zum berühmtesten Künstler Neapels. Wahrscheinlich malte er hier „Das Abendessen in Emmaus“ (1606, Galleria Brera, Mailand), das er als Tavernenszene mit einzelnen Figuren, die aus der Dunkelheit auftauchen, behandelte.

1607 arbeitete er fieberhaft in Neapel, aber die meisten Gemälde aus dieser Zeit sind heute verloren. Diejenigen, die überlebt haben, sind Madonna des Rosenkranzes (1606-7, Kunsthistorisches Museum, Wien), Sieben Werke der Barmherzigkeit (1606-7, Kirche Pio Monte della Misericordia, Neapel), Salome mit dem Haupt Johannes des Täufers (1609-10, National Gallery, London) und Geißelung Christi (1607, Museo di Capodimonte, Neapel) zeigen einen Stilwechsel in der Modellierung der Figuren, die an die klassische und manieristische Tradition erinnern. In diesem Fall beschränkt sie sich jedoch auf das Verhältnis zwischen Dunkelheit und Licht und dient dazu, die grundlegendsten Aspekte der menschlichen Realität zu verdeutlichen. Siehe auch Caravaggio in Neapel und Neapolitanische Schule der Malerei (ca. 1600-56).

Anfang 1607 hielt sich Caravaggio auf Malta auf, wo er zwei Porträts malte: Alof de Vignacourt für den Johanniterorden (eines davon wird von einigen Autoritäten mit dem Porträt im Louvre identifiziert), Die Enthauptung Johannes des Täufers und Der heilige Hieronymus für die Johanniskathedrale in Valletta. Für diese Werke erhielt Caravaggio den Titel eines Chevalier de l’Ordre, der ihm wegen seines aggressiven Verhaltens aberkannt wurde. Nach seinem Aufenthalt in Neapel kehrte Caravaggio zu den Themen zurück, die ihn vor seiner Flucht aus Rom beschäftigt hatten, und bereicherte sie mit einem neuen Interesse an bildnerischem Material. (Anmerkung: Mehr zu Caravaggios neapolitanischen Werken siehe Die Malerei Neapels und Neapolitanische Barockkunst : 1650-1700).

Tod

Im gleichen Geist setzt er seine Reise nach Sizilien fort, wo er im Oktober 1608 ankommt. Während seiner Wanderschaft - die nach einer Überfahrt auf dem Meer am 18. Juli 1610 tragisch mit seinem Tod an einem Strand in Latium endete - schuf er Meisterwerke wie Das Begräbnis der Heiligen Lucia (1608, Bellomo-Museum, Syrakus), Johannes der Täufer (1609-10, National Gallery, London), und wahrscheinlich „Johannes der Täufer“ (1610) in der Galleria Borghese, Rom. Die genauen Umstände seines Todes sind unklar, vielleicht war es ein Fieber, vielleicht ein anderer Kampf. Caravaggio war erst 38 Jahre alt, als er starb, und seine Karriere als Maler dauerte kaum länger als ein Jahrzehnt.

Caravaggismus

Der Malstil Caravaggios war ziemlich revolutionär. Nicht zuletzt, weil er sich nicht an die strenge Trennung zwischen „hoher Kunst“ und „Genrethemen“ hielt, die seit der Renaissance eine ziemlich strikte Trennung zwischen religiöser und Volkskunst aufrechterhalten hatte. Ob religiöses Thema oder Porträt, Caravaggio bewies einen bemerkenswerten Einfallsreichtum als scharfer Beobachter von Menschen und Alltagsgegenständen. Seine Figuren sind so schön oder hässlich wie die gewöhnlichen Menschen, denen man auf der Straße begegnet. Diese Gemälde zeigen dem Betrachter jedoch keine Szenen aus dem italienischen Alltagsleben, sondern vielmehr eine individualisierte Sicht auf das Leben und die künstliche Welt, die der Künstler in seinem Atelier geschaffen hat.

Der letztgenannte Aspekt wird durch die extremen Lichtkontraste hervorgehoben, die für Caravaggios Gesamtwerk charakteristisch sind. Hell erleuchtete, flächige Farbflächen bilden einen scharfen Kontrast zu dunklen Schatten, wie man ihn nie zuvor gesehen hat, klare und erdige Töne überwiegen. Caravaggios Naturalismus war etwas Neues und wurde von den meisten seiner Zeitgenossen kaum verstanden. Außerdem begnügte sich Caravaggio nicht damit, seinen Heiligen das Aussehen von Modellen zu geben, die er auf der Straße aufgelesen hatte; es wurde sogar gemunkelt, dass er dem Bildnis der Jungfrau Maria das Gesicht einer seiner Mätressen gab.

