Porträtkunst: Geschichte, Typen Automatische übersetzen
Über Porträtkunst
Im Kunst kann ein Porträt ein Skulptur, ein Gemälde, eine Form von Fotografie oder jede andere Darstellung einer Person, bei der das Gesicht das Hauptthema ist. Herkömmliche Staffelei-Porträts zeigen in der Regel den Kopf und die Schultern des Dargestellten in halber oder ganzer Länge. Es gibt verschiedene Arten von Porträts, darunter: das traditionelle Porträt eines Individuums, ein Gruppenporträt oder ein Selbstporträt. In den meisten Fällen ist das Bild speziell zusammengestellt, um den Charakter und die einzigartigen Eigenschaften des Motivs darzustellen. Zu den großen Vertretern der westlichen Kunst im Bereich der Porträtmalerei zählen die alten Meister der Renaissance wie die Florentiner Leonardo da Vinci (1452-1519) Michelangelo (1475-1564) und Bronzino (1503–72), der Toskaner Raphael (1483-1520) und der Venezianer Tizian (1487 & ndash; 1576). Nördlich der Alpen gab es Jan van Eyck (1390-1441), der Gründer von Flämische Malerei aus Brügge, und die deutschen Porträtisten Lucas Cranach der Ältere (1472-1553) und Hans Holbein der Jüngere (1497 & ndash; 1543). Zu den späteren Vertretern gehörte der unsterbliche Holländer Rembrandt (1606-69) und dem spanischen Hofmaler Anthony Van Dyck (1599-1641) Velazquez (1599-1660) und der Engländer Thomas Gainsborough (1727 & ndash; 88). Beispiele für moderne Porträts sind Theodore Gericault, Edouard Manet; Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, John Singer Sargent, Paul Gaugin, Pablo Picasso, William Orpen, Amedeo Modigliani, Otto Dix, Graham Sutherland, Lucien Freud, Chuck Close und Frank Auerbach. Die größte Sammlung von Porträts befindet sich im National Portrait Gallery (London) mit rund 200.000 Beispielen.
Die Geschichte der Porträtmalerei
Antike Porträtmalerei
Porträtmalerei kann als öffentliche oder private Kunst betrachtet werden. In alten mediterranen Zivilisationen wie Ägypten, Griechenland, Rom und Byzanz war die Porträtmalerei hauptsächlich eine öffentliche Kunstform oder eine Art Bestattungskunst für Götter, Kaiser, Könige und Päpste. Porträts wurden als Skulptur in Bronze, Marmor oder anderem Stein ausgeführt oder als Tafelbilder oder Wandgemälde Fresken.
Obwohl während der sumerischen, ägyptischen und griechischen Ära private Kunstwerke in Auftrag gegeben wurden – typisch für königliche Familien -, handelte es sich bei den meisten alten Porträts um öffentliche Kunst, die die öffentlichen Bereiche schmücken und die Moral und religiösen Werte der Zeit widerspiegeln sollte.
Beispiele für Porträts aus dem frühen Ägypten sind: die Skulptur, Menkaure und seine Königin (ca. 2470 v. Chr.); die Skulpturen, Pharao Echnaton (um 1364 v. Chr.), Die Tochter Echnaton (um 1375 v. Chr.), die Büste der Nofretete (um 1350 v. Chr.); und die Mumienporträts (c.200 CE). Zu den griechischen Skulpturen gehörten: die Marmorbüste Sokrates (ca. 340 v. Chr.); sowie zahlreiche Büsten, Reliefs und Statuen griechischer Götter von Aphrodite bis Zeus. Wichtige Bildhauer während der klassischen griechischen Periode waren Polykleitos, Myron und Phidias. Es wurden auch Porträts auf Tafeln gemalt, von denen jedoch fast keine erhalten ist. Eine berühmte Ausnahme ist die Serie von Fayum Mumienporträts (ca. 50 v. Chr. – 250 v. Chr.) im Faiyum Basic in der Nähe von Kairo in Ägypten gefunden.
Römische Porträtmalerei
Römische Kunst beruhte auf der praktischen politischen Notwendigkeit. Porträtbüsten aller Kaiser, von Julius Cäsar bis Konstantin, wurden in Marmor oder Bronze gemeißelt. Diese Statuen und Büsten wurden im ganzen Reich öffentlich ausgestellt, um die römische Macht zu feiern. In der Hauptstadt wuchs eine riesige Kunstindustrie auf, die Bildhauer, Maler und Künstler aus ganz Italien und Griechenland anzog, um der Nachfrage nach kaiserlichen Porträts gerecht zu werden. Es gibt zum Beispiel mehr als 250 überlebende Büsten von Kaiser Augustus. Römische Porträts setzten die Tradition der Kunst im öffentlichen Raum fort.
