Mittelalterliche Malerei:
Gotische Maler des Mittelalters Automatische übersetzen

Obwohl die mittelalterliche Kunst, die etwa zwischen dem dreizehnten und fünfzehnten Jahrhundert (ca. 1180-1420) entstand, im Wesentlichen im gotischen Stil gehalten war, handelte es sich für die bildenden Künste wie Malerei und Bildhauerei im Wesentlichen um eine Übergangszeit. In diesen Jahrhunderten wandelten sich die Ziele der Künstler radikal von den starren Formeln, die ihnen durch die romanische Malerei auferlegt wurden, die stark von der byzantinischen Kunst beeinflusst war, hin zu einer realistischen Darstellung der Welt und dem Wunsch, die dreidimensionale Wirkung in der Malerei zu beherrschen, in Übereinstimmung mit den neuen Ideen, die durch die italienische Malerei der Vorrenaissance (1300-1400) und später durch die Florentiner Renaissance (1400-1512) eingeführt wurden .

Die Kunst dieser Periode war zwar stilistisch sehr unterschiedlich, aber durch mehrere gemeinsame Faktoren geeint. Der wichtigste davon war die anhaltende Dominanz der christlichen Kunst, denn die meisten mittelalterlichen Kunstwerke erfüllten nach wie vor in erster Linie eine religiöse Funktion, wie dies schon seit frühchristlichen Zeiten der Fall war. Die meisten Tafelbilder stellten nach wie vor religiöse Themen dar und waren für einen religiösen Rahmen bestimmt - zum Beispiel kirchliche Altarbilder, darunter sowohl Diptychon als auch Triptychon, und Polyptychon Altarbilder: Siehe zum Beispiel das Dijon-Altarbild (1390er Jahre, Musée des Beaux-Arts, Dijon) des flämischen Künstlers Melchior Broderlam (c. 1350-1411), dem offiziellen Maler von Philipp dem Kühnen. Darüber hinaus wurden fast alle Fresken noch für Kircheninnenräume geschaffen. Die gotische Malerei lässt sich am besten als biblische Kunst charakterisieren, da sie noch Themen aus dem Alten und Neuen Testament und dem Heiligenkalender enthält.

Für eine umfassendere Betrachtung des religiösen Charakters der mittelalterlichen Malerei siehe Frühchristliche Kunst (150-1100) und Christliche Kunst des Mittelalters (600-1200), und Russische Malerei des Mittelalters (ca. 950-1100).

Die meisten illuminierten Handschriften bestanden ebenfalls aus biblischen Texten, die entweder für die öffentliche Lektüre oder für die private Andacht bestimmt waren. Zunehmend wurden jedoch auch Aspekte des weltlichen Lebens mit dem religiösen Leben verwoben. Skurrile und amüsante Figuren („drolleries“) wurden häufig an den Rändern von Psaltern dargestellt. Die Kapelle des Herzogs von Berry wurde mit Szenen geschmückt, die die Eleganz und Raffinesse des höfischen Lebens zeigen (siehe: die prächtige Kapelle des Herzogs von Berry im Musée de Condé in Châtilly, gemalt von den Brüdern Van Limburg im Jahr 1413). In diesen weltlichen Details kommt der Wunsch zum Ausdruck, nicht nur religiöse Gefühle auszudrücken, sondern die Vielfalt des zeitgenössischen Lebens und der Jahreszeiten realistisch darzustellen. Unter den Künstlern wuchs die Überzeugung, dass alle Aktivitäten von Gott geschaffen wurden und Teil seines Plans sind. Daher sind sie alle einer Aufzeichnung würdig. (Siehe auch: Die Herstellung von illuminierten Handschriften .)

Das zweite verbindende Prinzip war die anhaltende Bedeutung der dekorativen Künste in all ihren Möglichkeiten. Die Hintergründe religiöser Gemälde waren oft aus Gold, auf die mit erhitzten Werkzeugen Muster eingeprägt wurden, ein Verfahren, das als „tooling“ bekannt ist. Manchmal wurden mehrfarbige Tücher oder Mosaike (Muster aus regelmäßigen Rauten oder Rosenkränzen) verwendet, um den Hintergrund zu füllen. Der Sinn für elegantes Design wurde durch die Kurven von Draperien und das Schwingen des menschlichen Körpers befriedigt. Die Körper wurden nicht mehr starr und marionettenhaft dargestellt, sondern die Gliedmaßen und Bewegungen wurden fließender. (Siehe z. B. die Werke von Buchmalern wie Jean Pucelle und Jacquemart de Esden sowie des Tafelmalers Engerrand de Charenton (Quarton) .)

