Russische Malerei, 19. Jahrhundert Automatische übersetzen

Die russische Kunst des frühen neunzehnten Jahrhunderts war tief durchdrungen von der Romantik . In Russland bezeichnete dieser Geist etwas ganz anderes als im Westen, wo er Erscheinungen wie düstere Landschaften, gotisches Gefolge in der Literatur usw. umfasste. Im Westen war die Romantik im Wesentlichen eine revolutionäre Bewegung gegen die Vorherrschaft der klassischen Tradition. In Russland hingegen wurde der Begriff dank des Einflusses von Byron, Puschkin und Lermontow in seiner ursprünglichen Bedeutung aus dem 17. Jahrhundert als ein Werk interpretiert, das jene erhabenen und phantastischen Elemente aufwies, die für die altmodischen Romanzen charakteristisch waren. Diese Kombination aus höfischer Eleganz und Fantasie war besonders geeignet für eine Gesellschaft, die sich um eine so schillernde Persönlichkeit wie Zar Alexander I. drehte. Schon zu seiner Zeit war der Zar zu einer fast legendären Figur geworden, und sein Charme, seine sanfte Erscheinung, die Ereignisse seiner Regentschaft und seine apollinische Haltung, verbunden mit der süßen Melancholie seiner Stimmungen, hinterließen einen tiefen Eindruck bei den russischen Künstlern jener Zeit.

Orest Adamovich Kiprensky (1773-1836)

Orest Adamovich Kiprensky war der früheste und einer der begabtesten von ihnen allen. Als Sohn eines Leibeigenen, aber äußerst sensibler Mann, übernahm er die feinen Traditionen der Porträtmalerei aus der russischen Malerei des achtzehnten Jahrhunderts, ein Genre, in dem er sich auszeichnete. Jahrhunderts, die er hervorragend beherrschte. Er interessierte sich besonders für das Zusammenspiel der Farben, und die Tonalität seiner Porträts ist herausragend, vor allem bei den Selbstporträts, deren Farbgebung seiner Zeit weit voraus ist.

Zwei dieser Porträts sind zum Beispiel fast vollständig in Grün gehalten, was auffällig ist - gefühlsmäßig stehen sie in einer Reihe mit der Poesie von Alexander Blok aus den 1920er Jahren. Leider wurde Kiprensky, wie schon Losenko vor ihm, durch zwei Besuche in Rom von seinem eigentlichen Weg abgelenkt. Zu jener Zeit dominierte dort die akademische Kunst, und Kiprenskys emotionales Temperament wurde von der Erhabenheit seiner Sujets so überwältigt, dass er Porträts zugunsten anspruchsvollerer Themen aufgab und seine Experimente mit Farben seinem Interesse an heroischen Kompositionen wichen. Infolgedessen konnte sein späteres Werk die Hoffnungen seiner frühen Jahre nicht erfüllen.

Gemälde von Orest Adamovich Kiprensky

Wassili Tropinin (1776-1857)

Wassili Tropinin wird in der Regel mit Kiprenskij in einen Topf geworfen, zum einen wegen seiner bescheidenen Herkunft - er war von Geburt an Leibeigener und erhielt erst spät die Bürgerrechte - und zum anderen, weil er sich ebenfalls durch seine Porträtkunst auszeichnete. Seine Vorliebe für eher sentimentale Mädchenköpfe ist dem Geist der Romantik zugeschrieben worden, aber es wäre der Wahrheit näher, zu erkennen, dass sie Tropinins Vorstellung von idealer weiblicher Schönheit widerspiegeln. In ihrer Malerei fand er Vergessenheit über die Unglücksfälle seines eigenen Lebens. Seine Genreszenen zeichnen sich durch eine größere Lebendigkeit aus, und ihre Intimität und Freundlichkeit verleihen ihnen eine Kraft und Überzeugung, die den Porträts fehlt.

Gemälde von Wassili Tropinin

Boris Orlovsky (1796-1832)

Boris Orlovsky war eine lebendigere Figur, aber auch er wurde von der Nachfrage nach Gemälden im Stil des niederländischen Malers Philips Wouwerman (1619-1668) verdrängt. Anstatt seine Individualität zu entwickeln, konzentrierte er sich auf die Herstellung von Gemälden, für die es einen Markt gab, und deshalb kann er nur durch seine Zeichnungen zu den großen Figuren der russischen Kunst gezählt werden.

Diese Zeichnungen, die er zu seinem eigenen Vergnügen anfertigte, sind nicht nur zart und amüsant, sondern auch technisch sehr versiert. Seine Fähigkeiten sind mit denen von Brullov vergleichbar, aber während Brullov ein geschickter Handwerker mit einem sterilen Geist war, war Orlovsky ein temperamentvoller Maler mit dem Temperament eines Künstlers.

Gemälde von Vladimir Orlovsky

Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852)

Karl Bryullov war der Sohn eines Schnitzers am Katharinenhof, der die offensichtliche künstlerische Begabung seines Sohnes so erfolgreich förderte und entwickelte, dass er alle Preise der Akademie der Künste gewann und ein Stipendium für eine Reise nach Italien erhielt. Im Jahr 1828 besuchte er Pompeji und Neapel, wo er zufällig Puccinis Oper „Der letzte Tag von Pompeji“ besuchte.

Unter dem starken Eindruck begann er bald, ein großes Bild zum selben Thema zu malen. Es gilt heute als sein Meisterwerk, kann aber nur ein Taschenspielertrick sein, da es im Grunde eher ein Theaterstück als ein wirklich erfahrbares Werk ist. Nichtsdestotrotz ist es sehr gekonnt ausgeführt und hat Brullovs Ruf begründet, obwohl seine Porträts, Zeichnungen und Aquarelle heute eher gerechtfertigt erscheinen. Seine Porträts sind sehr gelungene Werke von großer Lebendigkeit, und seine Zeichnungen sind ganz und gar bewundernswert. Ihre Subtilität und Präzision erinnern an Alexander Benois.

