Schmuckkunst: Geschichte, Techniken der Goldschmiedekunst Automatische übersetzen

Schmuck gilt als eine dekorative Kunst und ist eine der ältesten Kategorien von Produkten aus Edelmetall . Es gibt viele verschiedene Arten von Schmuck: Kronen, Diademe, Halsketten, Ohrringe, Amulette, Armbänder, Ringe, Ohrstecker, Broschen, Torques, Ketten, Krawattennadeln, Hutnadeln, Haarspangen, Gürtel- und Schuhschnallen, Knöchelarmbänder und Zehenringe.

Derartige dekorative Schmuckstücke tauchten erstmals in prähistorischen Zeiten auf - wie Höhlenmalereien zeigen, auf denen Figuren mit Halsketten und Armbändern abgebildet sind - und sind seither im Laufe der Jahrhunderte zu einem vertrauten Element der meisten Kulturen geworden. Als wichtiger Bestandteil der ägyptischen Kunst sowie der eher nomadischen keltischen Kultur war Schmuck charakteristisch für die byzantinische Kunst im mittelalterlichen Kiew, die afrikanische Kunst auf dem gesamten dunklen Kontinent, die ozeanische Kunst im Pazifik und die Kultur der Azteken und Inka in Amerika.

Schmuck ist, wie Körperbemalung und Gesichtsbemalung, seit Tausenden von Jahren ein grundlegendes Element der Stammeskunst. Schmuck wurde auch zur Verzierung von Waffen sowie von zeremoniellen und religiösen Gegenständen verwendet. In der Epoche der modernen Kunst inspirierten Bewegungen wie Jugendstil und später Art Deco neue Schmuckserien, und eine Reihe berühmter Künstler beschäftigte sich mit der Gestaltung von Schmuck , darunter: Picasso, der Bildhauer Alexander Calder, die Surrealisten Meret Oppenheim und Salvador Dalí und die Assemblage-Künstlerin Louise Nevelson. Zu den berühmtesten Juwelieren gehören das russische Unternehmen Fabergé, das New Yorker Unternehmen Tiffany & Co sowie die Pariser Unternehmen René Lalique und Cartier.

Schmuckmaterialien

Er ist eine der teuersten Kunstformen, zu den Hauptbestandteilen von Schmuck gehören Bleche, in Form gegossenes Metall und Draht. Das am häufigsten verwendete Metall ist Gold, weil es formbar, dehnbar, farbig und preiswert ist. Blattgold kann in Formen geprägt, gepresst oder in dekorative Formen gestochen werden, und Golddraht wird häufig zur Verbindung von Schmuckstücken oder zur Herstellung von Ketten verwendet. Weniger teure Edelmetalle, die für Schmuck verwendet werden, sind Silber und Platin, aber auch Legierungen wie Bronze und Nichtedelmetalle wie Kupfer und Stahl.

Neben Metallen werden auch Edelsteine und Halbedelsteine für Schmuck verwendet. Diamanten sind traditionell die am meisten geschätzten Edelsteine, ihre Farbe reicht von gelb bis bläulich-weiß. Andere Edelsteine sind Rubin (rot), Smaragd (grün) und Saphir (blau) sowie die weniger teuren Chrysoberylle (gelb oder grün), Topase (gelb oder blau) und Zirkone (braun oder klar).

Perlen, obwohl sie eher tierischen als mineralischen Ursprungs sind, gelten ebenfalls als Edelsteine. Beliebte Halbedelsteine, die von Juwelieren verwendet werden, sind Amethyst (violett, lila), Granat (dunkelrot), Opal (milchig weiß), Aquamarin (bläulich grün), Jade (grün), Lapislazuli (blau), Malachit (hellgrün).

Ein weiteres wichtiges Material, das zur Herstellung von Überzügen verwendet wird, ist geschmolzenes Glas oder Emaille.

Alle diese Komponenten werden mit Hilfe einer Technik, die mit Werkzeugen ausgeführt wird, in die gewünschte Form gebracht.

Schmucktechniken

Zu den gebräuchlichsten Metallbearbeitungstechniken, die von Juwelieren, Silberschmieden und Schleifern zur Herstellung von Schmuck verwendet werden, gehören Gießen, Schneiden, Schweißen oder Löten und das kalte Fügen (unter Verwendung von Klammern und Nieten zum Zusammenfügen von Teilen). Zu den anspruchsvolleren dekorativen Techniken gehören Prägen, Repoussieren, Gravieren, Emaillieren (z. B. Champlevé, Cloisonné, Basse Taille, Plique-à-Jour), Granulieren und Filigranarbeiten.

Bei der Steinbearbeitung können Edelsteine geschliffen werden, um geschnitzte und gravierte Muster auf den Steinen selbst zu erzeugen, oder sie können (aus mehrfarbigen Steinen wie Onyx oder Achat) geschliffen werden, um Kameen herzustellen.

Prägen

Dies ist ein Verfahren, mit dem Prägungen oder Vertiefungen in ein Metallblech eingebracht werden. Eine beliebte Art der Prägung ist das Repoussé, eine Technik, bei der ein biegsames Metallblech durch Hammerschläge auf der Rückseite so geformt wird, dass ein geprägtes Muster entsteht. Eine weitere verwandte Prägetechnik ist das sogenannte Prägen. Diese Technik ist das Gegenteil von Repoussé, denn während beim Repoussé die Rückseite eines Blechs bearbeitet wird, um ein Prägemuster auf der Vorderseite zu erzeugen, wird beim Prägen ein Muster auf der Vorderseite des Blechs durch Stanzen durch die Oberfläche des Metalls erzeugt.