Zu diesen Faktoren kam die Bedeutung der architektonischen Gestaltung hinzu. Der gotische Künstler rahmte seine Gemälde oft mit einem Bogen ein, durch den der Betrachter wie durch ein Fenster schauen sollte. (Diese Technik wurde in der flämischen und französischen Malerei im vierzehnten und fünfzehnten Jahrhundert sehr beliebt). Die Einbeziehung architektonischer Elemente in die Malerei wird ebenso notwendig wie die Nischen und Baldachine, die die gotische Skulptur einrahmen.

Neue Kunstmäzene

Die Veränderungen in der Kunst während des Hoch- und Spätmittelalters wurden durch die sich rasch verändernden sozialen Bedingungen hervorgerufen. Der Handel wuchs und die mit dem Handel verbundenen Städte blühten auf. Infolgedessen wurden nicht nur die Königshöfe reicher, sondern auch wohlhabendere Bürger und Kaufleute waren in der Lage, eigene Kunstwerke zu erwerben. Zu Beginn des fünfzehnten Jahrhunderts konnte jeder Bürger damit rechnen, seine eigene Kapelle zu besitzen.

Die Städte selbst begannen, die Kunst zu fördern. So gab der Stadtrat von Siena 1308 ein großes Altarbild des italienischen Meisters Duccio di Buoninsegna (ca. 1255-1319), des berühmtesten Vertreters der sienesischen Malschule (1250-1550), in Auftrag. Das als „Altarbild der Maesta“ (1311) bekannte Werk wurde drei Jahre später vollendet und unter Trompeten- und Glockengeläut und in Begleitung von Würdenträgern der Stadt und der Kirche feierlich aus dem Atelier des Künstlers in die Kathedrale getragen, wo es auf dem Hochaltar aufgestellt wurde.

Simone Martini (1284-1344) schuf ein weiteres exquisites Altarbild für den Dom von Siena, sein Triptychon der Verkündigung (1333). All diese religiöse Kunst war ein Ausdruck des Bürgerstolzes, aber der Bürgerstolz kam auch in rein weltlichen Werken zum Ausdruck. So beauftragte der Stadtrat von Siena Ambrogio Lorenzetti (ca. 1285-1348) mit der Anfertigung einer Serie von sechs Fresken mit dem Titel „Allegorie der guten und schlechten Regierung“ (1338-9) für das Rathaus.

Bücher waren gefragt, und die beliebtesten unter ihnen, Bücher über die höfische Liebe, wie Der Rosenroman, sowie Werke der klassischen Schriftsteller Terenz und Ovid, wurden illuminiert. (Siehe hierzu insbesondere unsere Artikel: Gotische illuminierte Handschriften und Internationale gotische Illuminationen . Zu früheren Arbeiten siehe: Mittelalterliche Handschriftenilluminationen). Die Ateliers der Künstler wurden aufgrund der wachsenden Nachfrage nach allen Arten von Kunst immer größer und befanden sich in der Regel in den großen Einkaufszentren. Im Allgemeinen wurde das Leben in vielen Städten im vierzehnten Jahrhundert immer wohlhabender, wohlhabender und kultivierter.

Für einen neuen Typus von Kunstmäzen, der seinen Reichtum und sein hohes Ansehen in der Gesellschaft demonstrieren wollte, waren die wichtigsten Aspekte der Kunst die Kosten für die verwendeten Materialien, die Anzahl der verfügbaren Gemälde und die technische Virtuosität, die sie darstellten. Das folgende Schreiben eines Kaufmanns aus Avignon an Florenz, der im Auftrag eines wohlhabenden Mäzens handelte, verdeutlicht diese Bedenken:

"Schickt eine Tafel mit der Darstellung der Jungfrau Maria vor einem Hintergrund aus feinem Gold…., die ein schönes Schauspiel mit guten und schönen Figuren darstellt, von dem besten Künstler und mit vielen Figuren. In der Mitte soll der Herr am Kreuz oder die Muttergottes stehen, was immer du findest, ist mir gleichgültig, solange die Figuren schön und groß sind, die besten und feinsten, die du bekommen kannst, und nicht mehr als fünfeinhalb Gulden kosten."

Kunsthandwerker, nicht Künstler

Daraus wird deutlich, dass im Allgemeinen mittelalterliche Künstler kaum den Status hatten, den Maler und Bildhauer der Renaissance später erlangten. In der Tat ist die Vorstellung, dass der mittelalterliche Künstler auf Inspiration hin handelt und Themen malt, um sich selbst zu gefallen, in dieser Zeit fast unbekannt. Erst im sechzehnten Jahrhundert - durch die Bemühungen von Leonardo da Vinci (1452-1519) und Michelangelo (1475-1564) und anderen - wurde diese Auffassung vom Künstler anerkannt. Die Betonung lag auf dem Gemälde und nicht auf dem Künstler, der seit der Romanik in der Hierarchie der Handwerker eher niedrig angesiedelt war - viel niedriger als zum Beispiel ein Juwelier oder ein Architekt. (Für weitere Einzelheiten siehe Schmuck und Die Kunst der Metallbearbeitung, und Gotische Architektur).