Gemälde von Karl Pavlovich Bryullov

Fjodor Bruni (1800-1875)

Mit dem Gemälde „Die Bronzeschlange“ schuf Fyodor Bruni ein Werk, das oft als Pendant zu Brullovs „Der letzte Tag von Pompeji“ gesehen wird. Dieses Gemälde beweist Brunis Talent als Kolorist und seine Fähigkeit, Gemälde zu gruppieren, aber selbst als zeitgenössisches Werk ist es nicht erfolgreich, da es den Eindruck von Prätention und Unaufrichtigkeit vermittelt. Bruni malte eine Reihe von religiösen Gemälden, aber auch diese sind aus demselben Grund erfolglos.

Alexei Venetsianov (1779-1847)

Alexei Venetsianov schuf Werke von weitaus größerer Bedeutung, da er sich, wie viele seiner westlichen Zeitgenossen, hauptsächlich mit der technischen Seite der Ölmalerei beschäftigte . Er war ein Schüler von Borovikovsky, und in seiner frühen Reife hatte auch er viele Schüler und eine beträchtliche Anzahl von Bewunderern, aber der spektakuläre Erfolg von Bryullov mit seinem „Der letzte Tag von Pompeji“ zog die meisten der ehrgeizigeren russischen Maler an, und Venetsianov, wie ein oder zwei andere berühmte Lehrer, verlor die meisten seiner Schüler.

Nichtsdestotrotz befanden sich unter den Anhängern von Wenezianow ein oder zwei kleinere Künstler von beträchtlichem Kaliber, wie Zaryanko (1818-1870), vor allem aber Graf Fjodor Tolstoi (1783-1873), der die realistischen Prinzipien, von denen sich Wenezianow leiten ließ, in seinen eigenen Gemälden anwandte, in denen er bürgerliche Menschen in ihrer häuslichen Umgebung darstellte:

"- Diese bezaubernden Gemälde sind für Russland ästhetisch und historisch so wertvoll wie viele Genrebilder einer früheren Zeit für England, und sie sind die ersten Beispiele einer Entwicklungskette, die in unserer Zeit in den retrospektiven Werken von Alexander Benois und Dobuzhinsky gipfelt."

Gemälde von Alexei Gavrilovich Venetsianov

Pawel Andrejewitsch Fedotow (1815-1852)

Pawel Andrejewitsch Fedotow, William Mulready der russischen Malerei, kombinierte Genreszenen mit Interieurs von Tolstoi. Der unprätentiöse, aufrichtige und aufmerksame Mann, der als pensionierter Offizier von einer kärglichen Pension lebte, begann erst im Alter von etwa 30 Jahren mit der Malerei. Mangelnde Bildung und ein früher Tod verhinderten, dass er zu einem russischen Rowlandson heranwuchs, aber seine Schriften über die Sitten der Gegenwart stehen geistig und temperamentvoll den Werken von Gogol und Tschechow nahe. Seine Szenen entfalten sich in sorgfältig wiedergegebenen Interieurs und sind sehr gut geschrieben. Seine Gemälde „Der Geck“ und „Das Fenster“ stehen in der Avantgarde der russischen „“ Malerei.

Gemälde von Pavel Fedotov

Wassili Perow (1833-1882)

Sein unmittelbarer Nachfolger und Moskauer Landsmann, Wassili Perow, hatte mehr Glück, da er von Kindheit an in der Malerei ausgebildet wurde. Infolgedessen sind seine Leistungen größer als die von Fedotov, denn Bleistift und Pinsel hielten mit seiner Beobachtungsgabe Schritt. Seine tiefe Aufrichtigkeit hat die Leichtigkeit seiner Gefühle nicht beeinträchtigt und seinen Humor nicht gebremst, aber die in Russland herrschenden politischen Verhältnisse haben ihn dazu veranlasst, die Moralisierung und die Genremalerei als sein Gebiet zu wählen.

Perovs Gemälde bilden jedoch keine Serien, sondern stellen einzelne Themen dar, wie Eine Dorfpredigt, Eine Teegesellschaft, Eine Mahlzeit und Die Ankunft einer Gouvernante . Sie weisen eine für das neunzehnte Jahrhundert charakteristische Strenge und Zurückhaltung auf, sind aber neben ihrem erzählerischen Interesse auch von unbestreitbarem ästhetischen Wert.

Gemälde von Wassili Grigorjewitsch Perow

Alexander Iwanow (1806-1858)

Eine ganz andere Tendenz zeigt sich im Werk von Alexander Iwanow, von dem viele Gemälde religiöse Themen und eine im Wesentlichen religiöse Herangehensweise haben, denn sie zeigen eine zutiefst aufrichtige spirituelle Auffassung sowie einen feinen Sinn für Form und Komposition. Er war der erste russische Maler, der seine religiösen Gefühle in der westlichen Malerei leicht und ausdrucksvoll zum Ausdruck brachte und religiöse Kunst im westlichen Stil schuf, die nicht weniger bewegend war als die Ikonenmalerei des Mittelalters.

Seine Skizzen von weiblichen Akten bleiben bemerkenswert modern und verdienen es, zu den vollendetsten modernen westlichen Werken dieser Art zu gehören.

Gemälde von Alexander Andrejewitsch Iwanow

Nicholas Ge (1831-1894)

Nikolai Ge, vielleicht nicht der beste Maler, aber auch ein aufrichtig religiöser Künstler, trat in die Fußstapfen von Alexander Iwanow, unbewusst, man könnte sogar sagen automatisch, indem er in seinen religiösen Gemälden den westlichen Naturalismus mit der orthodoxen Missachtung der körperlichen statt der geistigen Schönheit verband. Dies verlieh seinen verzerrten, ausgemergelten, nicht-menschlichen Figuren eine fesselnde Intensität, die besonders in dem Gemälde „Kreuzigung“ im Russischen Museum in St. Petersburg deutlich wird.

Seine Porträts sind weniger lebhaft, aber unmittelbarer. Es sind schöne Porträts, und trotz ihrer Güte sind sie nicht manieriert oder sentimental, wie viele Porträts des neunzehnten Jahrhunderts. Sein Porträt des Grafen Leo Tolstoi ist eines der interessantesten, die je von dem Schriftsteller gemalt wurden, denn es spiegelt die widersprüchlichen Elemente, die seinen turbulenten Charakter prägten, anschaulich wider.

Gemälde von Nikolai Nikolaevich Ge

„Peredvizhniki“

Nach 1863 wurde die Entwicklung der russischen Malerei durch einen zunächst unbedeutend erscheinenden Vorfall tiefgreifend beeinflusst. Dreizehn Schüler der Russischen Akademie der Künste erhoben Einspruch gegen die Wahl von Odin in Walhalla als Thema für die Goldmedaille. Sie verlangten, dass stattdessen ein slawisches Thema gewählt werden sollte, und taten dies mit solcher Beharrlichkeit, dass sie von der Akademie ausgeschlossen wurden.

Dies war ein schwerer Schlag für sie, da sie meist arm waren und ihr Lebensunterhalt von dem Diplom abhing. Daraufhin gründeten sie eine Gilde und begannen, die Aufträge, die sie bekommen konnten, unter sich aufzuteilen. 1870 gingen sie sogar noch weiter und gründeten eine Gesellschaft mit dem Namen „Peredvizhniki“ (Verein für Kunstwanderausstellungen). Ihre Mitglieder sollten von Ort zu Ort ziehen und ihre Werke ausstellen, in der Hoffnung, auf diese Weise Moskau und die Provinzen zu zwingen, sich mit St. Petersburg für die Kunst zu interessieren. Indem sie soziale oder politische Themen für ihre Gemälde wählten, hofften sie gleichzeitig, ein politisch gesinntes Publikum anzusprechen.

„ Die Peredvizhniki“ und diejenigen, die mit ihnen sympathisierten, ohne aktive Mitglieder der Gesellschaft zu sein, sowie diejenigen, die, wenn auch indirekt, dennoch dazu neigten, Künstler zu werden „Ziele“, lassen sich in vier Gruppen einteilen. Dies sind Ivan Kramskoi (1837-1882), ihr erster Führer, oder Viktor Vasnetsov (1848-1926) und Mikhail Nesterov (gestorben 1862.), die sich auf slawophile Themen konzentrierten; es gab Anhänger von Vereshchagin, Repin und Surikov, die historische Themen wählten; andere, wie Vasily Perov und Alexander Makovsky (1869-1915), wurden Genremaler; schließlich konzentrierten sich Künstler wie Isaac Levitan (I861-1900), Arkhip Kuindzhi und der Landschaftsmaler Ivan Aivazovsky (18I7-1900) auf naturalistische Themen und Landschaften.

Das Werk „der Peredvizhniki-Künstler „wurde von ihrer Neigung zur Missionierung überschattet. So soll ihr virtueller Führer Kramskoi zu praktisch und zu gefühllos geworden sein, um großen Erfolg zu haben; sein Verstand war zu sehr von Dostojewski beeinflusst und seine Gefühle nicht genug. Seinen Werken fehlt es an Kraft, und obwohl sie sich mit den Übeln der Zeit befassen, lösen sie beim Betrachter keine tiefen Gefühle aus. Dennoch wird Ivan Kramskoi für immer seinen Platz in der Geschichte der russischen Malerei behalten, nicht zuletzt als einer der besten Porträtisten, dessen Ansichten das dritte Viertel des neunzehnten Jahrhunderts prägten. Er schuf auch eine Reihe herausragender Werke der christlichen Kunst, darunter: „Christus in der Wüste“ (1872, Tretjakow-Galerie, Moskau) und „Lachen“ („Heil dir, König der Juden!“) (1882, Russisches Museum, St. Petersburg).

Nesterov hatte das Zeug zu einem hervorragenden Landschaftsmaler, aber seine Beschäftigung mit der Moral verdarb seine Bilder. Außerdem sind seine Figuren sentimental und nicht überzeugend; sie überschatten nur die schönen Landschaften, vor denen sie gemalt sind.

Vasnetsov war ein begabterer Maler als beide, aber sein Werk ist durch einen Mangel an Unmittelbarkeit und Leidenschaft sowie durch eine deprimierende Farbwiedergabe etwas beeinträchtigt.

Wassili Vereschtschagin (1842-1904)

Mit den „Peredvizhniki“ sympathisierend, aber auch zu den Anhängern von Venetsianov gehörend, war der bekanntere Vasily Vereshchagin . Er stammte aus einfachen Verhältnissen und war fortschrittlich erzogen, sympathisierte mit den Slawophilen, hatte aber ein Atelier in Paris und verbrachte dort die meiste Zeit seines Lebens.

Obwohl ein Besuch in Indien ihn dazu brachte, mit Farben zu experimentieren, blieb er völlig gleichgültig, vielleicht war er sich der Forschungen von Degas, Monet und Manet auf diesem Gebiet nicht einmal bewusst, aber trotzdem führten seine eigenen Leistungen dazu, dass viele seiner russischen Kollegen die Bedeutung dieses Themas erkannten. Als Kriegsmaler nimmt Vereshchagin an der Belagerung von Samarkand und dem Balkanfeldzug teil.

Die Grausamkeit des Krieges verstärkte seine realistischen Tendenzen und machte ihn zu einem zurückhaltenden und sensiblen, aber durchaus „moralisierenden“ Künstler. Manchmal sind seine Zeichnungen und die Konstruktion seiner Gemälde uninteressant, aber seine Aufrichtigkeit und seine tiefen Gefühle sind so groß, dass viele seiner Kriegsgemälde auch heute noch zutiefst bewegend sind, was sicherlich ein Beweis für ihren Verdienst ist. Zu ihrer Zeit zogen diese Bilder riesige Menschenmengen an, auch Bauernscharen, und sie trugen mehr als die Werke jedes anderen Künstlers zur Entwicklung des Interesses des russischen Volkes an den schönen Künsten bei .

Gemälde von Wassili Vereschtschagin

Ilja Repin (1844-1930)

Obwohl er weniger populär war, war Ilja Repin (1844-1930) in Wirklichkeit ein origineller und wirklich großer Maler. Er besaß das Talent und das Temperament, die notwendig waren, um eine herausragende Persönlichkeit der europäischen Kunst zu werden, aber sein Pech war, dass er in der langweiligsten Periode der russischen Malerei geboren wurde, zu einer Zeit, als man noch starr an der toten akademischen Tradition festhielt. Außerdem fehlte ihm der Elan, der es russischen Schriftstellern und Musikern ermöglichte, aus diesem stagnierenden Geist auszubrechen, und so perfekt seine Werke auch gewesen sein mögen, sie wurden von seinen Zeitgenossen nie bewundert.

Unter einer Reihe von Meisterwerken verdienen zwei seiner Gemälde besondere Erwähnung - die Skizze „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Iwan“ und das Gemälde „ Die Kosaken schreiben einen Brief an den türkischen Sultan“. Im ersten Fall ist Iwans Entsetzen über das Leiden seines Sohnes eine aufschlussreiche Studie über den menschlichen Kummer angesichts der Gewalt, während im zweiten Fall die Darstellung der Kosaken voller Psychologismus ist.

Gemälde von Ilya Yefimovich Repin

Wassili Surikow (1848-1916)

Diese Werke wurden zu ihrer Zeit sehr bewundert, aber sie beeinflussten die zeitgenössischen Künstler nicht so sehr wie die historische Malerei Wassili Surikow . Surikov wählte keine großen Ereignisse der russischen Geschichte als Sujets, sondern Themen, die den Mut der Menschen angesichts großer Schwierigkeiten betonen. Diese Wahl war an sich schon innovativ und interessierte Surikovs Zeitgenossen sehr. Seine Werke sind von einer sanften Melancholie durchdrungen, aber gleichzeitig ist er energisch und direkt, es gibt nichts Sentimentales in ihnen. Seine Farbpalette ist vielfältig und lebendig und hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Farbpalette der Künstler der Gruppe „World of Art“.

Surikow war ein zu zurückgezogener und selbstgenügsamer Mann, um in eine Gruppe aufgenommen zu werden, aber er tat sein Bestes, um jüngere Künstler zu ermutigen, sich vom Malereiverständnis der Peredvizhniki zu lösen, und selbst die reiferen Künstler, die seinem Alter nahe standen - Repin und Vasnetsov, sogar Levitan und Serov - wurden spürbar von seinen Leistungen beeinflusst. Zusammen mit Repin bleibt Surikow einer der besten Historienmaler der russischen Schule.

Gemälde von Wassili Iwanowitsch Surikow

Isaak Lewitan (1860-1900)

Zu den besten Landschaftsmalern des 19. Jahrhunderts in Russland gehörte Isaac Levitan, der eindeutig von dem großen Naturforscher Ivan Shishkin (1831-1898) beeinflusst war. Von Schischkin erbte Lewitan eine tiefe Liebe zur russischen Natur und von Arkhip Kuindzhi (1842-1910) eine nervöse, fast impressionistische Technik, die am besten geeignet war, die zarten Farben der russischen Natur zu vermitteln.

Lewitan wurde auch von der französischen Schule der Landschaftsmalerei von Barbizon beeinflusst, die er leidenschaftlich bewunderte. Seine Werke zeugen von großer Fantasie und vermitteln den unwiderstehlichen Charme der oft diskreten, aber subtil schönen russischen Landschaft.

Lewitan war ständig bestrebt, sein Werk, seine Textur, seine Linienführung und seine Farben zu verbessern; schließlich erreichte er wahre Meisterschaft. Alexander Benois zufolge vermittelte Lewitan „den unerklärlichen Charme unserer bescheidenen Armut, die grenzenlose Weite unserer jungfräulichen Weiten, die festliche Traurigkeit des russischen Herbstes und den geheimnisvollen Ruf des russischen Frühlings. In seinen Bildern gibt es keine Menschen, aber sie sind von jenem tiefen Gefühl durchdrungen, das das menschliche Herz erfüllt, wenn es der Heiligkeit des Ganzen begegnet“.

Gemälde von Isaak Iljitsch Lewitan

Valentin Serov (1865-1911)

Ein weiterer herausragender Vertreter der Landschaftsmalerei war Valentin Serov, ein Schüler von Repin. Sein Genie war erstklassig und seine Wahrnehmung der Schönheit ungewöhnlich scharf. Vor allem hatte er ein tiefes Gefühl für den ursprünglichen Geist und die Kultur Russlands und brachte dies mit bemerkenswerter Klarheit zum Ausdruck. Seine Landschaften sind so realistisch, poetisch und freimütig wie die von Eugène Boudin (1824-1898); (siehe: Merkmale der impressionistischen Malerei), und seine größten Porträts sind so schön und lebendig wie die von Renoir (1841-1919).

Ihr historischer Wert ist besonders groß, weil Serow trotz seiner persönlichen Zurückhaltung und seiner liberalen Ansichten von allen wichtigen Persönlichkeiten des zaristischen Russlands besucht wurde, aber keines der entstandenen Bilder hat etwas von einem offiziellen Porträt; jedes ist ein aufrichtiges und lehrreiches Dokument.

Gemälde von Valentin Serov

Mikhail Vrubel (1856-1910)

Der dritte große Individualist dieser Periode, Mikhail Vrubel, war ein seltsames, tragisches, aber tief inspiriertes Genie. Er erlebte etwas, das mächtiger war als die seltsamen Fantasien von William Blake, aber dennoch mit ihm verwandt, obwohl er ein viel größerer Künstler war.

Seine leidenschaftlichen religiösen Gemälde mit ihrem erstaunlichen technischen Können und ihrer stürmischen Intensität gehören zu den Meisterwerken der Welt; sie sind so überzeugend, so mitreißend wie die von El Greco. Seine Fantasiewerke - zum Beispiel das Gemälde „Pan Pan“ - sind so wahrhaftig und mitreißend wie seine großartigen Porträts, so feurig wie seine äußerst gelungenen Skulpturen, so ekstatisch wie seine Theaterstücke.

Sein gesamtes Werk ist durchdrungen von seinem Genie, seinem Idealismus, seinem leidenschaftlichen Streben nach Vollkommenheit. Seine Persönlichkeit war zu komplex und seine Kunst zu individuell, um Anhänger zu finden, aber gerade deshalb gehört er zu den Giganten der europäischen Malerei des 19. Sein Genie war nicht weniger genial als ihr Genie, wenn auch sein Geist, wie der von Van Gogh, tiefer gequält war. Im Gegensatz zu Van Gogh wurden jedoch selbst die quälendsten Halluzinationen durch seine angeborene Spiritualität in Visionen verwandelt. Vrubel wurde von seinen Zeitgenossen sehr geschätzt, die, obwohl sie ihn nicht imitieren wollten und konnten, die erstaunliche Schönheit seines Werks voll und ganz erkannten.

Gemälde von Mikhail Vrubel

Zu den anderen bedeutenden russischen Malern des mittleren bis späten 19. Jahrhunderts gehören der kritisch-realistische Genremaler Konstantin Sawizki (1844-1905), der bäuerliche Landschaftsmaler Wassili Polenow (1844-1927) und der koloristische Genremaler Abram Arkhipow (1862-1930).

Inzwischen scharten sich viele junge Künstler um die drei prominenten jungen Männer. Zwei von ihnen - Leon Bakst (1866-1924) und Alexandre Benois (1870-1960) - waren Maler, der dritte, Sergei Diaghilev (1872-1929), ein junger Kunstliebhaber, sollte bald das Beste der russischen Malerei, Musik und des Tanzes in Europa einführen: nämlich seine Ballettkompanie „Ballets Russes“ . Diese jungen Männer waren Gegner der naturalistischen Tendenzen der russischen Malerei des neunzehnten Jahrhunderts, aber tief beeindruckt vom französischen Impressionismus, sie ordneten sich diesem keineswegs unter, da sie glaubten, dass jeder Künstler seinen eigenen individuellen Weg gehen sollte, wobei sie das Hauptgesetz befolgten: „Kunst um der Kunst willen“.

Sawwa Mamontow (1841-1918)

Ihre Ansichten und ihre Arbeit erregten die Aufmerksamkeit eines bemerkenswert scharfsinnigen Moskowiters namens Sawwa Mamontow (1841-1918). Von Beruf Kaufmann, war er von seinem Temperament her ein Kunstmäzen der Renaissance und sollte einer der bedeutendsten Kunstmäzene in einem Land werden, das in bemerkenswerter Weise der Großzügigkeit einzelner Kunstsammler verpflichtet war. Zu dieser Zeit fühlte sich Mamontov jedoch besonders von der Bühne angezogen, denn das russische Theater erlebte gerade seine beste Zeit. Mamontov baute ein Privattheater in Moskau und bestellte die Kulissen und Kostüme für seine Inszenierungen bei den fortschrittlichsten Künstlern seiner Zeit.

1882 bat er Viktor Vasnetsov (1848-1926), das Bühnenbild für das Stück „Schneewittchen“ zu entwerfen, 1885 beauftragte er ihn für das Ballett „Nymphe“ und etwas später für „Die Schneekönigin“.

Vasnetsovs leuchtende Farben, seine geschwungenen Linien und seine Ablehnung von Trompe l’oeil verwirrten zunächst das Publikum, aber seine Arbeiten beeindruckten sofort seine Kollegen. Insbesondere seine Dekorationen für „Die Schneekönigin“ trugen mehr als alles andere zur Popularisierung des russischen Märchens bei und hatten einen bedeutenden Einfluss sowohl auf die dekorative Kunst als auch auf die Staffeleimalerei.

Sein Werk weckte bei zwei der größten Maler der Jahrhundertwende, Konstantin Korovin (1861-1929) und Alexander Golovin (1863-1930), das Interesse an russischen Motiven, während zwei andere, Stelletsky und Bilibin (1876-1941) sich fast ausschließlich diesem Werk widmeten. Ihnen folgten in den 1920er Jahren Natalia Gontscharowa (1881-1962) und Michail Larionow (1881-1964) - die Erfinder des Luchismus -, die durch die russische Volkskunst zum byzantinischen Stil zurückgebracht wurden.

Märchen dienten auch Elena Polenova, der russischen Berthe Morisot, und Maria Yakunchikova (1870-1903) als Ausgangspunkt für das Studium grüner Felder, Wälder, elender Friedhöfe und Dorfkirchen, in denen sich die Handlung vieler Märchen abspielt. Daher die Vorliebe für romantische, verfallene Herrenhäuser mit überwucherten Obstgärten und verlassenen Zimmern mit staubbedeckten Möbeln, die als Schauplätze für viele Werke Turgenjews dienen. Der Einfluss von Maria Jakuntschikowa auf Dobuschinski und auf Alexander Benois, der immer sehr empfindlich auf die „nostalgische Poesie solcher Szenen“ reagierte, ist nicht von der Hand zu weisen, zumindest was die Wahl des Sujets anbelangt.

Doch kehren wir zu Mamontovs theatralischen Unternehmungen zurück. Nach Vasnetsov wandte sich Mamontov wegen der Kulissen an Korovin und Golovin, wobei ersterer die Kulissen für „Aida“ schuf. Ihre wunderbaren Farbschemata enthüllten unvorstellbare Zaubereien. Korovins Farben waren subtil, aber so harmonisch und mit einem hervorragenden Stilempfinden verbunden, dass es kein Vergehen war, wenn er dazu neigte, die malerische Wirkung der malerischen Wirkung unterzuordnen.

Bis 1917 hatte Korovin Bühnenbilder und Kostüme für achtzig Opern, siebenunddreißig Ballette und siebzehn Theaterstücke geschaffen. Alle diese Werke waren großartig, aber Korovins zahlreiche Staffeleibilder stehen seinem Bühnenwerk kaum nach. Korovins Vorliebe für Silber- und Blautöne verlieh seinen Bühnenbildern die Fluidität der Musik, was bei einer überfüllten Bühne unbemerkt blieb. Die Bühnenbilder für „Pskovityanka“ und für „Ruslan und Lyudmila“ machten Golovin zu einem der besten Bühnenbildner seiner Zeit.

Auch andere Künstler wurden unwiderstehlich von der Bühne angezogen, die der russischen Kunst einen dringend benötigten Anker zu geben schien. Einer der ersten, der ihrem Charme erlag, war Vrubel, der die Opaldekorationen für „Die Schwanenprinzessin“ und „Die Königin des Meeres“ schuf, die trotz ihrer Vergänglichkeit als russische Pendants zu Monets „Seerosen“ bezeichnet werden können.

Anmerkung: Für eine Erklärung einiger großer russischer Werke siehe: Analyse der modernen Malerei (1800-2000).

World of Art Künstlervereinigung: Ballettszenen

Mamontovs Unternehmungen hätten ihn fast ruiniert und er war gezwungen, sein Theater zu schließen, aber 1898 finanzierte er zusammen mit Fürst Tenishev die Herausgabe der Zeitschrift „Welt der Kunst“, die von einer informellen Vereinigung russischer Künstler gleichen Namens herausgegeben wurde. Herausgeber war Sergej Diaghilew, der von Bakst unterstützt und von Alexander Benois gefördert wurde. Die Zeitschrift deckt den gesamten Bereich der Kunst ab, obwohl das Theater erst im dritten Jahr des Erscheinens in den Spalten behandelt wird.

Die Gelehrsamkeit „Kunstwelt“ der Künstler, die Brillanz ihrer Gemälde, der ästhetische Erfolg von Mamontovs Theaterproduktionen und vor allem Diaghilevs immenses Werbetalent ermöglichten es, die Unterstützung von Telyakovsky, dem Direktor der kaiserlichen Theater in Moskau, zu gewinnen. Zur gleichen Zeit entstand in St. Petersburg ein neuer Enthusiasmus, zunächst unter dem Direktor der kaiserlichen Theater von St. Petersburg , Wsewolozhski, und dann unter seinem Nachfolger , Fürst Wolkonski . Wsewolozhskij war ein Mann von außergewöhnlichem Feingefühl und Können, und während seiner Leitung der kaiserlichen Theater (das war in den 1880er Jahren) erreichte das russische Ballett sein höchstes Niveau.

In seinem Buch „Erinnerungen an das russische Ballett“ schreibt Alexander Benois: "Ich schätze mich besonders glücklich, dass ich in einer Zeit, in der die Seele nach lebensspendenden Eindrücken in der Kunst dürstet, unser St. Petersburger Ballett in seiner Blütezeit vorfand. Seine Blüte wurde durch eine bemerkenswerte Kombination von Elementen ermöglicht: Wsewolozhskys feiner Sinn für Kunst, das feurige Genie von Virginia Zucchi, die schöpferische Phantasie von Petipa, das Aufblühen der kaiserlichen Theaterschule und schließlich die Bereitschaft eines Komponisten wie Tschaikowsky (1840-1893), sein Genie dem Theater zur Verfügung zu stellen."

Fürst Wolkonski war nicht weniger scharfsinnig, und er war es, der um die Jahrhundertwende Bakst in „Das Königreich der Marquise“ und Benois für die Bühnenbilder einer einaktigen Oper ausprobierte, die für die kaiserliche Familie im Eremitage-Theater aufgeführt wurde.

Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts trat Telyakovsky die Nachfolge von Fürst Volkonsky in St. Petersburg an und, weit davon entfernt, von seinem Temperament her ein Erneuerer zu sein, erweiterte er die offizielle Anerkennung von Benois und Bakst durch den Vorstand, indem er 1907 einen Auftrag erteilte. Benois für das Bühnenbild von „Armida Pavilion“ und Bakst für „Hippolytus“ und „Oedipus“, aber auch hier war das Mäzenatentum der Kammer für die jungen Künstler nicht sehr groß.