Porträtmalerei in der Spätantike und im Mittelalter
Mit dem Beginn des dunklen Zeitalters nach der Entlassung Roms (um 450 n. Chr.) Nahm die öffentliche Kunst eine weniger auffällige Form an. Porträtmalerei und andere Arten von Gemälden wurden hauptsächlich für das Innere von Kirchen und Klöstern (in der Regel in Form von Fresken oder Enkaustiktafeln) oder zur Illustration von beleuchteten Evangeliumsmanuskripten wie dem Garima-Evangelien (390-660) aus Äthiopien und das Book of Kells (ca. 800) aus Irland. Der einzige Hauptpatron der Künste im Mittelalter war die Kirche. Beispiele für Werke aus dieser Zeit sind: enkaustisch Panel-Porträts und Symbole aus dem Katharinenkloster, Berg Sinai, wie Thronende Madonna mit Kind (um 600 n. Chr.); Porträts der Evangelisten und Apostel in keltisch-christlich illuminierten Manuskripten und karolingischen Evangelientexten, wie Johannes der Evangelist (um 800). In der Zeit der Romanik und Gotik bis zum 14. Jahrhundert (um 1000-1300) wurde die Porträtmalerei immer größer Glasmalerei Kunst – vieles davon ist heute noch in architektonischen Meisterwerken wie der Kathedrale von Chartres und der Kathedrale Notre Dame in Paris zu sehen.
Giottos Naturalismus und Jan Van Eycks Realismus (um 1300-1450)
Der byzantinische Stil der Porträtmalerei, der im Zeitraum von 450 bis 1400 vorherrschte, war nicht mit echten Bildern vereinbar. Stattdessen hielten Maler an einem hieratischen Kunststil fest, bei dem die geistigen und menschlichen Eigenschaften einer Figur aus symbolischen Motiven abgeleitet werden sollten. Diese nicht-naturalistische Herangehensweise blieb bis zum Eintreffen von weitgehend unangefochten Giotto (1266-1337), auf deren Fresken in Scrovegni (Arena-Kapelle) erstmals realistische, normal aussehende Menschen mit soliden dreidimensionalen Formen zu sehen waren. Dieser neue Stil machte sich bald in der eigentlichen Porträtkunst bemerkbar: erstens unter Ölmalereiexperten der Niederländische Renaissance (c.1400-1580) und Deutsche Renaissance darunter Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Lucas Cranach und Hans Holbein – Ölfarben, die besonders für realistisch aussehende Bilder geeignet sind – und später Frankreich mit Werken wie Porträt von Karl VII. Von Frankreich (1445-50) von Jean Fouquet (1420 & ndash; 81). Um 1500 war die Porträtmalerei zu einem bedeutenden Malgenre geworden.
Der Einfluss der italienischen Renaissance (um 1450-1530)
Renaissance-Kunst brachte einige neue Ideen in die Malerei ein. Dazu gehörten technische Konzepte wie lineare Perspektive, Licht und Schatten ) Chiaroscuro und sfumato ) und 3D-Modellierung sowie narrative Konzepte wie Humanismus. Diese Ideen versorgten Porträtkünstler mit größeren Ressourcen, was bald zu einer spürbaren Qualitätssteigerung von führte Renaissance-Porträts.
In der Zwischenzeit behielt die Kirche ihre Kontrolle über das Mäzenatentum der schönen Künste und ließ Arbeiten für Kathedralen, Kirchen, Kapellen, Klöster und Klöster in Auftrag geben. Tatsächlich ging der Vatikan im 16. Jahrhundert beinahe bankrott, als aufeinanderfolgende Päpste ihr Vermögen dafür verwendeten, Rom zu schmücken. Es versteht sich daher von selbst, dass die meisten Porträts in dieser Zeit von Mitgliedern der Heiligen Familie, Märtyrern oder Aposteln stammen. Der Einfluss der Renaissance auf die Porträtmalerei hielt Jahrhunderte an, als die Künstler den Stil von Leonardo, Raffael, Tizian und Michelangelo weiter nachahmten. Siehe auch Venezianische Porträtmalerei (1400-1600).
Zeit nach der Renaissance (um 1530-1700)
Zwei wichtige Entwicklungen ereigneten sich in der Zeit der Manieristen (um 1530-1600) und des Barocks (um 1600-1700).