Emaillieren

Die traditionelle Juweliertechnik des Emaillierens, die auf die spätrömische und frühbyzantinische Kunst zurückgeht, besteht in der Beschichtung von Metall mit glasartigem Email (Porzellanemail), einem Material aus geschmolzenem Glas, das zu einer glatten, dauerhaften Schicht aushärtet. Email kann durchsichtig, undurchsichtig oder durchscheinend sein, und dem geschmolzenen Glas kann eine breite Palette verschiedener Farben und Schattierungen hinzugefügt werden, indem es mit verschiedenen Mineralien wie Metalloxiden - Kobalt, Eisen, Neodym, Praseodym und anderen - vermischt wird.

Champlevé

Benannt nach dem französischen Wort für „erhabenes Feld“, Champlevé-Emaillieren ist eine uralte Technik, um Metallschmuck Farbe und Glanz zu verleihen, bei der Vertiefungen in die Oberfläche eines Metallgegenstands eingelassen, mit glasartigem Email gefüllt und gebrannt werden. Nach dem Abkühlen wird die Oberfläche des Objekts poliert, um zusätzlichen Glanz zu erzeugen. Diese Methode wurde erstmals von den Juwelieren der Romanik für die Verzierung von Tafeln, Schatullen und Gefäßen genutzt, wie das Stavelot-Triptychon zeigt.

Cloisonné-Email

Die Cloisonné-Emaillierung ist komplexer als das Champlevé und eine weitere Art der Emaillierung. Während beim Champlevé vertiefte Abschnitte aus dekorativer Emaille entstehen, werden beim Cloisonné-Emaille flache Metallstreifen (z. B. Silber- oder Golddraht) auf die Oberfläche eines Metallgegenstands gelötet, wodurch kleine Abschnitte (Cloisons) entstehen, die dann mit Emaille gefüllt und gebrannt werden.

Eine weitere Methode, mit Emaille zu arbeiten. Sie ähnelt der Cloisonné-Emaille, mit dem Unterschied, dass auf dem Boden „der Fächer“ ein Flachreliefmuster eingraviert wird. Die Fächer werden dann mit durchscheinendem Email gefüllt, durch das das Muster zu sehen ist. Ein hervorragendes Beispiel für diese Technik ist ein französischer königlicher Goldpokal (14. Jahrhundert) aus der Epoche der internationalen gotischen Kunst .

Plique-à-jour

Diese Schmucktechnik ähnelt ebenfalls dem Cloisonné, aber die entstehenden Fächer sind nicht unterlegt. (Die provisorische Unterlage wird entfernt, wenn die Emaille nach dem Brennen abkühlt.) Dadurch kann das Licht durch die transparente Emaille scheinen, wie bei der Glasmalerei. Plique-à-jour ist eine notorisch schwierige und zeitaufwändige Technik mit einer hohen Fehlerquote.

Tinte

Das von den Ägyptern erfundene und von den Römern verwendete Niello ist eine von Juwelieren und Silberschmieden angewandte dekorative Technik, bei der ein schwarzes Gemisch aus Schwefel, Kupfer, Silber oder Blei als Einlage für auf die Oberfläche eines Metallgegenstands (in der Regel Silber) eingravierte Motive dient. Die auf diese Weise verzierten Gegenstände werden als Nieli bezeichnet. Diese Technik erreichte ihren Höhepunkt in der Kunst der Frührenaissance, in den Händen des Florentiner Juweliers Maso Finiguerra (1426-1464).

Geschichte des Schmucks
Siehe auch Kunstgeschichte

Frühgeschichte

Obwohl die ersten Schmuckstücke aus dem Paläolithikum stammen, sind die ältesten erhaltenen Exemplare die aus dem königlichen Grab der Königin Pu-abi in Ur in Sumerien aus dem dritten Jahrtausend vor Christus. (Siehe auch Mesopotamische Kunst und Mesopotamische Bildhauerei)

Weitere frühe Werke sind Stücke aus dem Grab von König Tutanchamun (ca. 1320 v. Chr.). Schmuck war ein wichtiges Element der minoischen Kultur und der späteren griechischen Kunst, deren Einflüsse und Stile sich im gesamten östlichen Mittelmeerraum ausbreiteten - vor allem während der hellenistischen Ära - und das Schmuckdesign in der etruskischen Kunst (auf dem heutigen italienischen Festland) sowie in der Schwarzmeerregion inspirierten. Die hellenistischen Künstler, die die Miniaturmalerei voll beherrschten, wurden ihrerseits von der altpersischen Kunst beeinflusst, nachdem Kaiser Darius von Alexander dem Großen besiegt worden war.

Als die politische Macht Griechenlands schwand (300-200 v. Chr.), begann die keltisch-lathenische Kultur - insbesondere Objekte des persönlichen Schmucks - von Mitteleuropa aus nach Frankreich, Italien und ins moderne Russland vorzudringen.

