Abstrakter Expressionismus: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen

„Abstrakter Expressionismus“ ist ein vager Begriff für eine allgemeine Bewegung der weitgehend ungegenständlichen Malerei, die in den 1940er und 1950er Jahren in den Vereinigten Staaten aufblühte. Angeführt von einer Generation amerikanischer Künstler - stark beeinflusst von europäischen Einwanderern -, die während der Depression aufwuchsen und vom Zweiten Weltkrieg und seinen Folgen beeinflusst wurden, war die Malerei des Abstrakten Expressionismus weder völlig abstrakt noch expressionistisch und umfasste mehrere völlig unterschiedliche Stile. Trotzdem hatten die verschiedenen Vertreter des Abstrakten Expressionismus mehrere gemeinsame Ziele, nicht zuletzt den Wunsch, das Wesen der Malerei zu überdenken und dabei eine neue Kunstform zu schaffen.

Zu den führenden abstrakten Künstlern, die mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht wurden, gehören: Jackson Pollock (1912-1956), seine Frau Lee Krasner (1908-1984), Franz Kline (1910-1962), Robert Motherwell (1915-1991), Willem De Kooning (1904-1997), Mark Rothko (1903-1970), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Josef Albers (1888-1976), Philip Guston (1913-1980), Adolph Gottlieb (1903-1974), und William Baziotes (1912-1963). Zur zweiten Generation von Künstlern gehörten Sam Francis (1923-1994).

Der Begriff „Abstrakter Expressionismus“ wurde ursprünglich in Europa eingeführt, um das Werk der deutschen Maler des Expressionismus zu beschreiben. Erst später, im Jahr 1946, wurde er von dem Kunstkritiker Robert Coates auf die amerikanische Kunst angewendet. Eine alternative Bezeichnung, „Aktionsmalerei“, wurde 1952 von Harold Rosenberg (1906-1978) geprägt, der zusammen mit Clement Greenberg (1909-1994) der einflussreichste Kritiker und Vertreter der neuen Bewegung war, die auch als „New York School“ bekannt wurde. Bis 1955 war der Abstrakte Expressionismus fast zur neuen Orthodoxie geworden. In der Zwischenzeit entstanden in Westeuropa parallele Bewegungen unter verschiedenen Namen wie Art Informel (ca. 1945-60), zusammen mit Untervarianten wie Lyrische Abstraktion (späte 1940er, 1950er Jahre), Tachisme (ca. 1945-60) und die COBRA-Gruppe (1948-51). In Osteuropa galt die Art Informel als Ausdruck eines wilden Individualismus und wurde von den kommunistischen Behörden vollständig abgelehnt.

Hinweis: Für frühere Formen des Expressionismus siehe: Expressionistische Malerei .

Geschichte

Das Amerika der 1940er Jahre, aus dem der Abstrakte Expressionismus kam, erlebte noch den Zusammenbruch der Weltordnung durch den Zweiten Weltkrieg. Dies hatte große Auswirkungen auf die Künstler des Landes - viele von ihnen erinnerten sich noch an die Große Depression und ihre Hilfsprogramme, wie die Works Progress Administration, die ihnen eine Karriere in der Malerei ermöglichte, und sie begannen, nach Wegen zu suchen, um auf das unsichere Klima zu reagieren.

Das Problem bestand darin, dass die beiden wichtigsten Kunstströmungen der 1930er Jahre - nämlich Regionalismus und Sozialer Realismus ihren Wunsch, mit dem bestehenden Denken zu brechen, nicht befriedigen konnten. Dabei wurden sie stark von der Ankunft zahlreicher Flüchtlinge aus Europa beeinflusst - zeitgenössischen Künstlern, deren radikale Herangehensweise an die Kunst eine Reihe neuer Möglichkeiten eröffnete.

