Pop Art:
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Der Begriff „Pop Art“ wurde 1955 von dem britischen Kurator Lawrence Alloway geprägt, um eine neue Form der „populären“ Kunst zu beschreiben, eine Bewegung, die sich durch die Darstellung von Konsumverhalten und Populärkultur auszeichnete. Die Pop Art entstand Mitte der 1950er Jahre in New York und London und wurde bis Ende der 1960er Jahre zum vorherrschenden Stil der Avantgarde. Sie zeichnete sich durch kühne, einfache, alltägliche Bilder und leuchtende Blockfarben aus, war unterhaltsam und hatte einen modernen „Hippie-Charakter“.

Die leuchtenden Farben ermöglichten es dieser Form der Avantgarde-Kunst auch, bestimmte Elemente der zeitgenössischen Kultur hervorzuheben, und trugen dazu bei, die Kluft zwischen kommerzieller und bildender Kunst zu überbrücken. Sie war die erste postmoderne Bewegung (bei der das Medium ebenso wichtig ist wie die Botschaft) und die erste Kunstschule, die die Macht von Film und Fernsehen reflektierte, durch die viele ihrer berühmtesten Bilder ihre Berühmtheit erlangten. Zu den üblichen Quellen der Pop-Ikonografie gehörten Werbung, Verpackungen von Konsumgütern, Fotografien von Filmstars, Popstars und anderen Berühmtheiten sowie Comics.

Die führenden Künstler der Pop-Art

In Amerikanische Kunst gehörten zu den berühmten Vertretern der Pop Art Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (geb. 1930), Roy Lichtenstein (1923-1997) und Andy Warhol (1928-1987). Weitere amerikanische Aussteller sind Jim Dine (geb. 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (geb. 1928), Ray Johnson (1927-1995), Alex Katz (*1927), Claes Oldenburg (*1929), Ed Ruscha (*1937), James Rosenquist (*1933), und Tom Wesselman (*1931). Für weitere Einzelheiten siehe Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.

Zu den führenden britischen Pop Art-Künstlern gehörten Sir Peter Blake (geb. 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (geb. 1922), David Hockney (geb. 1937) und Allen Jones (geb. 1937).

Ursprünge und Einflüsse

Die Pop Art war, wie fast alle bedeutenden Kunststile, zum Teil eine Reaktion auf den Status quo. Im Amerika der 1950er Jahre war der wichtigste Stil der Abstrakte Expressionismus, ein abstruser, nicht figurativer Malstil, der zwar von Kritikern, ernsthaften Kunstliebhabern und erfahrenen Museumsbesuchern bewundert wurde, aber weder bei der breiten Öffentlichkeit „noch bei vielen Künstlern“ Anklang fand. Je abstrakter und ausdrucksstärker die Malerei wurde, desto mehr Raum gab es für einen neuen Stil, der sich einer figurativeren, bodenständigeren Bildsprache bediente, d. h. etwas, das von einer breiten Künstlerschaft aufgegriffen und vom Publikum wahrgenommen werden konnte. So entstand die Pop Art, die zu einem anerkannten Kunststil wurde, der wiederum nach 1970 von anderen Schulen verdrängt wurde.

In gewissem Sinne war die Entstehung der Pop Art (und ihre Vorherrschaft über den Abstrakten Expressionismus) vergleichbar mit dem Aufstieg von Dada und seinem breiteren Nachfolger Surrealismus (und ihrer Vorherrschaft über Kubismus). Beide verdrängten Schulen (Abstrakter Expressionismus und Kubismus) waren hochgradig intellektuelle Stile mit begrenzter Anziehungskraft auf den Mainstream der Kunstliebhaber.

Es stimmt, dass Dada im Wesentlichen kunstfeindlich war, aber seine Blütezeit von 1916 bis 1922 war von großer Polarisierung und politischen Auseinandersetzungen geprägt, und als sich die Lage beruhigte, wurden die meisten Dadaisten zu Surrealisten. Wie weiter unten unter Ziele und Philosophie erläutert, weist die Pop Art viele Merkmale des Dada-Surrealismus auf und verdankt ihm mehrere Techniken, die sie von Kurt Schwitters, „den Redimensionen“ von Marcel Duchamp, den ikonischen Bildern von René Magritte und den gewagten Kreationen von Salvador Dalí (z. B.. Mae West’s Lip Sofa ; Lobster Telephone).

Und während der Surrealismus im Wesentlichen internalistisch und eskapistisch war, während die Pop Art von externen konsumorientierten Kräften bestimmt wurde, waren beide von dem Bedürfnis beseelt, eine starke visuelle Wirkung auf die breite Öffentlichkeit auszuüben.

Ein weiterer Künstler, der die Pop Art beeinflusst haben könnte, ist Edward Hopper (1882-1967), ein realistischer Maler des urbanen Amerika. Obwohl sich sein Malstil stark von den meisten Werken der Pop Art unterscheidet, waren seine einfachen Darstellungen ultraamerikanischer Alltagsszenen (z. B. „Night Hawks“, 1942 und „Gas“, 1940) der Pop Generation wohlbekannt und bildeten möglicherweise die Grundlage für ihre Bilder.

Für andere wichtige Bewegungen des 20. Jahrhunderts, die der Pop Art ähneln, siehe Kunstbewegungen und -schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Geschichte

Die britische Pop Art entstand innerhalb der Independent Group, einem informellen Kreis von Künstlern, darunter der Maler Richard Hamilton, der Kurator und Kunstkritiker Lawrence Alloway und der Bildhauer Eduardo Paolozzi, die sich am Institute of Contemporary Art in London trafen.

Seit ihrem ersten Treffen im Jahr 1952, als Paolozzi eine Reihe von Collagen präsentierte, die er aus Zeitschriftenausschnitten und anderen „Fundstücken“ zusammenstellte, darunter seine (inzwischen) berühmte Collage mit dem Titel „I was a rich man’s toy“ (die fünf Jahre zuvor, 1947, entstanden war), drehten sich ihre Diskussionen hauptsächlich um den künstlerischen Wert und die Relevanz der populären Massenkultur .