Diese Weltlichkeit beunruhigte die frommen Gemeindemitglieder jener Zeit - sie waren gewohnt, Madonnen von überirdischer Schönheit zu sehen. Der realistische Stil der religiösen Gemälde Caravaggios war in den Augen der katholischen Kirche ein Skandal, die den Künstler verdächtigte, die heilige Kunst für seine eigenen egoistischen Zwecke zu benutzen und sie ihrer Würde zu berauben.

Die Revolution, die Caravaggio in Sachen Form und Ikonographie vollzog - und die von den Befürwortern des Caravaggismus befürwortet wurde - war das Ergebnis einer radikalen Veränderung der Beziehung zwischen dem Künstler und der Welt. Sein Einfluss war umso bedeutender, als er auf ein allgemeines Bedürfnis nach Erneuerung und Veränderung reagierte und dies auf höchst originelle, individuelle und sensible Weise zu erreichen wusste. Sein Beispiel führte zu einer Reihe von Formeln - naturalistische Darstellung von Gegenständen, lebensgroße Figuren, Beleuchtung von außen, ausdrucksstarke Verwendung von Tenebrismus und Chiaroscuro -, die von seinen Nachfolgern aufgegriffen und verbreitet wurden.

Zu den Caravaggisten gehörten solche italienischen Künstler wie Orazio Gentileschi (1563-1639), Carlo Saraceni (1579-1620) und Bartolomeo Manfredi (1582-1622). In Neapel, wo der Einfluss Caravaggios aufgrund des lokalen Quietismus besonders stark war, gehörten zu seinen Anhängern der Spanier Husepe Ribera (1591-1652) sowie Battistello Caracciolo (1578-1635) und Mattia Preti (1613-1699).

Zu den weiteren Anhängern gehörten niederländische Künstler, Gerrit van Honthorst (1592-1656) und Hendrik Terbruggen (1588-1629); Deutscher Adam Elsheimer (1578-1610); spanische Maler Zurbarán (1598-1664) und Diego Velázquez (1599-1660).

In Frankreich waren seine Nachfolger die französischen Barockmaler Moise Le Valentin (1591-1632), Simon Vouet (1590-1649), Georges de Latour (1593-1652) und Nicolas Tournier (1599-1649), und Joseph Wright of Derby (1734-1797), neben vielen anderen. Sie wurden auch Caravaggio-Maler genannt, obwohl Caravaggio selbst nie den Wunsch hatte, eine Schule zu gründen.

Sein Einfluss auf die europäische Malerei reichte von der Akzeptanz seiner Weltanschauung bis hin zur strikten Befolgung seines Malstils. Sein Umgang mit Licht und Schatten belebte die italienische Malerei, indem er die Dreidimensionalität der Figuren verbesserte. Außerdem ermöglichte er es den Künstlern, den Fokus eines Gemäldes zu kontrollieren und so seinen dramatischen Inhalt zu verstärken. In den Händen eines Meisters wie Rembrandt ermöglichte sie eine größere Charakterisierung und emotionale Tiefe. Der Caravaggismus wurde in vollem Umfang von den niederländischen Malern des Realismus sowie von den spanischen Barockmalern des 17. Jahrhunderts genutzt, die an religiöser historischer Malerei im Zusammenhang mit der katholischen Gegenreformationsbewegung arbeiteten.

Niedergang

Der Karawaggismus gerät in Rom Ende der 1620er Jahre aus der Mode, obwohl er in anderen Teilen Italiens, vor allem in Sizilien, fortbesteht. In Flandern, dem niederländischen Utrecht und Ostfrankreich blieb er bis in die 1650er Jahre beliebt. Caravaggios eigener Ruf ging im 18. Jahrhundert zurück, lebte aber im 19.

Ansehen

Obwohl Caravaggios poetischer Realismus Künstler des 19. Jahrhunderts wie Gustave Courbet (1819-1877), Édouard Manet (1832-1883) und Paul Cézanne (1839-1906) faszinierte, wurden seine Leistungen erst in den 1920er Jahren von den Kritikern angemessen gewürdigt, darunter der bedeutende Renaissance-Kunstwissenschaftler Bernard Berenson (1865-1959) und insbesondere der italienische Kunsthistoriker und -wissenschaftler Roberto Longhi (1890-1970), der seinen Stil und seine Rolle in der europäischen Malerei definierte.

Longhi stellte ihn in eine Reihe mit anderen großen europäischen Künstlern der Kunstgeschichte, wie Jan Vermeer und Rembrandt, und schrieb, dass "mit Ausnahme von Michelangelo kein anderer italienischer Maler einen so großen Einfluss gehabt hat". Was mit Caravaggio beginnt, ist, einfach ausgedrückt, die moderne Malerei.

Caravaggios Werke sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen.