Rokoko Art Automatische übersetzen

Der Rokokostil in der französischen Malerei entstand in Frankreich als Reaktion auf die barocke Pracht des königlichen Hofes von Ludwig XIV. im Schloss von Versailles und wurde insbesondere mit Madame Pompadour, der Mätresse des neuen Königs Ludwig XV. und den Pariser Häusern der französischen Aristokratie in Verbindung gebracht. Es handelt sich um einen phantasievollen und aufwendig dekorativen Kunststil, dessen Name sich von dem französischen Wort „ rocaille“ ableitet, was „rocaille“ - Mauerwerk in Form von Muscheln - bedeutet.

In der Welt des Rokoko sind alle Künste, einschließlich der Malerei, der Architektur, der Bildhauerei, der Innenarchitektur, der Möbel, der Stoffe, des Porzellans und anderer „Kunstgegenstände“ dem Ideal der eleganten Schönheit untergeordnet.

Die Kunst des Rokoko wird durch die Werke berühmter Künstler veranschaulicht, wie Jean-Antoine Watteau (1684-1721), insbesondere durch seine „ fete galante“ - Balzfeste im Freien; Jean-Honore Fragonard (1732-1806) mit seinen Gemälden von Liebe und Verführung; François Boucher (1703-1770) mit seinen verschwenderischen Gemälden von luxuriösem Selbstgenuss; der Venezianer Giambattista Tiepolo (1696-1770), bekannt für seine phantastisch dekorativen Fresken der Würzburger Residenz (1750-3); und die Bildhauerei von Claude Michel Clodion (1738-1814), Bildhauer des Arc de Triomphe in Paris, der vor allem für seine Terrakotta-Skulpturen von Nymphen und Satyrn bekannt ist. In Großbritannien erreichte die Rokokomalerei ihren Höhepunkt in den Frauenporträts von Thomas Gainsborough (1727-1788). Auf das Rokoko folgte der Neoklassizismus, der zum prägenden visuellen Stil Napoleons in Frankreich und der amerikanischen Revolution wurde.

Ursprünge

Das Rokoko ist das frivole, eigensinnige Kind des edlen, stattlichen Barock . Das Elternteil wurde in Italien geboren, das Kind in Frankreich. Der Barock (barocco, raue Perle) entstand im frühen siebzehnten Jahrhundert und verbreitete sich rasch in ganz Europa. Zunächst war er vor allem ein bildhauerischer und architektonischer Stil, dessen größter Vertreter und Genie Gianlorenzo Bernini (1598-1680) war, der wie Michelangelo vor ihm in erster Linie Bildhauer war, sich aber, nachdem er mehreren Päpsten beim Wiederaufbau Roms gedient hatte, der Malerei, Theaterkulissen und Architektur zuwandte. Seine „ Ekstase der heiligen Teresa“ und die kleine Kirche San Andrea al Quirinale in Rom zeigen die Tendenzen, die zum Rokokostil führten: die brillante Verwendung von Licht und Schatten auf teuren und aufwendigen Materialien wie farbigem Marmor und Bronze.

Das siebzehnte Jahrhundert war ein Jahrhundert der Größe und des starken religiösen Gefühls, das in den Gemälden von Caravaggio und Cortona, in den Skulpturen von Bernini und in der Architektur von Francesco Borromini (1599-1667) klar und überzeugend in lebendigen visuellen Formen zum Ausdruck kam. Seine wichtigsten Werke waren italienisch, und dies war in der Tat der Schwanengesang Italiens als schöpferische Kraft, denn bereits nach dem Tod von Papst Urban VIII, Berninis Mäzen, erstrahlte ein neuer Stern - Frankreich, das seinen kometenhaften Aufstieg während des gesamten Jahrhunderts fortsetzen und das modische und künstlerische Europa im folgenden Jahrhundert dominieren sollte. Siehe auch: Künstler des Rokoko .

Der Rokoko-Stil in Frankreich - charakteristische Merkmale

1651 wurde der junge Ludwig XIV. volljährig, und in den 1660er Jahren waren alle Unstimmigkeiten in Frankreich vollständig unterdrückt, so dass Ludwig sich dem Bau und der Ausgestaltung seines Schlosses in Versailles widmen konnte. Hier wurde der italienische Barockstil von Ludwigs allmächtigem Künstler, Designer und Innenarchitekten, Charles Lebrun, übernommen und verändert, um nicht die Heiligen der katholischen Kirche, sondern den König von Frankreich zu verherrlichen: „ Le Roi Soleil“.

Die absolute Herrschaft Ludwigs bedeutete nicht nur einen visuellen Beweis seiner Vormachtstellung, sondern auch eine ausgefeilte Hofetikette, die so streng und unnatürlich war wie die von Le Nôtre angelegten Gärten rund um den Palast. Diese extreme Formalität wird in den Gemächern wie dem berühmten Spiegelsaal und dem farbenfrohen Treppenhaus der Botschafter spürbar, und vor diesem Hintergrund entsteht das Rokoko; Frankreich beweist, dass es bereits der Schiedsrichter des Geschmacks und hungrig nach Neuem ist.

Französische Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Das Rokoko wird in Frankreich zu Recht mit dem 18. Jahrhundert in Verbindung gebracht, aber auch in den letzten Jahren des vorigen Jahrhunderts gibt es Anzeichen des neuen Stils, wie z. B. in den Werken des Hofarchitekten Jules-Arduin Mansart (1646-1708) im Trianon in Versailles und in Marly, einer anderen königlichen Residenz. In diesen beiden Gebäuden verzichtete Mansart auf die einschläfernde Verwendung von Marmor und Bronze und wandte sich der Holzvertäfelung und helleren Farben zu. Die schiere Größe des Trianon zeugt von dem Wunsch, dem grandiosen Palast zu entfliehen, ein Gefühl, das im 18. Jahrhundert zu einer Reihe sehr bedeutender Werke führte. (Man beachte auch den Einfluss der früheren Schule von Fontainebleau (1530-1610) auf die Entwicklung des Rokoko-Stils, insbesondere die verspielten Leisten und andere Rokoko-Motive).

Ludwig XIV. scheint diese Reaktion auf jede erdenkliche Weise gefördert zu haben, wie seine berühmte Anweisung an Mansart bezüglich der Dekoration des Zimmers der sehr jungen Herzogin von Burgund im Château de Ménagerie beweist: "Sie müssen überall das Gefühl der Jugend verbreiten". Das war im Jahr 1699, und der König hatte noch sechzehn Jahre zu leben, Jahre, die die Entwicklung der Kunst und der Dekoration mindestens für die nächste Generation bestimmen sollten, nicht nur in Frankreich, sondern auch darüber hinaus, in Sizilien und Österreich.

Auch wenn das Rokoko in erster Linie eine französische Schöpfung war, gab es doch viele Faktoren, die den Stil beeinflussten und zu ihm beitrugen, wie zum Beispiel die grafischen Werke italienischer Künstler des siebzehnten Jahrhunderts wie Stefano Delia Bella, der lange Zeit in Paris lebte. In seinen Werken umrahmen dünne, federleichte Linien Formen, die oft rein dekorativ sind, wie es in der Kunst des Rokoko üblich ist.

Viele gestochene Bücher aus den letzten Jahrzehnten des siebzehnten Jahrhunderts zeigen den Rokokostil in seinen Anfängen. Die enge, verschlungene Schnitzerei, die für die flämische und deutsche Renaissance und sogar für die Schule von Fontainebleau so charakteristisch war, wurde gelockert, so dass sie weniger streng und symmetrisch war, und es wurden fantastische Elemente eingeführt, die in den Originalen unbekannt waren. Dies zeigt sich in Frankreich in den Möbeln von Andre-Charles Boulle und in Venedig in den Möbeln von Andrea Brustolon, wo die geschwungenen, komplexen Barockformen zu Beginn des Jahrhunderts verändert wurden.

Einer der ersten Auftritte des neuen Stils in einem sehr wichtigen Rahmen ist das Schlafzimmer von Ludwig XIV. in Versailles. Es wurde um 1701 vor allem in Weiß- und Goldtönen umgestaltet, wobei sich die Wirkung ganz auf die klaren Kontraste zwischen den feinen skulpturalen Pilastern und den reichhaltigen vergoldeten Schnitzereien und den großen, über den Kaminen angebrachten Spiegeln mit abgerundeten Abschlüssen stützte.

Große Flächen aus venezianischem Spiegelglas waren natürlich schon bei der Gestaltung der Spiegelgalerie sowie des Spiegelzimmers im Grand Trianon wichtige Dekorationselemente: Sie werden oft fälschlicherweise nur mit dem Aufkommen des Rokoko-Stils in Verbindung gebracht, in dem sie tatsächlich eine wichtige Rolle spielen sollten. Die Gestaltung des Schlafzimmers von Ludwig zeigt jedoch noch eine starke Vorliebe für klassische Ordnungen mit Pilasterdekoration in der typischen akademischen Tradition des 17.

Eines der Probleme bei der Untersuchung der Rokoko-Dekoration besteht darin, dass wir nicht genau bestimmen können, wie viel davon von einer kleinen Armee von Zeichnern stammt, deren führende Persönlichkeiten wie Mansart hinter den Kulissen blieben, und wie viel von den großen Architekten selbst. Wenn also ein Gebäude oder eine Inneneinrichtung als Werk von Mansart oder de Cotte ausgegeben wird, könnten die innovativen Details genauso gut von einem Geisterzeichner „mit einem gewissen Sinn für Phantasie und Originalität geschaffen worden sein, den der königliche Architekt als seinen eigenen ausgab.

Diese Zeichner waren höchstwahrscheinlich mit den Büchern mit dekorativen Mustern - die der Renaissance entlehnt waren - vertraut, die Raffaels berühmte Grotesken in der Villa Madama und der Loggia des Vatikans illustrierten. Die Grotesken, die von Reliefs und Malereien in römischen Gräbern (oder Grotten, daher „Groteske“) abgeleitet sind, spielten bereits in den 1650er Jahren eine wichtige Rolle in der französischen Dekoration und tauchten später in einigen von Lebruns eigenen Dekorationen auf, zum Beispiel in der Galerie des Apollo im Louvre. Es handelt sich dabei um geschwungene Pflanzenformen und Schnecken, die oft in einer Urne oder einem Topf ihren Ursprung haben und sich in einem regelmäßigen Muster nach oben winden, das von verspielten Affen, Insekten und anderen Kreaturen bevölkert wird, die einen leicht asymmetrischen Touch verleihen. Die Leichtigkeit dieser Art von Dekoration wurde von Pierre Lepotre berücksichtigt, als er 1699 die königlichen Gemächer in Marly dekorierte.

Die Innenräume von Lepotre in Marly sind uns leider nur durch Zeichnungen bekannt. Sie zeigen, dass er die schweren rechteckigen Rahmen um Türen und Spiegel aufgab und sie durch geschwungene Miniaturdekorationen in den Ecken der Leisten ersetzte, die ihrerseits feiner und eleganter waren als je zuvor. Anstelle der traditionellen bemalten und vergoldeten Decke hebt Lepotre die große weiße Putzfläche einfach mit einer dünnen vergoldeten Rosette in der Mitte hervor - eine Technik, die im gesamten Rokoko sowohl an den Decken als auch an den Vertäfelungen nachgeahmt werden sollte.

Der Rokokostil entwickelte sich am stärksten in der Zeit der Regentschaft des Herzogs von d’Orleans (1715-23), dessen Stadtsitz der Königliche Palast war. Hier herrschte Freiheit, und der Ton der Rokoko-Gesellschaft wurde festgelegt: Die Gesellschaft verlangte nach ständiger Neuheit, Witz und Eleganz - genau die Eigenschaften des Rokoko-Stils. Die Gesellschaft öffnete ihre Türen für Menschen, die Ludwig XIV. nie akzeptiert hätte: die Neureichen und die immer wichtiger werdenden Intellektuellen. Während der Regentschaft kehrte ein Großteil der Aristokratie, die während der Herrschaft Ludwigs XIV. auf Versailles beschränkt gewesen war, nach Paris zurück und gab neue Stadthäuser in Auftrag, wie die an der Place Vendôme, in denen der Übergangsstil noch deutlich sichtbar ist.

Die Innenräume dieser Häuser erforderten nicht die aufwendigen Deckengemälde des vorangegangenen Jahrhunderts, und stattdessen entstand eine neue Schule von Künstlern, die sich auf die sanft geschwungenen Trumeaux (über den Türen) und kleine bemalte Tafeln spezialisierten, die einen Großteil der Produktion ausmachen (z. B. François Boucher (1703-1770). Von dieser Zeit an bis zur Revolution gab es auch einen ständigen Strom von Kunstschmieden, die die oft kunstvollen Schnitzereien auf Boiserien, verzierten Tafelrahmen, ausführten.

Um 1720 begann der Übergangsstil, dem ausgeprägten Rokokostil Platz zu machen. Der Begriff „Rokoko“ leitet sich wahrscheinlich vom französischen „rocaille“ ab, das ursprünglich eine Art von plastischem Dekor in der Gartengestaltung bezeichnete. Die führenden Gestalter des Rokokostils, Gilles-Marie Oppenordt, Nicolas Pinault und Juste-Aurel Meissonier, waren sich dessen sicherlich sehr bewusst. Die Grotesken des siebzehnten Jahrhunderts entwickelten sich unter der Leitung von Claude Audran, dem Lehrer von Watteau, zu Arabesken voller neuer Phantasie und Raffinesse.

Im Bereich der Innendekoration und der Malerei wurden große Fortschritte erzielt, während sich im Außenbereich nur wenig änderte, außer dass die Schwere des Stils Ludwigs XIV. durch eine leichte Verfeinerung ersetzt wurde, und statt sich auf klassische Ordnungen zu stützen, Architekten wie Jean Courtonne und Germain Beauffrand schufen Gebäude, deren Hauptwirkung in der feinen Verarbeitung des Mauerwerks und der geschickten Anordnung zarter Skulpturen vor einem komplexen rustikalen Hintergrund lag. Die beiden besten Beispiele in Paris sind das berühmte Hôtel de Matignon von 1722-23 und das Hôtel de Torsi von 1714.

Die Innendekoration der Regentschaftszeit zeigt eine stetige Entwicklung hin zu extremer Raffinesse, wie das Palais Royal und das Hôtel d’Assy zeigen, und gipfelt in so triumphal raffinierten Räumen wie dem Ovalen Salon des Hôtel de Soubise in Paris (1738-39) von Boffrand, dessen Einfluss auf die deutsche Rokokoarchitektur beträchtlich war.

Es besteht auch die Tendenz, die riesigen, sehr formellen Appartements, die in der Zeit Ludwigs XIV. bevorzugt wurden, durch kleinere, intimere Räume zu ersetzen, wie z. B. die Petite Appartements in Versailles, in denen die Form stärker der Funktion folgt. Leider sind sie, wie viele der schönsten Rokokosäle, spurlos verschwunden. Neben Paris entstanden auch in Nancy, wo der abgesetzte König von Polen lebte, viele schöne Rokokoarchitekturen und -dekorationen.

Für andere wichtige Bewegungen in Kunst und Design, die dem Rokoko ähnlich sind, siehe Kunstbewegungen und Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Französische Rokoko-Malerei

Paradoxerweise wurde der Rokoko-Stil in der Malerei viel früher als in anderen Künsten von dem flämischen Maler Jean-Antoine Watteau (1684-1721) proklamiert. Er zog um 1702 nach Paris und begann als Maler von Theaterszenen zu arbeiten, bevor er bei Claude Audran, dem Verwalter des Palais du Luxembourg, einem Künstler, der im dekorativen Stil des Spätbarocks malte, studierte.

Es war die Gemäldeserie „Das Leben der Maria de’ Medici“ von Rubens im Palais du Luxembourg, die Watteau am meisten beeindruckte und durch ihn die Entwicklung der französischen Rokoko-Malerei beeinflusste. Er studierte sie an der Seite der großen venezianischen Maler, und obwohl er, so Michael Levy, "keine öffentliche Karriere machte, keine großen Aufträge von der Kirche oder der Krone erhielt, nur selten großformatige Gemälde ausführte und kein Interesse an der Malerei historischer Themen hatte, wurde er zum größten französischen Maler der ersten Jahrhunderthälfte."

Watteaus Gemälde - siehe: Pilgerfahrt nach Cythera (1717) Louvre, Paris; Charlottenburg, Berlin - mit ihrer Kombination aus Rubens’ Farben und seiner eigenen subtilen Erotik waren immer mehr als nur ein wenig melancholisch. Die lyrische Qualität seiner Gemälde mit einem Hauch subtiler Amoralität war genau das, wonach die französische Gesellschaft in den Jahren der Regentschaft suchte: Watteau befriedigte nicht nur den Geschmack, er schuf ihn. Weitere Informationen zur Nacktheit in der Rokoko-Malerei finden Sie unter: Weibliche Nacktheit in der Kunstgeschichte .

Zwei weitere bedeutende Maler des französischen Rokoko, François Boucher (1703-1770) (auch bekannt als Direktor der Gobelinmanufaktur Tapisserie) und Jean-Honore Fragonard (1732-1806), vertraten beide einen ganz anderen Stil als Watteau und werden oft als Vertreter einer Vulgarisierung dessen angesehen, was Watteau perfektioniert hatte. Während Watteau eine allumfassende Aura aristokratischer Abgeklärtheit erreichte, erzielten Boucher und Fragonard eine intimere und offensichtlichere Wirkung.

Es ist wichtig zu erwähnen, dass Boucher seine Karriere als Kupferstecher von Watteaus Gemälden begann und von da an traditionell erfolgreich war. Nachdem er den Prix de Rome gewonnen hatte, arbeitete er von 1727 bis 1731 in Italien. 1734 wurde er Akademiker, und mit Hilfe seines Freundes und der Mätresse Ludwigs XV., Madame de Pompadour, wurde er zum gefragtesten Künstler Frankreichs für alle Arten von Gemälden, vor allem aber für seine lebhaften mythologischen Gemälde zu klassischen Themen. In diesen Gemälden, die oft in einer etwas zu erotischen Art und Weise ausgeführt wurden, fand Boucher, wie Watteau, eine starke Anlehnung an Rubens und die venezianische Kunst, insbesondere an Paolo Veronese, seinen besten Vorgänger in der Malerei brillant gekleideter und dargestellter Mythologien. Boucher wurde 1765 Direktor der Akademie und leistete mit seinen zahlreichen Gemälden und Entwürfen für Wandteppiche und andere Dekorationen einen wichtigen Beitrag zum Rokoko.

Die Unwirklichkeit der meisten seiner späteren Formen erinnert an Sir Joshua Reynolds’ Gefühl der Empörung, als er entdeckte, dass Boucher die Modelle aufgegeben hatte. Im Vergleich zu Watteaus unwirklicher Welt sind Bouchers Szenerien noch weniger real, und der Kontrast zu Thomas Gainsborough, der seine Landschaften aus Spiegelscherben, Zweigen und Moos schuf, ist noch extremer. Miniaturbäume umgeben rustikale Gebäude, die aus Puderzucker zu bestehen scheinen, und das Wasser sieht aus, als sei es aus Glas. Es gibt hier kein wirkliches Licht und keinen Schatten, vielleicht um keinen zu großen Kontrast zu dem umgebenden blassen und flachen Rokoko-Biserie-Dekor zu schaffen, in dem es sich befindet.

Es gab nicht nur eine Reihe großer Einzelkünstler, sondern auch Malerfamilien, die einer nahezu unveränderlichen stilistischen Tradition folgten. Dazu gehören die Coypels, die die Decke der Kapelle von Versailles ausführten, Van Loos und De Troys, die alle ausnahmslos amüsante Bilder für die Oberschicht und das aufstrebende Bürgertum malten, das erstmals im Rokoko als wichtiger Auftraggeber in Erscheinung tritt und in gewissem Maße für die gestiegene Nachfrage nach Porträts verantwortlich ist. Einige der bewundernswertesten Darstellungen der kultivierten Gesellschaft finden sich in den Porträts von Natier, Drouet, Roslin und natürlich Boucher selbst, dessen feines Porträt von Madame de Pompadour eines der schönsten Frauenporträts des Jahrhunderts ist. Siehe auch die Rokoko-Porträts von Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), Hofporträtistin der französischen Königin Marie Antoinette.

Neben der Porträtmalerei entstanden zahlreiche andere Spezialgebiete, wie das Stillleben, bei dem Jean Baptiste Oudry (1686-1755) und François Deportes (1661-1743) Pioniere waren.

In diesen „kleineren“ Bereichen ist ein Mann herausragend: Jean Chardin (1699-1779). Seine bewundernswert einfachen und zutiefst aufrichtigen Genresujets und Stillleben haben eine Qualität, die auf den ersten Blick dem holländischen Realismus - mit zusätzlicher französischer Präzision und Sensibilität - näher steht als dem vorherrschenden Rokokostil. Aus einer winzigen Darstellung einer Delfter Vase mit ein paar Blumen oder aus einer einfachen zweistelligen Skizze kann ein Meisterwerk entstehen. Es ist ihre Zartheit und Subtilität, die sie mit dem Rokoko verbindet. Ein weiterer herausragender Genremaler des Rokoko war der „Moralist“ Jean-Baptiste Grèze (1725-1805).

Französische Rokoko-Möbel und Kunstgewerbe

Die gleiche Feinheit kennzeichnet französische Möbel und einen Großteil der französischen dekorativen Kunst dieser Zeit. Zwischen etwa 1715 und 1770 produzierten französische Designer Möbel, die in der Schönheit der Linien und Details, der Feinheit der Ausführung und der Kostspieligkeit der gekonnt verwendeten Materialien unübertroffen bleiben. In dieser Zeit entstanden auch die meisten der uns heute bekannten Möbeltypen: der Schreibtisch (bureau plat), der Sekretär (in verschiedenen Ausführungen, vor allem mit abgesenkter Front und zylindrisch) und das Sofa in vielen Formen (canapés, lits de repos).

Die schweren, mit Messing- und Schildpatt-Intarsien nach Art von Boulle versehenen Gegenstände des späten 17. Jahrhunderts wurden ab der Regency-Periode durch kleinere und leichtere Objekte ersetzt, was mit der Verkleinerung der Räume und dem Rückgang der Formalität zusammenfiel. Die Kommode wurde auf anmutig geschwungenen Beinen vom Boden abgehoben, und die Fronten der Anrichte waren mit einem eleganten Ormolu überzogen, das oft über das gesamte Möbelstück lief und in dem viele der besten Rokoko-Dekorationen zu finden sind.

Dieses Rokokohandwerk machte exzellenten Gebrauch von Intarsienhölzern aller Art, die oft aus dem Osten importiert wurden, was sowohl zu den hohen Kosten des Stücks als auch zu der Faszination für Exotik beitrug, die die französische Gesellschaft durchdrang und zur Verwendung von (oft recht unpassenden) Begriffen wie „a la polonaise“, „a la grecque“ und „a la chinoise“ führte. Bei Möbeln manifestierte sich dieses Interesse am Orient vor allem in der Verwendung importierter oder imitierter Lacke, und viele gute Beispiele orientalischer Lacke litten stark unter dem Prozess der Zerlegung und Abänderung.

Die Zurschaustellung von Luxus in Rokokowaren beschränkte sich sicherlich nicht auf Möbel, und das nüchterne Aussehen vieler Rokoko-Ensembles ist heute irreführend. Die Frivolität und die Verzierungen - Rüschen, Bänder, kunstvolle Baldachine an Betten, Türen und Fenstern, Fransengirlanden, Gummibänder und Schmuckstücke -, die oft nur mit den Viktorianern in Verbindung gebracht werden, verliehen einen Hauch von Luxus und Komfort, eine Qualität, die in den französischen Innenräumen des 17. Jahrhunderts kaum bekannt war.

Trotz oder gerade wegen der extremen Strenge des Zunftwesens erreichten die französischen Möbel im achtzehnten Jahrhundert eine solche Qualität, dass sie in ganz Europa begehrt waren. Die Zunftregeln förderten die Spezialisierung und regten die Söhne der Handwerker durch die Aussicht auf wirtschaftliche Vorteile dazu an, das Handwerk ihrer Väter weiterzuführen. Das Ergebnis waren außergewöhnliche berufliche Leistungen und die Entstehung wahrer Dynastien von Tischlern und Schreinern, die die Geheimnisse ihres Handwerks vom Vater an den Sohn weitergaben.

So war der menoisier nur mit der Gestaltung der eigentlichen Form des Möbels befasst; der ebéniste schuf die komplizierten Intarsienschichten und Oberflächendekorationen, während ein anderer Handwerker für die Montage der vergoldeten Bronze auf dem vorbereiteten Sockel zuständig war; keine Zunft durfte in das Gebiet der anderen eindringen. Wie in anderen Künsten tauchen in allen Bereichen große Namen auf: Foliot, Lelarge, Sene, Cressent, und zunehmend auch Deutsche: Oeben, Riesener, Weisweiler . Sie besetzen einflussreiche Positionen, und ein signiertes Werk eines dieser Meister ist ebenso begehrt wie ein Gemälde von Boucher oder Fragonard.

Das Rokoko war ein von der Weiblichkeit geprägter Stil, der sich bei den Möbeln in ihren geschmeidigen und oft sinnlichen Rundungen, ihrer zerbrechlichen Erscheinung und sogar in ihrer Terminologie manifestierte: duchesse (Herzogin) und sultane (Favoritin). Blumen schmückten viele Wandverkleidungen und Möbel der Epoche, und viele Rokoko-Boiserien enthalten kunstvolle Trompe-l’oeil-Girlanden und Blumenspritzen, die von winzigen Vögeln und Tieren bevölkert sind, die direkt von der Groteske abstammen.

Die geringe Größe vieler Möbel, insbesondere von Schreibmöbeln, schließt ihre Verwendung durch Männer fast aus, obwohl paradoxerweise eine der schönsten Kreationen dieser Zeit, der Schreibtisch Ludwigs XV. selbst, der zwischen 1760 und 1769 von Eben und Riesener hergestellt wurde, groß ist und ein überraschend männliches Aussehen hat.

Porzellan wurde gelegentlich in das Design französischer Möbel integriert, in der Regel als bemalte Plaketten oder Scheiben in Bronzerahmen. Ein Großteil des Porzellans wurde in der Fabrik in Sèvres hergestellt. Ludwig XV. selbst unterstützte mit finanziellen Mitteln eine Porzellanfabrik in Vincennes bei Paris, die speziell für die Nachahmung von Meissener Porzellan bestimmt war und 1756 nach Sèvres umzog. Obwohl Vincennes-Sèvres nicht die erste Porzellanmanufaktur in Frankreich war (Rouen und Saint-Cloud arbeiteten in den letzten Jahren des 17. Jahrhunderts), war sie sicherlich die erfolgreichste in der Herstellung von Hartporzellan, und zu ihren Designern gehörten so berühmte Künstler wie Boucher.

Die Bedeutung, die dem Porzellan von Sevres beigemessen wurde, lässt sich an der Zahl der Einzelstücke oder Service ablesen, wie z. B. dem Service, das 1758 für Kaiserin Maria Theresia hergestellt und von Ludwig XV. als diplomatisches Geschenk geschickt wurde. Berühmt sind auch die Sets für Katharina die Große und Madame du Barry. Die Farben, die in Sèvres perfektioniert wurden, unterscheiden sich nicht sehr von denen in Bouchers Gemälden - grünliche Blautöne und das liebliche Rosa, das als Rose von Pompadour bekannt ist. Das Spektrum der hergestellten Gegenstände reichte von Wandleuchtern über Tintenfässer bis hin zu Potpourri-Vasen, von denen sich einige der schönsten Exemplare in der Wallace Art Collection in London befinden.

Um mehr über das Rokoko-Porzellan und die Rokoko-Skulptur zu erfahren, lesen Sie über zwei wichtige französische Bildhauer Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) und Etienne Maurice Falcone (1716-1791).

Der Rokoko-Stil war in Frankreich bis zum Aufkommen des Impressionismus im 19. Jahrhundert der größte künstlerische Beitrag des Landes und umfasste alle Künste in einem größeren Ausmaß als irgendwo sonst in Europa mit Ausnahme Deutschlands. Die bemerkenswerte Qualität des französischen Rokoko ist darauf zurückzuführen, dass durchgängig die höchsten Standards eingehalten wurden. Hinzu kommt, dass es von Persönlichkeiten wie Madame de Pompadour gefördert wurde, mit der der Stil identifiziert wird, und dass es am Ende einer langen Tradition feinster französischer Handwerkskunst stand.

Der Rokoko-Stil in Italien - charakteristische Merkmale

Ein großer Teil der Geschichte des Rokoko in Italien ist die Geschichte der Malerei in Venedig - insbesondere die Malerei des großen Genies Giambattista Tiepolo (1696-1770) -, da dort die wichtigsten Werke des Stils in ihrer ursprünglichsten Form zu finden sind. Mit Ausnahme einiger Bauten von Juvarra und Bernardo Ittone verläuft die italienische Architektur der ersten Jahrhunderthälfte eher linear vom Spätbarock zum frühen Neoklassizismus, mit leichten Anzeichen eines eindeutigen Rokokostils.

Italienische Rokokoarchitektur, Innenarchitektur und Dekoration

Architektur und Dekorative Künste Um die Jahrhundertwende dominierten die Werke zweier Männer, Bernini und Borromini, vor allem aber die des Letzteren. Bald jedoch wurde der führende Architekt in Rom Ferdinando Fuga (1699-1782), ein Florentiner, dessen größte Werke der Palazzo degli Consulta (1732-37) und die Fassade von Santa Maria Maggiore (1741-43) waren. In ersterem wurde der subtile Rhythmus nicht durch massive Säulen, sondern durch fein proportionierte und leicht vertiefte Paneele erzeugt.

Vor diesen Paneelen befanden sich hochdekorative Fenster, und die Krönung des Ganzen war eine große zentrale Engelsskulptur, die eine Kartusche trug. Dies ist eine viel plastischere Wirkung als bei allen französischen Gebäuden dieser Zeit und ist eher dem deutschen Rokoko zuzuordnen. Die gleiche zentrale Betonung findet sich in der Fassade von Santa Maria Maggiore, aber dort ist die gesamte Fassade als offene Loggia konzipiert, die nur durch Lichtskulpturen abgeschwächt wird. Andernorts in Rom näherten sich andere architektonische Bestrebungen dem Geist des Rokoko, wie bei der Spanischen Treppe (1723-25) von Francesco de Sanctis .

Während französische Architekten wie Beauffrand nach sparsamen Mitteln suchten, um die Raffinesse ihrer Innenräume im Äußeren zum Ausdruck zu bringen, waren italienische Architekten noch mehr mit dem Äußeren als Mittel zum Ausdruck eines unmittelbaren Eindrucks beschäftigt. Sie widmeten ihm oft ihre Energie zum Nachteil der Innenräume und hatten daher nur in Gebäuden mit großen Räumen Erfolg, wie in einigen Werken von Filippo Iuvarra (1678-1736).

Juvarra wurde in Messina als Sohn einer Silberschmiedefamilie geboren und erhielt seine Ausbildung in Rom bei Carlo Fontana, wo er erste Erfolge als Entwerfer von aufwändigen und dekorativen Bühnenbildern erzielte, eine Erfahrung, die ihm später zugute kam. Nach seiner Ernennung zum ersten Architekten des Königs am Hof von Savoyen im Jahr 1714 reiste er nach Portugal, London und 1719-20 nach Paris, wo er wahrscheinlich das französische Rokoko in seinen Anfängen sah.

Nach seiner Rückkehr wurde er in Italien zur engsten Parallele zum französischen Architekten und Designer, der sich nicht nur mit Architektur, sondern auch mit Innenräumen, Möbeln und Kunstgewerbe befasste. Zu seinen bemerkenswerten Werken gehören das Jagdschloss, das er zwischen 1729 und 1733 für den Hof von Stupinigi entwarf, die Kirche Carmine (1732-35) in Turin und das Heiligtum von Superga bei Turin (1717-31). Von diesen ist Stupinigi sein spektakulärstes Werk. Das weiße Äußere bereitet auf die unglaubliche Raumakrobatik und Farbigkeit des zentralen großen Saals vor, der vielen architektonischen Fantasien und theatralischen Zeichnungen Júvarras nahe steht.

Illusionsmalerei wird hier ausgiebig verwendet, Trompe-l’oeil-Urnen füllen die riesigen Nischen, die über die vielen Schornsteine in der Halle gemalt wurden, und eine sanft schwankende Galerie verläuft um die Wände herum und scheint die großen Säulen zu durchbohren. Es ist eine theatralische Meisterleistung. Verglichen damit wirken Superga und Carmine ein wenig pedantisch, aber ersteres liegt sensationell auf einer Hügelkuppe und beherrscht mit seinem eleganten Säulengang und der hohen Kuppel mit Zwiebeltürmen die Umgebung.

Vergleichbar mit Juvarra war Bernardo Ittone (1704-1770), der ausschließlich im Piemont arbeitete, wo er geboren wurde und wohin er nach seinem Studium in Rom und der Herausgabe der „Architettura Civile“ des großen Barockarchitekten Guarini zurückkehrte. Seine bedeutendsten Werke sind in wenig bekannten piemontesischen Dörfern angesiedelt und verbinden die räumliche Komplexität von Guarini mit der Leichtigkeit und dem Briolin von Juvarra. In diesem Sinne sind seine Meisterwerke das Heiligtum von Vallinotto (1738-39) und die Kirche Santa Chiara in Bra von 1742.

Während Vittones Innenarchitektur eher langweilig ist, ist Iuvarras Architektur es nicht, und seine Rokoko-Innenräume gehören zu den schönsten in Italien. Im Gegensatz zu Frankreich wurde Italien nicht von einem einzigen Monarchen regiert, so dass das Mäzenatentum in der Regel auf ein bestimmtes Gebiet des Landes beschränkt war, wie im Fall von Juvarra.

Sein Auftraggeber, Vittorio Amadeo II. von Savoyen, konnte sich glücklich schätzen, einen so fähigen Hofarchitekten zu haben, und für ihn entwarf Juvarra die Fassade des Palazzo Madama in Turin (1718-21) sowie einige der wenigen Innenräume, die an die französische Qualität heranreichen; so zum Beispiel das Chinesische Zimmer des Königspalastes in Turin mit seinen lackierten und vergoldeten Boiserien, die vielleicht von J. A. Meissoniers Buch der Ornamente beeinflusst sind. A. Meissonnier, veröffentlicht 1734. Ein Vergleich von Juvarras Interieurs mit anderen italienischen Interieurs zeigt, dass er allein auf gleicher Augenhöhe mit anderen europäischen Designern stand.

Italienische Möbel und Kunstgewerbe

Leider ist die Geschichte der italienischen Rokokomöbel nicht so eindeutig wie die der französischen Möbel. Der Stil des siebzehnten Jahrhunderts überschneidet sich mit dem des achtzehnten, und Stücke, die angeblich vor der Jahrhundertwende datiert werden können, sind in Wirklichkeit oft viel später. Ein Großteil der Möbel von Yuvarra ist nach wie vor recht schwer und nutzt natürliche Formen auf eine ganz andere Weise als französische Designer wie Nicolas Pinault oder Meissonier.

Die aus dem Barock stammende Pracht war immer noch die vorherrschende Stimmung für alle großen Innenausstattungsprojekte, und es gab keinen Sinn für kleine Maßstäbe wie in Frankreich oder sogar Deutschland. Daher wurden aufwändigere, aber ebenso imposante Möbel und Einrichtungsgegenstände geschaffen. Während der französische Geschmack auf ständige Neuerungen ausgerichtet war, änderte sich die italienische Inneneinrichtung nach der anfänglichen Hinwendung zum Rokoko kaum. Wie in Frankreich und in noch stärkerem Maße in England bemühten sich die Neureichen oder mäßig Wohlhabenden nun, mit den modernen Trends Schritt zu halten.

Was die meisten ausländischen Reisenden in Italien überraschte, war die Leere der großen Wohnungen, die sich hinter den Fassaden der meisten großen Paläste verbargen. Abgesehen von den wenigen prächtigen Appartements, die man sehen konnte, gab es in den Palästen viele unscheinbare Räume, deren Inhalt nicht mit den französischen Möbeln und dem Glanz des Pariser Stils mithalten konnte, den die Italiener durch knallige Extravaganz ersetzt hatten. Pietro Longhis Gemälde von venezianischen Innenräumen erinnern an die spärlich eingerichteten Zimmer vieler italienischer Rokokohäuser.

Die Figuren von Andrea Brustolon und Antonio Corradini dominierten das venezianische Design zu Beginn des Jahrhunderts, ihre schweren barocken Formen wurden von den nachfolgenden Meistern nach ihrem Tod fast bis zum Ende des Jahrhunderts weitergeführt. Dennoch waren die Venezianer die einzigen Italiener, die den Rokoko-Stil ernst nahmen und die Franzosen imitierten, indem sie übertriebene Bombenkommoden herstellten, die oft auf winzigen, fadenscheinigen Beinen standen. Auf dem Gebiet der italienischen Möbel des achtzehnten Jahrhunderts sind nicht viele große Namen bekannt, und meist erinnert man sich an einzelne bedeutende Werke, wie den bemalten und vergoldeten Kaminsims von G. M. Bonzanigo im Königlichen Palast in Turin.

In Italien entstand, mehr noch als in Frankreich, eine scheinbar unersättliche Nachfrage nach ausgefallenen oder ungewöhnlichen Objekten, die im venezianischen Stil geschickt mit ländlichen Szenen oder Blumen bemalt und mit Intarsien versehen wurden, aber nie mit einer solchen Kunstfertigkeit wie die französischen ebénistes. Lackierungen, üppige Vergoldungen, Spiegel, bemaltes Glas und Kombinationen anderer Materialien führten zu einer verwirrenden und nicht immer glücklichen Mischung von Stilen.

Ein herausragender Meister der Intarsienkunst war Pietro Piffetti (1700-1777), der für das Haus Savoyen in Turin arbeitete und sehr individuelle Möbel schuf, indem er Holz- und Elfenbeinintarsien mit metallenen Delikatessen wie Masken an Ecken und Beinbeschlägen kombinierte.

Der Königspalast in Turin beherbergt einige atemberaubende Objekte, die buchstäblich mit Elfenbeinintarsien bedeckt sind und manchmal rein zufällig zu stehen scheinen, so zerbrechlich sind die Beine unter ihren kunstvollen Aufsätzen. Im Museo Civico in Turin befindet sich ein Kartentisch von Piffetti, der mit einem Etikett versehen und auf das Jahr 1758 datiert ist, mit einem absolut überzeugenden Trompe-l’oeil von Spielkarten aus Elfenbein und seltenen Hölzern.

Auf dem Gebiet der bildenden Kunst wurde in Italien im Vergleich zum übrigen Europa nichts Bedeutendes hergestellt, und sicherlich konnte keine Keramikfabrik mit der von Sevres mithalten. Aber zwei Fabriken stellten Porzellan her, von dem ein Großteil sicherlich sehr schön ist - Vinovo im Piemont und Capodimonte bei Neapel. Das Porzellan von Capodimonte zeichnet sich durch seine leuchtenden Farben aus, die oft in unerwarteten Kombinationen auftreten, wie zum Beispiel in dem berühmten Porzellanzimmer des Palastes von Portici (1754-59).

Italienische Rokokomalerei

Das Rokoko entstand in Italien etwas später als in Frankreich. Frühe Spuren sind im leichteren Stil der spätbarocken Malerei zu sehen, die sowohl in Rom als auch in Neapel durch Künstler wie Luca Giordano (1634-1705) und Francesco Solimena (1657-1747) vertreten ist.

Innerhalb von 25 Jahren brachte Venedig dann Giambattista Tiepolo (1696-1770), seinen Sohn Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768) hervor, Pietro Longhi (1701-1785), Francesco Guardi (1712-1793), Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) und der Neffe von Canaletto, Bernardo Bellotto (1720-1780). Mit Ausnahme der beiden letztgenannten verbrachten alle ihre Schaffenszeit in Venedig, obwohl Canaletto 1746 England besuchte.

Longi und in geringerem Maße auch der junge Tiepolo stellten das tägliche Leben in Venedig dar, ersterer in kleinen Gemälden, letzterer in Zeichnungen, während Canaletto, Guardi und Bellotto Szenen im Freien auf Kanälen und Plätzen malten. Piranesi wurde zwar in Venedig geboren, kam aber 1738 nach Rom. Es ist kein einziges Gemälde von ihm bekannt, und sein Ruhm beruht ausschließlich auf seinen Stichen von Architektur und Ruinen.

Der ältere Tiepolo ist vor allem für seine außergewöhnliche Freskenmalerei des großen Speisesaals ) Kaiseraal) und der Decke des Großen Treppenhauses ) Trepenhaus) in der Würzburger Residenz des Fürstbischofs Carl Philipp von Greiffenklau bekannt, die zweifellos das größte und phantasievollste Meisterwerk seiner Karriere darstellt. Den Mittelpunkt bildete das majestätische Fresko „Apollo bringt die Braut“ (1750-1) in der Mitte des Trepenhauses, ein Werk, das die vierhundert Jahre zuvor von Giotto (1270-1337) begonnene italienische Tradition der Freskenmalerei majestätisch zusammenfasst.

Tiepolo

Bei dem älteren Tiepolo, und nur bei ihm, können wir von einem reinen Rokokostil sprechen, der in vielerlei Hinsicht dem Spätbarock ähnelt, aber eine völlig neue Art von visueller Erfahrung schafft. Es überrascht nicht, dass sein Werk viele der größten venezianischen Qualitäten der Vergangenheit enthält: die Farben und die originelle Vorstellungskraft von Tizian ; die Figurentypen und die prächtigen Materialien von Paolo Veronese ; und seine Liebe zu üppiger klassischer Architektur als Hintergrund für reiche Szenen aus Geschichte und Mythologie.

Die künstliche Atmosphäre seiner frühen Fresken stellt eine unmittelbare Verbindung zwischen Tiepolo und der Hauptströmung des Rokoko her, allerdings zu einer Zeit, in der er von der zeitgenössischen französischen Malerei nicht viel gewusst haben kann. Von da an entwickelte sich seine Karriere mit kometenhaftem Erfolg, bis er in Madrid gegen Ende seines Lebens von den Neoklassizisten unter Mengs (1728-1779) in den Schatten gestellt wurde.

Seinen größten Auftrag erhielt er 1750, als er nach Würzburg ging, um Fresken für das neu erbaute Schloss zu malen, und dort bis 1753 blieb, um das Treppenhaus (das größte Wandgemälde der Welt), den Kaisersaal und die Kapelle auszuschmücken. Kurz vor seiner Abreise nach Würzburg schmückte Tiepolo den Palazzo Labia in Venedig mit der Geschichte von Antonius und Kleopatra, eine seiner ausdrucksstärksten Darstellungen der klassischen Geschichte.

