Barockmalerei: Geschichte, Charakteristika, Stile Automatische übersetzen

Im Allgemeinen spiegelte die „Barockmalerei“ die tiefgreifenden politischen und kulturellen Veränderungen wider, die zu dieser Zeit in Europa stattfanden. Die barocke Malerei fiel im Allgemeinen mit dem siebzehnten Jahrhundert zusammen, obwohl in einigen Gebieten - vor allem in Deutschland - einige ihrer Errungenschaften erst im achtzehnten Jahrhundert auftraten. Obwohl der Begriff eine verwirrende Vielfalt von Stilen umfasst, ist sie in der Regel durch zwei Dinge gekennzeichnet: einen Sinn für Erhabenheit (oder sinnlichen Reichtum) und einen klaren emotionalen Inhalt. Durch diese beiden Elemente versuchten die Künstler des Barocks, beim Betrachter einen emotionalen Zustand hervorzurufen, indem sie an die Sinne appellierten, oft auf dramatische Art und Weise. Warum haben sie den Betrachter auf diese Weise angesprochen? Weil das Leben im Europa des siebzehnten Jahrhunderts plötzlich zu einem Wettbewerb zwischen zwei mächtigen Kräften geworden war.

Historischer Hintergrund: Status quo versus Reform

Auf der einen Seite standen diejenigen, die die katholische Kirche und das göttliche Recht der Könige unterstützten - im Wesentlichen den Status quo. Zu Letzteren gehörten die Könige von Frankreich, Spanien, Österreich und Großbritannien. Auf der anderen Seite standen die Reformwilligen: Dazu gehörten die Anhänger der neuen protestantischen religiösen Bewegung und diejenigen, die an nationale oder persönliche Selbstbestimmung glaubten. Erstere bedienten sich ausgiebig der Malerei und anderer künstlerischer Disziplinen, um ihre Gemeinschaften und Untertanen von der Wahrheit ihrer Botschaft zu überzeugen.

So bauten die kirchlichen Autoritäten prächtige Kirchen, die mit illusorischen Fresken an Decken und Wänden geschmückt waren, wobei sie die neuesten Techniken der Quadratur und des Trompe-l’oeil anwandten, um die Frömmigkeit zu fördern und den Eindruck des göttlichen Glanzes zu vermitteln. Und sie gaben einen endlosen Strom biblischer Kunst in Auftrag, um wichtige Teile des katholischen theologischen Dogmas zu illustrieren. In der Zwischenzeit verkündeten Kaiser und Könige ihre Macht, indem sie Architekten beauftragten, Paläste zu bauen, die mit Fresken, Ölgemälden und anderen Arten von dekorativer Kunst geschmückt waren.

Die Reformatoren missbilligten im Allgemeinen diese Art von religiöser Kunst und zogen es stattdessen vor, die Innenräume der Kirchen zu tünchen. In den Ländern und Provinzen Nordeuropas entstand jedoch eine neue Kategorie von Kunstmäzenen - bürgerliche Fachleute, Kaufleute und Beamte, die begannen, kleine Kunstwerke zu kaufen, um ihren wachsenden Wohlstand zu feiern und ihre eigenen kulturellen Werte zu fördern. In Holland zum Beispiel blühte ein neuer realistischer Stil der Staffeleikunst auf, als das neu ermächtigte Bürgertum Genrebilder , Stillleben oder Einzel- und Gruppenporträts in Auftrag gab, um seinen neuen Status zu demonstrieren. In Frankreich zeigt sich die gleiche Tendenz in der Nachfrage nach realistischen Werken der Brüder Le Nain und ähnlicher Künstler. In Italien, wo die realistischen „und anspruchslosen“ Inhalte zuerst auftauchten (in den Werken Caravaggios), nutzten die kirchlichen Autoritäten sie geschickt zu ihrem Vorteil, um den Heiligen ein menschlicheres Aussehen zu verleihen. So waren fast alle Gemälde Caravaggios religiös.

