Malerei der Frührenaissance, Italien Automatische übersetzen

Die Kunst der Frührenaissance war in Italien vor allem eine Periode des Experimentierens, die eher durch die Stile einzelner Künstler als durch eine einheitliche Tendenz gekennzeichnet war, wie im Fall der Hochrenaissance (ca. 1490-1530) oder des Manierismus (ca. 1530-1600). Die Malerei der Frührenaissance entwickelte sich in Florenz, von wo aus sie sich ab der Jahrhundertmitte in Städten wie Urbino, Ferrara, Padua, Mantua, Mailand und Venedig verbreitete.

Die frühe Renaissance in Italien: Merkmale (ca. 1400-1490)

Das politische Klima im Italien der Renaissance war oft instabil, obwohl Florenz ein intellektuelles und kulturelles Umfeld bot, das der Entwicklung der Künste sehr förderlich war. Das vorherrschende philosophische Klima des Humanismus begünstigte beispielsweise die in der florentinischen Malerei bereits unter Giotto (1270-1337) erkennbare Tendenz, die Welt in menschlichen Begriffen zu sehen.

Zu Beginn des Quatrocento betonte Mazaccio (1401-1428) in seinem Gemälde Die Vertreibung aus dem Garten Eden (Brancacci-Kapelle, Santa Maria del Carmine, Florenz) eine ausschließlich menschliche Perspektive und nicht eine theologische. Ebenso scheinen sowohl Mazaccio in seinem Fresko „Heilige Dreifaltigkeit“ (Santa Maria Novella, Florenz) als auch Fra Angelico (um 1400-55) in seinem Altarbild von San Marco den menschlichen Beziehungen zwischen den Figuren mehr Aufmerksamkeit geschenkt zu haben als den rein andächtigen Aspekten der Komposition. In ähnlicher Weise widmeten die Maler der Renaissance der Beziehung zwischen dem Gemälde und dem Betrachter mehr und mehr Aufmerksamkeit.

Dieser besondere Aspekt hing in hohem Maße von der Erfindung des Einpunktsystems der Linearperspektive ab, das seinerseits aus neuen Erkenntnissen und einer neuen Sicht der Welt entstand. Das empirische System, das aus den mathematischen Studien des Architekten Filippo Brunelleschi (1377-1446) hervorging, wurde von Leon Battista Alberti (1404-1472) in seinem Traktat über die schönen Künste mit dem Titel Della Pittura in eine theoretische Form gebracht und allgemein angewendet .

Anmerkung: Ein Großteil der frühen Arbeiten zur Zuschreibung von Gemälden stammt von dem Kunsthistoriker Bernard Berenson (1865-1959), der die meiste Zeit seines Lebens in der Nähe von Florenz lebte und landesweit eine Reihe äußerst einflussreicher Werke über die italienische Renaissance veröffentlichte.

Tommaso Mazaccio (1401-1428)

Es ist nicht verwunderlich, dass Mazaccio als Vater der Renaissancemalerei bekannt ist, denn jeder bedeutende Maler des 15. und 16. Mazaccio ist der künstlerische Erbe der Tradition Giottos, aber sein Werk lehnt sich nicht direkt an den früheren Meister an. Mazaccio war auch mit Brunelleschi befreundet, der ihn möglicherweise die Perspektive und die Schaffung eines rational gegliederten Raums lehrte. Er war auch mit dem florentinischen Bildhauer Donatello (1386-1466) befreundet, von dem er die Wirksamkeit einfacher Faltenwürfe auf einer mächtigen Figur gelernt haben könnte.

Unabhängig von seinen kreativen Ressourcen zeigen Mazaccios überlieferte Werke, dass er sich für einfache Figuren interessierte, die in einfache Draperien gekleidet waren. Er beschäftigte sich auch mit dem Licht und damit, wie es die Illusion der Massivität der gemalten Figur erzeugt. In seinen Gemälden schuf er einen klaren und gut organisierten Raum und versuchte vor allem, menschliche Figuren zu schaffen, die eine Art von zielgerichteter menschlicher Aktivität ausüben.