Zu diesen Exilanten gehörten Persönlichkeiten wie der in Armenien geborene Arshil Gorki, der sich 1920 in den USA niederließ, und der in Deutschland geborene Hans Hofmann, der 1930 nach Amerika zog, sowie der deutsche Expressionist Georg Grosz (1893-1959), der Kubist Fernand Léger (1881-1955), der am Bauhaus geborene abstrakte Maler Josef Albers (1888-1976) und der geometrisch-abstrakte Maler Piet Mondrian (1872-1944). Weitere einflussreiche Einwanderer waren der Dadaist Marcel Duchamp (1887-1968) und die Surrealisten Yves Tanguy (1900-1955), André Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976) und André Breton (1896-1966). Besonders einflussreich waren die surrealistischen Maler mit ihrer Idee der unbewussten „automatischen“ Malerei, die von Jackson Pollock und anderen aufgegriffen wurde. Siehe auch: Geschichte der expressionistischen Malerei (ca. 1880-1930).

Die Bedeutung dieser Künstler für die neue amerikanische Bewegung wurde bereits 1944 von Jackson Pollock selbst anerkannt: „Die Tatsache, dass die guten europäischen Modernisten jetzt hier sind, ist sehr wichtig, weil sie ein Verständnis für die Probleme der modernen Malerei mitbrachten“.

Der Gedankenaustausch in New York wurde durch eine wachsende Infrastruktur von Veranstaltungsorten und Ausstellungen zur Förderung der modernen Kunst erleichtert, wie z. B. das Museum of Modern Art (gegründet 1929), in dem Ausstellungen zum Kubismus, zu verschiedenen anderen Stilen der abstrakten Kunst, zu Dada, zur Fantasiekunst und zum Surrealismus sowie Retrospektiven u. a. von Léger, Henri Matisse und Pablo Picasso stattfanden. Werke von Gabo, Mondrian, El Lissitzky und anderen Künstlern der Avantgarde wurden auch im Albert Gallatin Museum of Living Art gezeigt.

Ein weiterer Ausstellungsort war das Museum of Unobjective Painting (gegründet 1939), der Vorgänger des Solomon R. Guggenheim Museums, das für seine Sammlung von Gemälden von Wassily Kandinsky (1866-1944) bekannt war. Die Themen und Ideen der europäischen Moderne verbreiteten sich auch über die Bildung. Der aus Deutschland eingewanderte Künstler Hans Hofmann hatte mit seiner New Yorker Kunstschule, an der er von 1933 bis 1958 unterrichtete, einen enormen Einfluss auf Künstler, Kritiker und die Entwicklung der amerikanischen modernen Kunst. Nicht zu unterschätzen ist schließlich auch die Rolle der Kunstkritiker sowie der wohlhabenden Mäzene und Sammler, insbesondere Peggy Guggenheim (1898-1979) und Leo Castelli (1907-1999), die aktive Akteure der neuen Bewegung waren. Siehe auch: Kunstmuseen in Amerika .

Schlüsselfiguren in der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus

Unter den einheimischen Künstlern gilt Albert Pinkham Ryder (1847-1917) als ein früher Vorläufer der abstrakten expressionistischen Abstraktion. Eine Schlüsselfigur des Übergangs von der Vorkriegs- zur Nachkriegskunst war Stuart Davis (1894-1964), der eine zielstrebige Integrität in seinem Streben nach Bildstrukturen an den Tag legte. (In einer kuriosen Parallele zu George Stubbs’ monatelangem Studium von Pferdekadavern, um seine Kenntnisse der Pferdeanatomie zu verbessern, schloss sich Davis 1927 für lange Zeit in einen Schrank ein, um das Aufschlagen von Eiern zu studieren). Sein Beitrag kann als eine amerikanische Fortsetzung des Kubismus angesehen werden: Er stand zeitweise Fernand Léger nahe, verwendete die Farbe jedoch auf eine ganz andere Art und Weise, hell und klar, hart und flach.

Dies und seine auffällige Modernität, seine Verwendung des banalen Vokabulars des städtischen Alltagslebens, hatten einen entscheidenden Einfluss auf die Künstler der 1940er und 1950er Jahre und später auf die Pop Art. Ebenfalls von Bedeutung waren die Precisionists, eine lose Gruppe, die das moderne Amerika in einer starren, farbenfrohen Version des Kubismus darstellte. Zu ihnen gehörte eine Zeit lang auch Georgia O’Keeffe (1887-1986), die im Laufe ihrer langen Karriere immer abstraktere Bilder schuf, die auf vergrößerten organischen Formen und den sanften, windgepeitschten Ebenen von Texas basierten.