Während der Pax Romana verbreitete sich der Gebrauch von Schmuck, da Rom zu einem Zentrum von Schmuckwerkstätten wurde. In den römischen Provinzen Westeuropas kam es zu einer Wiederbelebung der keltischen Handwerkskunst, wie die Petrie-Krone, die zwischen 200 und 100 v. Chr. mit dem Repoussé-Verfahren hergestellt wurde, und die exquisite Broiter-Goldkette (torc), die im ersten Jahrhundert v. Chr. entstand

Keltische Kunst bezieht sich in der Regel auf antike keltische Werke, die in der Zeit der Hallstattkultur (ca. 800-450 v. Chr.) oder der latenischen Kultur (ca. 450-50 v. Chr.) entstanden. Spätere keltische Metallarbeiten, darunter die wunderschöne Tara-Brosche (vergoldetes Silber mit gestricktem Silberdraht, der durchgehend mit einem komplizierten keltischen Geflecht verziert ist), gehören zur Kategorie „der Inselkunst“ aus dem frühmittelalterlichen Großbritannien und Irland. Zu den weiteren perlenverzierten Kunstwerken aus dieser hibernosächsischen Epoche gehören kirchliche illuminierte Manuskripte und Schätze wie eine Gürtelschnalle aus Sutton Hoo aus dem siebten Jahrhundert, die sich durch ihre Verwandtschaft mit Schmuck und Mustern im keltischen Stil auszeichnet. (Siehe auch: Keltischer Schmuck)) Für weitere Beispiele mittelalterlicher Bilderhandschriften, die Schmuckverzierungen aufweisen, siehe: Romanische Bilderhandschriften (1000-1150) und Gotische Bilderhandschriften (1150-1350).

Während des finsteren Mittelalters wurde in Europa nur sehr wenig Schmuck hergestellt, mit Ausnahme desjenigen, der in der Epoche der byzantinischen Kunst (ca. 500-1450) produziert wurde, deren Zentrum Konstantinopel war. Im Gegensatz zu den Römern und Stämmen wie den Kelten und Franken verwendeten die byzantinischen Designer eher Blattgold als reines Gold und legten mehr Wert auf Steine und Edelsteine.

In Russland wurden in der Zeit von c. 950-1237 wurden in Russland der Schmuck im Allgemeinen und die Cloisonné- und Niello-Kunst im Besonderen von byzantinischen Juwelieren zu neuen Höhen geführt. Eine große Sammlung von Schmuck und anderen kostbaren Gegenständen ist in den Moskauer Museen zu sehen, zum Beispiel in Zarizyno.

Eine weitere einflussreiche regionale Schule der romanischen Metallkunst war die Schule der maurischen Kunst, die sich im 11., 12. und 13. Im Zentrum des Bistums Lüttich demonstrierten maurische Juweliere wie Nikolaus von Verdun (ca. 1156-1232) und Godefroid de Clair (ca. 1100-1173) absolute Meisterschaft in der Emaillierung, einschließlich champlevé und cloisonné .

In der italienischen Renaissance hatte die Schmuckherstellung in Europa den Status einer hohen Kunst erreicht.

Italien, Renaissance (ca. 1400-1600)

Der Reichtum an Inspiration, den die Kunst der Renaissance im späten Quatrocento (15. Jahrhundert) und frühen Cinquecento (16. Jahrhundert) nach Europa brachte, hatte tiefgreifende Auswirkungen auf die Schmuckkunst. Die neue Ästhetik kam aus Italien, der wahren Heimat der Liebe zur Antike. Dies spiegelt sich in den Schmuckstücken dieser Zeit wider; und wenn wir uns daran erinnern, dass die Werkstätten ) botteghe) der Juweliere Schulen waren, in denen einige der größten Vertreter der Renaissancekunst ausgebildet wurden, ist es leicht, die Schönheit und Qualität der hergestellten Schmuckstücke zu erklären.

Lorenzo Ghiberti (1380-1455) begann seine Karriere als Juwelier vor dem Ende des vierzehnten Jahrhunderts; Nach ihm kamen Sandro Botticelli (1445-1510), Antonio Pollaiuolo (1432-1598), Luca Della Robbia (1400-1482) und Andrea del Verrocchio (1435-1488), die alle als Goldschmiede ausgebildet wurden. In Deutschland war Albrecht Dürer (1471-1528) der Sohn eines Goldschmieds. So wird in der Porträtkunst dieser Zeit der Schmuck mit großer Sorgfalt, Liebe und Verständnis dargestellt.

Die Mode verbreitete sich von Italien aus mit großer Geschwindigkeit in Europa, und innerhalb weniger Jahre wurden die wichtigsten Schmuckstücke völlig verändert; Nymphen, Satyrn und olympische Göttinnen drangen mit ihrer heidnischen Verführungskraft in die Höfe und Häuser der großen Fürsten ein.