Die barocke Malerei - in diesem Fall die Landschaftsmalerei - wurde auch von der allgemeinen Erweiterung des geistigen Horizonts des Menschen beeinflusst, die durch die Entwicklung der Wissenschaft und die geografische Erkundung des Globus hervorgerufen wurde. Diese beiden Faktoren führten zu einem neuen Bewusstsein sowohl für die Unbedeutsamkeit des Menschen als auch für die geheimnisvolle Komplexität der natürlichen Welt. Aus diesem Grund werden in der Landschaftsmalerei dieser Zeit die Menschen oft als winzige Figuren in der weiten Natur dargestellt.

Merkmale

Neben den beiden oben beschriebenen Hauptmerkmalen der Barockmalerei:
❶ Erhabenheit oder Sinnlichkeit - vgl, zum Beispiel die religiösen Werke von Peter Paul Rubens oder die eleganten Porträts von Antonis Van Dyck; und
❷ starker emotionaler Inhalt - siehe insbesondere die Werke der spanischen Barockmaler, wie Ribera, Zurbarán, sogar Velázquez; wir müssen auch zwei andere wichtige, aber gegensätzliche Tendenzen beachten:
❸ Naturalismus oder Realismus und
❹ Klassizismus oder „Idealismus“. Der Naturalismus wird am besten von Caravaggio verkörpert (der Realismus von Jan Vermeer); der Klassizismus hingegen ist der Hauptimpuls in den Werken der Alten Meister, wie Annibale Carracci, Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin und Claude Lorrain. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts . Darüber hinaus nutzten
❺ die Architekten des Barock die Fertigkeiten von Künstlern wie Andrea Pozzo und Pietro da Cortona in der Wandmalerei, deren Deckenfresken auch heute noch inspirierend wirken.

Illusionistische Architekturfresken und Deckengemälde

Es ist angebracht, die Darstellung der Barockmalerei mit ihrer bevorzugten Gattung und charakteristischen Funktion zu beginnen: der illusionistischen Dekoration von Innenwänden. Die Idee, die Wand für die Darstellung einer gemalten Szene zu nutzen, ist offensichtlich so alt wie die Kunst; neu, oder fast neu, war die Verwendung dieser Technik der Wandmalerei durch die Künstler des Barock . Auf die Wände und insbesondere auf die Decken von Kirchen und Palästen malten sie riesige, intensive Szenen, die dem Betrachter den Eindruck vermittelten trompe l’oeil, dass die Wände oder die Decke nicht mehr existierten, oder zumindest, dass sie sich auf spektakuläre Weise öffneten.

Dies war auch nicht grundsätzlich neu: ähnliche Experimente waren in der Renaissance gemacht worden, von Mantegna, und am spektakulärsten von Correggio in seiner außergewöhnlichen „Himmelfahrt der Jungfrau“ (Dom von Parma) (1526-30). In der Barockzeit wurde sie jedoch fast zur absoluten Regel, da sie alle ästhetischen Merkmale der Zeit in sich vereinte: Grandiosität, Theatralik, Bewegung, Darstellung der Unendlichkeit und eine fast übermenschlich erscheinende technische Beherrschung. In ihm manifestiert sich jene Tendenz, verschiedene Kunstformen zu kombinieren, um eine einheitliche Wirkung zu erzielen, die das charakteristischste Merkmal der Epoche war.

Diese illusionistische Kunst - darunter einige der besten Barockgemälde, die je geschaffen wurden - variierte stark in den Geschichten, die sie erzählten - Hagiographien von Heiligen, Geschichten von Dynastien, Mythen oder Heldengeschichten -, aber sie waren einheitlich in den Komponenten, die sie verwendeten: architektonische Pracht, die sich vom Himmel abhebt; schwebende Engel und Heilige; Figuren in schneller Bewegung, deren Gewänder im Wind flattern; alle dargestellt mit einer kühnen Perspektive - dem perspektivischen Effekt des Blicks von unten nach oben oder umgekehrt von oben nach unten, wodurch die Figuren kleiner erscheinen. Das Genre war so lebensfähig, dass es sich nicht nur während des gesamten siebzehnten, sondern auch bis ins achtzehnte Jahrhundert fortsetzte und die Grenzen der Zeit überschritt, die im Allgemeinen als Trennlinie zum nachfolgenden Rokoko angesehen wird.