Die beiden wichtigsten Vorläufer des Abstrakten Expressionismus waren jedoch Arshile Gorky (1905-1948) und Hans Hofmann (1880-1966), die beide nicht mit der frühen expressionistischen Bewegung in Deutschland in Verbindung gebracht wurden. Bis 1942 hatte Gorki eine sehr lockere, kalligrafische Pinselführung entwickelt, die sehr leuchtende Farben hatte und oft völlig ohne Bilder auskam. "Ich beende nie ein Bild, ich höre nur eine Zeit lang auf, daran zu arbeiten". Hofmann gründete in New York eine Schule, die ihn tiefgreifend beeinflusste und in der er nicht nur die ungegenständliche Kunst theoretisch fundiert unterstützte, sondern auch sehr offen für neue Impulse blieb.

Insbesondere reflektiert er die symbolistischen Ideen über die Unabhängigkeit der Welt der Kunst von der Welt des Sichtbaren: Er verwendet die Farbe, um Stimmungen auszudrücken, wie Kandinsky, behält aber einen Sinn für Struktur bei, der von Paul Cézanne (1839-1906) und dem Kubismus stammt. Im Vorgriff auf Pollock experimentiert er 1940 sogar mit der Technik „der Tropfen“, aber seine magischsten koloristischen Erfindungen, die erst spät in seinem Leben erscheinen, drücken eine strahlende Heiterkeit aus, die sich von allem unterscheidet, was Pollock geschaffen hat. Zu Hofmanns Gefolgsleuten gehörte der Kunstkritiker Clement Greenberg, ein starker Befürworter des Abstrakten Expressionismus, und zu seinen Schülern gehörte die Künstlerin Lee Krasner, die Hofmann mit ihrem Mann Jackson Pollock bekannt machte.

Charakterisierung: zwei Stile

Einfach ausgedrückt, umfasste die Bewegung des Abstrakten Expressionismus zwei große Gruppen. Dazu gehören:
❶ die so genannten „ Aktionsmaler“, wie Jackson Pollock und Willem de Kooning, die sich auf einen intensiv expressiven Stil der Gestenmalerei konzentrierten; und
❷ passivere Künstler „ Farbfeldmalerei“, insbesondere Mark Rothko, Barnett Newman und Clyfford Still, die sich mit Reflexion und Stimmung beschäftigten. Es ist jedoch nicht immer einfach, eine genaue Grenze zwischen diesen beiden Arten des Abstrakten Expressionismus zu ziehen, und mehrere Künstler haben zu beiden Bewegungen beigetragen.

Aktionsmalerei

1947, nach der Entstehung zahlreicher abstrakter Gemälde im „all-over“ Stil (siehe, z.B. Pasiphae („all-over luminous“, 1943, Metropolitan Museum of Art) - Jackson Pollock, unterstützt von seiner Frau Lee Krasner (1908-1984), entwickelte eine radikale neue Technik (die sowohl Hofmann als auch Krasner zuvor ausprobiert hatten), genannt „action painting“, Dabei wird verdünnte Farbe mit breiten und rhythmischen Strichen eines großen, geladenen Pinsels (wenn ein Pinsel verwendet wird) oder häufiger direkt aus einer Dose auf eine rohe, auf dem Boden ausgebreitete Leinwand getropft - weit entfernt von der traditionellen malerischen Methode, Pigmente mit einem Pinsel auf eine Leinwand auf einer Staffelei aufzutragen. Pollock arbeitete sehr spontan und improvisiert, er tanzte um die Leinwand herum, schüttete, schleuderte und tropfte Farbe auf sie. Er behauptete, auf diese Weise seine inneren Impulse direkt auf die Leinwand zu übertragen, in einer Art automatischer oder unbewusster Malerei. Für weitere Einzelheiten siehe Jackson Pollocks Gemälde (1940-56).

Pollocks Gemälde brachen mit allen Konventionen der traditionellen amerikanischen Kunst. Ihre Themen waren völlig abstrakt, die Ausmaße waren enorm, und die ikonoklastische Methode der Herstellung wurde fast so wichtig wie die Werke selbst. Denn für die Abstrakten Expressionisten lag die Authentizität eines Gemäldes in seiner Direktheit und Unmittelbarkeit des Ausdrucks: in der Art und Weise, wie der Künstler seine inneren Impulse, sein unbewusstes Wesen zum Ausdruck brachte. In gewissem Sinne wurde das Gemälde selbst zu einem Ereignis, einem Drama der Selbstentblößung. Daher auch der Begriff „Aktionsmalerei“.