Vier Jahre später, im Jahr 1956, schuf ein anderes Mitglied der Gruppe, Richard Hamilton, seine eigene Collage „Was macht moderne Häuser so attraktiv?“. - die zusammen mit Paolozzis Collage von 1947 als eines der frühesten Beispiele der britischen Pop Art gilt. 1961 wurden in der Ausstellung Young Contemporaries eine Reihe von Werken der Pop Art von Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, R. B. Kitaj und Peter Phillips ausgestellt. 1962 erlangte die britische Pop Art weitere Berühmtheit, als die BBC den Film „Pop Goes the Easel“ von Ken Russell ausstrahlte, der die neue Bewegung in Großbritannien untersuchte.

USA

In Amerika wurde die Kunstwelt Mitte der 1950er Jahre von einer Reihe von Künstlern erschüttert, die mit kleinen Bewegungen verbunden waren (z. B.. Neo-Dada, Funk Art, Lettrismus, Beat Art, Polymaterialismus, Common-Object, usw.), von denen viele Objekte der Massenkultur in ihr Werk einfließen ließen. Sie wollten, dass ihre Kunst viel breiter gefächert ist als die traditionellen Stile (z. B. der Abstrakte Expressionismus), daher verwendeten sie nicht-künstlerische Materialien und konzentrierten sich auf gewöhnliche, leicht erkennbare Objekte, die die Populärkultur ihrer Zeit zum Ausdruck brachten.

Inmitten dieses Innovationsschubes begannen die Werke von Robert Rauschenberg, Ray Johnson (1927-1995) und Jasper Johns, die bedeutende New Yorker Kunstszene zu beeinflussen. Gemeinsam eröffneten sie eine Reihe neuer Themen: Jones mit seinen Gemälden von Flaggen, Zielscheiben und Zahlen sowie Skulpturen von Objekten wie Bierdosen; Rauschenberg mit seinen Collagen und Assemblagen und „Kombinationsbildern“ (bei denen bemalte Leinwand mit verschiedenen Objekten oder fotografischen Bildern kombiniert wird - wie z. B.: „Monogramm“ (1955-9), bestehend aus einer ausgestopften Ziege mit einem Reifen in der Mitte) von ausgestopften Tieren, Coca-Cola-Flaschen und anderen Objekten, Johnson mit seinen Collagen von Berühmtheiten - James Dean, Shirley Temple und Elvis. Weitere einflussreiche Pioniere und Verfechter der Pop Art waren der Komponist John Cage (ein einflussreicher Lehrer am Black Mountain College in North Carolina) und der Performance-Künstler Allan Kaprow (1927-2006).

Diese Flut neuen Denkens wurde durch ein erneuertes Interesse an früheren Avantgarde-Bewegungen wie Dada und Surrealismus verstärkt, deren anhaltende Vitalität durch den Einfluss, wenn nicht gar die tatsächliche Anwesenheit, mehrerer ehemaliger Dadaisten und Surrealisten wie Marcel Duchamp, Max Ernst und lokaler Konvertiten wie Joseph Cornell verstärkt wurde. Es ist jedoch wichtig festzuhalten, dass die amerikanischen Avantgarde-Künstler dieser Zeit (vor allem Rauschenberg) zwar den Europäern (Duchamp, Schwitters usw.) für die Schaffung einiger Traditionen (z. B. der Collage) zu Dank verpflichtet waren, dass aber ihr einziger Schwerpunkt darin bestand, eine Kunst zu schaffen, die die Realität des zeitgenössischen Amerikas widerspiegelte .

Anfang der 1960er Jahre begann eine Gruppe von Pop-Art-Künstlern durch Einzelausstellungen in Städten wie New York und Los Angeles bekannt zu werden, von denen einige anstelle der traditionellen Malerei kommerzielle Drucktechniken (z. B. Siebdruck) zur Herstellung ihrer Kunst verwendeten. Zu diesen neuen Talenten gehörten Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman und Andy Warhol. Mehrere Werke, die später zu Ikonen wurden, wurden zum ersten Mal gezeigt. Dazu gehörten Lichtensteins Comic-Ölgemälde, Warhols Siebdrucke von Marilyn Monroe und Campbell’s „Suppendosen“ und Oldenburgs monumentale Vinyl-Hamburger und Eiscreme.

Seltsamerweise wurden diese Künstler bis Ende 1962 oder Anfang 1963 von der Kritik immer noch als Neue Realisten oder mit ähnlichen Begriffen bezeichnet. So hießen zwei wichtige Kunstausstellungen im Herbst 1962 - eine unter der Leitung von Walter Hopps im Pasadena Art Museum, die andere in der Sidney Janis Gallery in New York - „ New Painting of Ordinary Objects“ (Pasadena) und „ New Realism“ (New York). Erst später wurde der Begriff Pop Art als technische Bezeichnung für die Bewegung verwendet, zum einen, weil die Kritiker mit dem Begriff Realist unzufrieden waren, und zum anderen, weil Lawrence Alloway - jetzt Kurator des Guggenheim-Museums - in New York für die Übernahme des Begriffs eintrat.

Ab 1963 verbreitete sich die Pop Art in Amerika und etablierte sich dank der britischen Pop-Art-Künstler auch auf dem Kontinent. Das Wachstum dieser Bewegung wurde durch ein paralleles Wachstum in anderen Bereichen begünstigt. In der Wirtschaft dank des Wachstums der Weltwirtschaft im Allgemeinen und der amerikanischen Wirtschaft im Besonderen; in der Wissenschaft dank der Verbreitung des Fernsehens ; in der modernen Musik (die selbst als „Pop“ bekannt wurde) dank der Miniaturisierung des Radios, der Zunahme der Schallplattenproduktion, der Entstehung von Kultbands wie The Beatles und des Phänomens des Piecing Together ; und schließlich dank des expandierenden Kunstmarkts .