Obwohl der Theaterkunst die Ästhetik der Staffeleimalerei fehlt, brachten die Aufträge von Telyakovsky diesen Künstlern einen so großen Ruhm ein, dass er sich sowohl auf ihre Staffeleimalerei als auch auf ihre Bühnenwerke erstreckte. Dennoch wäre ihr Ruhm wahrscheinlich nur in Russland geblieben, wenn nicht Sergej Diaghilew 1909 beschlossen hätte, die russische Kunst in Westeuropa bekannt zu machen, indem er eine Saison mit russischem Ballett und russischer Oper in Paris organisierte.

Die Bühnenbilder, die er mitbrachte, allesamt Werke von Künstlern „der „Welt der Kunst“, revolutionierten die französische Bühne und vertrieben mit erstaunlicher Kraft die blasse, neblige Farbpalette, die von Baudelaire, Verlaine, Oscar Wilde und seinen Freunden geschaffen worden war.

Das russische Bühnenbild zeichnete sich durch helle Töne und eine volle, scharfe Beleuchtung aus, wobei die Farben, die in Wirklichkeit ausgewogen, zurückhaltend und beherrscht waren, auf den ersten Blick wie ein unkontrollierbarer Tumult wirkten.

Die Vitalität der Diaghilew-Inszenierungen befreit Paris schnell vom Edwardianismus. Midinetten und Concierges wurden mitgerissen, ebenso die Gesellschaft. Das Slawische, alles im Stil des russischen Balletts, kommt in Mode, und bald verkauft jedes Geschäft, vom „großen Modeschöpfer“ bis zum örtlichen Tuchhändler, leuchtende Kleider, deren Farben immer greller werden, um die Russen zu imitieren, die sich in der großen städtischen Öffentlichkeit verbreiten.

Auch heute noch wird oft angenommen, dass diese Leistung der russischen Künstler das Ergebnis eines angeborenen Sinns für Farben war, der es ihnen ermöglichte, ohne großes Nachdenken schöne Effekte zu erzielen. Russische Künstler haben zweifellos ein Gespür für subtile Farblösungen, aber es gab nichts Unüberlegtes in den Werken der Maler „der Welt der Kunst“. Sie arbeiteten die Farblösungen mit äußerster Sorgfalt aus, und in ihrer Vorstellung von der Gestaltung einer Szene legten sie nicht weniger Wert auf Form und Linie als auf die Farbe. Vrubel betonte zwar die Bedeutung der Farbe als solche, doch ist in seinem Werk, vielleicht aufgrund seiner herausragenden Fähigkeiten als Bildhauer, ein ausgeprägter Sinn für die Grundform erkennbar.

Alle anderen waren hervorragende Zeichner. Bakst zum Beispiel, ein erstklassiger Zeichner, bestand darauf, dass die Szenerie keinen gekünstelten Eindruck erwecken sollte, sondern auf Realismus beruhen sollte, was die grundlegende Bedeutung der Form impliziert. Seine Stärke lag in der Tat in seinem Sinn für Linien und Formen ebenso wie in seinem Farbensinn, und hätte er sich nicht der Bühne gewidmet, hätte er sich zweifellos der Grafik zugewandt.

Es war seine Liebe zum Theater, die ihn dazu veranlasste, sein feines Auge für Farbe zu benutzen; er verließ sich hauptsächlich auf die Linie, und in all seinen Skizzen und fertigen Zeichnungen wurden die ausgezeichneten Farben eher in der Art eines Dekorateurs als eines Malers aufgetragen, d.h. er trug seine Farben gleichmäßig auf und versuchte nicht, seine Zeichnung durch Variationen des Farbtons zu verdecken.

Nach Ansicht seiner Nachkommen war Bakst vielleicht der größte dekorative Künstler aller Zeiten. Es ist daher interessant, seine Methode zu betrachten. Für ihn musste eine Szene ein so überzeugendes und fesselndes Bild abgeben, dass der Betrachter sofort aus der Alltagswelt in die Welt der Phantasie versetzt wurde. Dies erforderte eine akribische Ausarbeitung jedes Details der Szenerie und ihre vollständige Übereinstimmung mit dem Geist des Stücks. Der Geist der Epoche musste in der Tat so konzentriert sein, dass die Rekonstruktion natürlich erschien, aber gleichzeitig musste sich die Szene so sehr vom gewöhnlichen Leben unterscheiden, dass sie als dessen Quintessenz erschien; sie musste real, aber ungewöhnlich, bewohnt, aber unerreichbar sein.

Um dies zu erreichen, mussten die Künstler über außergewöhnliche Fähigkeiten verfügen, denn es war notwendig, dass sie kultiviert, ja sogar gebildet waren, dass sie einen entwickelten Sinn für die Epoche hatten, und gleichzeitig mussten Talent, Vorstellungskraft und Sensibilität den Kern dieser Qualitäten bilden. Man brauchte die universellen Qualitäten der großen Persönlichkeiten der Renaissance, und die Mitglieder der Gruppe „Die Welt der Kunst“ besaßen sie in einem erstaunlichen Maße; viele von ihnen führten sowohl die Feder als auch den Pinsel, veröffentlichten Artikel und Bücher von größter Bedeutung und bereicherten so gleichzeitig die russische Kunst und Kultur.