Vergleicht man Tiepolos Stil mit dem seines genauen Zeitgenossen Boucher, so zeigt sich ein anderes, vielleicht intellektuelleres Temperament. Seine kühl-eleganten, aber dennoch üppigen Akte und sein subtiles Nebeneinanderstellen von Typen, wie im Treppenhaus von Würzburg, wo „Kontinente“ brillant miteinander kontrastiert werden, sind origineller und komplexer als bei Boucher. Es ist kein Zufall, dass Boucher Tiepolo mehr als alle anderen bewundert hat; „viel mehr als Watteau ist seine Kunst die Kunst des Theaters, mit einer Bühne, die uns bewusst überragt, und Schauspielern, die Abstand halten“, sagt Michael Levy. Seine Kunst ist die letzte Kunst, die wirklich die aristokratischen Ideale repräsentiert, die bald durch die republikanischen Werte der Französischen Revolution ersetzt wurden, eine Kunst, die nur in einem dekadenten Stadtstaat wie Venedig im achtzehnten Jahrhundert gedeihen konnte

Ansicht der Maler

Während Tiepolo, Vater und Sohn, die besten Dekorateure der Stadt waren, gab es vedutisti, oder Ansichtsmaler, wie Canaletto (1697-1768), dessen großer Ruhm ihn zwischen 1746 und 1756 nach England führte, und sein Neffe Bernardo Bellotto (1720-1780).

Die Gemälde von Francesco Guardi (1712-1793) sind ein Triumph der atmosphärischen Erforschung und des Einblicks in die ungewöhnlichen Auswirkungen des venezianischen Lichts auf Wasser und Architektur. Mit einer minimalen Palette, die sich in einigen Fällen fast vollständig auf einfache Grün- und Grautöne beschränkt, schafft Guardi Landschaften und Kanalansichten fast auf die gleiche Weise, wie Tiepolo Figuren ausführte, und verwendet magische Farbpunkte, um eilende oder sich unterhaltende Menschen auf der Piazza San Marco oder einem der vielen Plätze Venedigs darzustellen, die er so offensichtlich liebte.

Pietro Longhi (1702-1785) hingegen spezialisierte sich auf etwas grelle Darstellungen des modernen Lebens; in ihrer Grellheit liegt jedoch ihr großer Reiz, ebenso wie in ihrer oft herrlich unerwarteten Themenwahl, z. B. „Nashorn“ (National Gallery, London) oder „Maurischer Gesandter“ (Ca’ Rezzonico, Venedig).

Aber Italien war mit dem Rokoko nie so glücklich wie mit dem vorangegangenen Barock oder dem Neoklassizismus, die beide schwerer waren und besser in der Lage, die grandezza auszudrücken, die die italienische Nach-Renaissance-Kunst so sehr liebte. Bei Tiepolo erscheint sie jedoch in abgewandelter Form, und es ist sein Name, der im Vordergrund bleibt.

Der Rokoko-Stil in England - charakteristische Merkmale

Von allen europäischen Ländern, die den Barockstil übernommen oder zu ihm beigetragen haben, war England dasjenige, das dem Rokoko die geringste Aufmerksamkeit schenkte.

Englische Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Zumindest in der Architektur ging England direkt vom Barockstil von Wren und Vanbrugh zum Palladianismus über, ein Übergang, der so schnell vonstatten ging, dass es keine Zwischenentwicklung gab. Bei Gebäuden wie Walpole’s Strawberry Hill, Twickenham, erbaut 1748, und Arbury, Warwickshire, aus derselben Zeit, und anderen gotischen Gebäuden, die in der Epoche der Architektur des späten 18. Jahrhunderts errichtet wurden, ist es die Stimmung, die diese Werke in die Kategorie des Rokoko einordnet, und nicht irgendeine Beziehung zur Rocaille.

Tatsächlich fällt der englische gotische Stil in zwei verschiedene Kategorien - „assoziativ“ und „Rokoko“, wobei letzteres eine frivole Form der Dekoration ist, die lose auf mittelalterlichen Präzedenzfällen basiert, aber frivol genug ist, um in ihrem Sinn für Verlassenheit und Oberflächlichkeit fast ein Analogon zum kontinentalen Rokoko zu sein. William Kent (1684-1748), Architekt und Dekorateur, entwickelte sein eigenes Vokabular der gotischen Dekoration, das sich in England ebenso schnell und effektiv verbreitete wie die Arabesken des kontinentalen Rokoko. Doch abgesehen davon berührte die Rocaille in England nur wenige Innenräume, einige hochwertige Möbel, einige Gemälde und Porzellan, vor allem die Waren von Chelsea und Bow.

Das früheste Beispiel für Rocaille in England war der Auftrag des Herzogs von Kingston an den großen französischen Designer Meissonier im Jahr 1735 für eine Reihe von silbernen Tischmöbeln. Dies war jedoch ein eher seltener Fall, und das Rokoko-Design beschränkte sich in der Regel auf eingravierte Verzierungen auf schlichten Formen, die vom Stil fast völlig unbeeinflusst waren.

Die neuen Trends verbreiteten sich vor allem durch Musterbücher wie „The Gentleman’s or Builder’s Companion“ von Matthias Locke oder Jones von 1739, in denen Rokoko- oder Quasi-Rokoko-Details für jeden Handwerker, der es sich leisten konnte, verfügbar waren. Die Tatsache, dass es sich dabei nur um Details handelte, die von ihrer Umgebung losgelöst waren, erklärt die oft grelle Qualität vieler englischer Rokokomöbel, da von einem Handwerker nicht erwartet werden konnte, dass er die organische Natur des Stils anhand von bloßen Fragmenten erkennen konnte.

Wie in Italien und Frankreich erstreckte sich der Geschmack der Kunstmäzene des achtzehnten Jahrhunderts oft in der einen oder anderen Form auf den Osten. Dies erklärt einige bemerkenswerte Rokokoräume in England, wie das Schlafzimmer in Nostell Priory, Yorkshire, von 1745, oder, was am wichtigsten ist. Claydon House in Buckinghamshire (um 1768), wo ein gewisser Lightfoot, über den nur wenig bekannt ist, eine Reihe von Räumen ausstattete. In diesen Räumen ist der Stil jedoch keineswegs so rein wie das kontinentale Rokoko.

Die dekorative Kunst des Rokoko findet sich auch in den Innenräumen anderer englischer Stadt- und Landhäuser und ist manchmal von höchster Qualität - vor allem in der Halle von Ragley, im nahe gelegenen Hagley und in den wirbelnden Stuckarbeiten der Brüder Franchini, die in Irland viel Stuckarbeiten ausführten und besonders für ihre Arbeiten in Russborough berühmt waren. Aber diese attraktive lokale Handwerkskunst ist weit entfernt von den perfekten, umfassenden Plänen des Kontinents.

Englische Möbel und dekorative Kunst

Im Gegensatz zu den Franzosen signierten die englischen Möbelschreiner ihre Produkte gewöhnlich nicht, und daher ist vergleichsweise wenig über Männer wie John Linnell, John Cobb, Benjamin Goodison und William Weil bekannt, die offenbar in großem Umfang in der neuen Mode gearbeitet haben. Der Name von Chippendale ist jedoch nicht nur wegen der Qualität seiner Arbeit bekannt, sondern auch wegen der Veröffentlichung von „The Gentleman and Cabinet-maker’s Director“ (1754).