Ein wichtiges Merkmal dieses „Ereignisses“ war der „umfassende“ oder formlose Charakter der Bilder. Insbesondere Pollocks Werke schienen sich über die Leinwand hinaus zu erstrecken und wurden nur durch die physischen Grenzen der Ränder der Leinwand begrenzt.

Kurzum, Pollock (und andere) verwarfen alle traditionellen Vorstellungen von Komposition, Raum, Volumen und Tiefe und ließen die Bildebene in den Mittelpunkt rücken. Es überrascht nicht, dass die Bilder für Furore sorgten. Der Kunstkritiker „der New York Times“ John Canaday äußerte sich äußerst kritisch, doch Clement Greenberg erklärte den Abstrakten Expressionismus im Allgemeinen und Jackson Pollock im Besonderen zum Inbegriff des ästhetischen Wertes, Clement Greenberg hingegen erklärte den Abstrakten Expressionismus im Allgemeinen und Jackson Pollock im Besonderen zum Inbegriff des ästhetischen Wertes und bezeichnete Pollocks Werk aus formalistischen Gründen enthusiastisch als die beste Malerei seiner Zeit und als Erbe einer künstlerischen Tradition, die auf den Kubismus von Pablo Picasso, die würfelförmigen Gemälde von Paul Cézanne und Claude Monets Serie „Seerosen“ zurückgeht und deren bestimmendes Merkmal das Setzen von Zeichen auf einer flachen Oberfläche ist. Harold Rosenberg hob den „existenziellen“ Charakter von Pollocks Werk hervor: "Was auf die Leinwand kam, war kein Gemälde, sondern ein Ereignis".

Obwohl Willem de Kooning ebenfalls mit Pollock zu einer hochgradig aufgeladenen, aktiven Form des Abstrakten Expressionismus gezählt wird, unterscheidet sich sein Werk sowohl technisch als auch ästhetisch von letzterem. Seine gewalttätige und unheimliche Serie von sechs Gemälden „Woman“ (1950-3), die eine weibliche Figur in Dreiviertellänge darstellt, ist ein Beispiel für seinen figurativen Stil, obwohl er auch abstraktere Werke schuf. Siehe auch sein frühes Meisterwerk, Seated Woman (1944, Metropolitan Museum of Art), der Prototyp für die Serie Woman .

Wie Pollock war auch De Kooning davon überzeugt, dass der Künstler seine inneren Impulse verkörpert und dass der Betrachter in den entstehenden Farbspuren etwas von seinen Emotionen oder seinem Geisteszustand ablesen kann. "Ich male so, weil ich immer mehr in ein Bild hineinlegen kann - Drama, Wut, Schmerz, Liebe… durch deine Augen wird es wieder zu einem Gefühl oder einer Idee."

Andere wichtige Befürworter des Action Painting sind unter anderem: Mark Tobey, bekannt für seinen kalligrafischen Stil der kalligrafischen Gesten „White Writing“ ; Franz Kline, ein Künstler, dessen Werk sowohl Farbfeldkompositionen als auch energische Gesten umfasst, die manchmal mit gigantisch vergrößerten Fragmenten chinesischer Kalligrafie verglichen werden); Robert Motherwell (in seiner Serie mit dem Titel „Elegy to the Spanish Republic“ und seine kraftvollen Schwarz-Weiß-Gemälde); Cy Twombly (in seinen gestischen Werken, die auf kalligrafischen, linearen Symbolen basieren); und Adolf Gottlieb (bekannt für seine abstrakten surrealistischen Serien, darunter Pictograms, Imaginary Landscapes, Imaginary Landscapes und Explosions).

Künstler, die mit Action-Painting-Techniken in Verbindung gebracht werden, sind bei Sammlern nach wie vor sehr begehrt. Jackson Pollock und Willem de Kooning gehören zu den zehn teuersten Gemälden der Welt .