Das einzige Werk von ihm, das eindeutig datiert werden kann, ist das Altarbild von Pisa aus dem Jahr 1426 (von dem die mittlere Tafel mit der Darstellung der Madonna mit dem Christuskind und den Engeln, die heute in der National Gallery in London hängt, den größten Teil ausmacht). Obwohl Mazaccio der mittelalterlichen Tradition des Goldhintergrunds folgte, zeigen die architektonischen Elemente des Throns den Einfluss des antiken Roms. Außerdem ist seine Madonna nicht mehr eine anmutige himmlische Königin, sondern eine irdische Mutter mit einem Säugling auf dem Schoß. Die Figur des Christuskindes ist eine klare Demonstration, wie Licht und Schatten in der Malerei manipuliert werden können, um die Illusion eines dreidimensionalen Körpers zu schaffen.

Mit diesem Gemälde legte Mazaccio den Grundstein für eines der wichtigsten Themen der florentinischen Malerei. Seine Betonung der skulptural konzipierten, in Licht getauchten und klar und einfach ausgeführten Figur ermöglicht ein Werk von stiller Würde und großer Monumentalität in dem Sinne, dass es größer erscheint als es ist.

Mazaccios großer Freskenzyklus der Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz verleiht der Kunst der Frührenaissance eine weitere Dimension. In diesem erzählenden Zyklus über das Leben des Heiligen Petrus wählte er den wichtigsten Moment der Erzählung aus und hielt dann das Drama fest, indem er die menschlichen Reaktionen darauf offenlegte. In diesen Werken bewies Mazaccio auch seinen Sinn für die reale Welt, denn das Licht in den Gemälden, das durch die Schatten angedeutet wird, entspricht dem natürlichen Licht, das auf die Kapellenwände fällt.

Heilige Dreifaltigkeit (1428) in Santa Maria Novella, Florenz, fasst auf spektakuläre Weise Mazaccios kurze Karriere sowie die Ästhetik der Malerei der Frührenaissance zusammen. Die skulpturalen Figuren haben eine noch größere Würde erlangt. Die Dramatik des Werks zeigt sich in den berührenden menschlichen Ausdrücken, wenn sich die Madonna dem Betrachter zuwendet, um auf ihren gekreuzigten Sohn zu zeigen. Mazaccio nutzt nicht nur das Licht, um den Raum des Gemäldes mit dem des Betrachters zu vereinen, sondern verwendet auch das wohl früheste Beispiel der Einpunktperspektive, die später von Alberti formuliert wurde. Alle hohen Ziele der Malerei der Frührenaissance sind in diesem Werk präsent: Einfachheit, Kraft, Monumentalität, der Mensch als Betrachter und Teilnehmer.

Mazaccio hatte keine unmittelbaren Nachfolger von gleichem Kaliber, obwohl es eine Gruppe anderer florentinischer Maler gab, die ungefähr im gleichen Alter wie Mazaccio waren, nämlich Fra Filippo Lippi, Fra Angelico und Paolo Uccello, die mehr oder weniger in seine Fußstapfen traten. Der innovative sienesische Meister Giovanni di Paolo (ca. 1400-82), der für seine kleinen religiösen Tafeln bekannt ist, war ein weiterer Zeitgenosse von Mazaccio.

Fra Filippo Lippi (ca. 1406-69)

Fra Filippo Lippi war ein Florentiner Karmelitermönch, der seine Jugend und den Beginn seines Erwachsenenlebens im Kloster Santa Maria del Carmine verbrachte, wo er die religiösen Gemälde von Mazaccio täglich vor Augen hatte. Lippis frühestes Werk, Madonna mit Kind (1437) aus Tarquinia Corneto, lehnt sich an die Madonna aus dem Pisaner Altarbild an, aber schon in seinem Christus zeigt Fra Filippo eine Erdverbundenheit und eine rührende Süße, die sich von allen Werken Masaccios unterscheidet. Die Madonna mit Kind und zwei Engeln (Uffizien, Florenz) - mit ihren igelartigen Engeln und der eleganten Madonna - ist vielleicht eines seiner bekanntesten Spätwerke: Die Platzierung der Madonna an einem offenen Fenster ist ein Schlüsselmerkmal späterer Renaissance-Porträts - siehe „Mona Lisa“ von Leonardo da Vinci (1503-6) - während die Eleganz und Anmut der Jungfrau Maria ihren größten Ausdruck im Werk von Lippis Schüler Alessandro Botticelli (1445-1510) fand.

