Niederländische Renaissancekunst Automatische übersetzen

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff „Niederländische Renaissance“ auf die rasche Entwicklung der bildenden Künste in Flandern und Holland im fünfzehnten und sechzehnten Jahrhundert. Die niederländischen Künstler (und Kunstmäzene) waren in der Regel bodenständiger als ihre italienischen Kollegen. Sie interessierten sich weniger für die klassische Antike, die Ästhetik, die Theorie der Perspektive, sie malten, was sie sahen, und konzentrierten sich auf die Beherrschung der Technik der Ölmalerei .

Bis etwa 1530 behielt die Kirche ihre Rolle als wichtigster Förderer der Künste bei. Infolgedessen blieb die christliche Kunst die wichtigste Form sowohl der Malerei als auch der Bildhauerei. Später führten die religiösen Gegensätze zwischen Südeuropa (hauptsächlich katholisch) und Nordeuropa (hauptsächlich protestantisch), die sich in der Kluft zwischen den niederländischen Protestanten und den flämischen Katholiken ausdrückten, zu erheblichen Unterschieden zwischen der italienischen Renaissance und der niederländischen Kunst.

Siehe auch: Deutsche Renaissance Kunst (1430-1580)

Im Allgemeinen war die protestantische Kirche nicht daran interessiert, Altarbilder und andere Werke der religiösen Kunst in Auftrag zu geben. Die Künstler waren daher gezwungen, ihre Fähigkeiten im Zeichnen und in der Ölmalerei einzusetzen, um den bürgerlichen und kulturellen Ansprüchen des wachsenden Bürgertums gerecht zu werden. Die Porträtmalerei, die Interieurs und die Genremalerei übernahmen nun die Führung und führten zu einem goldenen Zeitalter des niederländischen Realismus im siebzehnten Jahrhundert. Im Jahr 1430 sahen die Dinge jedoch ganz anders aus.

In der Regel treten die größten Künstler eines Landes auf dem Höhepunkt einer langen Entwicklung auf, aber in den Niederlanden war es genau andersherum. Die Van Eycks, die Begründer der frühen niederländischen Malerei, waren auch ihre größten Meister, und zweihundert Jahre lang nach ihnen, bis zum Erscheinen von Rubens, hat die Geschichte dieser Schule fast keinen Höhepunkt mehr. Fast. Zu den wichtigsten Gemälden siehe: Die größten Gemälde der Renaissance .

Die Ursprünge der niederländischen Renaissance

Die Kunst, die es in den Niederlanden vor den Van Eycks gab, gehört zur so genannten „Internationalen Gotik“, die ihren Ursprung in Frankreich hatte und sich im Süden nach Italien und im Norden in die Rheinstädte und die Niederlande ausbreitete. Sie wird durch den neuen Naturalismus und Humanismus veranschaulicht, der sich in solchen Illuminationen der internationalen Gotik wie „der Prächtige Wächter des Herzogs von Berry“ der Brüder Limburg manifestiert, einem Trio, das um die Wende des vierzehnten Jahrhunderts für den Herzog von Berry arbeitete. Hubert van Eyck (ca. 1365-1425) war selbst Buchmaler, denn ein Teil der Mailand-Turin-Uhrwerke, die 1417 für Johannes von Bayern ausgeführt wurden, wird ihm heute einstimmig zugeschrieben. Die gesamte Technik von Eike ist Illumination in großem Maßstab, aber aufgrund des Maßstabs und des Ölmediums von beispielloser Perfektion und Glanz. (Anmerkung: Zu den in der niederländischen Renaissancemalerei verwendeten Pigmenten siehe: Farbpalette der Renaissance .)

Hubert und Jan van Eyck

Das Meisterwerk von Hubert und Jan van Eyck ist das große Genter Altarbild mit der Darstellung der Anbetung der Lämmer in der Kathedrale von St. Bavo. Dieses Polyptychon, das aus vielen kleinen Tafeln besteht, ist offensichtlich das Werk von Männern, die als Miniaturisten ausgebildet wurden und mit dem Problem der Ausfüllung eines großen Raumes nicht zurechtkamen. Es ist das gemeinsame Werk von zwei Brüdern.