Farbfeldmalerei

Etwas später als das Action Painting entwickelte sich ein zweiter Stil des Abstrakten Expressionismus, der als Colour Field Painting bekannt wurde. (Ein Ableger dieses Stils war die Serie von Werken von Josef Albers „Honouring the Square“). Er entstand zu einer Zeit, als mehrere bedeutende Künstler in Amerika in den späten 1940er und 1950er Jahren (z. B. Mark Rothko, Clyfford Stills, Barnett Newman) mit der Verwendung von flachen Flächen oder Farbfeldern experimentierten, um beim Betrachter Kontemplation hervorzurufen - sogar bis hin zu mystischer Intensität.

Im Gegensatz zu den aggressiven Werken von Pollock oder De Kooning waren sie eher der passive Flügel des Abstrakten Expressionismus, obwohl es schwierig ist, eine endgültige Trennlinie zu ziehen. So kann das Werk von Clyfford Stills zum Beispiel eine donnernde Stimmung haben, aber im Gegensatz zu Pollocks Aktionen geradezu nüchtern sein. Die Werke dieser Künstler waren sehr großformatig, wodurch sie sich deutlich von den verwandten Studien von Albers und anderen unterschieden, wobei der Maßstab notwendig war, um die Wirkung zu erzielen.

Der Impuls, der der Farbfeldmalerei zugrunde liegt, ist reflexiv und zerebral und zeichnet sich durch einfache Bilder aus, die eine emotionale Wirkung erzeugen sollen. Rothko und Newman beschrieben u. a. ihren Wunsch, das „Erhabene“ und nicht das „Schöne“ zu erreichen. Ihr Stil (in Newmans Worten), der eine Art stark farbiger Minimalismus war, zielte darauf ab, den Künstler von "allen Zwängen der Erinnerung, der Assoziation, der Nostalgie, der Legende und des Mythos zu befreien, die für die westeuropäische Malerei charakteristisch waren".

Rothkos eigene rechteckige Formen mit weichen Rändern und leuchtenden Farben sollten den Betrachter einhüllen und eine halbreligiöse emotionale Erfahrung hervorrufen, bis hin zu Tränen. Wie Pollock und die aktionistischen Maler wurden die Farbfeldgemälde in einem monumentalen Maßstab ausgeführt, um eine optimale Wirkung zu erzielen - nicht um heroische Größe zu evozieren, sondern um den einzelnen Betrachter zu berühren und eine intime Beziehung zu ihm aufzubauen. Rothko sagte: "Ich male große Bilder, um intim zu sein".

Der prominenteste dieser Künstler, die im Farbfeld arbeiten, war Mark Rothko . Er wurde zusammen mit Clyfford Steele als Hauptvertreter „des amerikanischen Erhabenen“ bezeichnet. Er nahm erstmals 1929 an einer Ausstellung teil und arbeitete bis etwa 1940 in einer surrealistischen Richtung. Bis 1947 hatte er jedoch eine Formel entwickelt, der er für den Rest seines Lebens treu blieb. Diese Formel, obwohl sie gewöhnlich in monumentalem Maßstab interpretiert wird, ist fast so einfach wie das Quadrat von Josef Albers.

Die Gemälde von Mark Rothko bestehen in der Regel aus zwei oder drei horizontalen oder vertikalen Rechtecken verschiedener Farben, die sich in Breite oder Höhe unterscheiden, auf einem einfarbigen Hintergrund. Die Rechtecke sind mit Farbe gefüllt, die verschwommen oder mit wechselnden Tönen und leuchtender Intensität gefärbt ist, und ihre Ränder sind weichgezeichnet. Durch diese Unschärfe der Ränder scheint die Farbe zu schweben. Der Eindruck eines geheimnisvollen Leuchtens, das von diesen großen Leinwänden ausgeht, ist so stark und intensiv, dass der Betrachter selbst das Gefühl des Schwebens erleben kann.

Clyfford Still, immer eine unnahbare Figur, arbeitete ebenfalls in sehr großem Maßstab. Sein typischer Stil sind stark überlagerte, gezackte Formen, Silhouetten in dramatischem Kontrast zu einer breiten, flachen Farbfläche.