Fra Angelico (1400-1455)

Fra Angelico wurde kurz vor Masaccio geboren und war ein Dominikanermönch, der in Fiesole und im Silvestrina-Kloster auf San Marco in Florenz lebte. Sein frühestes Gemälde, der Linaioli-Altar (Museo San Marco, Florenz) von 1433, steht in der Tradition der mittelalterlichen gotischen Kunst, obwohl die männlichen Heiligen in den Seitentafeln bereits den Einfluss von Mazaccio erkennen lassen.

Das Altarbild, das er 1438-1440 für den Hochaltar von San Marco schuf, ist ein Meilenstein der frühen Florentiner Renaissance . Es stellt das erste Mal in Florenz eine heilige Konversation dar, bei der Engel, Heilige und manchmal auch Stifter im selben Raum wie die Madonna und das Christuskind platziert sind, und bei der die Dargestellten in ein Gespräch vertieft zu sein scheinen.

Das Altarbild ist nicht nur ein Beispiel für eine neue Phase der religiösen Kunst, sondern zeigt auch den Einfluss von Masaccio in der bildhauerischen Gestaltung der Figuren und ein genaues Verständnis der perspektivischen Theorien von Alberti. Etwa zur gleichen Zeit erhielt Fra Angelico den Auftrag, die Räume der Mönche von San Marco mit traditionellen frommen Gemälden zu schmücken, was ihm die Ausführung einiger seiner besten Werke ermöglichte. So ist das Gemälde Verkündigung (1450), das er für den Nordkorridor des Klosters malte, wahrscheinlich seine beste Version dieses traditionellen Themas. Diesem Projekt folgten Gemälde in der Kapelle von Nikolaus V. im Vatikan.

Paolo Uccello (1397-1475)

Der Ruf von Paolo Uccello als früher Vertreter der Perspektive neigt dazu, sein immenses Talent in der dekorativen Kunst zu überschatten. Ein Studium seiner Gemälde zeigt, dass er sich mehr für die mittelalterliche Optik als für das mathematische System der Perspektive interessierte, das von Alberti und Brunelleschi vertreten wurde.

Sein frühestes bekanntes Werk, ein Fresko von 1436 „Sir John Hawkwood“ in der Kathedrale von Florenz, ist ein dekoratives Werk von sehr hohem Rang. Uccello ist vor allem für die drei Tafeln seines berühmten Gemäldes „Die Schlacht von San Romano“ (1438-55) bekannt, das für den Palast der Medici gemalt wurde (heute im Louvre, Paris, in der National Gallery, London, und in den Uffizien). Die Gemälde waren als Wandschmuck gedacht und ähneln daher Wandteppichen: Uccello ist nur daran interessiert, einen kleinen kastenförmigen Raum für die Handlung zu schaffen, während er den Hintergrund mit einer Wandteppich-ähnlichen Komposition von Menschen und Tieren vervollständigt. Sein Hauptanliegen ist die rhythmische Anordnung der Elemente der Komposition auf der Fläche, die er durch die Wiederholung von Bögen und Kreisen hervorhebt.

Uccellos Betonung der dekorativen und linearen Aspekte der Malerei hatte einen bedeutenden Einfluss auf die florentinischen Maler des cassone (Brust) und fand seinen größten Fürsprecher in dem florentinischen Meister Botticelli. Siehe auch sein Spätwerk „Jagd im Wald“ (1470), im Ashmolean Museum, Oxford.

Andrea del Castagno (1420-1457)

Masaccio hatte vielleicht den größten Einfluss auf drei junge Künstler, Castagno, Domenico Veneziano und Piero della Francesca. Der kurzlebige Andrea del Castagno (1420-1457) war der Anführer der Gruppe. Sein Letztes Abendmahl (1447) für das ehemalige Kloster Sant’Apollonia in Florenz zeigt deutlich den Einfluss von Masaccio in der Bildhauerei, der Arbeit mit dem Licht und der Schaffung eines glaubwürdigen und rational gestalteten Raums. Castagno zeigt auch ein pedantisches Interesse an der Antike, indem er Sphinxen an den Enden der Bänke und fiktive Marmorplatten an der Rückwand verwendet, die exakte Nachbildungen römischer Artefakte sind.