Von einem Hubert, der noch weniger bekannt ist als Jan, gibt es außer den Mailänder-Turin-Miniaturen noch zwei Flügel eines Altarbildes in St. Petersburg und „Drei Zeichen am Heiligen Grab“, die sich heute in der Sammlung van Beuningen in Holland befinden. Der Autor von Jan van Eyck (um 1390-1441) liefert eine beeindruckende Liste signierter und datierter Werke, von denen das bedeutendste wahrscheinlich „Porträt von Arnolfini“ (1434, National Gallery, London) ist.

In einem Land, in dem das Altarbild ein Standardgenre war, werden die weltliche Thematik „Porträt von Arnolfini“ und der private Charakter des Gemäldes auf die Nationalität der Auftraggeber zurückgeführt. Giovanni Arnolfini war ein äußerst wohlhabender italienischer Geschäftsmann und Bankier, der die Brügger Niederlassung seines Familienunternehmens leitete. Der Wert der Persönlichkeit in Italien und der bekannte Brauch, Porträts von wichtigen Personen zu malen, könnten ihn veranlasst haben, van Eyck mit dieser „Heiratsurkunde“ zu beauftragen.

Trotz der akribischen Detailgenauigkeit, mit der van Eyck die Personen im Vorder- und Hintergrund festgehalten hat, wird die Einheit der Komposition durch die subtile Modulation von Farbe und Licht gewährleistet, die alles gleichmäßig umspielen. Diese homogenisierende Technik wird vor allem durch die Technik der Ölmalerei erreicht, die im Norden seit frühester Zeit üblich war.

Die leicht zu verarbeitende, langsam trocknende Farbe erlaubte es dem Künstler, mit Bedacht zu arbeiten, zu retuschieren und zu übermalen. Mit ihr wurden subtile Schattierungen erzielt, die Falten von Stoffen wurden mit hellen, samtigen Übergängen zu immer helleren Tönen herausgearbeitet, und die kleinsten Lichtblitze auf leuchtenden Stoffen wurden mit sehr kleinen Pinseln genau wiedergegeben. Kostüme, Körper und Gesichter bekamen eine bis dahin nicht gekannte Materialität. (Siehe z. B. „Porträt eines Mannes mit rotem Turban“, 1433).

Diese Technik, die als „ars nova“ (lateinisch „neue Kunst“) bekannt ist, wurde außerhalb der Niederlande durch die Arbeit niederländischer Künstler, die als Hofmaler im Süden tätig waren, bekannt und geehrt. Der umgekehrte Einfluss der italienischen Renaissance auf den Norden wurde dagegen erst viel später deutlich.

Trotz der Qualität der Werke von Jan van Eyck ist es unmöglich, etwas über den Künstler selbst zu erfahren, außer dass er einer der größten Realisten der Welt war. In seinen religiösen Gemälden, wie der sogenannten „Madonna von Rollin“ , die im Louvre aufbewahrt wird, ist wenig religiöses Gefühl zu spüren; das Thema wird nur benutzt, um eine realistische Studie des Innenraums zu ermöglichen.

Robert Kampen, Rogier van der Weyden und andere

Darin steht er im Gegensatz zu seinem jüngeren Zeitgenossen Robert Kampen (1375-1444), der jetzt als Meister aus Flandern identifiziert wird. Die Van Eycks waren Hofmaler, die von der Aristokratie gefördert wurden; Kampen war ein Maler, der für bürgerliche Auftraggeber arbeitete. Seine religiösen Werke (z. B. das Altarbild Merode) und in noch stärkerem Maße die seines Schülers Rogier van der Weyden (1398-1464) - siehe sein großes „Kreuzabnahme“ (1425) - sind von Emotionen und leidenschaftlichen religiösen Gefühlen geprägt. Diese Zweiteilung zog sich durch die gesamte Geschichte der niederländischen Malerei, bis hin zum Zeitalter des großen Niederländers Rembrandt und des großen flämischen Meisters Rubens.

Jan van Eycks engster Nachfolger war der Brügger Maler Petrus Christus (um 1400-73), bekannt durch „Porträt eines jungen Mädchens“ (1470). Künstler wie Dirik Botes (1410-1475), Simon Marmion (1401-1465), Hans Memling (ca. 1430-94) von Brügge (siehe von Brügge (ca. 1430-94) arbeiteten unter dem Einfluss von Van der Weyden. Sein: Triptychon „Das Jüngste Gericht“, 1471 und Triptychon „Donne“, 1477-80), und, der individuellste von allen, Hugo van der Goes (1440-1482), der es mit dem Einfluss seines Meisters aufnehmen konnte, indem er das berühmte Portinari Altarbild in Florenz schuf, eines der prächtigsten und leidenschaftlichsten Beispiele flämischer Altarkunst, dessen Einfluss auf die Florentiner Renaissance weitreichend war.

Zu den anderen niederländischen Alten Meistern gehören der akribische Realist Gerrit David (1460-1523) aus Brügge und Antwerpen und der ausgebildete Miniaturist Jan Provost (1465-1529), der für seine Altarbilder berühmt ist; Quentin Massis (1465-1530), inspiriert von der italienischen Renaissance, bekannt für seine animalischen Porträts des Bürgertums; der Antwerpener Maler Joos van Cleuwe (1490-1540), bekannt für seine Altarbilder und Porträts mit religiösen Themen.

Nördliche Niederlande (Holland)

Die holländische Malerei, oder, wie man in dieser Zeit zu sagen pflegte, die Malerei der nördlichen Niederlande, war eher altmodisch, unbeholfen und naiv, aber wenn ihr auch die Raffinesse der flämischen Malerei fehlte, so gewann sie doch an Kraft und Gefühl. Hieronymus Bosch war der größte niederländische Maler des späten fünfzehnten Jahrhunderts - siehe, Jahrhunderts - siehe z. B. sein herausragendes biblisches Gemälde Triptychon „Voz hay“ (1516) -, aber wir sollten auch Albert van Water (aktiv Mitte des 15. Jahrhunderts), den Begründer der Haarlemer Schule, erwähnen; Geertgen tot sint Jans (ca. 1465-93), den Delfter Meister von Virgo inter Virgines (aktiv ca. 1480-1510).

Hieronymus Bosch

Während Leonardo, Raffael und Michelangelo die Ideale der klassischen Schönheit anstrebten, malte Bosch himmlische und höllische Visionen, deren märchenhafter Charakter direkt aus der Welt der mittelalterlichen Darstellungen zu stammen schien. Doch die Botschaft dieser Gemälde entsprach ganz dem Zeitgeist, denn im Gegensatz zur optimistischen Weltsicht der italienischen Renaissance „war die Eroberung der Wirklichkeit“ im Norden von Zweifel und Unsicherheit begleitet.

Die durch wirtschaftliche Veränderungen, Kriege, Pest und Hungersnöte ausgelösten sozialen Konflikte, die die Niederlande im 15. Jahrhundert heimsuchten, wurden als Zeichen dafür gewertet, dass sie den Zorn Gottes auf sich gezogen hatten und aus seinem allumfassenden göttlichen Schutz verstoßen worden waren. Diese Unsicherheit schlug sich in religiösem Fanatismus nieder: Endlose Prozessionen von Menschen geißelten sich selbst und beschuldigten sich selbst der Sündhaftigkeit, Hexenverfolgungen erreichten ein erschreckendes Ausmaß, und zahllose Sekten erklärten sich selbst zum einzigen Weg zur göttlichen Erlösung.

Nicht zuletzt wegen ihres Interesses an weltlicher Macht verlor die römische Kirche zunehmend ihre Autorität in Glaubensfragen und gab dem befriedeten Volk nicht mehr viel zu tun. Die Religion befand sich in einer tiefen Krise. Die Notwendigkeit einer Neuorientierung, einer Neuausrichtung - „die Reformation“ - war nicht mehr zu übersehen.

All dies fand seinen visuellen Ausdruck in den Werken von Hieronymus Bosch . Die Kunst der altniederländischen Maler steht in der direkten Tradition der mittelalterlichen Vorstellungen von Himmel und Hölle, die sie auf die Erde übertragen haben. Bosch macht die Hölle „irdisch“ und zeigt mit größter Genauigkeit die Abgründe des Menschen, seine Sündhaftigkeit und Unzulänglichkeit. Die kontinuierliche atmosphärische Ausarbeitung der Landschaft, der Menschen, der Tiere und der verschiedenen Arten von Materialität verleiht der Hölle „reale“ Dimensionen und schafft eine Hölle auf Erden.