Barnett Newman, der 1947 zusammen mit Rothko und Motherwell die 8th Avenue Art School in New York gründete, arbeitete eine Zeit lang an der Zeitschrift The Tiger’s Eye, die die Ansichten vieler Mitglieder der Gruppe zum Ausdruck brachte. In seinem reifen Werk kam er zu noch einfacheren Lösungen als Rothko und wurde nie von Pollocks gestischer Malerei beeinflusst. In seiner Formel ist der mystische Zweck jedoch auf die kargste symbolische Geometrie reduziert, die aus einer rechteckigen Leinwand mit einer durch einen oder mehrere vertikale Streifen geteilten Farbfläche besteht. Seine Werke haben einen leidenschaftslosen Charakter und sind im Wesentlichen kalt.

Zu den anderen Künstlern, die mit einem Farbfeld arbeiteten, gehörte William Baziotes, der in seiner Stimmung Mark Rothko und Barnett Newman ähnelte, aber er entwickelte einen Stil, der an das Figürliche grenzte, was sie nie hatten. Seine Gemälde enthalten relativ komplexe Formen, die an belebte oder unbelebte Gestalten erinnern; Philip Guston (1913-1980), der seine eigene, sehr persönliche Variante hatte, die manchmal als „abstrakter Impressionismus“ bezeichnet wird und von der er in den späten 1950er Jahren zu einem expressiveren Stil überging.

Adolf Gottlieb, ein enger Zeitgenosse Clyfford Stills, verwendete in den 1930er Jahren surrealistische Bilder, interessierte sich aber auch sehr für die indianische Kunst, auf der er in den 1940er Jahren seine sogenannten „Piktogramme“ aufbaute, die sich durch eine sehr freudsche Bildsprache auszeichnen. Eine weitere wichtige Figur in der Entwicklung der Farbfeldmalerei war Helen Frankenthaler (geb. 1928), die als Kubistin begann und sich in den frühen 1950er Jahren einem Stil des Abstrakten Expressionismus zuwandte, wobei sie Pollocks „Drops“-Technik erheblich weiterentwickelte.

Mark Rothkos Gemälde „White Centre“ (1950) wurde 2007 für den Rekordpreis von 72,8 Millionen Dollar versteigert. Siehe Die 20 teuersten Gemälde der Welt .

Josef Albers: Hommage an den Platz

Ein Zweig der Farbfeldkunst, der Harmonie und Proportion im Abstrakten Expressionismus erforscht, wurde von dem deutschen Künstler Josef Albers entwickelt, der ab 1933 als Dozent am Black Mountain College in North Carolina tätig war. In seiner Lehre erforschte er die Beziehung zwischen Geometrie und Farbe in einer Reihe von Gemälden mit dem Titel „Variationen über ein Thema“.

Nach seinem Umzug nach Yale im Jahr 1950 begann er seine Serie mit dem Titel Homage to the Square . Diese umfangreiche Sammlung von Werken bestand aus Hunderten von Gemälden und Drucken im quadratischen Format. Obwohl sie unterschiedlich groß sind, bestehen sie alle aus drei oder vier sich überschneidenden Quadraten, einem Nest von Quadraten, die vertikal, aber nicht horizontal symmetrisch angeordnet sind. Albers nutzte diese Formel, um seine tiefe Überzeugung von der wichtigsten Dichotomie der Kunst zu demonstrieren - „die Diskrepanz zwischen physikalischer Tatsache und physikalischer Wirkung“, so dass die lineare Struktur seiner quadratischen Gemälde durch extreme Klarheit gekennzeichnet ist.

Die Farbstruktur entsteht in ähnlicher Weise durch gleichmäßig aufgetragene Farbe, direkt aus der Tube. Die Farbe jedes der drei oder vier Quadrate ist in der Regel ohne jegliche Variation in der Intensität und drückt daher absolut keine anderen Qualitäten als ihren bestimmten Ton aus. Im Auge des Betrachters wird die flache Bildfläche dreidimensional, da die eine Farbe entsprechend ihrer kontrastierenden Natur vorzutreten und die andere zurückzutreten scheint. Darüber hinaus wird die reine Gleichmäßigkeit der Farbe innerhalb jedes Quadrats optisch durch die Reaktion auf seine Nachbarn beeinflusst, und alle Farben ändern ihren Charakter, wenn sich das Licht, in dem sie gesehen werden, ändert.