Während des 16. Jahrhunderts wurde von den wichtigsten Kunstakademien eine klare Hierarchie von Gemälden festgelegt – basierend auf den wahrgenommenen „inspirierenden“ Eigenschaften eines Bildes. Fünf Genres wurden wie folgt eingestuft: (1) Historische , religiöse oder mythologische Bilder (mit einer "Erzählung" oder "Botschaft") wurden als das würdigste Genre angesehen, gefolgt von (2) Porträts , dann (3) Genregemälden . Das sind Bilder von alltäglichen Szenen, (4) Landschaften und schließlich (5) Stillleben . Aus diesem Grund versuchten viele Porträtkünstler, ihren Porträts einen historischen, religiösen oder mythologischen Rahmen zu geben, um sowohl ihre Malerei als auch ihr Motiv in Szene zu setzen.
In der Mitte des 16. Jahrhunderts beschloss das katholische Konzil von Trient nach der europaweiten Spaltung zwischen der katholischen Kirche in Rom und der protestantischen Bewegung, die durch Luthers Reformation (um 1520) verursacht wurde, eine große Siegeskampagne enttäuschte Anbeter zurück. Diese Kampagne, bekannt als Gegenreformation , verwendete Kunst als Propagandawaffe und gab daher eine große Anzahl religiöser Gemälde und Skulpturen in Auftrag, von denen viele im monumentalen Maßstab ausgeführt wurden, einschließlich einiger ikonischer Porträts. Sehen Sie sich zum Beispiel El Grecos wundervolle Meisterwerke an Porträt eines Kardinals (1600) und Porträt von Felix Hortensio Paravicino (c.1605). Siehe auch: Barocke Porträts. Für Maler des 17. Jahrhunderts, die sich auf Porträts von Königen spezialisiert haben, siehe zum Beispiel Hyacinthe Rigaud (1659-1743), bekannt für seine Porträts Ludwigs XIV.
Niederländische Realismusschule – Eine einzigartige Zeit der Porträtmalerei
Zeitgleich mit dem Aufschwung der katholischen Malerei entstand im protestantischen Holland eine Mini-Renaissance, angeheizt von einem neuen, sehr materialistischen Kundentypus – dem reichen mittelständischen Kaufmann oder Fachmann – der Gemälde kaufen wollte, die ihn und seine Familie hervorbrachten gut aussehen. Sie mussten klein genug sein, um an der Wand seines Hauses zu hängen, und detailliert genug, um lebensecht zu wirken. So der unnachahmliche Stil von Niederländischer Realismus Das Malen war geboren. Der größte Niederländische realistische Künstler darunter wunderbare Porträtisten wie Frans Hals (1582-1666), Jan Vermeer (1632-75) und natürlich Rembrandt.
Hinweis: Die Porträtmalerei in Russland entwickelte sich später als im übrigen Europa. Es war nicht bis zur Ära von Petrine Kunst unter Peter dem Großen (1686-1725) tauchten Porträtmalereien im akademischen Stil auf.
Erweiterung der Porträtmalerei: Fotografie von gestern (um 1700-1900)
Die Porträtmalerei hat sich im 18. und 19. Jahrhundert als Genre stark erweitert. Dies war auf mehrere Faktoren zurückzuführen, darunter: die universelle Verwendung von Öl und Leinwand; die Zunahme des Handels, die wiederum eine große Gruppe wohlhabender mittelständischer Geschäftsleute und Grundbesitzer hervorbrachte; und die Verwendung von Porträts als Mittel zur dauerhaften visuellen Aufzeichnung von Personen und Familien. In jedem Fall gab es in dieser Zeit ein deutliches Wachstum der Porträtkunst, das erst mit der Einführung der Kamera im 20. Jahrhundert gestoppt wurde. Für Werke aus dem 18. Jahrhundert siehe: Rokoko / klassizistische Porträtmalerei. Die beiden wohl schönsten Porträtmalerinnen des 18. Jahrhunderts waren die Schweizer Künstlerinnen Angelica Kauffmann (1741-1807), der in London und Rom tätig war, und Elisabeth Vigee-Lebrun (1755–1842), Hofmalerin der Königin Marie-Antoinette. Andere außergewöhnliche Porträtisten des achtzehnten Jahrhunderts gehören Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) bekannt für exquisite Rokokoarbeiten wie The White Hat (1780, Museum of Fine Arts, Boston).
Für Gemälde des 19. Jahrhunderts siehe: Porträts aus dem 19. Jahrhundert. In Bezug auf bestimmte Schulen werden die Merkmale der englischen Porträtmalerei in den folgenden Abschnitten erörtert: Englische figurative Malerei 18./19. Jahrhundert, während Sie auch Beispiele für bemerkenswerte sehen können Impressionistische Porträts von Leuten wie Edouard Manet und anderen.