Man kann davon ausgehen, dass die Gemälde in der beabsichtigten Absicht gemalt wurden und dass bestimmte Figuren und Details, die uns heute nur noch surreal erscheinen, von einem bestimmten Personenkreis entschlüsselt worden wären. Seine Phantasie, die ihn schon zu Lebzeiten berühmt gemacht hat, besteht darin, dass Realismus (im Malstil) und Symbolismus (in der Bedeutung) zu einem Ganzen verschmelzen. Gemälde, die einer Quelle zufolge schon damals Fälschungen waren, haben auch Jahrhunderte später noch eine seltsame Anziehungskraft.

Die Surrealisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts ähnlich erschreckende Traumbilder malten, nahmen ihn zum Vorbild. Doch Bosch hatte ganz andere Ziele als seine späteren Anhänger. Er wollte nicht die Abgründe der menschlichen Seele, sondern die Abgründe des menschlichen Handelns darstellen. Hinter seinen beklemmenden Visionen steckte ein anklagender moralischer Zeigefinger. Seine Bildwelten waren eine Warnung vor den Höllenqualen, die den Menschen für seine Missetaten im Diesseits erwarten könnten.

Niederländische Kunst (ab 1500)

Um die Jahrhundertwende beginnt sich die italienische Renaissance in den Niederlanden bemerkbar zu machen. Bis dahin waren die Italiener von der nördlichen Renaissance beeinflusst , vor allem von den Venezianern, die in ihrer Öltechnik und den Problemen der Lichtdarstellung mehr mit den Flamen gemein hatten. Jos van Wassenhove (tätig 1460-80) arbeitete in den 1470er Jahren in Urbino, Italien, aber sein Stil blieb, obwohl er von der italienischen Größe und Thematik beeinflusst war, erkennbar flämisch; aus den Gemälden von Rogier van der Weyden lässt sich nicht ableiten, dass auch er um 1450 nach Italien gereist ist. Der erste Flame, der italienische Einflüsse in Flandern erkennen lässt, ist Jan Gossart de Mabuse (1480-1533), aber er bleibt im Grunde genommen ganz und gar flämisch, nur mit einer Patina italienischer Themen und italienischen Stils.

Mabuse hatte großen Einfluss auf die so genannten „Antwerpener Manieristen“, wie Jan de Beer (1475-1536), sowie auf Bernard van Orly (1493-1542) aus Brüssel, der vor allem für seine Wandteppiche bekannt ist, und auf seinen Schüler Pieter Cocquet (1502-1550), den Meister des älteren Bruegel. Mehr über die Kunst Flanderns siehe: Flämische Malerei (1400-1800)

Die Auswirkungen der Renaissance waren in Holland ähnlich wie in Flandern. Lucas van Leyden (ca. 1480-1533) ist mehr als Kupferstecher und Zeichner denn als Maler bekannt, und der Einfluss von Dürer und Raffael ist in seinen feinen Zeichnungen spürbar. Jan Skorel von Utrecht (1495-1562) war der erfolgreichste unter den niederländischen Malern, der sich das Vorbild Raffaels zu eigen machte. Martin van Heemskerch (1498-1574) und seine Nachfolger in der so genannten „Haarlemer Akademie“ Henrik Goltzins (1558-1617), Abraham Blumart (1564-1651) und Jan Suenredam (1565-1607) ließen sich im Gegensatz zu Skorel von Michelangelo inspirieren und zeigten einen übertriebenen Manierismus .