In seinen Entwürfen für Spiegel und Kaminsimse, die oft mit Chinoiserie gewürzt sind, sieht man exotische Beispiele des Rokoko-Stils, die ebenso aufwändig sind wie die französische Boiserie, aber als Einzelelemente und selten als Teil eines ganzen Dekorationsschemas verwendet werden sollen. In ähnlicher Weise sind die kunstvollen und phantastischen Schnitzereien in der Halle von Claydon isoliert in einem klassischen Rahmen.

Englische Malerei

In der Malerei machten zwei englische Künstler eindeutige Zugeständnisse an das Rokoko - William Hogarth (1697-1764) und Thomas Gainsborough (1727-1788). Hogarth wandte sich scharf gegen die von „Amateuren“ angestrebte historische Barockmalerei und führte in seinen Werken die so genannte „Linie der Schönheit“ ein, die er in seiner „Analyse der Schönheit“ (1753) erläuterte und bei der es sich um eine Schlangenlinie handelte, die einem länglichen Buchstaben „S“ ähnelte. Dies war natürlich auch die Form vieler Rokoko-Schmuckstücke.

Gainsborough hingegen begann als Maler kleiner, gestelzter Porträts und entwickelte dann, nachdem er ins mondäne Bath gezogen war, einen komplexeren Stil. Er malte mehrere Porträts in einem Rokokostil, der Boucher bemerkenswert nahe kommt. Die fließenden Pinselstriche und Federlandschaften, die leuchtenden Rosatöne und die silbrigen Grautöne sind mehr Rokoko als in jeder anderen zeitgenössischen englischen Malerei. Siehe auch Porträtist der Regency-Gesellschaft Thomas Lawrence .

Der Neoklassizismus eroberte England nach Robert Adams Rückkehr ins Land im Jahr 1758, aber selbst sein keuscher und epischer Stil erinnert an die raffinierte, sorgfältige Qualität der meisten französischen Rokoko-Dekorationen, und seine „Gotik“ ist so sehr Rokoko wie jede andere Dekoration dieser Zeit in England. Die Schweizer Porträtistin und Historienmalerin Angelica Kauffmann (1741-1807), die von Sir Joshua Reynolds für ihre Porträts bewundert wurde, arbeitete mit Robert Adam an einer Reihe seiner Architekturdekorationen.

Der Rokoko-Stil in Deutschland - charakteristische Merkmale

Im Gegensatz zu der herrlichen Zurückhaltung des besten französischen Rokokos bietet Deutschland eine atemberaubende Auswahl an einigen der unverschämtesten und prächtigsten Rokoko-Architektur- und Innendekorationen in der Geschichte der europäischen Kunst.

Architektur, Design und Innendekoration des deutschen Rokoko

Dieser hohe Standard der Exzellenz erstreckte sich von der Architektur auf die angewandten Künste - Möbel, Einrichtungsgegenstände und Porzellan, obwohl diese selten die französischen übertrafen. Weder Frankreich, Italien noch das England des achtzehnten Jahrhunderts können mit solchen architektonischen Meisterwerken wie Melk oder dem Dresdner Zwinger mithalten, während Deutschland die anderen Länder in der Zahl der erstklassigen Kirchen und Schlösser leicht übertrifft. Jahrhundert in verschiedene Fürstentümer, Königreiche und Bistümer aufgeteilt war, so dass ein gewisses Maß an Rivalität die Entstehung von Bauten von großer Bedeutung bestimmt haben muss - anders als in Frankreich oder England, wo die wirklich wichtigen Aufträge stets an eine kleine Anzahl von Mäzenen gingen.

Das deutsche Rokoko scheint seinen Ursprung in römischen Barockkirchen wie Berninis Sant’Andrea al Quirinale zu haben, in denen Farbe, Licht und kunstvolle Skulpturen kombiniert wurden. In Deutschland wurde es erstmals in der nach 1714 errichteten Kirche der Abtei Weltenburg sichtbar, deren ovale Kuppel von innen weggeschnitten wurde, um eine mit Fresken bemalte Vision des Himmels darüber zu enthüllen.

Die Farbe war die Hauptstütze des deutschen Rokoko - Rosa, Lila, Zitrone, Blau - alle kombiniert oder einzeln verwendet, um einen überwältigenden Effekt zu erzielen, wie in Amalienburg in der Nähe von München. Die schwereren, geschwungenen Formen des Barock werden im deutschen Rokoko in stakkatohafte Rhythmen umgewandelt, und man kann den Einfluss eines großen Barockmonuments wie Berninis Baldachin im Petersdom erkennen, der von Balthasar Neumann (1687-1753) in ein Konfekt der Ordnung des Hochaltars in Verseichenheiligen, der vielleicht kunstvollsten und zufriedenstellendsten deutschen Kirche, umgewandelt wurde.

Mehr über Rokoko-Innenräume in Russland finden Sie in den Werken von Bartolomeo Rastrelli (1700-1771).

Spätere Spielarten des Rokoko

Der Rokokostil stirbt in der französischen Provinz nie aus. Mit dem Aufkommen des Historismus in den 1820er Jahren fiel es vielen Handwerkern relativ leicht, ganze Innenräume und Gebäude im Stil „des zweiten Rokokos“ zu gestalten, das von Louis Philippe und seiner Königin so sehr bevorzugt wurde und dessen Beispiele überall in Paris zu finden sind.

Die Wiederbelebung der Architektur und des Designs des Rokoko fand in England bereits 1828 mit dem Waterloo Chamber in Apsley House, den Innenräumen von Lancaster House und dem Salon von Elizabeth in Belvoir Castle statt. Die Rothschilds richteten mehrere Häuser in diesem Stil ein und richteten in den 1880er Jahren sogar Waddesdon Manor im Stil des achtzehnten Jahrhunderts ein.

Die königliche Zustimmung zu diesem Stil erhielt Ludwig von Bayern in seinen Schlössern Linderhof und Herrenkimsee aus der gleichen Zeit. Der Stil wurde zum gemeinsamen Merkmal vieler neuer Hotels des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts, und „Le gout Ritz“ wurde zum Synonym für Luxus und Eleganz.

Für eine kurze Einführung in die architektonischen Aspekte dieses Kunststils siehe: Rokoko-Architektur .

FARBEN FÜR DEN DRUCK
Für Einzelheiten zu den von den Rokokokünstlern verwendeten Farbpigmenten, siehe: Farbpalette des achtzehnten Jahrhunderts .

BEWEGUNGEN, STILLE, SCHULEN
Für Informationen über die wichtigsten Bewegungen in der Malerei und Bildhauerei siehe: Geschichte der Kunst .

DIE GRÖSSTE KUNST WELTWEIT
Für eine Liste der besten Öl- und Aquarellfarben siehe: Die größten Gemälde aller Zeiten . Eine Liste der besten Skulpturen finden Sie unter Die größten Skulpturen aller Zeiten .

GROSSE EUROPÄISCHE KÜNSTLER
Biografien und Bilder der größten Künstler Europas von der Renaissance bis 1800 siehe : ALTE MEISTER .

TOP-KÜNSTLER DER WELT
Die schönsten Gemälde von Beste Landschaftsmaler . Beste Stillleben siehe: Die besten Stilllebenmaler . Für die besten Porträts siehe: Beste Porträtmaler . Für die besten historischen Gemälde siehe: Beste Historienmaler .

ÄSTHETIK
Für eine Diskussion der Schönheit in der bildenden Kunst siehe: Definition und Bedeutung der Kunst .

EVOLUTION DER VISUELLEN KUNST
Details in Chronologie der Kunstgeschichte .