Gravierte Tafeln nehmen in diesem turbulenten Treiben einen wichtigen Platz ein. Ein Maler wie Hans Holbein (1497-1543) und ein Architekt von solchem Format wie Jacques Androuet du Cerceau scheuten sich nicht, Entwürfe für Schmuckstücke zu schaffen; ihrem Beispiel folgten andere Ornamentkünstler, von denen einige auch Juweliere waren. Zeichnungen von Virgil Solis (um 1540) aus Nürnberg, Hans Milich (um 1570) aus München, Etienne Delon (um 1560) aus Frankreich und Erasmus Hornick (1562) aus Nürnberg zeugen von der Existenz dessen, was man als internationalen Stil bezeichnen kann, und in der Tat ist die Ähnlichkeit zwischen den Schmuckstücken dieser Zeit so groß, dass es manchmal fast unmöglich ist, ihren genauen Ursprung zu bestimmen. Das Problem wird noch schwieriger, wenn es darum geht, den Juwelier zu identifizieren, der sie hergestellt hat.

Viele Juweliere werden in zeitgenössischen Dokumenten erwähnt, aber in den meisten Fällen sind sie für uns nicht mehr als Namen. In diesem Zusammenhang sei darauf hingewiesen, dass kein Schmuckstück eindeutig als Werk von Benvenuto Cellini (1500-1571) identifiziert werden kann, der heute als der berühmteste Künstler seiner Zeit auf diesem Gebiet gilt. Uns liegen nur die Beschreibungen vor, die der Meister in seinen Schriften und seiner Autobiografie hinterlassen hat. Sie zeigen, dass Cellini seinen Miniaturwerken für Altäre oder fürstliche Tafeln aus Gold viel mehr Bedeutung beimaß als dem Schmuck im engeren Sinne des Wortes.

Ein Punkt, der in den erhaltenen Dokumenten deutlich hervorsticht, ist, dass Edelsteine gegenüber der Verwendung von emailliertem Gold eine untergeordnete Rolle spielten. Außerdem unterscheiden sich die Edelsteine nicht sehr stark im Schliff; farbige Steine sind oft flach oder rund, gesichtslos und poliert. Diamanten wurden in der Regel in pyramidenförmiger, flacher oder runder Form geschliffen. In dieser Form konnten sie nicht das Feuer entfalten, für das sie berühmt waren.

Unter den aus dieser Zeit erhaltenen Ornamenten sind die zahlreichsten Medaillons ) enseignes, eine Art Medaillon, das von Männern am Hut getragen wurde) und Anhänger, die auf der Brust oder als zentrale Verzierung von Ketten und Halsbändern getragen wurden. „Das Porträt einer unbekannten Frau“ des großen venezianischen Malers Tintoretto (1518-1594) vermittelt uns eine Vorstellung davon, wie sie getragen wurden.

Das Porträt von Eleonore von Toledo, der Gemahlin von Cosimo de’ Medici, von Agnolo Bronzino (1503-1572), zeigt einen Geschmack, der zu seiner Zeit streng war, heute aber elegant wirkt. Auf dem prächtigen Brokatkleid besteht die Parure (das ist ein Schmuckset, das dazu bestimmt ist, zusammen getragen zu werden) fast ausschließlich aus Perlen, die einen transparenten Schleier auf den Schultern einfassen, während zwei Schnüre mit sehr großen Perlen den Hals umschließen und am Mieder hinunterlaufen. Diese exquisite, aber kostspielige Schlichtheit scheint nicht weit verbreitet gewesen zu sein.

Die vielfältigsten und auffälligsten Formen sind bei den Anhängern zu finden. Anhänger, die Schiffe darstellen, sind weit verbreitet, und gegen Ende des fünfzehnten Jahrhunderts entsteht eine Vorliebe für Anhänger in Form von Buchstaben des Alphabets, gewöhnlich die Initialen der Besitzerin. Die Mode erreichte ihren Höhepunkt im sechzehnten Jahrhundert. In einer Liste der französischen Kronjuwelen aus der Zeit von Franz I. wird ein Anhänger in Form des lateinischen Buchstabens „A“ erwähnt, der zweifellos Anne von der Bretagne gehörte. Auch Heinrich VIII. besaß mehrere Anhänger dieser Art, auf denen seine Initialen mit denen seiner Frau verbunden waren. Diese Stücke sind, wahrscheinlich wegen ihres rein persönlichen Charakters, weitgehend verschwunden, aber zwei Anhänger, die für Anna von Sachsen angefertigt wurden, sind erhalten geblieben.

Frankreich

In Frankreich legte Franz I. 1530 formell eine Liste der Kronjuwelen als unveräußerlichen Schatz fest, den jeder König unverändert oder vergrößert an seine Nachfolger weitergeben musste; bis zur Revolution wurde das Gesetz mit nur wenigen Ausnahmen eingehalten.

Die im Auftrag von Franz I. erstellte Liste zeigt eine Sammlung, die noch in den Kinderschuhen steckte. Die schönsten Exemplare stammten von der ersten Frau des Königs, Claude de France, die sie von ihrer Mutter, Anne von der Bretagne, erhalten hatte. Mehrere bedeutende Steine ragen heraus, darunter ein großer Rubin, der Côtes de Bretagne genannt wird, das einzige Exemplar, das sich heute im Louvre befindet, obwohl er im 18.

Als Franz I. die Kronjuwelen rechtlich als Eigentum des königlichen Hofes festlegte, war er vielleicht von dem Wunsch beseelt, ein fabelhaftes Erbe zu bewahren, aber auch der wirtschaftliche Faktor ist nicht zu vernachlässigen. Während der Regierungszeit seiner Nachfolger, insbesondere angesichts der Kosten der Religionskriege, dienten bestimmte Steine als Sicherheit für ausländische Kredite, insbesondere aus Italien.

