Spanische Barockkunst Automatische übersetzen

Wie in den Niederlanden war die Barockzeit des 17. Jahrhunderts das goldene Zeitalter der spanischen Malerei . Befreit von den meisten italienischen Elementen und gefördert von einer kompromisslosen katholischen Kirche - stark unterstützt von den frommen habsburgischen Kaisern - übernahmen die spanischen Barockmaler den strengen und edlen Stil der katholischen Kunst der Gegenreformation, der sowohl Linie und Farbe als auch Grafik und Malerei miteinander verband und einen so scharfen Beobachtungssinn beinhaltete, dass kein anderes Zeitalter oder Stil der christlichen Kunst ihn an Wahrhaftigkeit übertreffen konnte. Es war die spanische Schule, die zusammen mit den Meistern des holländischen Barocks in Holland die europäische Malerei wirksam auf den Weg des naturalistischen Realismus führte.

Wie die flämischen und holländischen Künstler waren auch die spanischen Barockmaler - insbesondere Ribera - stark von Caravaggio beeinflusst und verwendeten reichlich Tenebrismus und Chiaroscuro, wenn auch nicht um eines theatralischen Ästhetizismus willen, sondern um einen schärferen Sinn für Dramatik zu schaffen. In ihren Reihen befanden sich mehrere Meister der Genremalerei, des Porträts und der religiösen Szenen, wie Murillo, und unter ihnen waren so herausragende Interpreten der Askese und Spiritualität der spanischen Kultur wie Zurbarán . Und natürlich gab es den unvergleichlichen Velázquez .

Thematisch dominierte weiterhin die biblische Kunst, aber das katholische Mäzenatentum der Habsburger förderte auch zahlreiche königliche Porträts sowie Gemälde von historischen Ereignissen und Genreszenen. Die wichtigsten Schulen der Barockmalerei in Spanien waren die von Madrid und Sevilla, von denen die erste das Mäzenatentum des Hofes genoss. Andere Schulen waren in Valencia und Toledo tätig.

Früher spanischer Barock

Ein früher Vertreter des neuen spanischen Realismus war der bedeutende katalanische Tenebros und Karawagist Francisco Ribalta (1555-1628), der in Madrid und Valencia arbeitete. Bekannt für seine kühnen, freien Striche, Tenebros und Hell-Dunkel-Malerei, betonte er die plastische Modellierung seiner Formen durch den Kontrast von Licht und Schatten. Zurbarán war einer der Künstler, die von ihm beeinflusst wurden.

Ribera

Jusepe Ribera Jusepe Ribera (1591-1652) war der erste bedeutende spanische Maler, der den neuen naturalistischen Stil der religiösen Kunst übernahm, der von Caravaggio vertreten wurde. Er wurde als Autor von religiösen Gemälden bekannt, die sich durch einen hohen Realismus der Modellierung, insbesondere der Körperfarben seiner Heiligen, und eine starke Vorliebe für dramatische Themen auszeichnen, wie in seinem „Sankt Andreas“ (1630-32, Prado, Madrid) und „Martyrium des Heiligen Bartholomäus“ (1630, Prado).

Sein Stil entwickelte sich von einer frühen Betonung des Caravaggismus über eine Periode des Experimentierens mit silbrigem Licht zu einem reifen Stadium, das von warmen, goldenen Tönen geprägt ist. Eines seiner schönsten Gemälde ist „Die Heilige Familie mit der Heiligen Katharina“ (1648, Metropolitan Museum of Art, New York).

Anmerkung: Im frühen siebzehnten Jahrhundert war Neapel unter spanischer Herrschaft mit 450.000 Einwohnern die zweitgrößte Metropole nach Paris und übertraf bei weitem die von Rom, Mailand oder Florenz. Mit mehr als 3.000 Kirchen und Klöstern war es ein wichtiges Zentrum der religiösen Kunst. Die neapolitanische Schule der Malerei wurde von Ribera und seinen Gefolgsleuten gegründet (und weitgehend kontrolliert). Für weitere Einzelheiten siehe: Malerei in Neapel (1600-1700). Zu Riberas Schuld gegenüber dem Caravaggismus siehe: Caravaggio in Neapel (1607, 1609-1610).