Castagnos Stil hat sich in seiner letzten Schaffensperiode dramatisch verändert, hin zu einer intensiven, ausdrucksstarken Emotionalität, die - merkwürdigerweise - mit einer ähnlichen Entwicklung in den Werken seiner Zeitgenossen einhergeht. So war sein Gemälde „Dreifaltigkeit vor den Heiligen Hieronymus, Paulus und Eustochius“ (1455) in der Florentiner Kirche Santissima Annunziata zunächst mit ruhigen und ausgeglichenen Figuren ausgeführt, wie die Untermalung beweist. Im vollendeten Werk jedoch sind die Figuren, obwohl plastisch konzipiert, störend in der ausgemergelten Gestalt des Heiligen Hieronymus und dem radikal konzipierten Körper des gekreuzigten Christus.

Der Optimismus, die Rationalität und das ausgewogene menschliche Drama der früheren Renaissance in Florenz werden durch einen persönlicheren, expressiveren und lineareren Stil ersetzt.

Domenico Veneziano (1416-1461)

Ein weiteres Merkmal dieser neuen Tendenz ist im Werk des rätselhaften Domenico Veneziano zu finden. Sein Name deutet darauf hin, dass er aus Venedig stammte, und es ist überliefert, dass er 1438 in Florenz eintraf. Er war mit Fra Angelico und Andrea del Castagno befreundet und war an der Ausbildung des jüngeren Piero della Francesca beteiligt.

Venetianos Altarbild der heiligen Lucia (ca. 1445-50, Uffizien) ist ein Beispiel für das Genre der sakralen Konversation und steht eindeutig in der Schuld sowohl der Malerei von Mazaccio als auch der früheren Skulptur des Florentiners Nanni di Banco (1375-1421). Die Farbgebung des Altarbildes stammt jedoch von Domenico selbst und hat nichts mit der florentinischen Tradition zu tun. Die Kombination von Hellgrün und Rosa und die helle Tonalität verweisen auf die venezianische Renaissance und seine erste Ausbildung in dieser Stadt. Durch die Absenkung des Fluchtpunkts, so dass sich die Figuren über den Betrachter zu erheben scheinen, wird die Monumentalität des Gemäldes verstärkt, aber das Gefühl, dass der Betrachter in das Bild involviert ist, wird entsprechend abgeschwächt.

Piero della Francesca (1415-1492)

Nach seiner frühen künstlerischen Ausbildung in Florenz verbrachte Piero della Francesca den größten Teil seiner Karriere als Maler außerhalb der Stadt, unter anderem in Urbino, Arezzo, Rimini und in seinem Geburtsort Borgo San Sepolcro in Umbrien. Sein berühmtestes Meisterwerk Geißelung Christi (1450-60), das sich heute in der Galleria Nazionale delle Marche in Urbino befindet, zeugt von einem ausgeprägten Interesse an Mathematik, Perspektive und Proportionen.

Die skulpturalen Figuren sind in einem klaren, rationalen Raum angeordnet und von kühlem Licht durchflutet. Dies verleiht ihnen eine ruhige Würde, die nur mit der antiken griechischen Bildhauerei verglichen werden kann. Eine ähnliche Tendenz lässt sich in Pieros Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo erkennen. Piero della Francescas Herangehensweise an die Malerei hatte einen deutlichen Einfluss auf jüngere Künstler, darunter der Spezialist für Verkürzungen und Quadraturist Melozzo da Forli (1438-1494).

Zwischen 1465-75 gab es eine vorübergehende Pause in der Florentiner Renaissancemalerei. Die älteren Künstler waren alle verstorben, und die Künstler, die die zweite Hälfte des Jahrhunderts dominieren sollten, waren zu jung, um mit ihnen in Kontakt zu kommen. Drei dieser jungen Künstler, Antonio Pollaiuolo, Alessandro Botticelli und Andrea del Verrocchio, begannen ihre Karriere als Goldschmiede, was die lineare und dekorative Betonung und den Sinn für Bewegung in der florentinischen Malerei des späten Quatrocento erklärt.