England

In England war der Hof Heinrichs VIII. nicht weniger luxuriös als der von Franz I., denn die Konfiszierung der Klöster verschaffte ihm große Besitztümer, Ländereien und große Mengen an Gold und Edelsteinen. Allein aus dem Schrein des heiligen Thomas Becket wurden zwei Truhen mit Schätzen entwendet, die sechs oder acht Männer kaum wegtragen konnten.

Auf den meisten Porträts, wie dem von Hans Holbein, trägt der König einen prächtigen Kragen aus gehämmertem Gold, der mit Perlen und Rubinen verziert ist - abwechselnd oval und quadratisch. Sein Hut, seine Ärmel und die Vorderseite seines geschlitzten Wamses sind mit großen Rubinen in derselben Fassung geschmückt. Die schönsten Steine aus den königlichen Sammlungen scheinen für ihn aufbewahrt worden zu sein, auch wenn seine späteren Ehefrauen prächtige Parüren erhielten.

Diese Pracht ist verschwunden, aber einige der einfacheren Juwelen aus seiner Zeit, die noch erhalten sind, weisen eine beträchtliche Vielfalt im Design auf. Ein Beispiel dafür sind die am Gürtel getragenen Pomander, die für die Aufbewahrung aromatischer Substanzen bestimmt waren. Einem Inventar der Kronjuwelen aus dem Jahr 1500 zufolge waren diese Moschuskugeln auch in Frankreich in Mode.

Darüber hinaus bestanden einige Parüren fast ausschließlich aus hohlen Kugeln, die entweder Parfüm in Pastenform oder Ambra enthielten. Diese parfümierten Ornamente waren in Frankreich in Mode, scheinen aber ihren Ursprung im Mittelalter zu haben. Sie sagen viel über diese Epoche aus, in der die elementarsten Regeln der Hygiene vernachlässigt wurden. Siehe übrigens: Erforschung des Mythos vom „ungewaschenen Europa“

Bucheinbände wurden seit byzantinischen Zeiten aus Gold oder Silber hergestellt - siehe Herstellung von illuminierten Handschriften -, aber seit der Renaissance werden sie an der Taille aufgehängt; einer von ihnen, etwas schäbig, zeigt auf der einen Seite die Bronzeschlange und auf der Rückseite das Urteil Salomos. Biblische Motive wurden in England sehr geschätzt, obwohl sie nicht auf dieses Land beschränkt waren.

Ein Porträt von Lady Frances Sidney, das in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts gemalt wurde, zeigt, wie weit man bei der Untersuchung von Kostümen gehen kann. Die Figur hält einen Zobel, dessen Kopf mit Schmuck verziert ist. Erasmus Hornick aus Nürnberg veröffentlichte 1562 mehrere Exemplare von Schmuckstücken dieser Art und einige Beispiele für reich verzierte Fächergriffe.

Zu den prächtigsten Erwerbungen von Elisabeth I. gehörten die Perlen von Maria, der Königin der Schotten, die sie nach deren Tod billig erworben hatte und die auf dem Porträt von Elisabeth von Isaac Oliver, einem anderen der besten Miniaturmaler Englands, zu sehen sind.

Kaiser Karl V.

Die Sonne ging nie unter über den Herrschaftsgebieten von Karl V., Kaiser von Deutschland, Erzherzog von Österreich, König von Spanien und all seinen Kolonien; diese Länder genossen den Reichtum der Neuen Welt, die Gold- und Silberlieferungen aus Indien, die Europa gierig verschlang. Die großen deutschen Städte wie Augsburg und gegen Ende des Jahrhunderts Prag genossen einen guten Ruf als Zentren der Goldschmiedekunst, wie aus der Liste der Juwelen von Claude, der Gemahlin von Franz I., hervorgeht, in der eine goldene Patenotre „von deutscher Handarbeit“ erwähnt wird. Der Stil dieser Stücke stammt jedoch aus den Werkstätten von Florenz und Venedig.

Die von dem niederländischen Juwelier Jan Vermeijen in Prag gefertigte Kaiserkrone ist wahrscheinlich der Höhepunkt der mitteleuropäischen Juwelierkunst. Sie wurde 1602 für Rudolf II. angefertigt und ist im Stil der Spätrenaissance gehalten. Die Pracht des Stücks wird durch die Bedeutung der Steine unterstrichen, mit denen es besetzt ist und die einen Einblick in die heute verschwundene Parure geben, die einst von den opulenten Herrschern der damaligen Zeit in Auftrag gegeben wurde. Die Krone wird von einem Saphir gekrönt, und in der Mitte der Lünette befindet sich ein großer roter Stein, der eher an einen Granat als an einen Rubin erinnert.

Deutlich unterscheidbare Merkmale lassen sich einer ganzen Gruppe von Schmuckstücken aus der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zuordnen: Seeungeheuer, Drachen und Sirenen aus großen Barockperlen, die in emailliertes Gold gefasst sind und an ein 1562 erschienenes Design von Erasmus Hornick erinnern .

Die Kunst des Emaillierens ist durch die neue und zunehmende Bedeutung der Steine nicht völlig verdrängt worden, und sie hat einen Grad der Vollkommenheit erreicht, den sie nie zuvor hatte.