El Greco

In Sevilla entwickelte sich die Malerei rasch vom Renaissance-Klassizismus zum barocken Naturalismus, wie die Werke von Francisco Pacheco (1564-1644), Juan de las Roelas (1560-1625) und Francisco de Herrera dem Älteren (1595-1656) zeigen. In Toledo dominierte um die Jahrhundertwende der Einfluss von El Greco (1541-1614). Sein engster Gefolgsmann war der bedeutende Maler Luis Tristan (1585-1624), der die tenebristischen Aspekte des Werks von El Greco betonte. Zu den anderen toledanischen Künstlern gehörten Pedro Orrente (1570-1645), ein Anhänger Ribaltas, Juan Bautista Maino (1578-1649), der der Zeichenmeister Philipps IV. wurde, und Juan Sánchez-Cotán (1560-1627).

Velázquez

Der Höhepunkt der barocken Malerei in Spanien wurde in der Person von Diego Velázquez (1599-1660) erreicht. Für Velázquez war die Manier Caravaggios nur ein Ausgangspunkt. In seinen Gemälden wird das Licht manipuliert, um einen „optischen Realismus“ durch die Wirkung verschiedener Tonalitäten zu schaffen: mit anderen Worten, die Wiedergabe einer Realität, die nicht den Haaren eines Bartes oder der Textur eines Stoffes entspricht, wie es die Maler der Renaissance anstrebten, sondern dem, was das Auge sieht, dem Gesamteindruck, den wir bekommen, wenn wir etwas betrachten.

Velázquez’ Gemälde nutzen das Licht auf dieselbe Weise, wie zwei Jahrhunderte zuvor Künstler die Perspektive genutzt hatten, um den Raum greifbar zu machen. Licht- und Schattenbereiche wechseln sich ab, um die Illusion eines Ortes zu schaffen, an dem die Figuren nicht gemalt sind, sondern sich tatsächlich „befinden“. Die Figuren sind mit breiten, flexiblen Pinselstrichen gemalt, um sie klar abzugrenzen, ohne dabei ins realistische Detail zu gehen. Diese Technik wurde auch von den französischen Impressionisten des 19. Jahrhunderts verwendet - die Ähnlichkeit ist kein Zufall: Auch Velázquez schien der Inhalt seiner Gemälde, beispielsweise die großen religiösen Themen, die für seine Zeitgenossen so wichtig waren, gleichgültig zu sein. Stattdessen galt seine ganze Aufmerksamkeit der Malerei, seinem Handwerk.

Bekannt für seine Zeichnungen nach dem Leben, zeichnen sich schon seine frühesten Werke durch eine dichte pastose, zurückhaltende Farbgebung, gewöhnlich in Ocker und Braun, und eine einfache natürliche Komposition aus. Sein erstes großes Meisterwerk in diesem Stil ist „Der Mundschenk von Sevilla“ (1618-22, Apsley House, London), während andere Werke wie „Die alte Frau, die Eier brät“ (1618, National Gallery of Scotland, Edinburgh), „Christus im Haus von Maria und Martha“ (1620, National Gallery, London) und Das Abendmahl in Emmaus (1620, Metropolitan Museum of Art, New York) gehören alle zu seiner frühen Periode, ebenso wie eine Reihe von Porträts, die zumeist in der begrenzten Manier der Tenebristen ausgeführt sind und den Kontrasten zwischen Hell und Dunkel keine übertriebene Bedeutung beimessen.