Antonio Pollaiuolo (1432-1498)

Antonio Pollaiuolo war nicht nur Goldschmied, sondern auch Bildhauer, Maler, Graveur und Architekt. Sein Werk zeigt eine Faszination für Muskeln in Aktion, und er soll der erste Künstler gewesen sein, der den menschlichen Körper sezierte. Auf dem berühmten Altarbild „Martyrium des Heiligen Sebastian“ (1475, National Gallery, London) zeigt er Bogenschützen von beiden Seiten, um ihre Muskeltätigkeit zu demonstrieren. Seine Skulptur „Herkules und Antäus“, wie auch der Stich „Kampf der Nackten“, stellt einen heftigen Kampf dar. „Entführung der Deianira“ (Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut) hebt ein weiteres neues Element der florentinischen Malerei hervor, nämlich die Landschaftskulisse - in diesem Fall ein schöner Blick auf das Arnotal mit Florenz im Hintergrund.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Ein ähnliches Interesse an sich bewegenden Figuren, dem Gefühl der Bewegung über die Bildfläche und der Landschaft findet sich in den frühen Werken von Botticelli, einem der vielen großen Künstler, die von der Familie Medici in Florenz gefördert wurden . In seinem berühmten Werk „Primavera“ (1482-3, Uffizien) verwendet er Linien in der Darstellung von Haaren, flatternden Draperien und dem Umriss einer Hand, um die Bewegung der Figuren zu vermitteln. Gleichzeitig erzeugt der Fluss der Figuren eine lineare Bewegung über die Oberfläche des Gemäldes, ein Auf- und Absteigen.

Ähnliche Bewegungseffekte sind in einem anderen seiner Meisterwerke zu erkennen „Geburt der Venus“ (1484-6) Uffizien, Florenz). Botticellis berühmte Gemälde „Madonna mit Kind“ zeigen eine Süße, die von Fra Filippo Lippi entlehnt werden kann, sowie seinen eigenen Sinn für Eleganz. Leider erlitt Botticelli nach dem Terror und dem Chaos, das der fanatische religiöse Reformator Girolamo Savonarola anrichtete, angeblich einen Zusammenbruch: Dieses Ereignis veranlasste ihn, einen emotionaleren und offenkundig frommen Malstil anzunehmen, der fast die gesamte Ästhetik der Renaissancekunst verleugnete.

Andere Künstler der frühen Renaissance in Florenz

Zu den Florentiner Künstlern, die im späten 15. Jahrhundert tätig waren, gehören Andrea del Verrocchio (1435-1488), der als Meister von Leonardo da Vinci (1452-1519) bekannt ist, und Perugino (1445-1523), der für sein Fresko der Sixtinischen Kapelle „Christus übergibt die Schlüssel an Petrus“ (1482) bekannt ist. Es gab auch Filippo Lippis Sohn Filippo Lippi Filippino Lippi (1457-1504), der nach dem Tod seines Vaters Botticellis Schüler wurde. Filippino Lippi ist für eine Gruppe von Madonnen verantwortlich, die leicht mit Werken von Botticelli selbst verwechselt werden können. Bis 1485 hatte er jedoch einen eher unruhigen Malstil entwickelt, wie sein Meisterwerk, die ausdrucksstarke „Vision des Heiligen Bernhard“ in Badia, Florenz, zeigt. Seine späteren Werke, wie die Freskenserie in Santa Maria Novella (1502), zeichnen sich durch Farben und Formverzerrungen aus, die möglicherweise die Entwicklung des Manierismus rund zwei Jahrzehnte später beeinflusst haben.

Eine weitere Figur, die in den letzten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts in Florenz tätig war, war Domenico Ghirlandaio (1449-1494), ein produktiver und beliebter Freskenmaler, dessen künstlerische Karriere als Chronist des florentinischen Lebens verlief. Seine Gemälde zum Thema „Leben der Jungfrau“ in Santa Maria Novella (um 1485-90) können sowohl als das Leben eines jungen Florentiner Mädchens als auch als religiöse Erzählung verstanden werden. Seine Kunst, obwohl bereits altmodisch, trug dazu bei, zahlreiche Florentiner Künstler, darunter Michelangelo (Schöpfer der monumentalen Fresken „Genesis“ und „Jüngstes Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle), in der anspruchsvollen Praxis der Freskenmalerei auszubilden. Siehe auch sein großes humanistisches Porträt Alter Mann mit Knabe (1490, Louvre, Paris).