Alexander Benois (1870-1960) und andere

Einer dieser talentierten Künstler war Alexander Benois, dessen Staffeleibilder (und Dekorationen) bereits erwähnt wurden. Die meisten von ihnen sind Landschaften, meist Aquarelle, ungewöhnlich groß für ein Gemälde dieser Art; sie gehören zu den besten Gemälden unserer Zeit. Sie gehören zu den besten Gemälden unserer Zeit. Großartig konstruiert, genau gezeichnet und sehr sensibel, geben ihre Farben die Luft wieder, in der sie gebadet sind. Jedes von ihnen duftet nach der Stimmung des Tages, an dem es gemalt wurde, und nach dem besonderen Charakter der Landschaft.

Die Revolution hält Benoit in seiner Entwicklung nicht auf, und er bleibt in Frankreich, wo er sich mit immer größeren Schritten der Vollkommenheit nähert. Seine Landschaften von Versailles und Rambouillet sind so poetisch, so tief eindringend, so erfrischend wie seine schönen Bilder von St. Petersburg und seinem Palastensemble. Dies ist sicherlich der Beweis für wahres Genie - sich weiterentwickeln zu können, ohne gebrochen zu werden, obwohl es aus der heimatlichen Umgebung verpflanzt wurde, die den schöpferischen Geist des Künstlers zuerst erweckte und nährte.

In seinem Verständnis von Theater ist Benois fast so gut wie Bakst. Im Gegensatz zu Bakst greift er jedoch weniger auf kontrastreiche Farben und auffällige Effekte zurück. Seine besten Bühnenwerke - „Armidas Pavillon“ und „Petruschka“ - stammen größtenteils aus dem 18. Jahrhundert, und es ist ein solcher Sinn für die damalige Zeit vorhanden, dass diese Nachstellungen nicht nur an sich bewundernswert sind, sondern auch zu unserer Vorstellung von dieser Epoche beitragen. Ihnen fehlt der etwas rekonstruktive Geist, der manchmal in den Gemälden des bemerkenswerten Porträtisten, aber weniger empfindlich für figurative Komposition, Konstantin Somov, oder in den verführerischen Landschaften von Sert zu finden ist.

Nur Mstislav Dobuzhinsky teilte Benois’ fast übernatürliche Fähigkeit, die Vergangenheit nicht nur abzubilden, sondern auch zu evozieren, und seine exquisiten Bühnenbilder für die Inszenierung von Ein Monat auf dem Lande“ des Moskauer Kunsttheaters „sind nicht nur künstlerisch vollkommen zufriedenstellend, sondern verkörpern auch die dargestellte Epoche. Seine Ansichten von St. Petersburg sind fast so ausdrucksstark wie die von Benois.

George Lukomsky, ein ausgebildeter Architekt, war auch ein hervorragender Künstler-Architekt. Seine Gemälde von Kiew, seine Zeichnungen von Pawlowsk und Zarskoje Selo sind architektonisch genau und gleichzeitig im Wesentlichen malerisch.

Nikolai Konstantinowitsch Roerich (1874-1947) ist ein weiterer Vertreter dieser bemerkenswerten Gruppe. Er war im Wesentlichen ein Staffeleimaler, und zwar ein erstklassiger. Er schuf prächtige Bühnenbilder und führte ein neues Farbschema im Theater ein. Wie Benois und Dobuzhinsky, ein Liebhaber der Vergangenheit, bevorzugte er die fernere Vergangenheit, und es war die fernere nomadische Ära, aus der er seine Kenntnisse über Asien für die Farben bezog, die er mit solch großartiger Wirkung verwendete, insbesondere in der Kulisse für die Polowetzer Tänze aus „Fürst Igor“.

Gontscharowas interessante Kunst, die sich in dekorativen Tafeln, Gemälden und Bühnenbildern für so unterschiedliche Ballette wie den farbenfrohen „Coq d’Or“ oder den strengen „Nochi“ zeigt, wurde von der russischen mittelalterlichen Malerei inspiriert. Im Grunde ist ihre moderne und vitale Kunst fast eine Rückkehr zur byzantinischen Kunst und natürlich eine Verbindung zu jener traditionellen russischen Kunst, die noch immer in der einen oder anderen Form im Werk von Sudeikin, Boris Kustodiev, Vasily Shukhaev zum Ausdruck kommt

Der wichtigste Porträtist dieser Gruppe, Savely Sorin, kann vielleicht mit Sargent verglichen werden, obwohl sein Bleistift zarter, seine Farbwahrnehmung viel feiner und sein Einfühlungsvermögen unendlich viel größer ist. Seine Porträts sind exquisite Bilder, die den Hauch der Raffinesse der hochkultivierten, manchmal fast ästhetischen Gesellschaft des zaristischen Russlands vermitteln.

Alle diese Künstler, mit Ausnahme von Sorin, der sich auf Porträts konzentrierte, widmeten einen Großteil ihrer Zeit der Grafik. Bakst, Somov schufen Vignetten und Schriftrollen, und Bilibin und Stelletsky fertigten prächtige Illustrationen russischer Märchen und Legenden. Sie alle trugen dazu bei, die feinen Traditionen der grafischen Kunst aus der Zeit Peters des Großen an die sowjetischen Künstler weiterzugeben, die heute zu ihrem Ruhm beitragen, indem sie Lithografien, Radierungen, Holzschnitte und Stiche von höchster Qualität herstellen.

Russische emigrierte Künstler des 19. Jahrhunderts

Ende des 19. Jahrhunderts wuchs eine Reihe talentierter Maler (und Bildhauer) in Russland auf und wurde dort ausgebildet, die dann das Land verließen und sich in Frankreich, Deutschland oder Amerika niederließen. Dazu gehören die berühmten Expressionisten Alexei von Javlensky (1864-1941) und Wassily Kandinsky (1866-1944) sowie der jüngere Marc Chagall (1887-1985) und der an der Pariser Schule ausgebildete Maler Haim Sutin (1893-1943).

Beispiele der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen.

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