Zu den Barockkünstlern, die sich auf solche Fresken und Deckengemälde spezialisiert haben, gehören: der Vorläufer Annibale Carracci (1560-1609) - Mitbegründer mit seinem Bruder Agostino Carracci (1557-1602) und seinem Cousin Ludovico Carracci (1555-1619) der einflussreichen Bologneser Schule - der durch seine Fresken der Farnese-Galerie in Rom bekannt wurde, und seine Nachfolger Guido Reni (1575-1642), Gwerchino (1591-1666), und vor allem Domenichino (1581-1641), dessen komplexe klassische Kompositionen Nicolas Poussin beeinflussten. Danach war Parma der Geburtsort von Giovanni Lanfranco (1582-1647), der von den Fresken Correggios beeinflusst wurde; Bernini (1598-1680), besser bekannt als Architekt und Bildhauer; Pietro da Cortona (1596-1669) - siehe (1596-1669). seine unsterbliche „Allegorie der göttlichen Vorsehung“ (1633-39, Palazzo Barberini); Andrea Sacchi (1599-1661), ein Musterbeispiel des hochbarocken Klassizismus, und sein Schüler Carlo Maratta (1625-1713). Luca Giordano (1634-1705) und Andrea Pozzo (1642-1709) - siehe seine Apotheose des Heiligen Ignatius (1688-94, Sant’Ignazio, Rom) - waren ebenfalls große Vertreter des barocken Stils quadratura der Deckendekoration. Siehe auch den neapolitanischen Maler und Dekorateur Francesco Solimena (1657-1747), dessen Freskenwerke den Spätbarock mit dem Rokoko verbinden. Für weitere Einzelheiten siehe: Barocke Architektur (1600-1750).

Ein weiterer wichtiger italienischer Künstler war Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), der vor allem für seine Radierungen, biblischen Genrebilder (mit Tieren) und seine innovative Verwendung der Monotypie bekannt ist. Siehe auch: Künstler des italienischen Barock .

In Frankreich ist Charles Lebrun (1619-1690) der Erbe des dekorativen Glanzes von Pietro da Cortona, den er in seinen Fresken im Schloss von Versailles, insbesondere im Spiegelsaal, anwendet. Lebrun nutzte seine Stellung als Direktor der Académie française, um eine vollständige Kontrolle über die französische Malerei auszuüben (1663-83). Siehe auch: Französische Barockmaler .

Zum goldenen Zeitalter der Innenausstattung im barocken Frankreich siehe: Französisches Kunstgewerbe . Zu Möbelstücken siehe: Französische Möbel (1640-1792). Zu Künstlern und Handwerkern siehe: Französische Designer .

Das Licht: ein Schlüsselmerkmal der Barockmalerei

Natürlich beschränkte sich die Malerei nicht auf die Wände von Gebäuden. Es gab auch, und sogar vor allem, eine Tradition der Malerei auf Leinwand, und wie bei der Architektur waren die Merkmale der verschiedenen nationalen Schulen sehr unterschiedlich. Sie waren jedoch durch eine gemeinsame Aufgabe miteinander verbunden: das Studium des Lichts und seiner Wirkung. Trotz der großen Unterschiede zwischen den Werken der verschiedenen Barockkünstler - Unterschiede, die so groß sind, dass viele Kunsthistoriker nicht bereit sind, ihre Werke mit einem gemeinsamen Adjektiv zu bezeichnen - war die thematische Verwendung von Licht und Schatten in der Konstruktion eines jeden bedeutenden Werks mehr oder weniger allen gemeinsam, bis hin zum Schlüsselmerkmal und vereinheitlichenden Bildmotiv der Epoche.

Caravaggio (1573-1610)

Der Anstoß zur Übernahme dieses Idioms kam aus Italien, und zwar von einem italienischen Maler, Michelangelo Merisi, der nach dem Namen der Kleinstadt, in der er geboren wurde, als Caravaggio bekannt ist. Obwohl einige Kritiker sein Werk mehr angriffen als schätzten, steht außer Zweifel, dass er den Beginn einer neuen Ära markiert.

Zu Caravaggios Zeit hatte die bildende Kunst das Ziel, das sie sich zwei Jahrhunderte zuvor gesetzt hatte, nämlich die perfekte Darstellung der Natur in all ihren Erscheinungsformen, vollständig erreicht. Eine neue, zeitgemäße Fragestellung war gefragt, und Caravaggio bot sie an. Seine Gemälde zeigten robuste Bauern, Gastwirte und Spieler; und auch wenn sie manchmal wie Heilige, Apostel und Kirchenväter gekleidet waren, stellten sie die Realität in ihrer rohen und rauen Form dar. Dies bedeutete an sich schon einen Bruch mit der Kunst der Renaissance mit ihren aristokratischen Figuren und idealisierten Umgebungen.