In den späten 1960er Jahren wurde Andy Warhol zum Damien Hirst seiner Zeit und erlangte gleichermaßen Ruhm und Berühmtheit für seine ikonischen Celebrity-Prints, seine konzeptuellen Filmarbeiten, seine immer raffinierteren Methoden der Kunstproduktion und seine Selbstdarstellung - zumindest bis er am 3. Juni 1968 erschossen und schwer verwundet wurde.

Auch Roy Lichtenstein wurde dank seiner Comicbücher und mehrerer prestigeträchtiger Retrospektiven auf beiden Seiten des Atlantiks zu einem bekannten Namen. Rauschenberg gewann 1964 den Hauptpreis der Biennale von Venedig und erhielt seinen Ruf als Avantgardist aufrecht, indem er 1966 an der Gründung der Organisation EAT (Experiments in Art and Technology) mitwirkte, um die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Ingenieuren zu fördern, während Jones seinen Bekanntheitsgrad aufrecht erhielt, indem er 1967 den ersten Preis der Biennale in São Paulo gewann.

Vielleicht war es unvermeidlich, dass die amerikanische Pop Art, die den Konformismus der 1950er Jahre und die Panik der Kubakrise (1962) überstanden hatte, in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre ihren Höhepunkt erreichte, um dann von den Irritationen der Ära des Vietnamkriegs und dem damit einhergehenden Anstieg des Antiamerikanismus kontaminiert und unterminiert zu werden.

Großbritannien

Obwohl die britische Pop Art Anfang und Mitte der 1960er Jahre weniger schrill, weniger kitschig, romantischer und nostalgischer war als ihr Pendant auf der anderen Seite des Atlantiks, wurde sie stark von der amerikanischen Popkultur beeinflusst, die sie für moderner und aufregender hielt als ihr heimisches Pendant. In dieser Zeit begann Großbritannien, eine beträchtliche Anzahl amerikanischer Fernsehprogramme sowie andere Merkmale des amerikanischen Lebens wie Burger-Bars und andere Fast-Food-Lokale zu importieren.

Infolgedessen begannen die Künstler, sich von der amerikanischen Bildsprache inspirieren zu lassen, wenn auch oft mit einem sehr britischen Einschlag. Andererseits war die britische Werbe- und Druckindustrie viel weniger entwickelt, was die britischen Künstler daran hinderte, die in New York bereits etablierten Techniken (wie den Siebdruck) zu verwenden, und sie zwang, auf ältere Techniken zurückzugreifen.

Europa

In Europa wird die Vorrangstellung der amerikanischen Populärkultur sowohl durch die Sprache als auch durch die Politik ausgehöhlt. In Paris, das immer noch mit seinem Status als nachrangiges Zentrum der Weltkunst gegenüber New York beschäftigt war, wurde die amerikanische Populärkultur eher toleriert als gefeiert. Darüber hinaus war die französische Avantgarde - vielleicht wegen der dort verankerten Kommunistischen Partei - politischer eingestellt und verfolgte daher eine eher dadaistische Linie, indem sie das Publikum zur Teilnahme an ihren bevorzugten Performances, Happenings und Konzeptkunst unter dem Oberbegriff Nouveau Realisme (ca. 1960-70) ermutigte.

Die führenden französischen „Pop-Künstler“ oder Nouveau-Riche-Künstler waren: Yves Klein (1928-1962), François Dufresne (1930-1982), Mathial Reiss (*1936), Jacques de la Villegle (*1926), Jacques Monori (*1934), Alain Jacquet (*1939), Jean Tinguely (1925-1991). Italien, das weniger politisiert war (trotz einer noch zahlreicheren kommunistischen Partei!), blieb offener für die künstlerischen und gestalterischen Möglichkeiten der Pop Art. Eine italienische Designgruppe, bestehend aus Jonathan De Paz (1932-1991), Paolo Lomazzi (geb. 1936) und Donato D’Urbino (geb. 1935), schuf zum Beispiel das „Joe Sofa“ (1971), das einem riesigen Baseballhandschuh ähnelt.

Die Ziele, die Philosophie und die Methoden der Pop Art

Keine internationale Kunstbewegung, die mehr als 15 Jahre andauerte und alle bekannten Kunstformen, Gattungen und Medientypen sowie völlig neue Formen umfasste, lässt sich in wenigen Sätzen zusammenfassen. Dennoch ist es unmöglich, Pop Art zu verstehen, ohne die folgenden Begriffe zu berücksichtigen, die helfen, ihr Wesen zu charakterisieren.

Unmittelbare Bedeutung

Die Grundidee der Pop Art war es, eine Kunstform mit unmittelbarer Bedeutung zu schaffen. Dies stand in krassem Gegensatz zum Superintellektualismus des Abstrakten Expressionismus mit seinen esoterischen Leinwänden, die von Kunstprofis so geliebt wurden. Um ihr Ziel der unmittelbaren Bedeutung zu erreichen, experimentierten die Pop-Art-Künstler mit neuen kommerziellen Verfahren wie Acrylmalerei, Collage auf Leinwand unter Verwendung von Materialien, die normalerweise nicht mit Malerei in Verbindung gebracht werden, und Siebdruck.

Darüber hinaus wurden die Bilder und Farbschemata für die meisten Pop-Art-Gemälde und -Skulpturen aus bekannten und leicht erkennbaren Verbraucher- oder Medienquellen übernommen, wie z. B.: Konsumgüter, Werbegrafiken, Zeitschriften, Fernsehen, Film, Cartoons und Comics. Menschen und Gegenstände wurden in leuchtenden, oft sehr kontrastreichen Farben dargestellt, und die Kompositionen waren in der Regel sehr einfach und visuell ansprechend für die breite Öffentlichkeit.

Kunst kann aus allem geschaffen werden

Bis zum 20. Jahrhundert wurde die traditionelle Malerei gewöhnlich in Öl und Bildhauerei gewöhnlich in Bronze, Stein oder Holz ausgeführt. Außerdem waren die Sujets in der Regel solche, die einer ästhetischen Behandlung würdig waren: der Akt, das menschliche Gesicht, die klassische Landschaft, die Genreszene oder das Stillleben. Auch der Kubismus hielt sich trotz seines revolutionären Charakters an viele dieser künstlerischen Konventionen.

Dann brach der Erste Weltkrieg aus, und es entstand eine kunstfeindliche Bewegung, die als Dada bekannt wurde. Diese Bewegung brachte die Idee hervor, dass Kunst aus jedem Material geschaffen werden kann, auch aus den banalsten Alltagsresten. Die Pop-Künstler unterstützten und entwickelten diese Idee weiter. Sie stellten die moderne Welt der Populärkultur dar, indem sie jedes beliebige Material benutzten, das sie für geeignet hielten, ganz gleich, wie unbedeutend oder trivial es war.

Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk selbst

Darüber hinaus war bis zu Dada das Hauptmerkmal der traditionellen bildenden Kunst das Kunstwerk selbst - ein Gemälde, eine Skulptur, ein Druck, eine Schnitzerei oder was auch immer. Ohne „war das Kunstwerk“ nichts. Der Schwerpunkt lag also auf der Qualität des fertigen Produkts und den zu seiner Herstellung erforderlichen Fähigkeiten. Dada rebellierte dagegen und verherrlichte "die Idee hinter dem Kunstwerk" und nicht das Werk selbst.

Viele Pop-Künstler setzten diese Tradition der konzeptuellen Kunst fort . Sie legten mehr Wert auf die Wirkung des Werks und weniger auf seine Entstehung. Diese Betonung des Konzepts und der Wirkung des Werks wurde, ebenso wie die Verwendung anspruchsloser Materialien, als ein Versuch interpretiert, die Ernsthaftigkeit der Kunstwelt zu entlarven. Dies war teilweise richtig: Einige Pop-Art-Künstler teilten das anti-künstlerische und anti-ästhetische Credo der frühen Dadaisten. Der Hauptstrom der Pop Art war jedoch positiver und mehr damit beschäftigt, neue Ausdrucksformen zu schaffen, neue Methoden und neue Bildsprache zu verwenden, als die Tradition zu verunglimpfen. In der Tat sahen sich viele Pop-Art-Künstler als Beitrag zur bildenden Kunst und nicht als deren Abschaum.

Ein umfassenderer und relevanterer Kunststil

Ganz gleich, wie exquisit erdacht und gemalt oder wie gut er von einflussreichen Kunstkritikern wie Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978) und anderen aufgenommen wurde, Mark Rothkos monumentale Werke des Abstrakten Expressionismus waren der allgemeinen amerikanischen (oder britischen) Öffentlichkeit praktisch unbekannt. Im Gegensatz dazu kannte fast jeder Elvis, Marilyn Monroe und zahlreiche andere Berühmtheiten sowie beliebte Lebensmittel und andere Markenartikel, die schnell zu einem Grundnahrungsmittel der Pop Art wurden. Die Pop Art erklärte also von Anfang an ihre Absicht, den elitären Charakter der traditionellen oder hohen Kunst zugunsten populistischer Darstellungen berühmter Themen aufzugeben.

Für die meisten Menschen in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren bedeutete der Besuch eines Kunstmuseums ein mühsames Vorbeigehen an Reihen von obskuren Gemälden, von denen die meisten weder verständlich noch interessant waren. In der Regel konnten die berühmtesten Werke (und die Künstler, die sie geschaffen hatten) nicht durch bloßes Betrachten gewürdigt werden, und es war ein sorgfältiges Studium des Museumsführers erforderlich.

Die Pop Art spielte eine wichtige Rolle, indem sie die Welt der Malerei und der Bildhauerei für den Normalbürger öffnete, der vielleicht zum ersten Mal in seinem Leben das Exponat, das vor ihm stand, sofort erkennen und schätzen konnte. Vielleicht gefiel es ihnen nicht, aber sie fühlten sich von einem alltäglichen Bild, mit dem sie etwas anfangen konnten, viel weniger eingeschüchtert. In diesem Sinne machte die Pop Art die Museen und Galerien für die breite Öffentlichkeit relevanter.

Spiegel für die Öffentlichkeit

Im Gegensatz zu Dada, dessen rein negatives Ziel darin bestand, die Werte des bürgerlichen Establishments zu untergraben und zu zerstören, das sie für das Gemetzel des Ersten Weltkriegs verantwortlich machten, versuchte die Pop-Art, die gesellschaftlichen Werte und das Umfeld zu reflektieren, aus dem sie hervorging. So konzentrierten sie sich auf die Leidenschaften der meisten amerikanischen Verbraucher: Essen, Automobile und Romantik .

Dies wurde in der Regel durch die Verwendung grober oder satirischer Bilder mit starker visueller Wirkung erreicht. Und wenn sie für die Beschäftigung mit solchen Themen kritisiert wurden, konnten sie einfach sagen, dass sie lediglich (in Shakespeares Worten) „der Natur“ oder in ihrem Fall „der modernen Gesellschaft“ einen Spiegel vorhielten. Zumindest war die Pop Art „ein Ausdruck der Nachkriegszeit“ einer Welt, die völlig vom Streben nach Materialismus eingenommen war.

Postmoderne Tendenzen

Die Pop Art begann mit der Malerei und zeichnete sich vor allem durch eine neue Palette populistischer Themen aus, von denen sich ihre Urheber erhofften, dass sie eine relevantere und zeitgemäßere Realität vermitteln würden. In der Folge ging es immer mehr darum, nicht die Realität (oder die Natur) abzubilden, sondern Wirkung, Medium und Stil.