Florentiner Renaissance verbreitet sich

Um die Jahrhundertmitte hatten die künstlerischen Entdeckungen und Experimente des Florentiner Quatrocento bereits begonnen, sich in ganz Italien auszubreiten. In Siena war ihr Einfluss jedoch unbedeutend, da die sienesische Malerschule im Allgemeinen die konservativen dekorativen Traditionen der internationalen Gotik beibehielt, sowohl in der Tafelmalerei und den Altarbildern als auch in der internationalen gotischen Buchmalerei . In Ferrara hingegen wurden Cosimo Tura, Ercole de Roberti und Francesco del Cossa von Florenz durch die Werke von Piero della Francesca und Andrea del Castagno beeinflusst.

In der Zwischenzeit brachten die Zentren Padua und Venedig Künstler hervor, deren Interpretation und Verfeinerung der florentinischen Techniken die Vorherrschaft der Renaissance-Hauptstadt herauszufordern begann.

Andrea Mantegna (1430-1506)

Andrea Mantegna wurde stark von der Lehre seines Meisters Francesco Squarcione (1395-1468), der antiken Kunst in seiner Umgebung und den von Donatello in Padua geschaffenen Skulpturen beeinflusst. Die Fresken, die er 1455 in der Ovetari-Kapelle der Eremitani-Kirche in Padua malte (die im Zweiten Weltkrieg verloren ging), orientierten sich an der Tradition von Florenz, erhielten jedoch eine eigene Interpretation. So ist der Bildraum zwar dem von Florenz ähnlich, doch ist die Horizontlinie niedriger, was den Figuren eine größere Monumentalität verleiht. Die Figuren selbst sind nach römischen Vorbildern in der allgemeinen Manier von Donatello modelliert. Seine dekorative Eleganz entstammt der Antike und der fast archäologischen Ausbildung, die er bei Squarcione erhielt.

Um 1460 hielt sich Mantegna im Herzogspalast von Mantua auf, wo er der offizielle Maler der Familie Gonzaga wurde und eine Reihe von Gruppenporträts der Familie anfertigte. Vor allem aber schuf er eine Reihe von illusionistischen Meisterwerken, wie die Fresken „Camera degli Sposi“ im so genannten Brautgemach des Palastes. Diese Fresken verwandelten das Gemach mit Farbe und zusätzlichem Raum, indem sie die Technik der optischen Täuschung trompe l’oeil, bekannt als quadratura, verwendeten. Sein Verständnis der Perspektive, das sich in der Beherrschung der Verkürzung zeigt (siehe seine Klage über den toten Christus, 1470-80, Pinacoteca di Brera, Mailand), sichert ihm zusammen mit seinen Altarbildern und Kupferstichen die künstlerische Vormachtstellung in Norditalien.

Die Familie Bellini - Venedig

Die Familie Bellini aus Venedig war eine der großen Dynastien der italienischen Kunst. Jacopo Bellini (um 1400-71), der Vater, ein ehemaliger Schüler von Gentile da Fabriano (um 1370-1427), hatte einen Stil, der den reichen Realismus der flämischen Malerei mit der Ästhetik der Renaissance verband. Ihm folgten seine Söhne Gentile Bellini (1430/5-1507) und Giovanni Bellini (1430/5-1516), die zusammen die venezianische Malerei bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts effektiv beherrschten.