Der wichtigste Aspekt der Barockmalerei war jedoch nicht das, was dargestellt wurde, sondern wie es dargestellt wurde. Das Gemälde wurde nicht gleichmäßig, sondern punktuell beleuchtet; Details, die von hellem, intensivem Licht getroffen wurden, wechselten sich mit dunklen Schattenbereichen ab. Während das Gemälde der Renaissance letztlich eine kolorierte Zeichnung mit allgemeiner Beleuchtung war, ist Caravaggios Leinwand ein Leopardenfell mit starkem Licht und tiefen, intensiven Schatten, in dem die Glanzlichter symbolisch sind, d. h. auf wichtige Elemente der Komposition hinweisen. Es handelt sich um einen dramatischen, gewalttätigen, gequälten Malstil, wie geschaffen für das Zeitalter der starken ästhetischen Kontraste, das Zeitalter des Barocks.

Caravaggismus

Caravaggios Temperament scheint dem spanischen Charakter näher gestanden zu haben als dem italienischen, und Neapel, das in dieser Zeit enge Beziehungen zu Spanien unterhielt und auch ein Zentrum des religiösen Quietismus war, wurde zu einem wichtigen Zentrum des Einflusses Caravaggismus . Für die späteren neapolitanischen Werke des Künstlers siehe: Caravaggio in Neapel . Für einen Führer durch die Kunst der Stadt siehe: Malerei in Neapel (1600-1700). Zur Kunst des frühen siebzehnten Jahrhunderts in Neapel siehe: Die neapolitanische Schule der Malerei (1600-1656). Für spätere Werke, siehe: Neapolitanischer Barock (ca. 1650-1700). Zu den führenden Caravaggisten in Neapel gehörte Battistello Caracciolo (1578-1635), der einflussreiche Husepe Ribera (1591-1652), und die große Malerin Artemisia Gentileschi (1597-1651), bekannt für „Judith enthauptet Holofernes“ (1620, Uffizien, Florenz).

Die reifen Werke von Francisco Ribalta (1565-1628) zeigen einen karawaggesken Einfluss; die frühen Gemälde von Velázquez (1599-1660) zeigen ihn ebenfalls, ebenso wie die anderer spanischer Meister des siebzehnten Jahrhunderts wie Zurbarán (1598-1664). Sein Einfluss reichte jedoch weit über Spanien hinaus, auch wenn er dort die meisten Anhänger fand.

In Holland scheint Gerrit van Honthorst (1592-1656) seinem großen Landsmann Rembrandt etwas von Caravaggios dramatischem Gebrauch des Helldunkels weitergegeben zu haben; In Frankreich war ein etwas rätselhafter Meister, Georges de la Tour (1593-1652), ein geschickter, aber scheinbar isolierter Vertreter des „Tenebrismus“, wie dieser Gebrauch von tiefen Schatten, die von einer einzigen Lichtquelle geworfen werden, um einer Komposition Einheit zu verleihen, genannt wird. Adam Elsheimer (1578-1610) war ein weiterer einflussreicher Vertreter dieser Tendenz; in diesem Zusammenhang ist vielleicht auch der Name eines englischen Tenebristen zu erwähnen, Joseph Wright of Derby (1734-1797).

Von Caravaggios italienischen Anhängern waren die prominentesten Mattia Preti (1613-1669) und Domenico Fetti (1589-1624); Salvator Rosa (1615-1673), ebenfalls ein Neapolitaner, ähnelt ihm in seiner Vorliebe für die Wildheit und für Szenen des niederen Lebens, in denen Räuber kämpfen und sich inmitten von wilden und felsigen Landschaften tummeln. Salvator ist wegen seiner Bedeutung für die Entwicklung der romantischen Landschaft von besonderem Interesse; der Genueser Magnasco (1667-1749) aus dem 18. Jahrhundert hat etwas mit ihm gemeinsam.