Ein spezielles Genre der romantischen Porträtmalerei, das im neunzehnten Jahrhundert in England sehr populär wurde, wird durch die Gemälde von Sir veranschaulicht Edwin Landseer (1802-73), deren sentimentale Porträts von Hunden einige der zugrunde liegenden Tugenden der viktorianischen Ära zum Ausdruck brachten.
Porträtmalerei des 20. Jahrhunderts
Das 20. Jahrhundert zeigte wenig Interesse an der klassischen Hierarchie der Gattungen und beschäftigte sich mit neuen Darstellungsweisen der Realität in Zeiten von Weltkriegen und moralischer Unsicherheit. Nach einer Reihe von Expressionistische Porträts, Fortschritte in Fotografie, Film und Video, ließen klassische Porträts anachronistisch und von geringem Wert erscheinen. Stattdessen, Porträtkünstler des 20. Jahrhunderts benutzte das Genre einfach als ein anderes Mittel, um ihren Kunststil zu fördern. Ausnahmen sind Picassos Porträts sowie Portrait von Gertrude Stein (1906) und die des Expressionisten Modigliani: siehe zum Beispiel Porträt von Juan Gris (1915) und Porträt von Jeanne Hebuterne (1918). Die Entwicklungen der Nachkriegszeit wurden auch durch zusätzliche Kunstmaterialien, computerbasierte Medien und neue Formen der Druckgrafik beeinflusst, was neue Arbeiten in Acrylfarben, Aluminiumfarben, Collagenform, Siebdrucken, Computerdrucken und gemischten Medien sowie einer Vielzahl von Materialien ermöglichte neuer skulpturaler Medien. Dieser Trend zeigt sich beispielhaft in Pop-Art-Porträts durch Andy Warhol (1928-87), dessen Druckporträts von Elvis, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor und Mao-Tse-Tung zu Ikonen des späteren 20. Jahrhunderts wurden. Der neueste zeitgenössische Stil der Porträtmalerei, bekannt als Fotorealismus (Hyperrealismus) wird durch Künstler wie den Amerikaner veranschaulicht Chuck Close (geb. 1940).
Eigenschaften des Porträts Art
Wie jedes Malereigener spiegelt auch die Porträtkunst den vorherrschenden Malstil wider. Im frühen Ägypten zeigten gemalte Porträts und Reliefskulpturen das Thema nur im Profil. Ein im Barock gemaltes Porträt wäre üppiger als die würdigen neoklassizistischen Bilder, aber keines war so bodenständig wie das der Realisten. Ebenso war die romantische Porträtmalerei animierter als die impressionistischen Porträts, während die expressionistische Porträtmalerei aus dem frühen 20. Jahrhundert in der Regel die grellste und farbenfrohste aller Epochen ist. Das heißt, in sehr einfachen Worten kann man zwei grundlegende Stile oder Ansätze in der Porträtmalerei erkennen: den "großen Stil", in dem das Motiv in einer idealisierten oder "überlebensgroßen" Form dargestellt wird; und der realistische, prosaische Stil, in dem das Thema realistischer dargestellt wird.
Stile einzelner Porträtisten
Obwohl die größten Porträtisten, wie Leonardo, Michelangelo und Rembrandt, beide Stile beherrschten, neigen die meisten Künstler dazu, nur eine Tradition zu veranschaulichen. Zum Beispiel schlossen diejenigen, die im Grand Classical-Stil malten, ein: Peter Paul Rubens (1577-1640), Sir Anthony Van Dyck (1599-1641) Sir Joshua Reynolds (1723-92), Goya (1746-1828) und John Singer Sargent (1856-1925). William Orpen (1878-1931), einer der Großen Irische Porträtkünstler auch in der großen "akademischen Stil" gemalt. Andere spezialisierten sich auf eine eher bodenständige Porträtmalerei, wie Jan van Eyck (1390-1441) und Jan Vermeer (1632-75), die beide leise präzise Werke gemalt haben. Der realistische Stil wurde von Theodore Gericault (1791-1824) untersucht, der vom russischen Genie realistische Bilder von psychisch kranken Patienten produzierte Ivan Kramskoy (1837-1887) – bekannt für seinen humanistischen Realismus – und von anderen Russen gern Wassili Perow (1833 & ndash; 82). Zu den impressionistischen Porträtisten zählen die Franzosen Edouard Manet (1832-83), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917) und Paul Cezanne (1839-1906) Russisch Valentin Serov (1865-1911) und der Amerikaner John Singer Sargent – siehe seine Porträt von Madame X. (1884). Die expressionistische Porträtmalerei zeigt exemplarisch den Emotionalismus von Van Gogh (1853-90), die Stadtporträts von Pablo Picasso (1881-1973), den lyrischen Primitivismus von Amedeo Modigliani (1884-1920) und durch den schwarzen Humor von Otto Dix (1891-1969) und Oskar Kokoschka (1886-1980). Zu den moderneren Porträtmalern zählen Graham Sutherland (1903-80), bekannt für seine Stimmungsporträts; David Hockney (* 1937) für seine Präzision und Form; und Lucien Freud (* 1922) für seinen rohen Naturalismus. Inzwischen ist der Meister der pastosen Frank Auerbach (geb. 1931) produziert weiterhin Werke von außerordentlicher Intensität.