1623 wurde Velázquez offizieller Porträtist von Philipp IV. und des Hochadels. Zwischen 1623 und 1629 schuf er eine Reihe von Werken mit grauem Hintergrund, was auf seine Befreiung von der Tenebrista-Formel hinweist. „Triumph des Bacchus“ (Los Borrachos, „Die Verger“) (1629, Prado) gehört in diese Zeit. Im Jahr 1632 schuf er „Christus am Kreuz“ (1632, Prado), ein Werk von einzigartiger Heiterkeit und Einfachheit.

Als er seine Kunst weiter verfeinerte, zeigte er eine größere Präzision der Konturen und eine noch feinere Vermischung von Ton und Farbe. Eines seiner besten Barockgemälde aus dieser Zeit ist „Die Kapitulation von Breda“ (Las Lanzas) (1634-35, Prado) für den Saal der Könige im Palast Buen Retiro in Madrid.

In den nächsten Jahren konzentrierte sich Velázquez hauptsächlich auf Porträts - siehe. seine Philipp IV. zu Pferd (1634-35, Prado) und Prinz Baltasar Carlos zu Pferd (1635-36, Prado) - und Themenbilder wie Francisco Lezcanos Zwerg („El Niño de Vallecas“) (1643-45, Prado). Er schuf auch mehrere religiöse Werke, darunter die herrliche „Krönung der Jungfrau“ (1645, Prado). Während einer Italienreise im Jahr 1649 malte er sein Meisterwerk „Porträt von Innozenz X.“ (1650, Galleria Doria-Pamphili, Rom), und während seiner letzten Periode (1651-1660), malte er Venus am Spiegel (Rokebys Venus) (1649-51, National Gallery, London) und Las Meninas oder Die Familie Philipps IV (1656-57, Prado).

Wenn wir kurz „Velázquez’ Venus von Rokeby“ mit ähnlichen Gemälden der Hochrenaissance vergleichen, können wir sehen, wie sehr sich die künstlerische Wahrnehmung der Realität im Laufe des Jahrhunderts verändert hat. In „Venus von Rokeby“ wendet die Schönheit dem Betrachter teilnahmslos den Rücken zu, während Amor ihr einen Spiegel vorhält. Der Spiegel war bereits ein bekanntes Mittel, das in römischen Villen und Palästen der Barockzeit häufig verwendet wurde, um den Eindruck von Großzügigkeit zu vermitteln. Die zweideutige Beleuchtung und die Lichtbrechung verstärken die malerische Wirkung dieser Technik. Anstelle der marmornen Ruhe von Giorgiones klassischer „Schlafender Venus“ (um 1510) oder „Tizians Venus von Urbino“ (1538) präsentiert uns „Rokebys Venus“ eine reizvolle, aber ganz und gar menschliche und nicht göttliche Studie des Aktes. Insofern war Velázquez ein Kind seiner Zeit, des Barocks

Es überrascht nicht, dass Velázquez ein schwieriger Nachfolger war. Abgesehen von Nachfolgern wie Juan de Pareja (1610-1670), Francisco de Palacios (1617-1676) und Juan Bautista Martínez del Mazo (1615-1667) bevorzugten die Künstler der Madrider Schule einen leichteren Barock im Stil von Rubens.

Zurbarán

Francisco de Zurbarán (1598-1664), eine Verschmelzung von Askese aus der Extremadura und andalusischer Eleganz, bediente sich des Naturalismus und des extremen Helldunkels, was ihn zum zurückhaltendsten und reinsten der spanischen Barockmaler machte. In den 20er und 30er Jahren malte er eine Reihe von Kompositionen für verschiedene Mönchsorden wie die Mersedarier und Hieronymiten, wie zum Beispiel „Haus von Nazareth“ (1630, Museum of Art, Cleveland).

Dabei wurde er zu einem Meister im Zeichnen einsamer Figuren, darunter auch Heilige mit zum Himmel erhobenen Augen. Zweifellos muss seine Kunst stark von seiner persönlichen Frömmigkeit und religiösen Hingabe profitiert haben, wie vielleicht „Der heilige Lukas als Künstler vor Christus am Kreuz“ (1660, Prado) zeigt, für den er selbst Modell gestanden haben könnte.