Einige Kunsthistoriker haben Albers’ Werkserie „Erinnerung an ein Quadrat“ mit Claude Monets berühmten Gemälden „Seerosen“ verglichen, aber Albers’ Erben waren die Amerikaner der späten 1950er und 1960er Jahre, die, in Respekt vor den Errungenschaften des Abstrakten Expressionismus, in seinen Werken ein Muster und einen intensiven Farbsinn fanden, auf den sie aufbauen konnten. Später wurde sein Interesse an der Wahrnehmung für die Op Art und sogar für die Konzeptkunst wieder relevant.

Für andere Bewegungen, die der abstrakten expressionistischen Malerei ähnlich sind, siehe Künstlerische Bewegungen, Epochen, Schulen (ab etwa 100 v. Chr.).

Erbe

Die erste Generation der Maler des Abstrakten Expressionismus blühte von 1943 bis Mitte der 1950er Jahre. Sie hatten einen großen Einfluss auf den Ruf der amerikanischen Malerei und führten dazu, dass New York zum Zentrum der Weltkunst wurde. Der Stil wurde in den 1950er Jahren in Paris durch den kanadischen Künstler Jean-Paul Riopelle (1923-2002) eingeführt, der durch Michel Tapie’s bahnbrechendes Buch „Un Art Autre“ (1952) stark gefördert wurde. Michel Tapie förderte auch die Arbeiten von Jackson Pollock und Hans Hofmann in Europa.

Zur gleichen Zeit entstanden neue amerikanische Unterbewegungen wie Hard Edge Painting, die von Künstlern wie Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (geb. 1936), Jules Olitski (geb. 1922) und Al Held (geb. 1928) verkörpert wurden. In Europa war der Abstrakte Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren als Art Informel (Kunst ohne Form) bekannt. Zu den Untervarianten von Art Informel gehörten: Tachismus (ca. 1945-60), der sich durch die unregelmäßige Verwendung von Farbflecken auszeichnet. Zu seinen Vertretern gehören Künstler wie Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992) und die amerikanischen Künstler Pierre Soulages (geb. 1919) und Sam Francis (1923-1994).

Eng verwandt mit dem Tachismus ist der lyrische Abstraktionismus, eine sanftere Art der abstrakten Malerei, die einige der subjektiveren Elemente des art-informel -Stils eliminiert, Beispiele sind Nicolas de Staël (1914-1955), Jean Paul Riopelle (1923-2002) und der Kolorist Patrick Heron (1920-1999). Siehe auch: COBRA-Gruppe . Der Begriff „Lyrische Abstraktion“ wurde Anfang der 1960er Jahre in Amerika auch für einen rein abstrakten Stil der Farbfeldmalerei verwendet, der in den Werken von Helen Frankenthaler, Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (geb. 1924) und anderen zum Ausdruck kam. Er lehnte den emotionalen oder religiösen Inhalt des früheren Stils des Abstrakten Expressionismus und die damit verbundene höchst individuelle oder gestische Anwendung ab.

1964 organisierte der Kunstkritiker Clement Greenberg eine einflussreiche Ausstellung (“ Post-Painterly Abstraction“) mit Werken von 31 Künstlern, die mit dieser Bewegung in Verbindung gebracht wurden, im Los Angeles County Museum of Art. Die Ausstellung wanderte anschließend in wichtige Kunstmuseen in Amerika. In Großbritannien erschien in den 1960er Jahren eine neue Variante der Farbfeldmalerei in den Werken von Robin Denny, John Hoyland, Richard Smith und anderen.

In den 1960er Jahren waren die wichtigsten Auswirkungen des Abstrakten Expressionismus vollständig verpufft, obwohl seine Themen und Techniken auch spätere Künstler verschiedener Schulen beeinflussten, darunter Op Art, Fluxus, Pop Art, Minimalismus, Post-Minimalismus, Neo-Expressionismus und andere.

EVOLUTION DER VISUELLEN KUNST
Mehr über Trends und Stile in der Kunst: Kunstgeschichte .

ABSTRACT
Mehr über konkrete und gegenstandslose Kunst siehe: Abstrakte Malerei: Top 100 . Für eine Liste wichtiger Stile siehe: Strömungen in der abstrakten Kunst .

GESCHICHTE DER SCHÖNEN KUNST
Zur Entwicklung der schönen Künste, siehe : Chronologie der Geschichte der Kunst . Über Öl-, Acryl-, Aquarellmalerei und andere Arten von Gemälden: Malerei .