Die venezianische Barockmalerei

Abgesehen von Caravaggio gab es in Italien im siebzehnten Jahrhundert, wenn überhaupt, nur wenige Maler, die sich mit den großen Namen des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts messen konnten. Obwohl sowohl Tizian als auch Tintoretto dem Barock den Weg ebneten, war der führende Vertreter des Barockstils in der venezianischen Malerei Tiepolo (1696-1770), unter dessen Händen die illusionistische Freskenmalerei in den Würzburger Fresken (1750-3) in Deutschland ihren Höhepunkt erreichte. Mit Tiepolos Tod ging das goldene Zeitalter der venezianischen Kunst zu Ende.

Zu den Künstlern in Deutschland und Österreich im siebzehnten Jahrhundert siehe: Deutsche Barockkünstler .

Klassizismus

Bevor wir uns von Italien verabschieden, sollten wir auf die Existenz einer bestimmten Bewegung in der europäischen Malerei hinweisen, die gewöhnlich „die klassische“ Tradition genannt wird. Der Klassizismus, der, wenn man so will, ein Überbleibsel der Renaissance ist, war das Gegenteil der Romantik und vertrat einen Kunststil, in dem das Festhalten an anerkannten ästhetischen Idealen Vorrang vor der Individualität des Ausdrucks hatte. Vereinfacht gesagt, war es ein zurückhaltender, harmonischer Stil, der an den Vorrang der Formgebung vor (beispielsweise) der Farbe oder dem Expressionismus glaubte. Er war eng verwandt mit „der akademischen Kunst“, dem Stil, der an den meisten europäischen Kunstakademien gelehrt wurde.

Im Barock des 17. Jahrhunderts wurde die klassische Tradition von dem französischen Künstler Nicolas Poussin (1594-1665) verkörpert, der die meiste Zeit seiner Karriere in Rom verbrachte, wo Kardinal Francesco Barberini (1597-1669) und der Sekretär des Kardinals, Cassiano dal Pozzo (1588-1657), zu seinen Förderern zählten. Poussin ist wahrscheinlich am bekanntesten für seine mythologischen Gemälde - siehe, z.B. seine „Entführung der Sabinerinnen“ (1634-5) und „Et in Arcadia Ego“ (1637) - obwohl er auch ein wichtiger Pionier der klassischen arkadischen Landschaftsmalerei war, ein Genre, das von einem anderen französischen Maler beherrscht wurde, der in Rom lebte, Claude Lorrain (1600-1682), der den „Clodianischen“ Stil einführte. (Man beachte, dass Claude Lorrain besonders von der deutschen Barockkunst von Adam Elsheimer beeinflusst war). Wie Poussin und Claude verbrachte auch Simon Vouet (1590-1649) einen Großteil seiner Karriere in Rom, bevor er als Hofmaler von König Ludwig XIII. nach Paris zurückkehrte. Er war insbesondere für seinen gedämpften Stil der Barockmalerei bekannt, der sowohl den extremen Naturalismus und die Dramatik Caravaggios als auch die gekünstelten Bildeffekte des intensiveren italienischen Barocks vermied.

Die niederländische Barockmalerei

In Flandern und Holland blühten lokale Malereischulen auf, die keineswegs rückständig waren und an der Spitze des künstlerischen Schaffens standen. Die flämischen Maler schufen - oder verfeinerten zumindest - zwei Arten von Gemälden, die sich mit der authentischen Darstellung des häuslichen Lebens und der Alltagswirklichkeit befassten: die Genremalerei und das Stillleben. Beide hatten keine Entsprechung in Italien, wo die Nachfrage nach solchen Gemälden gleich Null war.

Es waren die flämischen Künstler, die die Technik der Ölmalerei exportierten, die den Künstlern der italienischen Frührenaissance bis dahin unbekannt war. Sie verbanden nun rasch ihre eigene Tradition mit der aus Italien stammenden, eine Verbindung, die zu Werken führen sollte, die zu den größten Errungenschaften der Kunstgeschichte wurden. Diese Entwicklung hatte in der flämischen Malerei andere Ergebnisse als in der niederländischen Malerei und war in beiden Fällen mit zwei zutiefst unterschiedlichen Männern verbunden, Peter Paul Rubens (1577-1640) und Rembrandt (1606-1669).