Murillo

Innerhalb der Schule von Sevilla stellt Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) den Höhepunkt an Eleganz und Zartheit dar, und, das muss gesagt werden, die größte Hingabe an das Volksempfinden. Er war zunächst stark von den alten Meistern wie Ribera und Zurbarán beeinflusst, später nahm er Anleihen bei Van Dyck, Rubens und Raffael.

Er entwickelte seinen eigenen leichten und filigranen Stil - estilo vaporiso - mit weichen Konturen, zart gewählten Farben und einem gold-silbernen Lichtschleier: ein Stil, der viele Nachahmer und Nachfolger inspirierte. Neben religiösen Werken spezialisierte er sich auf Genrebilder von Landstreichern und Bettlern, wie „Der junge Bettler“ (1645, Musée du Louvre, Paris) und „Knaben, die Trauben und Melone essen“ (1645-46, Alte Pinakothek, München). Ein weiteres wichtiges Frühwerk ist „Die Küche der Engel“ (1646, Louvre, Paris). Ab 1660, als er die Akademie der Schönen Künste in Sevilla mitbegründete, unterrichtete er ausgiebig. Ein Beispiel für sein Spätwerk ist „Unbefleckte Empfängnis“ (1678, Prado).

Juan de Valdes Leal

Nach Murillos Tod wurde Juan de Valdés Leal (1622-1690) (1622-1690) der wichtigste Maler Sevillas. Obwohl er wie Murillo in erster Linie ein religiöser Maler war, war Valdés Leal dramatischer, theatralischer, makabrer und erregbarer: Sein Werk zeichnet sich durch einen lebhaften Sinn für Bewegung und leuchtende Farben aus. In vielerlei Hinsicht war er ein Vorläufer der Romantik.

Seine bekanntesten Werke sind zwei Allegorien des Todes im Hospital de la Caridad in Sevilla - „Im Augenblick des Auges“ (1671) und „Das Ende des weltlichen Ruhms“ (1672). Weitere bedeutende Werke sind „Mariä Himmelfahrt“ (1659, National Gallery of Art, Washington) und „Christus, der das Kreuz trägt“ (1660, Hispanic Society, New York). In seinen letzten Lebensjahren schuf Valdés Leal zahlreiche Gemäldezyklen für Kirchen, Klöster und philanthropische Einrichtungen, darunter eine Serie von Szenen, die das Leben des Heiligen Ignatius (1674-1676) für die Jesuiten illustrieren.

Im 17. Jahrhundert entwickelte sich der spanische Barock in Madrid unter dem Einfluss von Velázquez und dem vielseitigen Bildhauer, Maler und Architekten Alonso Cano (1601-1667), der den Spitznamen „der spanische Michelangelo“ erhielt. (Siehe auch den Bildhauer Juan Martínez Montañez, 1568-1649).

Weitere interessante Vertreter des Barocks in Madrid sind: der Wandmaler Fra Juan Ricci (1600-1681), Sohn eines Malers der Bologneser Schule, der nach Spanien kam, um an der Ausschmückung des Escorial zu arbeiten, und Antonio Pereda (1608-1678), der mehrere elegante religiöse Gemälde und allegorische Kompositionen schuf. Von höherer Qualität sind die Werke des Porträtmalers Juan Carreno de Miranda (1614-1685), dem offiziellen Maler Karls II. und Nachfolger Philipps IV. Sein Schüler Mateo Cerezo (1626-1666) war ein besonders talentierter Kolorist, ebenso wie José Antolínez (1635-1675).

Werke des spanischen Barock sind in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen. Für Einzelheiten zu europäischen Sammlungen mit bedeutenden Beständen spanischer Malerei des siebzehnten Jahrhunderts siehe: Kunstmuseen in Europa . Für Sammlungen moderner und zeitgenössischer spanischer Kunst, siehe: Reina Sofia Madrid .