Die Emaillierung hat als Verzierung der Rückseiten von Schmuckstücken überlebt; darüber hinaus hat sie ihren Siegeszug in zwei Bereichen angetreten, die, nachdem sie im 16. Bei der französischen Uhr ist der Boden mit einem großen Saphir, einem Cabochon, verziert; der Deckel besteht aus einem weiteren Saphir, der von kleineren Steinen umgeben ist, und gibt, wenn man ihn anhebt, ein mit Blumen, verschlungenem Blattwerk und Vögeln verziertes Inneres frei.

In England verzichtete König Karl I. auf den üppigen Schmuck seiner Vorgänger. Die Porträts von Anthony Van Dyck zeigen ihn mit nur einer großen birnenförmigen Perle im Ohr, die er der Überlieferung nach auf dem Schafott trug; danach schenkte Maria II. sie dem ersten Earl of Portland, dessen Nachkommen das Schmuckstück noch immer besitzen.

Mazarin, der allmächtige Kardinal, war ein unverbesserlicher Sammler von Gemälden, kleinen Bronzeskulpturen, großen Marmorskulpturen, Kunstgegenständen und Schmuck. Er sammelte ein bemerkenswertes Set von Diamanten, von denen einige zuvor der Königin Christina von Schweden gehört hatten. Diese Diamanten erwarb er in mehreren aufeinanderfolgenden Transaktionen mit oft unehrlich beschafften Mitteln.

Während eines Großteils seiner Regierungszeit verfolgte Ludwig XIV. eine Politik des Prestiges, und der Einfluss der Juwelen spielte eine wichtige Rolle für das Herz eines Mannes, der gerne mit der Sonne verglichen wurde. Die Juwelen der Krone, die er treuhänderisch von seinen Vorfahren erhalten hatte, wurden nun immer mehr. Der König erwarb nacheinander den Diamanten „Guise“ und den prächtigen blauen Diamanten „Hope“, der von Tavernier aus Indien mitgebracht worden war. Nachdem er während der Revolution gestohlen worden war, erlangte er einen schlechten Ruf, da alle nachfolgenden Besitzer, einschließlich Hope, einen tragischen Tod erlitten.

Der König erwirbt auch einen großen Saphir von 132 Karat aus dem Museum für Naturgeschichte und einen Diamanten „Hortensius“ von 20 Karat aus dem Louvre.

Der König besaß nicht weniger als vier vollständige Parüren, von denen zwei aus Diamanten, eine aus Perlen und Diamanten und eine aus verschiedenfarbigen Steinen für das tägliche Tragen zusammengesetzt waren. Die wichtigsten von ihnen bestanden aus einhundertdreiundzwanzig Knöpfen, dreihundert Knopflöchern, neunzehn Blumenornamenten, achtundvierzig Knöpfen und sechsundneunzig Knopflöchern für die Weste, zu denen natürlich noch der Verschluss des Hutes, die Strumpfbänder, die Schnallen der Schuhe, der Gürtel mit dem Kreuz, das Schwert und das Kreuz des Heiligen Geistes hinzukamen.

Diese Prachtentfaltung rief offensichtlich Nachahmung unter den Höflingen hervor, die ihre Kleidung ständig der Mode entsprechend änderten. Die Porträts zeigen, dass die Gewänder der Männer nicht weniger prächtig waren als die der Frauen. Bei den Männern bestand der Hauptschmuck aus Edelsteinen, die in langen, übertriebenen Knopflöchern mit Brundeburgen ) das sind Spangen aus gedrehtem Seil) oder Fröschen gefasst waren.

Bald verbreiteten sich die Diamantfrösche auf die Kleidung der Frauen, und die Brundeburgs begannen, das Mieder zu schmücken und ergänzten die Fibeln an den Ärmeln und am Rock, die Ohrringe und eine einzelne Perlenkette um den Hals, die so groß war, dass es scheint, als hätten die Künstler ihre Größe absichtlich übertrieben.

Schmuck aus dem achtzehnten Jahrhundert

Seit Beginn des achtzehnten Jahrhunderts wird die Geschichte des Schmucks vor allem zur Geschichte der Edelsteine, aus denen der Schmuck besteht. Die Schönheit des Schmucks wird durch die Auswahl der Steine, den Schliff und ihre Anordnung bestimmt. Sie verlieren ihren objektiven Charakter, der im XVI. Jahrhundert so deutlich und im XVII. Jahrhundert etwas weniger deutlich war, und werden zu Schmuck im modernen Sinne des Wortes, zu einem absolut notwendigen Element der Kleidung, das eng mit den Veränderungen der Mode verbunden ist. Außerdem wird zwischen Schmuck für die Tages- und Abendgarderobe unterschieden. Jahrhunderts bei den Empfängen Ludwigs XIV., wo der Tagesschmuck hauptsächlich aus farbigen Steinen und der Abendschmuck aus Diamanten und Perlen bestand, die bei Bällen mit Kronleuchtern am besten zur Geltung kamen.

Die Ausbeutung der Minen von Golconda (Indien), die im 17. Jahrhundert entdeckt wurden, und später die brasilianischen Minen brachten schönere, größere, zahlreichere und billigere Diamanten auf den Markt. Der Venezianer Peruzzi erfand um 1700 den Diamantschliff, und diese Entwicklung ergänzte die bereits erzielten Fortschritte beim Schleifen von rosenförmigen Steinen. Die Kunst des Juweliers bestand von nun an darin, die Edelsteine so zu fassen, dass sie die größtmögliche Wirkung erzielten.