Ersterer ist vor allem für seine venezianischen religiösen Prozessionen und Porträts von Dogen und Sultanen bekannt, die Vittore Carpaccio (1460-1525) beeinflussten. Giovanni wurde stark von seinem Schwager Mantegna sowie von der Ölmalerei der niederländischen Renaissance beeinflusst. Der individuelle Stil, den er ab etwa 1480 entwickelte, hatte einen großen Einfluss auf die Arbeit der nachfolgenden venezianischen Maler. Zu seinen Hauptmerkmalen gehört die Schaffung eines weichen, diffusen venezianischen Lichts, das die Konturen abschwächt und eine elegische Stimmung erzeugt, die nur mit Öl erreicht werden kann. Seine „Aufgestiegene Madonna von San Giobbe“ (um 1488, Galleria dell’Accademia di Venezia) definierte eine Komposition und Malweise, die in der venezianischen Malerei jahrhundertelang überlebte. Auch sein Sinn für die Landschaftsmalerei war außergewöhnlich.

In seinem Gemälde „Ekstase des heiligen Franziskus“ (um 1480, Frick Collection, New York) schweift der Blick des Betrachters zielsicher vom Heiligen und seiner Zelle weg zur fernen Landschaft. Siehe. auch sein „Doge Leonardo Loredan“ (1502, National Gallery, London) und „Altarbild von San Zaccaria“ (1505) der Kirche von San Zaccaria, VenedigZu den venezianischen Künstlern, die besonders von Giovanni Bellini beeinflusst wurden, gehören Lorenzo Lotto (1480-1556), Giorgione (1477-1510) und Tizian (1488-1576).

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Die Errungenschaften und Widersprüche der florentinischen Malerei des 15. Jahrhunderts wurden in der Kunst des ersten wahren Genies der Renaissance, Leonardo da Vinci, verkörpert und gleichzeitig transformiert. Obwohl er seiner Abhandlung über die Theorie und Praxis der Malerei viel Energie widmete, interessierte er sich vor allem für die Erscheinung der Dinge und ihre Wirkung. Diese intensive Neugier führte dazu, dass er viel Zeit damit verbrachte, alle möglichen natürlichen und mechanischen Phänomene zu studieren, darunter Pflanzen, die menschliche Anatomie und vieles mehr. Sein bemerkenswertes Zeichentalent ermöglichte es ihm, die Ergebnisse dieser Studien festzuhalten und sie in seiner Kunst umzusetzen. Leider erlaubte ihm sein Perfektionismus nur selten, ein Kunstwerk rechtzeitig fertig zu stellen.

In seiner Lehre bei Andrea del Verrocchio lernte Leonardo das Zeichnen, die Zubereitung und das Mischen von Farbpigmenten und die Malerei. Da Verrocchio selbst ein geschickter Goldschmied war, lernte der junge Leonardo zweifellos auch das Bildhauen in Wachs und Ton sowie das Gießen von Bronzeskulpturen. Er wurde auch in die Marmorbildhauerei eingeführt, obwohl er später gestand, dass ihm dieses schwierige Handwerk keinen Spaß machte.

Leonardos Talent zeigte sich bereits in dem Gemälde „Die Taufe Christi“ (ca. 1474-75, Uffizien, Florenz), das er in Zusammenarbeit mit Verrocchio malte: Seine eigenen Beiträge sind die Landschaft und die Engelsfigur. Das unvollendete Altarbild „Anbetung der Könige“ (1481, Uffizien), das für das Kloster San Donato a Scopeto in der Nähe von Florenz bestimmt war, ist zusammen mit den vorbereitenden Zeichnungen sowohl eine Zusammenfassung der florentinischen Kunst des fünfzehnten Jahrhunderts als auch ein Vorgeschmack auf die Hochrenaissance.

Obwohl es eindeutig den rationalen Kompositionen des früheren Quatrocento verpflichtet ist, die auf der Grundlage ihres gut entwickelten Sinns für Perspektive entwickelt wurden, „geht die Anbetung der Könige“ Leonardos viel weiter. Es vereinigt viele der multidirektionalen Tendenzen der florentinischen Renaissance, und seine Komposition ist zugleich geordnet und frei, ruhig und voller Bewegung. Die Figuren sind in einem lockeren, aber reglementierten Raum angeordnet, der ein Gefühl von Größe und Ausdehnung vermittelt. Wie das Werk nach seiner Fertigstellung ausgesehen haben mag, lässt sich nur erahnen, aber das vollendete Werk - zusammen mit den vorbereitenden Untermalungen der Figuren und Landschaftselemente - zeugt von einer Meisterschaft und Innovation, wie sie nur eine Gruppe junger Künstler verstand, die etwa 20 bis 25 Jahre später auftrat.