Arten von Porträts
Religiöse Porträtmalerei
Während der Geschichte der westlichen Kunst Porträtkünstler wurden aus zahlreichen Gründen eingestellt. Erstens wurden im antiken Griechenland, Ägypten und Rom (sowie in mykenischen, minoischen und anderen mediterranen Kulturen) Maler und Bildhauer eingesetzt, um eine breite Palette von Göttern und Göttinnen in einer Reihe von öffentlichen Kunstwerken darzustellen. Beispiele sind: Aphrodite (ca. 350 v. Chr.) Von Praxiteles; die Venus von Milo (um 100 v. Chr.); der Pergamonfries (um 180 v. Chr.) sowie Büsten von Zeus, Pan, Eros und anderen.
Die Renaissance behielt diesen Typ bei religiöse Kunst durch seine Fresken des Christentums mit den Propheten, Jesus Christus, der Jungfrau Maria und den Aposteln. In der Zwischenzeit Leonardo Da Vincis Das letzte Abendmahl und Michelangelos Genesis Fresko (1508-12) und Fresko des Jüngsten Gerichts (1536-41) – an der Decke und an den Wänden der Sixtinischen Kapelle in Rom – enthalten einige der größten religiösen Porträts, die jemals geschaffen wurden. Weitere bemerkenswerte religiöse und mythologische Porträts der Renaissance, darunter: Jan van Eycks Porträts von Adam und Eva in seinem Meisterwerk Das Gent-Altarbild (1425 & ndash; 32); Mantegnas Klage über den toten Christus (um 1490); Leonardo Jungfrau und Kind mit St. Anne (1502); Raffaels Sixtinische Madonna (1514); und Tizians Venus von Urbino (1538). Obwohl sich viele dieser Werke nicht auf ein einzelnes Gesicht oder eine einzelne Figur beschränken und einige nur aus der Ferne sichtbar sind, bestand ihr Ziel darin, das Christentum in persönlicher Form darzustellen, und sollten daher als Teil des Porträtgenres betrachtet werden. Man sollte auch beachten, dass die Renaissance der Malerei, die eine Erzählung oder Botschaft porträtierte, die größte Bedeutung beimaß. So haben Künstler ihre „Porträts“ typischerweise in große Erzählszenen eingebunden.
Historische Porträtmalerei
Porträtkünstler zeigten auch verehrte historische menschliche Figuren. Beispielsweise wurden alle römischen Kaiser (z. B. Julius Caesar, Augustus, Marcus Aurelius) in öffentlichen Kunstformen wie Statuen, Büsten und Friesen dargestellt, um das Römische Reich zu verherrlichen. Ägyptische Pharaonen wurden auch häufig in verschiedenen Medien porträtiert, darunter Porträtbüsten, Grabmalereien und Mumienporträts. Spätere Päpste, Könige und Präsidenten wurden ebenfalls porträtiert, ein Prozess, der ab der Hochrenaissance florierte.
Beispiele beinhalten: Dogen Leonardo Loredan (1502) von Giovanni Bellini; Papst Leo X. mit Kardinälen (1518) von Raphael; Sir Thomas More (1527); Thomas Cromwell (1534) und Heinrich der Achte (1536) von Hans Holbein. Kaiser Rudolf II. Als Vertumnus (1591) von Giuseppe Arcimboldo; König Karl I. von England auf der Jagd (1635) von Anthony Van Dyck; Porträt von Papst Innocent X. (1650) und der Komplex Las Meninas (1656) von Diego Velazquez; Der Selbstmord von Lucretia von Rembrandt; George Washington (1796) von Gilbert Stewart; Napoleon überquert die Alpen (1801) von Jacques-Louis David; Wellington (1816) von Francisco Goya; Theodore Roosevelt (1903) von John Singer Sargent; Amerikanische Gotik (1930) von Grant Wood; Studie nach Papst Innozenz X. von Velazquez (1951) von Francis Bacon. Eine andere Art von historischem Porträt – das "politische Porträt" – ist beispielhaft dargestellt durch Schluchzende Frau (1937, Tate Modern, London), das universelle Symbol des weiblichen Leidens.