Jean Bourget gibt in seinem Buch der Zeichnungen (1712) nur sehr wenige Zeichnungen für Schmuckstücke an, weil, wie er sagt, "es nutzlos ist, weil die Moden sich ständig ändern, und außerdem hängen die Zeichnungen eher von der Anzahl und Größe der zu bearbeitenden Steine ab."

Das 1749 für Ludwig XV. angefertigte Goldvlies ist ein prächtiges Beispiel für eine kühne Farbmischung und sollte die Parure aus farbigen Steinen vervollständigen, die der König von Ludwig XIV. geerbt hatte. Heute ist das Stück zerbrochen und nur noch von Gravuren bekannt.

Der Name von Marie Antoinette ist für immer mit dem „Collier der Königin“ verbunden, einem Collier, das sie nie besaß. Es bestand aus sehr großen, mit Girlanden besetzten Steinen, die über ihre Brust liefen. Die Juweliere Bessenger und Bomer hatten es ursprünglich für Madame du Barry in Auftrag gegeben, aber nach dem Tod Ludwigs XV. wurde es nicht fertiggestellt. Daher wurde es Marie Antoinette angeboten, die es jedoch ablehnte, weil Ludwig XVI. es zu teuer fand.

Es gibt zahlreiche Schmuckstücke, die Marie Antoinette gehört haben soll. Das authentischste ist ein Diamantcollier, das die Königin 1791 nach Brüssel schickte und 1798 von der Herzogin von Angoulême zurückgegeben wurde. Später gehörte es dem Grafen von Chambord und der Prinzessin Massimo und wurde 1937 in London verkauft und nach Indien gebracht, wo es zerschlagen wurde.

Fasziniert von der Pracht von Versailles traten die großen und kleinen Höfe Deutschlands in eine gegenseitige Rivalität in Sachen Glanz und Raffinesse. In den herrlichen Rokokoschlössern von König, Landgraf und Kurfürst reihte sich Fest an Fest und gab Anlass zu Parüren, die kaum weniger prächtig waren als die französischen Königsjuwelen. Die Eitelkeit der Fürsten ließ sie großen Wert auf den Besitz eines besonderen Steins legen, der der Star ihrer Sammlung sein sollte, und zwar in einer Fassung, die offensichtlich von der Pariser Mode diktiert wurde.

Doch selbst diese Pracht wurde von dem alles verzehrenden Luxus des Petersburger Hofes übertroffen. Zesarewna Elisabeth gab um 1750 eine Schließe für den kaiserlichen Mantel in Auftrag, sowie drei weitere feine Stücke im französischen Stil. Für ihre Krönung (1762) bestellte Katharina II. eine Kaiserkrone beim Goldschmied Pozier, der aus Frankreich stammte. Sie wurde nicht rechtzeitig fertig, aber ihre Nachfolger trugen sie bis zur Zeit von Nikolaus II. 1772 kaufte die Kaiserin von Graf Orlow, ihrem Geliebten, einen prächtigen Diamanten, der in das kaiserliche Zepter eingelassen wurde und bis heute einer der größten Schätze Russlands ist.

Schmuck des 19. Jahrhunderts

Mit der Französischen Revolution beginnt für die Schmuckkunst eine ungünstige Zeit. Die neue Ideologie brachte in Frankreich einen den Ereignissen angemessenen Schmuck hervor, der jedoch von so mittelmäßiger Qualität war, dass er anscheinend nie für eine lange Lebensdauer gedacht war.

Was die Kronjuwelen betrifft, so waren die Ergebnisse tragisch. 1791 brachte der König sie vollständig in den Tresor des königlichen Mobiliars (heute das Marineministerium), wo sie unter Verschluss gehalten wurden, aber von dort wurden sie zwischen dem 11. und 17. September 1792 gestohlen. Die Räuber stiegen durch ein Fenster in den Tresorraum ein, so dass die Siegel an den Türen nicht gebrochen wurden. So hatten sie sechs Tage Zeit zu entkommen, und der Verlust wurde zu spät entdeckt. Ohne dass es eine wirkliche Grundlage für den Raub gab, kursierten zahlreiche Gerüchte, darunter das Gerücht, die Girondisten hätten sich mit Hilfe der Juwelen die Unterstützung des Herzogs von Braunschweig, des Anführers der feindlichen Truppen, gesichert und so die Schlacht von Valmy gewonnen.

Nach vielen Denunziationen, Nachforschungen und langen Suchaktionen wurde der größte Teil der Juwelen gefunden. Die Republik, die sich nie an Zeremonien hielt, wenn ihre Interessen auf dem Spiel standen, schickte fünf Übeltäter für dieses Vergehen auf das Schafott.

Die Staatskasse wurde jedoch durch die von den Emigranten beschlagnahmten Steine sowie durch die Steine des Königs von Sardinien bereichert, die in Holland als feindliches Eigentum beschlagnahmt wurden (sie waren als Garantie für ein Darlehen dorthin geschickt worden).