Diese Tendenz, die fast immer dazu führt, dass die Grenze zwischen Kunst und Zurschaustellung - zwischen etwas Schönem und bloßer Unterhaltung - verschwimmt, ist das Markenzeichen der postmodernen Kunst . Aus diesem Grund kann die Pop-Art als die erste Bewegung betrachtet werden, die die Moderne überwindet und in die Ära der eigentlichen Kunst eintritt.

Im Wesentlichen ebneten die Pop-Art-Künstler der 1960er Jahre den Weg für den Fotorealismus und später Briteart und andere ähnliche moderne Stile, die in den folgenden Jahrzehnten aufkamen. Sie ebneten auch den Weg für postmoderne Gebäudeentwürfe, die die amerikanische Architektur erheblich neu definierten.

Kritik an der Öffentlichkeit und an Sammlern

Kritiker verachteten die Pop Art oft wegen ihrer anspruchslosen Ausrichtung. Harold Rosenberg, einer der einflussreichsten Kunstkritiker auf dem Gebiet der zeitgenössischen Kunst, beschrieb sie beispielsweise als "Wie ein humorloser Witz, der immer und immer wieder erzählt wird, bis er beginnt, wie eine Drohung zu klingen…. Werbekunst, die für sich selbst als Kunst wirbt, die Werbung hasst."

Als Antwort darauf könnte man vernünftigerweise fragen: Worum sollte sich die Kunst kümmern, wenn nicht um die Gesellschaft, aus der sie kommt? Schließlich genügte es schon in den 1960er Jahren, das Fernsehen mit seiner unablässigen Flut von Werbung zu sehen, durch von Reklametafeln gesäumte Straßen zu fahren oder Hochglanzmagazine mit sich wiederholenden Bildern von Musik- und Filmstars zu lesen, um die Anspruchslosigkeit des modernen Lebens zu erkennen. Warum sollte das bei der Kunst anders sein?

Vor allem aber war (und ist) die Pop Art eine der populärsten Kunstrichtungen, der es gelang, ein breites Publikum zu erreichen, wie es nur wenigen zeitgenössischen Kunstrichtungen gelungen ist - und auch nicht mehr gelingt. Und Kunstsammler mögen sie auch.

Zum Beispiel wurde Jasper Johns’ „Gemälde Falscher Start“ (1959) 2006 für 80 Millionen Dollar verkauft: das neuntteuerste Kunstwerk der Geschichte. (Für weitere Informationen siehe Top 10 der teuersten Gemälde). Andy Warhols „Green Car Crash“ (1963) (synthetisches Polymer, Siebdruckfarbe und Acryl auf Leinen) wurde 2007 bei Christie’s, New York, für 71,7 Millionen Dollar verkauft und ist damit das 14. teuerste Kunstwerk der Geschichte. (Siehe Top 20 der teuersten Gemälde). Nicht schlecht für ein Kunstwerk der unteren Preisklasse.

Während der Rezession im Jahr 2009 kaufte ein unbekannter Käufer Berichten zufolge einen Andy-Warhol-Druck „Acht Elvis“ (1964) für 100 Millionen Dollar (60,5 Millionen Pfund) bei einem Privatverkauf, womit es das fünftteuerste jemals verkaufte Kunstwerk ist.

Berühmte amerikanische Pop-Art-Künstler

Jim Dine (geb.1935)

Jim Dine war ein Vertreter der Neo-Dada- und Pop-Art und spezialisierte sich auf Collagen, „Readymades“ (oder „Kompositionen aus gefundenen Gegenständen“) und Happenings . Erste Aufmerksamkeit erregte er 1959 mit seinen „Happenings“, die er in Zusammenarbeit mit Claes Oldenburg, Allan Kaprow und dem Avantgarde-Komponisten und Konzeptualisten John Cage organisierte.

1962 wurde er zusammen mit Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Hood, Edward Ruscha und Wayne Thibault in eine wichtige Pop-Art-Ausstellung in Pasadena aufgenommen. In den 1960er Jahren schuf Dine eine Reihe von Kunstwerken, in denen er Objekte und Bilder der Popkultur verwendete, wobei er manchmal auf die Sensationslust des Dadaismus zurückgriff, wie in seiner Installation „Canticles to the Penis“, die von der Polizei in London wegen Obszönität geschlossen wurde.

Robert Indiana (geb.1928)

Der als Robert Clark geborene Künstler begann als abstrakter Maler und Holzbildhauer, bevor er sich 1954 der Pop Art-Bewegung in New York anschloss. Ausrangierte Schablonen brachten ihn dazu, eine Reihe von Wortkunst zu erforschen, indem er Buchstaben und Wörter (z. B. Love, Eat, Die) in seine Bilder einfügte, die auf dem Dekor von Flipperautomaten basierten. Er nannte sich selbst „ einen amerikanischen Zeichenmaler“.

Am bekanntesten ist er für seine grafische Darstellung der „Liebe“ aus den 1960er Jahren, die zunächst auf Weihnachtskarten und Briefmarken erschien. Später schuf er eine skulpturale Version, die er in verschiedenen Stilen und Sprachen wiederholte, darunter eine Stahlversion in Hebräisch - mit dem Wort „Ahab“. Im Jahr 2008 schuf er ein neues Bild mit dem Wort „Hoffnung“, dessen Erlös dem Wahlkampffonds von Barack Obama gespendet wurde.

Jasper Jones (geb. 1930)

Zusammen mit Rauschenberg war Jones einer der Pioniere der Pop Art in den 1950er Jahren. Er zog 1949 von South Carolina nach New York und wurde für seine Gemälde der amerikanischen Flagge (z. B. „Flag“, 1954-55) sowie für andere grafische Standardbilder wie Zielscheiben und Figuren bekannt. Er war auch dafür bekannt, Enkaustikfarbe und Gipsreliefs in seine Ölgemälde zu integrieren.