Promi-Porträts
Berühmte Persönlichkeiten waren schon immer ein begehrtes Thema (oder Ziel) professioneller Künstler, von der Renaissance bis zur Pop-Art. Beispiele für Porträtisten und ihre Bilder von Prominenten sind: Jan van Eyck: The Arnolfini Portrait (1434); Lucas Cranach der Ältere : Diptychon mit den Porträts von Luther und seiner Frau Katherina von Bora (1529); John Singleton Copley : Die drei jüngsten Töchter von George III (1785, Buckingham Palace London); Johann Heinrich Wilhelm Tisschbein: Goethe in der Campagna (1787); Joseph Lange: Mozart am Klavier (1789); Herr Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823); Ilya Repin : Porträt von Leo Tolstoi (1887); Juan Gris : Porträt von Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Porträt von Somerset Maugham (1949); Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Acht Elvis (1963). Weitere Gemälde berühmter Persönlichkeiten sind: die von Kusma Petrow-Wodkin gemalte Dichterin Anna Achmatowa; der Schauspieler Charlie Chaplin von Fernand Leger ; und der bolschewistische Führer Lenin von Isaak Brodsky.
Eine andere weniger formale Art der Porträtmalerei ist Karikatur In der Regel von Politikern und Prominenten, die in Zeitungen und anderen Zeitschriften wie dem Time Magazine, Vanity Fair und The New Yorker veröffentlicht wurden.
Aktporträts
Von der Antike über die Renaissance bis zum 20. Jahrhundert waren sowohl männliche als auch weibliche Aktbilder in der Porträtmalerei, in der Malerei, in der Skulptur und in der Gravur zu sehen – Botticelli’s Geburt der Venus (1485) ist einer der größten. Andere berühmte Aktporträts sind: Die schlafende Venus (1510, Dresden) von Giorgione; Die Venus von Urbino (1538, Uffizien) von Tizian; Die Rokeby Venus (1647) von Velazquez; Der Valpincon-Badende (1808, Louvre) und La Grand Odalisque (1814, Louvre) von JAD Ingres. Weitere berühmte Beispiele finden Sie unter: Weibliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 20) und Männliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 10).
Eitelkeit-Porträtmalerei
Porträtkünstler wurden auch von niederen Adligen, Kulturschaffenden und Geschäftsleuten beauftragt, ein schmeichelhaftes Bild von ihnen zu schaffen, das ihre Position in der Gesellschaft widerspiegelt. Diese Art der Staffelei-Kunst blühte während der hochitalienischen Renaissance und in der nördlichen Renaissance unter den niederländischen und flämischen Schulen auf, als tragbare Kunstmedien wie Tafelbilder und Leinwände anfingen, Wandfresken zu ersetzen. Beispiele sind: Herzog Federico da Montefeltro und seine Frau Battista Sforza (um 1466) von Piero Della Francesca; Die Familie & Hof von Ludovico II Gonzaga (c.1474) von Andrea Mantegna; Leonardo Dame mit einem Hermelin (Porträt von Cecilia Gallerani) (um 1490) und Mona Lisa (um 1503), Ehefrau von Francesco del Giocondo; Raffaels Baldassare Castiglione (1515); Jan van Eycks Jungfrau von Kanzler Rolin (1436); Holbeins Erasmus von Rotterdam (1523, National Gallery, London); Der Kaufmann Georg Gisze (1532, SMPK, Berlin); und Die Botschafter (1533, National Gallery, London); Der lachende Kavalier (1624) von Frans Hals; Die Nachtwache oder Die Miliz Kompanie von Kapitän Frans Banning Cocq (1642) und Die Syndiken der Tuchmacher-Gilde (Die Staalmeester) (1662) von Rembrandt; Meister Thomas Lister (1764) von Joshua Reynolds; Frau Richard Sheridan (1785) von Thomas Gainsborough; Porträt von Monsieur Bertin (1832) und Porträt von Madame Moitessier (1844-65) von Ingres. Porträt von Fräulein Amelia Van Buren (1891) von Thomas Eakins; und Porträt von Fräulein Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) durch William Merritt Chase (1849-1916).
Rückblick auf die Entwicklung der Porträtmalerei
Es gibt viele Porträts unter den Meisterwerken der europäischen Malerei vom fünfzehnten Jahrhundert bis in die jüngste Zeit und sie sind ein wichtiges Merkmal der Arbeit von Meistern, die sich in anderen Genres hervorgetan haben. Goya (1746-1828), der Maler des spanischen Lebens, des Stierkampfes, des Volksfestes, des finsteren Omens, der Kriegskatastrophen und sogar der religiösen Themen, wäre unserer Ansicht nach noch unvollständig, ohne seine brillanten Studien der individuelle Persönlichkeit.