Mit Ausnahme einiger italienischer Werke - zum Beispiel von Künstlern wie Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti und Giotto - blieben die meisten Gemälde unsigniert. In der Regel werden die Gemälde eher einer bestimmten Schule als einzelnen Künstlern zugeschrieben. Manchmal, wenn das Werk eines Meisters berühmt wurde, malte seine Werkstatt nach seinem Tod weiter in seinem Stil. Aber auch solche Meister blieben oft namenlos, wie der Meister von Flemalle, der erst vor relativ kurzer Zeit als Robert Campen (1378-1444) identifiziert wurde.

Der Status des Künstlers änderte sich jedoch. Im Mittelalter war die überwiegende Mehrheit der Künstler Priester, gegen Ende der Epoche waren die meisten Laien. Einige Künstler, die es zu Ruhm brachten, wurden vom Adel mit Gunstbezeugungen überhäuft. Die Gebrüder Limburgi , die die Kapelle des Herzogs von Berry illustrierten, wurden beispielsweise so hoch geschätzt, dass der Herzog sie zu Herren seines Schlafgemachs ernannte. Giotto, der große italienische Maler, der von etwa 1267 bis 1337 lebte, wurde von den Stadtvätern so sehr bewundert, dass er zum Oberaufseher der Kathedralarbeiten in Florenz und zum Stadtarchitekten ernannt wurde. Diese Beispiele sind nicht typisch für alle Künstler, aber eine solche Anerkennung hätte es im frühen Mittelalter nie gegeben.

Es ist unmöglich, in der Kunst dieser Jahrhunderte eine gleichmäßige Entwicklungslinie zum Realismus zu verfolgen. Neuerungen, die in einigen Teilen Europas eingeführt wurden, wurden, wenn überhaupt, erst nach einiger Zeit von anderen Ländern übernommen. Jahrhunderts mehrere italienische Künstler Fortschritte gemacht hatten, die später als der Beginn eines neuen Zeitalters der europäischen Kunst anerkannt wurden, das als italienische Renaissance bekannt wurde, wurden ihre Ideen erst viel später vollständig akzeptiert.

In den Werken des italienischen Malers Cimabue (ca. 1240-1302) waren bereits Ansätze von Realismus zu erkennen, aber die Gemälde des sienesischen Malers Duccio weisen eine größere Flexibilität des Stils und eine größere emotionale Bandbreite auf. Sein sensibler Ansatz zeigt sich in den geschmeidigen Bewegungen seiner Figuren, in der Annahme von Tiefe und Schatten und in den reichen Farbpigmenten, die er verwendet. Das dekorative Element bleibt in der unveränderten Verwendung von Gold als Hintergrund erhalten, aber es eröffnet sich eine ganz neue expressive und dramatische Bandbreite in seiner Malerei, die in dem Altarbild „Maestas“ ihren Höhepunkt erreicht.

Giottos neuer Stil der realistischen Malerei

Eine neue dramatische Qualität erreicht ihren Höhepunkt in den Fresken des berühmtesten der frühen italienischen Maler, Giotto di Bondone (ca. 1267-1337). Giotto ist für die italienische Malerei das, was Chaucer für die englische Literatur ist - „die Vaterfigur“ und der führende Maler des Trecento (1300-1400). Die enormen Fortschritte, die er bei der Beherrschung der Raumwirkung und der Massivität seiner Figuren gemacht hat, werden von der emotionalen Kraft seiner Figuren übertroffen. Hier ist der Bruch mit den früheren Stilen am deutlichsten zu erkennen - Giotto bemüht sich, seine Figuren so menschlich wie möglich zu gestalten, damit wir mit ihnen mitfühlen können.

In seinen Fresken der Scrovegni-Kapelle (Arena) in Padua, die zwischen 1305 und 1310 entstanden sind, wird das ganze Drama des Lebens Christi ausschließlich durch Menschen, ihre Gestik und Mimik ausgedrückt. Siehe zum Beispiel Giottos Gemälde Der Verrat Christi (Kuss des Judas) (1305) und Die Beweinung Christi (1305). Durch die Verwendung einfacher, übersichtlicher Formen erreicht Giotto eine Monumentalität, die wirklich unvergesslich ist. Diese Fresken bestimmten weitgehend die Epoche der Proto-Renaissance (1300-1400) und begründeten Giottos Ruf als wichtiger Wegbereiter der eigentlichen Renaissancekunst .