Nach den Fahnenbildern begann er, reale Gegenstände in seine Gemälde einzubauen und beschäftigte sich auch mit der Bildhauerei (z. B. „Bierdosen“, 1964). Seine Verwendung von Bildern und Materialien aus der Popkultur führte natürlich dazu, dass er als Pop-Künstler bezeichnet wurde, aber seine künstlerischen Aussagen (einschließlich eines erheblichen Anteils an Parodie, Paradoxie und von Duchamp inspiriertem Widerspruch) führten auch dazu, dass sein Werk als neo-dadaistisch bezeichnet wurde.

Da Jones eher ein klassischer, malerischer Künstler war als viele andere junge Pop-Art-Künstler, die sich auf die Techniken der modernen kommerziellen Kunst stützten, erntete sein intelligentes und innovatives Werk viel Lob und Anerkennung. Mit der Zeit begann er, eine Vielzahl anderer Medien zu verwenden, darunter Siebdruck und Tiefdruck sowie Lithografie . Im Jahr 1998 zahlte das Metropolitan Museum of Art in New York 20 Millionen Dollar für sein Werk „White Flag“, und 2006 wurde sein Werk „Falstart“ von privaten Sammlern für 80 Millionen Dollar erworben, was es zum teuersten Gemälde eines lebenden Künstlers machte.

Alex Katz (geb. 1927)

Katz ist ein einzigartiger figurativer Maler, obwohl er auch als Grafiker und Bildhauer tätig war, und wurde durch seine Überarbeitung traditioneller Themen im Pop-Idiom mit der Pop-Art in Verbindung gebracht. Er ist bekannt für seine innovativen Bearbeitungen impressionistischer Ideen (insbesondere von Édouard Manet, Claude Monet und Georges Seurat), wie etwa verschiedene Lichteffekte und Szenen bürgerlicher Freizeitgestaltung, die er mit „nassem Öl in nassem“ und lockerem Pinselstrich ausführte. Andererseits sind einige seiner Werke eher düster dargestellt, scheinbar ohne Gefühl und Sensibilität.

Roy Fox Lichtenstein (1923-1997)

Ein führender Pop-Art-Künstler mit einem sofort erkennbaren Stil, dessen Werk die Comic-Grafik zu einer internationalen Kunstform machte. Er begann in den 1950er Jahren als abstrakter Künstler, doch seine Lehrtätigkeit an der Rutgers University brachte ihn in Kontakt mit seinem Lehrerkollegen Allan Kaprow und löste seine Auseinandersetzung mit der Popkultur aus.

Er begann damit, Freihandversionen von Rahmen von Comicbüchern zu zeichnen, komplett mit Textblasen (z. B. „Look Mickey“, 1961), und hatte 1961 eine ausverkaufte Ausstellung in der New Yorker Leo Castelli Gallery . Im folgenden Jahr waren seine Werke in den beiden großen Ausstellungen von 1962 in Pasadena und New York zu sehen.

Ende 1963 hatte Lichtenstein begonnen, weltweit Aufmerksamkeit zu erregen. Zu den bedeutendsten Werken dieser Zeit gehören „Drowning Girl“ (1963) und „Waam! (1963). 1989 wurde bei einer Christies-Auktion für zeitgenössische Kunst in New York Lichtensteins Gemälde „Torpedo… Los!“ für 5,5 Millionen Dollar verkauft, ein Rekord für den Künstler.

Claes Oldenburg (geb. 1929)

Gilt als der erste Bildhauer der Pop Art und ist bekannt für seine Installationen im öffentlichen Raum, die oft monumentale Nachbildungen von Alltagsgegenständen zeigen, insbesondere von Lebensmitteln wie Hamburgern und Eistüten.

Oldenburg, der seit 1956 in New York City lebte, kam in Kontakt mit Allan Kaprow, Jim Dine und dem Bildhauer George Segal und war fasziniert von Happenings und anderen Formen der Performance und Installationskunst .

Zu den bemerkenswerten Werken gehören „Double Hamburger“ (1962) und sein riesiger Lippenstift, der 1969 in der Yale University installiert wurde. Sein Hauptbeitrag zur Pop Art bestand, wie der von Rosenquist, darin, gewöhnliche Gegenstände in Kunst zu verwandeln.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Rauschenberg, der hauptsächlich in New York lebte und zusammen mit seinem einstigen Geliebten Jasper Johns als einer der Anführer der Neo-Dada-Kunst einer frühen Bewegung der Pop Art - gilt, studierte 1948 am Black Mountain College in North Carolina bei dem ehemaligen Bauhaus-Künstler Josef Albers (bekannt durch seine Serie „Honouring the Square“).

Seine erste Einzelausstellung hatte er 1951 in der Betty Parsons Gallery und eine zweite Einzelausstellung 1954 in der Charles Egan Gallery. Wegen seiner Verbindung zu Marcel Duchamps „Readymades“ wird er oft als Mitglied der Neo-Dada-Bewegung bezeichnet. Am bekanntesten ist er jedoch für seine „ Painting Combines „der 1950er Jahre, die aus unkonventionellen Materialien und Objekten bestehen, die in innovativen Kombinationen präsentiert werden. In dieser Zeit spezialisierte sich Rauschenberg auf die Verwendung von „gefundenen“ Materialien wie Müll und anderen Abfällen, die er auf den Straßen von New York sammelte. Von 1961 bis 1962 begann er jedoch, neben gefundenen Objekten auch Bilder zu verwenden, in der Regel Fotografien, die im Siebdruckverfahren auf die Leinwand übertragen wurden. Auf diese Weise kann sein Werk als zeitgenössisch zu dem von Andy Warhol angesehen werden. Rauschenberg beschäftigte sich auch mit Kunstfotografie, Druckgrafik, Papierherstellung und Performance-Kunst.

James Rosenquist (geb. 1933)

Der bekannte Pop-Art-Künstler Rosenquist studierte an der Minneapolis School of Art und anschließend an der University of Minnesota. Im Alter von 21 Jahren zog er 1955 nach New York City, um an der Art Students League zu studieren und anschließend als Plakatkünstler zu arbeiten.