Für den größten Teil des Mittelalters, in einer Kunst, die sich der Religion widmet, wären solche Studien (wenn es möglich gewesen wäre, sie zu machen) ein Eingriff in den Glauben, eine Zumutung, wenn nicht gar mehr. Die plastischen Darstellungen von Königen und Königinnen waren Erinnerungsabstraktionen der Autorität. Die handschriftliche Beleuchtung lieferte bis ins späte Mittelalter eher Symbole als Bildnisse. Die Anfänge der Charakterisierung zeigen sich in königlichen Porträts des vierzehnten Jahrhunderts, der Wilton Diptychon ein Beispiel geben. Die schöne Arbeit in einem zarten Miniaturstil, der anscheinend mit dem des französisch-flämischen Künstlers Andre Beauneveu (ca. 1330-1403) verwandt ist, wirft jedoch ein Problem im Bild des jungen und bartlosen Richard II auf. Es gibt Hinweise darauf, dass die Tafel zu einem späteren Zeitpunkt gemalt wurde, als Richard bärtig und vorzeitig gealtert war. Was auch immer der Grund sein mag, dies würde bedeuten, dass Ähnlichkeit nicht so ein Hauptanliegen wie Einstellung und hingebungsvoller Inhalt war.
In der flämischen Malerei des fünfzehnten Jahrhunderts entsteht das realistische Porträt mit überraschender Plötzlichkeit. Die Praxis, das Bild des Stifterprälaten, des edlen oder des wohlhabenden Kaufmanns in das Altarbild für die Kirche oder das Kloster aufzunehmen, übte die hervorragenden Fähigkeiten von Jan van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-64) und Hans aus Memling (1433-94). Sie malten rein weltliche Porträts mit der gleichen Kraft, wobei ausländische Besucher der flämischen Städte zu ihren Kunden zählten. Der Agent der Medici in Brügge, Tommaso Portinari, erscheint mit seiner Frau und seinen Kindern in der großen Anbetung, die jetzt in den Uffizien stattfindet, bei Hugo van der Goes (1440–82). Sir John Donne, der während der Rosenkriege von Edward IV. Zum Ritter geschlagen wurde, wurde mit seiner Frau und seiner Tochter im Donne-Triptychon (1477) von Hans Memling dargestellt, der sich heute in der National Gallery in London befindet. Der im Ausland lebende Engländer Edward Grimston aus Rishangles, Suffolk, war zuvor Gegenstand eines rein weltlichen Gemäldes von Petrus Christus (c.1410-1473), der Anhänger von Van Eyck in Brügge. Das auf diese Weise auf die Kunst ausgedehnte Mitgefühl zwischen England und den südlichen Niederlanden sollte eine Fortsetzung der langen Abfolge flämischer Maler sein, die sich im 16. und 17. Jahrhundert in London niederließen.
Humanismus, Renaissance und Reformation trugen alle zur Entwicklung des Porträts als eigenständiges Genre bei. Das Prinzip der humanistischen Philosophie, dass das richtige Studium der Menschheit menschlich war, gab dem Porträt einen Stellenwert. Die Künstler der Renaissance stimmten nicht nur mit dieser Ansicht überein, sondern verbesserten durch technischen Fortschritt die Repräsentation des Charakters. Das von Antonello da Messina (1430-1479) nach Venedig gebrachte Ölmedium verlieh der Kunst eine neue Wärme und Stärke des Modellierens. Leonardo da Vinci (1452-1519) demonstrierte, wie Licht und Schatten den Vorschlag von Persönlichkeit und Psychologie ) sfumato) ergänzen könnten. Die Reformation gab der Porträtmalerei anderer Art einen Anstoß. Die Unterdrückung religiöser Bilder in den Reformländern machte die Maler eher bereit, ihre Dienste als Porträtisten anzubieten.
Die Karriere von Hans Holbein dem Jüngeren (1497-1543) zeigt die Wirkung der drei Kräfte. Der gebürtige Augsburger wollte in jungen Jahren in der deutsch-schweizerischen Stadt Basel arbeiten, die nicht nur ein Zentrum des wissenschaftlichen Humanismus war, sondern auch Erfolg hatte. Dort machte er seine Illustrationen für das Lob der Torheit von Erasmus. Er hatte die Fähigkeit der Renaissance, verschiedene Unternehmungen durchzuführen, von Wanddekorationen und Altarbildern bis hin zu Entwürfen für Goldschmiedearbeiten und Glasmalereien, obwohl seine Neigung zur Porträtmalerei bereits ausgeprägt war. Mit dem Aufschwung des protestantischen Gefühls in Basel endete jedoch die Beschäftigung katholischer Natur.