Abgesehen von den zeremoniellen Stücken war der Schmuck für den täglichen Gebrauch deutlich schlichter. Die Vorliebe für die Antike brachte die Kameen wieder in Mode; Marie-Louise besaß eine ganze Parüre dieser Art. Die Bedeutung, die den Kameen beigemessen wurde, wird durch die Parure der Königin Maria Caroline von Neapel unterstrichen, denn auf einem Porträt von Vigée Lebrun sieht man, dass sie von großen Perlen umgeben sind.

Die Porträts von Madame Rivière und Madame de Senonne von Jean Engrand geben uns eine ziemlich genaue Vorstellung von einem eher unscheinbaren Schmuck, der rein dekorativ war und mehr oder weniger dem modernen Modeschmuck entspricht. Der Berliner Gusseisenschmuck mit Medaillons, durchbrochenen Ziselierungen und einer Vorliebe für neoklassizistische Themen fällt in dieselbe Kategorie.

Amethyste und Topase, die bis dahin nur eine Nebenrolle spielten, kamen im Jahr 1800 plötzlich in Mode, als die Morning Post sie allen anderen Steinen für Halsketten und Ohrringe vorzog, und die ganze Mode hat ihren Ursprung offenbar in England. In Frankreich verbreitete sich die Mode um 1820.

Der Eklektizismus, ein Markenzeichen des 19. Jahrhunderts, macht sich bald auch beim Schmuck bemerkbar, der in dieser Zeit dazu neigt, sich von einer Vielzahl vergangener Quellen inspirieren zu lassen. In den ersten Jahren des Jahrhunderts bleibt man im Allgemeinen dem antiken Stil treu, doch schon bald tauchen Neuerungen auf: Um 1820 gibt es eine starke Tendenz zur Nachahmung der Natur, die den Trend des 18. Jahrhunderts lediglich in das folgende fortsetzt - Blumensträuße in Schmuckstücken, die stets dazu neigen, die Realität realistischer zu imitieren. Um die Illusion zu vervollständigen, wurden einige Zweige an „Flittern“ befestigt, so dass sie bei der kleinsten Bewegung der Trägerin zuckten. Das Meisterstück auf diesem Gebiet war ein „Fliederstrauß“, der auf der internationalen Ausstellung von 1867 präsentiert und von Kaiserin Eugenie gekauft wurde. Um 1840 kam die Mode der Pampillions auf, Blumen, die mit winzigen Diamanten besetzt waren.

Die Eroberung Algeriens macht den maurischen Schmuck populär, der oft mit arabischen Schriftzeichen verziert ist, eine Mode, die ihren Ursprung in Frankreich hat und die bald in anderen Ländern nachgeahmt wird, insbesondere zwischen 1840 und 1860. Die Gemälde von Delacroix und den weniger bekannten Fromentin und Ziem entsprechen dem orientalischen Geschmack auf geniale Weise und gipfeln in den schummrigen türkischen Raucherzimmern, die in großen Hotels und sogar in Privathäusern unverzichtbar werden.

Der Koh-i-Nor-Diamant, der dem Großmogul gehörte, wurde sehr ungeschickt umgeschliffen, und sein ursprüngliches Gewicht von 800 Karat wurde auf 279 reduziert. Der Rubin von Timur, auf dem die Namen seiner aufeinanderfolgenden Besitzer, Tamerlane, Schah von Persien, Kaiser Jehangir, Nader Shah und Maharaja Rangit Singh, in persischer Sprache eingraviert waren, wurde in das Collier eingepasst.

Nicht weniger als der Luxus des kaiserlichen Hofes demonstrierten internationale Ausstellungen die Exzellenz des Pariser Schmucks. Neben den alteingesessenen Firmen wie Mellerio und Bapst (die sich 1879 mit Lucien Falise zusammengeschlossen hatten) tauchen neue Firmen wie Cartier und Boucheron auf, die eine große Zukunft vor sich haben.

Die ersten Steine aus den neu entdeckten südafrikanischen Minen wurden 1869 in Paris auf den Markt gebracht und versorgten die Juweliere mit größeren und reichhaltigeren Steinen. Seitdem sind die Fassungen immer leichter geworden, so dass das Ideal darin bestand, die Fassung so unauffällig wie möglich zu gestalten - die illusion „monture“ setzte sich durch und wurde im letzten Viertel des Jahrhunderts, als die Fassungen völlig unsichtbar wurden, alltäglich.

Um dieses Ergebnis zu erreichen, wurden neue Metalle für die Fassung von Steinen verwendet. Ab dem siebzehnten Jahrhundert wurde Silber zur traditionellen Fassung, aber ab Mitte des neunzehnten Jahrhunderts begann man, Gold zu bevorzugen - nicht ohne einigen Widerstand.

Der größte bis heute bekannte Diamant, „der Cullinan“, wurde von der Transvaal-Regierung an Edward VII. geschenkt, und aus ihm stammen der erste und der zweite afrikanische Stern, die die Staatskrone und das königliche Zepter Englands schmücken.

Sammlungen

Schmucksammlungen sind in vielen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, vor allem im Louvre in Paris, in der British Royal Collection in Windsor, im Victoria and Albert Museum in London, in der Staatlichen Eremitage in St. Petersburg, im Metropolitan Museum of Art in New York, im Museum of Fine Arts in Boston, im Art Institute of Chicago und im Detroit Institute of Arts.