Pieter Bruegel der Ältere

Etwa zur gleichen Zeit blühte in den Niederlanden die Landschaftsschule auf. Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1530-69), einer der wichtigsten flämischen Maler des sechzehnten Jahrhunderts, kann nicht als Landschaftsmaler in seiner reinsten Form betrachtet werden (vgl. unten). Jahrhunderts, kann nicht als Landschaftsmaler in seiner reinsten Form betrachtet werden (vgl. unten), da der größte Teil seines Werks aus großen figürlichen Kompositionen in der grotesken und im Wesentlichen einheimischen und nicht italienischen Manier von Bosch besteht; Aber streng genommen sind solche Gemälde wie „Jäger im Schnee“ (1565, Kunsthistorisches Museum, Wien) oder „Der Sturz des Ikarus“ (1558, Königliches Museum der Schönen Künste, Brüssel), sind in der Tat „Landschaften mit Figuren“, ebenso wie alle Werke von Claude Lorrain, und zahlreiche Federzeichnungen von Landschaften, von denen viele für den Kupferstecher angefertigt wurden, haben sich erhalten. Joachim Patenier (ca. 1490-1524) war ein weiterer Pionier der Landschaftsmalerei, der für seine (meist biblischen) Fantasiekompositionen im Geiste Boschs bekannt war. Paulus Brill (1554-1626), ein Antwerpener Maler, ließ sich früh in Rom nieder, wo er unter den Einfluss des deutschen Adam Elsheimer (1578-1610) geriet, und nimmt einen wichtigen Platz in der Geschichte der Landschaftsmalerei ein, indem er die Lücke zwischen Elsheimer und Claude schließt.

Ob Landschaft oder nicht, Bruegels Werke haben ein bedeutendes erzählerisches Element, einen moralischen und didaktischen Subtext, ähnlich dem von Hieronymus Bosch. Seine Malerei war gegenständlich wie die von Bosch, aber aufgrund seiner humanistischen Weltanschauung malte dieser hochkultivierte Künstler eher zeitgenössische, aktuelle Szenen als jenseitige Visionen der Hölle oder religiöse Themen.

Sein „Turmbau zu Babel“ ist - in Übereinstimmung mit der biblischen Moral - als Warnung vor der menschlichen Arroganz zu verstehen, die der Künstler möglicherweise selbst bei seinen Zeitgenossen beobachtet hat. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts war Antwerpen - die Stadt, in der Bruegel zur Zeit des Gemäldes lebte - in kürzester Zeit zu einer der größten Städte Europas geworden. Die Eröffnung des Seewegs um Afrika herum nach Indien und die Entdeckung Amerikas sorgten für ein schnelles Wachstum dieser an der Westküste gelegenen Hafenstadt. Waren und Menschen aus der ganzen Welt landeten in Antwerpen an. Hier herrschte ein fast babylonischer Diskurs, und viele Geschäftsleute, die über Nacht reich geworden waren, müssen in selbstgefälliger Selbstzufriedenheit gelebt haben.

Es ist kein Zufall, dass Bruegel das Motiv des Turmbaus zu Babel dreimal darstellte. Mit diesem Thema wurde er zu einem mahnenden Spiegel für seine Landsleute. Bruegels modernes Panorama wird zu einem Symbol, in dem die Landschaft nicht mehr Teil der (realen) Welt ist, sondern ein eigenständiger Kosmos. Stadt, Dorf, Berge, Flüsse, Küste und Himmel bilden eine globale Landschaft. Sie wird durch ihre malerische Ausführung geeint: In der sensiblen Wiedergabe von Licht und Farbe fügen sich kleinste Details zu einem Ganzen zusammen. Und diese Akribie lässt Bruegel auch bei der Behandlung des Blicks in die Ferne nicht vermissen - im Gegenteil, die Luft, die Atmosphäre selbst, wird ganz eigenständig dargestellt.

Die Verbindung von Realismus und Symbolismus, die Bruegel - dem Beispiel Boschs folgend - in die Darstellung „von Alltagsszenen“ einbrachte, wies neue Wege zur Entwicklung der niederländischen Kunst. Beispiele sind Fall der rebellischen Engel (1562, Königliches Museum der Schönen Künste, Brüssel), Verrückte Meg (Dulle Griet) (1562, Meyer van den Berg Museum), Bauernhochzeit (1568, Historisches Museum, Wien) , Gleichnis der Blinden (1568, Nationalmuseum von Capodimonte, Neapel), Niederländisches Gleichnis (1559, Staatliches Museum, Berlin) und die noch schaurigere Kreuzigung der Unschuldigen (um 1565-7). Diese Werke ebneten den Weg für die Genreszenen, die in den Werken der niederländischen realistischen Maler des folgenden Jahrhunderts ihren Höhepunkt erreichten.

Werke, die das Schaffen der flämischen und niederländischen Renaissance widerspiegeln, sind in vielen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.