Mit den Techniken der Schildermalerei, die er sich angeeignet hatte , schuf er großformatige Gemälde, in denen er scheinbare Werbeanzeigen Bildern aus Liebesromanen gegenüberstellte, um ein Gefühl der Diskontinuität und Irrationalität als Kommentar zum zeitgenössischen Leben zu erzeugen. Eines der bemerkenswertesten Werke dieser Zeit war sein raumfüllendes Gemälde „F-111“ (1965). Wie Oldenburg bestand auch Rosenquists Hauptbeitrag zur Pop Art darin, gewöhnliche Gegenstände in Kunst zu verwandeln, indem er ihnen monumentale Größe und Gewicht verlieh.

Edward Ruscha (geb. 1937)

Der Junge aus Oklahoma, der 1956 nach Los Angeles zog, studierte bis 1960 am Chouinard Art Institute (heute California Institute of the Arts) (beeinflusst durch die Kunst von Marcel Duchamp und Jasper Johns) und arbeitete anschließend als Layouter bei der Werbeagentur Carson-Roberts in Los Angeles.

1962 wurden seine Gemälde neben Werken von Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Philip Hefferton, Joe Hood, Jim Dine und Wayne Thibault in einer bahnbrechenden Ausstellung im Pasadena Art Museum gezeigt. Zu seinen frühen Werken, meist erschreckend perfekte Nachbildungen von Werbetafeln und Tankstellen, gehören „Big Trademark with Eight Spotlights“ (1961) und das Ölgemälde „Standard Station, Amarillo, Texas“ (1963), das an Hoppers „Gas“ (1940) erinnert. Ab Mitte der 1960er Jahre wurde er durch seine Word Paintings (auch bekannt als Liquid Word Paintings) bekannt.

Andy Warhol (1928-1987)

Warhol, der von vielen als Hohepriester der Pop Art angesehen wird, hatte eine erfolgreiche Karriere als kommerzieller Illustrator, bevor er durch seine Pop-Gemälde, Drucke, Avantgarde-Filme und einen Lebensstil, der eine Mischung aus Hollywood-Stars, Intellektuellen, Avantgarde-Künstlern und Underground-Prominenten umfasste, weltweit bekannt wurde. Seine Ansicht über den Einfluss des Fernsehens - ein entscheidender Faktor für die Identität und Popularität der Pop Art - auf Kunst und Leben kommt treffend in seinem berühmten Satz zum Ausdruck: ’Jeder kann für 15 Minuten berühmt sein’."

In den 1960er Jahren begann er, Gemälde von ikonischen amerikanischen Produkten wie Campbell’s-Suppendosen, Coca-Cola-Flaschen und Dollarnoten sowie Bilder von internationalen Stars wie Marilyn Monroe, Engrid Bergman, Elizabeth Taylor und Elvis Presley zu schaffen. Er gründete auch sein berühmtes New Yorker Kunstatelier, das als „ Factory“ bekannt ist und in dem er die Massenproduktionsmethoden von Damien Hirst um über 30 Jahre vorwegnahm.

Warhols Kunst drehte sich vor allem um Ikonografien, die durch Fernsehen, Nachrichten und Werbung bekannt wurden, wie Atompilze, elektrische Stühle in Gefängnissen, Autounfälle und Rassenunruhen. Seine Bilder waren daher sofort erkennbar und zogen das Interesse der Massen auf sich.

Warhols Status als innovativer und außerordentlich kreativer Künstler wird zwar teilweise von Fragen im Zusammenhang mit seinem Ruhm und seinem Lebensstil überschattet, ist aber unbestreitbar, nicht zuletzt weil er gewöhnliche Bilder in Ikonen der Weltkunst verwandelte. Er war auch außergewöhnlich produktiv und arbeitete in einer Vielzahl von Medien, darunter Zeichnung, Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Film.

Berühmte britische Pop-Künstler

Peter Blake (geb.1932)

Er wurde erstmals als Mitglied der aufkommenden britischen Pop-Art-Bewegung genannt, als er 1961 zusammen mit David Hockney, R.B. Kitai und anderen an der Ausstellung „Young Contemporaries“ teilnahm. Größere Aufmerksamkeit erregte Blake, als er in Ken Russells „Pop Goes to the easel“, einem Film über britische Pop-Art, die Hauptrolle spielte. Am bekanntesten ist er jedoch nach wie vor für die Gestaltung der Plattencover von „The Beatles“ „ Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band“.

Patrick Caulfield (1936-2006)

Caulfield studierte 1956 an der Chelsea School of Art und 1960-1963 am Royal College of Art, wo David Hockney und R.B. Kitaj zu seinen Kommilitonen zählten. 1964 war sein Werk in der Ausstellung „New Generation“ in der Londoner Whitechapel Gallery zu sehen, die erstmals die Aufmerksamkeit auf sein Engagement in der britischen Pop Art-Szene lenkte.

Er spezialisierte sich auf Gemälde, in denen er gewöhnliche Gegenstände, leidenschaftslose Linien und Farben aus dem Vokabular der Werbung und billiger Illustrationen verwendete, um eine lebendige Intensität und Humor zu vermitteln. Seine oft figurativen Werke zeigen typischerweise einige einfache Gegenstände in einem Interieur, die mit flachen, einfarbigen (oder einfarbigen) Flächen dargestellt werden, die von einem schwarzen Umriss begrenzt sind.

Richard Hamilton (geb.1922)

Er war eines der Gründungsmitglieder der Independent Group am Institute of Contemporary Art in London, einer Diskussionsgruppe von Künstlern, die die Pop Art in Großbritannien ins Leben rief. Am bekanntesten ist er für seine Collage von 1956 mit dem Titel „ Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?“, die heute als eines der ersten Beispiele der britischen Pop Art gilt. Nach mehreren Einzelausstellungen nahm Hamilton Mitte der 1950er Jahre eine Lehrtätigkeit in Newcastle-Upon-Tyne auf. Zu dieser Zeit arbeitete er an einem Forschungsprojekt über den französischen Künstler der Moderne Marcel Duchamp, den Hamilton sehr bewunderte.