1481 begann Leonardo einen 18-jährigen Aufenthalt in Mailand, wo er hauptsächlich im Dienste des Herzogs Ludovico Sforza (Il Moro) arbeitete, für den er eine Reihe von Gemälden und zahlreiche Zeichnungen anfertigte, ein unvollendetes Reiterdenkmal für die herzogliche Dynastie begann, ein neues Kanalsystem für die Stadt entwarf, Theaterkostüme für verschiedene Aufführungen entwarf und ausführlich in seinen Notizbüchern schrieb. Sein Gemälde Madonna in den Felsen (ca. 1483-5, Version im Louvre) steht an der Schwelle zur Hochrenaissance.

In diesem Werk führt er die pyramidenförmige Komposition ein (die auch von Raffael verwendet wurde), die zu einem Markenzeichen der Hochrenaissance werden sollte. Seine subtile Technik der Sfumato-Malerei sowie seine Verwendung von Licht und Schatten als verbindendes kompositorisches Element riefen ebenfalls zahlreiche Nachahmungen hervor. Letzteres war geradezu revolutionär: Nie zuvor war es einem Künstler gelungen, eine solche tonale Kontinuität der Schatten zu erreichen, eine Kontinuität, die von der scharfen Begrenzung der lokalen Farbe abhing.

Diese Bildeffekte sowie das für die venezianische Malerei charakteristische, zart gestreute Licht waren nur möglich, wenn die Künstler niederländische Renaissance-Ölfarbe verwendeten, die dank ihrer langen Trocknungszeit ein gemeinsames Fortschreiten und Korrigieren aller Teile des Gemäldes ermöglicht, sowie transparente Lasuren, die Atmosphäre und Helldunkel schaffen. Die kühne Wirkung des impasto (dichte farbige Oberflächentexturen) war ebenfalls nur mit dem Ölmedium möglich und wurde besonders in Venedig verwendet, wo die Leinwand erstmals regelmäßig die Holzverkleidung ersetzte.

Leonardos kühner, aber fehlgeleiteter Versuch, dieses neue Konzept der Malerei auf die komplexe Technik der Freskenmalerei zu übertragen, führte zu dem tragischen Letzten Abendmahl (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Mailand). Da die traditionelle italienische Methode der Freskenmalerei für Leonardos schrittweise Herangehensweise zu endgültig war, erfand er eine neue Technik (mit einer Mischung aus Tempera und Öl auf Gesso, Harz und Kitt), die es ihm ermöglichte, die Art der Ölmalerei weiter zu verändern.

Die Technik erwies sich als fehlerhaft, und das Gemälde begann zu verfallen, während Leonardo selbst noch lebte. Trotzdem bleibt das Gemälde in seiner disegno (Konzeption und Komposition) eine der besten Leistungen dieses Mannes. Alle Elemente lenken das Auge auf die pyramidenförmige Christusfigur. Die Szene ist streng nach den Regeln der linearen Perspektive aufgebaut, wobei alle Linien der Architektur im Fluchtpunkt am Haupt Jesu zusammenlaufen. Kurzum, Leonardo verbindet die Dramatik und Spannung der verschiedenen Apostelgruppen, die zentrale Figur Christi und den rational gestalteten Raum der ersten Hälfte des Quatrocento mit der Bewegung und Emotion der zweiten Hälfte zu einer neuen Synthese, die alles übertrifft, was seine Vorgänger geschaffen haben. Dies ist einer der Gründe, warum dieses Werk als der Beginn der Hochrenaissance in Italien angesehen wird.

Zu einem der ersten Künstler, die Leonardo verstanden, siehe den Florentiner Piero di Cosimo (1462-1522).

Die von Reisenden auf der Grand Tour verehrten Gemälde der Frührenaissance sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, insbesondere im Pitti-Palast und in den Uffizien in Florenz sowie in den Vatikanischen Museen in Rom. Die Ästhetik der Frührenaissance wurde im 19. Jahrhundert von Gruppen wie den Nazarenern (aktiv 1810-30), der puristischen Bewegung und den Präraffaeliten wiederbelebt.