Internationaler gotischer Stil

Die Auswirkungen dieser revolutionären Veränderungen waren jedoch nicht sofort zu spüren. Bis zum Ende des vierzehnten Jahrhunderts nahm die gotische Malerei im übrigen Europa nur einige Aspekte der italienischen Errungenschaften auf und verschmolz sie mit ihrer eigenen stilisierten und dekorativen Tradition. Aus dieser Verschmelzung entwickelte sich ein eleganter und raffinierter Malstil, der sich durch weiche Farben und zarte Gesichtsausdrücke, fließende Linien und langgestreckte, geschwungene Körper auszeichnet. Dieser raffinierte, subtile Kunststil war besonders bei den Höflingen beliebt.

Viele Bücher wurden in diesem Stil illuminiert, mit reizvoll verzierten Rändern und lebendigen Szenen am unteren Rand der Seite. Durch Handelsbeziehungen, die dynastischen Verbindungen der europäischen Königshäuser und den Strom von Künstlern und Kunstwerken von Land zu Land verbreitete sich dieser Stil weit. Aus diesem Grund wurde er als Internationale Gotik bekannt. Sie wurde in so weit entfernten Zentren wie London, Avignon, dem Rheinland und sogar Böhmen praktiziert. In Nordeuropa blieb der internationale Stil während der zweiten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts statisch.

Es ist wichtig festzustellen, dass die Brüder Van Limburg, die am burgundischen Hof in Frankreich arbeiteten und sich durch einen für französische Künstler außergewöhnlichen Realismus in ihren Sujets und perspektivischen Effekten auszeichneten, keine unmittelbaren Nachfolger hatten. Die Kunst des französischen Hofes war zu sehr in der Stilisierung verhaftet, um auf sie zu reagieren. (Mehr zu den Techniken der Buchmalerei siehe: Miniaturmalerei, ab 600).

Renaissance

Im frühen fünfzehnten Jahrhundert begannen einige Künstler in Italien, sich einem größeren Realismus zuzuwenden. (Siehe: Frührenaissance)) Dies manifestierte sich in der Erstellung einiger Abhandlungen, die realistische und genaue Illustrationen erforderten, damit das Buch für den Leser nützlich war. So gab es im vierzehnten Jahrhundert mehrere illustrierte Ausgaben einer Abhandlung über Hygiene, die von einem Mann namens Albucasem verfasst worden war. Sie mussten die Pflanzen genau abbilden, damit sie leicht zu erkennen waren, und es entstand die Tradition, sie im Kontext der Landschaft darzustellen. Dies war die Geburtsstunde der realistischen Landschaftsmalerei und inspirierte wahrscheinlich die Brüder Limburg zu den bemerkenswerten Landschaften in ihrer „Kapelle“.

Eine weitere Tendenz zum Realismus entwickelte sich in einer Reihe von Stundenbüchern und Psaltern, die für die Bürger von Haarlem und Utrecht angefertigt wurden. Diese waren weit genug von den Höfen entfernt, um nicht durch den akzeptierten Stil beeinflusst zu werden. Diese Menschen wollten, dass die Kunst ihren komfortablen Lebensstandard widerspiegelt. Diese Buchillustrationen bestanden nicht aus aufwendigen Blattgolddekorationen, sondern oft aus einfachen Federzeichnungen mit Farblasuren, die den Mangel an edlen Materialien durch eine Fülle von häuslichen Details kompensierten.

Dieser Stil der getreuen Darstellung des Alltagslebens wurde von dem großen Maler Rogier van der Weyden (1400-1464) übernommen. Seine Malerei hat etwas von der Farb- und Formgenauigkeit, die in den Werken seines berühmten Zeitgenossen Jan van Eyck zu finden ist, aber im Vergleich zu van Eyck ist Rogier in seiner Verwendung von Linie, Stilisierung und traditioneller religiöser Symbolik noch gotisch. Nichtsdestotrotz war sein Gebrauch von alltäglichen Details sehr einflussreich und trug zur Entwicklung der realistischen Schule der flämischen Malerei bei (ca. 1400-1800). Siehe auch Die größten flämischen Maler (ca. 1400-1750).

ENTWICKLUNG DER KUNST
Zur Geschichte der Malerei siehe: Geschichte der Kunst (800 v. Chr. bis heute). Für weitere Einzelheiten siehe:
Chronologie der Kunstgeschichte . Für spezifische Stile, siehe: Künstlerische Bewegungen .

Artikel zum Thema

Romanischer Stil (ca. 1000-1200) Malerei, Glasmalerei, Elfenbeinschnitzerei, Metallarbeiten und Emaillierung.

Romanische Bildhauerei (ca. 1000-1200) Ursprünge, Merkmale.

Gotischer Baustil (ca. 1120-1500) Gfhzobtstrebepfeiler, Spitzbögen, große Glasfenster.

Gotische Kathedralen (ca. 1140-1500) Schätze des mittelalterlichen Kunsthandwerks.

Maas-Schule (ca. 1050-1250) Belgische Schule für mittelalterliche Metallarbeiten und plastische Kunst.