In den frühen 1960er Jahren erhielt er ein Stipendium des Arts Council of Great Britain, um eine Sammlung von Collagen des Dadaisten Kurt Schwitters „in Merzbaugh“ in Cumbria zu kuratieren und zu erhalten. Hamilton war auch in London als Künstler, Lehrer und CND-Aktivist tätig und kuratierte 1966 eine große britische Retrospektive von Duchamps Werk in der Tate Gallery. Darüber hinaus führten seine Kontakte in der zeitgenössischen Musikszene zu einer Freundschaft mit Paul McCartney, die dazu führte, dass Hamilton das Cover und die Poster für das „White Album“ „der Beatles“ entwarf.

David Hockney (geb.1937)

Als wichtiger Vertreter der britischen Pop Art der 1960er Jahre und brillanter Zeichner ist David Hockney einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war in der Ausstellung „Young Contemporaries“ (1961) vertreten, die das Aufkommen der britischen Pop Art markierte - obwohl sich sein Werk keineswegs auf diesen Stil beschränkte. Im Jahr 1963 besuchte er New York, wo er Andy Warhol kennenlernte. Anschließend besuchte er Los Angeles in Kalifornien, einen Staat, der später für viele Jahre sein Zuhause wurde.

Die Reise nach Los Angeles inspirierte ihn zu einer Reihe von Gemälden, die Swimmingpools darstellten, wobei er ein neues Medium, Acrylfarben, verwendete. Die Gemälde sind in einem flachen, aber sehr realistischen Stil gehalten und verwenden leuchtende Farben. Zu den bemerkenswerten Werken der 1960er Jahre gehören „Peter climbing out of Nick’s Pool“ (1966), das im folgenden Jahr den John Moores Prize der Walker Art Gallery in Liverpool gewann, „Sunbather“ (1966) und „Bigger Splash“ (1967), das 2006 für 2,6 Millionen Pfund gekauft wurde, ein Rekordpreis für ein Hockney-Gemälde.

Allen Jones (geb. 1937)

Jones, einer der Begründer der britischen Pop Art, verwendet einfache figurative Bilder in Kombination mit leuchtenden, kräftigen Farben. Am bekanntesten ist er für seine erotischen Skulpturen (z. B. das Set „Chair, Table and Hat Stand“, 1969). Andere bemerkenswerte Werke sind „Wet Print“ (1966) und „What Do You Mean, What Do I Mean?“. Er ist auch als Grafiker und Ölmaler tätig.

Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)

Eduardo Luigi Paolozzi, einer der Begründer der britischen Pop Art, studierte am Edinburgh College of Art (1943), an der St Martin’s School of Art (1944) und an der Slade School of Art (1944-1947), bevor er in Paris (1947-1949) arbeitete, wo er eine Reihe bekannter Künstler traf und von ihnen beeinflusst wurde, darunter der Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti, der ehemalige Dadaist und Surrealist Jean Arp, der rumänische Bildhauer Constantin Brancusi und die Kubisten Georges Braque und Fernand Léger. Seine bahnbrechende Collage „I was a rich man’s toy „ (1947) bezieht sich auf diese Pariser Zeit.

Nach seiner Rückkehr nach London arbeitet er mit Skulpturen, Konstruktionen, Collagen und Lithografien, vor allem in einem surrealistischen Stil, wobei er eine Vielzahl von Objekten und Materialien in seine Kompositionen einbezieht. 1952 wurde er einer der führenden Gründer der Independent Group, deren Diskussionen in vielerlei Hinsicht einen Vorgeschmack auf die bald entstehende Pop-Art-Schule gaben.

Neo-Pop

In den 1980er Jahren kam es zu einem Wiederaufleben des Interesses an der Pop Art, einem Phänomen, das als Neo-Pop (oder „Shock Pop Art“) bekannt wurde. Dabei handelte es sich nicht um eine neue Kunstbewegung an sich, sondern vielmehr um eine Wiederbelebung von Kunstwerken, die auf der Populärkultur basierten - dieses Mal aus den 1980er Jahren. Während die ursprüngliche Pop-Art-Bewegung völlig avantgardistisch war, ist die Neo-Pop-Art eher eine Wiederholung.

So verwenden Neo-Pop-Künstler weiterhin „Readymades“ und bereits existierende Objekte in ihren Werken und stützen sich stark auf prominente Ikonen wie Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton und so weiter. Außerdem lassen sie sich unter anderem von Minimalismus, Konzeptkunst, Fotorealismus, Installation und Performance inspirieren. Neo-Pop ist einfach eine extremere Version von Warhol, Oldenburg und Rauschenberg.

Der führende Vertreter des Neo-Pop ist Jeff Koons (geb. 1955), über den der berühmte Kritiker Robert Hughes Folgendes schrieb: „Koons hält sich wirklich für Michelangelo und scheut sich nicht, dies zu sagen. Was zählt, ist, dass es Sammler gibt, vor allem in Amerika, die das glauben. Er hat eine viszerale Gewissheit, ein grobes Gerede von Transzendenz durch Kunst, wie ein ausgetrockneter Baptist, der Hektar von Sumpf in Florida verkauft. Und deshalb ist er aus der korrumpierten amerikanischen Kultur nicht mehr wegzudenken“. Anklänge an die Kritik an Andy Warhol und Damien Hirst? (Koons wurde 2005 zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt).

Andere führende Künstler sind Katharina Fritsch, Daniel Edwards und Yasumasa Morimura . Zu den ikonischen Neo-Pop-Werken, beide von Jeff Koons, gehören „Michael Jackson und Bubbles“ (1988) - 1991 für 5,6 Millionen Dollar verkauft - und „Puppy“ (1992).

Berühmte Neo-Pop-Künstler

Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Ingvar Larsen, Allan McCollum, Komar und Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Steinbach, Gavin Turk.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Für weitere Informationen über Trends und Stile in der Kunst siehe: Geschichte der Kunst .