Siehe auch: Niederländische Malerei (17. Jahrhundert) und Niederländische realistische Maler .

Spanische Barockmalerei

In den späten 1570er Jahren war Rom nicht mehr das Zentrum der Welt. Die Italiener trugen spanische Trachten, und das Zentrum der Gegenreformation lag in Spanien. Der Escorial wurde als neue Zitadelle des Glaubens errichtet, und die Paläste von Toledo wurden in Klöster und Konvente umgewandelt. Die Schönheit wich der Heiligkeit.

Im Frühjahr 1577 fand der Manierist El Greco (1541-1614) in der spanischen Stadt Toledo die vertrauten Formen seines kretischen Hauses, die Gebäude des mohammedanischen Ostens, alles in einer eindringlichen und ausdrucksstarken spanischen Form. Er verbrachte zwei Jahre damit, sein erstes großes Werk zu malen, ein Altarbild für San Domingo el Antiguo . Der leidenschaftliche und oft extravagante Geist des Barocks ergriff nun von ihm Besitz. Seine Holzvertäfelungen und bescheidenen Leinwände waren vergessen; er malte nun Bilder von enormer Größe.

Zu El Grecos größten religiösen Gemälden der nächsten Periode gehört die Darstellung eines Wunders, das sich bei der Beerdigung des Grafen von Orgaz ereignet haben soll, als der Heilige Augustinus und der Heilige Stephanus erschienen und die Aufgaben von Priestern übernahmen. In Grau- und Gelbtönen, Schwarz und Weiß, den Farben eines stürmischen Himmels, stellte El Greco das Wunder in einem ätherischen Licht dar, nicht als übernatürliches, sondern als ein eminent natürliches Ereignis, das das gesamte spanische Volk, seine Priester, seine Adligen und seine Gläubigen durch ihre Anwesenheit auf dem harten Kirchenboden bezeugen. Siehe: Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586-88).

Manche haben die Gemälde von El Greco als asketisch, ekstatisch, gewalttätig, emotionslos und farblos bezeichnet. Doch sein Porträt des Kardinals (1600) Don Fernando Nino de Guevera ist wie der Großinquisitor in den kräftigsten Farben gemalt; nur bei El Grecos Heiligen finden wir absichtliche Verzerrungen und überirdisches Strahlen. Wenn er gewöhnliche Menschen, wie seine Tochter, malt, ist es, als würden sie sich in einem Spiegel reflektieren. Die endgültige Entwicklung von El Grecos Kunst stellt ihn trotz seiner Eigenheiten in den Mittelpunkt des Barocks, da er sich von den Kompositions- und Farbgesetzen der Renaissance löst und zu einer internationalen Barockkunst übergeht.

Andere wichtige Vertreter der spanischen Barockschule waren: Jusepe (José) de Ribera (1591-1652), ein spanischer Karawanenmaler aus Neapel, der für seine realistischen Gemälde mit religiösen und mythologischen Themen bekannt war; Francisco de Zurbarán (1598-1664), bekannt für seine intensiven religiösen Gemälde, Stillleben und die Beherrschung des Tenebrismus; Diego Velázquez (1599-1660), offizieller Maler des spanischen Hofes in Madrid, der Realismus mit einer barocken Betonung von Licht und Illusionismus verband.

Weitere wichtige Künstler der Spanischen Schule sind der sentimentale Sevilla-Maler Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), dessen religiöse Werke und Genrebilder von Velázquez, Zurbarán und Caravaggio beeinflusst wurden. Für weitere Informationen siehe: Spanische Barockkunst .

Barocke Gemälde sind in den besten Kunstmuseen auf der ganzen Welt zu sehen.

ENTWICKLUNG DER VISUELLEN KUNST
Weitere Informationen über Bewegungen und Stile in der Kunst finden Sie unter: Geschichte der Kunst . Für einen chronologischen Leitfaden zu den wichtigsten Ereignissen in der Entwicklung der bildenden Künste auf der ganzen Welt, siehe Chronologie der Kunst .

DIE GRÖSSTE KUNST DER WELT
Liste der 10 besten Maler und Bildhauer: Die besten Maler aller Zeiten . Informationen über die besten Ölfarben und Aquarelle finden Sie unter: Die größten Gemälde aller Zeiten .