Wie andere Künstler war er "ohne Brot", wie Erasmus feststellte, als er ihn Thomas More in London empfahl. Das Interesse dieser Freunde (das er durch großartige Porträts von ihnen zurückzahlte) ermöglichte es Holbein, in den zwei Jahren seines ersten Aufenthalts in England, 1528, einen bedeutenden Teil der Tudor-Gesellschaft zu treffen und in Gemälden und Zeichnungen darzustellen. Sein zweiter Aufenthalt dauerte elf Jahre von 1532 bis zu seinem Tod im Jahr 1543 brachte ihn definitiver in den Hofbereich. Er wurde 1536 Maler Heinrichs VIII. Kein Gesicht in der Geschichte ist besser bekannt als das beeindruckende Gesicht mit misstrauischen Augen und dem kleinen grausamen Mund, das Holbein auf dem einen Bild (Sammlung Thyssen) gemalt hat – unter einer Reihe von Fassungen -, die sicherlich von ihm stammen eigene Hand.
In diesem Jahrhundert wechselnder Beziehungen und Bündnisse zwischen despotischen Herrschern hatte das Porträt seine diplomatische Funktion. Das Bild des Herrschers erinnerte nicht nur Beamte und Höflinge der Regierungsgewalt, sondern war auch ein Symbol des internationalen Austauschs, der Künstler selbst eine internationale Persönlichkeit. Dies war die Position von Tizian (1485-1576), dem Darsteller Karls V. und Philipps II. Von Spanien, und von Anthonis Mor (1519-1576), dem Lateinamerikaner Antonio Moro, der später Sir Anthony More wurde und Mary Tudor malte und Sir Thomas Gresham.
Bevor die Fotografie erfunden wurde – oder eine persönliche Bekanntschaft als notwendige Voraussetzung für eine königliche Ehe angesehen wurde – diente das gemalte Porträt dazu, die körperliche Eignung der zukünftigen Braut zu vermitteln. Holbein wurde auf den Kontinent geschickt, um seinen Bildbericht über die junge, aber verwitwete Herzogin von Mailand und Anne, die Tochter des Herzogs von Cleves, zu packen, um Henry bei seiner Wahl zu helfen. Sein Gemälde der Herzogin (London, National Gallery) wurde mehr als nur eine Beschreibung.
Ein weiterer Zweck des Gerichtsporträts war es, Macht und Rang durch die Pracht der Tracht und den Überfluss an Schmuck anzuzeigen. Dies war ein starkes Kennzeichen der elisabethanischen Zeit und möglicherweise eine Forderung des Schutzherrn, wonach Merkmale einen steifen und zeremoniell ausdruckslosen Aspekt haben sollten, während die Fülle an Accessoires den Status belegte. Die Königin selbst scheint in ihren Anordnungen gegen den Schatten, der Nicholas Hilliard übermittelt wurde, nach diesem Muster gedacht zu haben, gegen den sich der Schatten des Gesichtsmodells ergeben würde.
Den fast byzantinischen Formenreichtum eines Werkes wie des Ditchley-Porträts von Marcus Gheeraerts dem Jüngeren (1561-1636) suchten Hofdamen in geringerem Maße. Die flämischen Maler, die vor der religiösen Verfolgung in den Niederlanden nach England kamen und eine flämische Kolonie in London gründeten, waren Handwerker, die eine Bedingung stellten, die ihre Unabhängigkeit als Künstler einschränkte. Das Genre von Miniatur-Porträtmalerei durch seine intime Größe vermieden die Schwere der Einschränkung, die Kunst der Nicholas Hilliard (1547-1619) in seiner Klarheit der Farbe, Lebendigkeit der Darstellung und emblematischen Poesie so melodisch wie das elisabethanische Sonett zum Ohr. Im Gegenzug gab Hilliard seine Geheimnisse an einen anderen Engländer weiter beste Miniaturisten der modernere Isaac Oliver (1568–1617).
Das 17. Jahrhundert war ein großes Zeitalter der Porträtmalerei in Europa. Der Status des Malers wurde geändert, er konnte ein höheres Maß an Unabhängigkeit in Methode und Konzeption beanspruchen. Der Respekt, den Tizian den mächtigsten Herrschern entgegengebracht hatte, hatte einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Der Künstler bewegte sich in Hofkreisen nicht als angestellter Arbeiter, sondern als einer, der zu ihrem Glanz beitrug. Wo kein Gericht existierte – in den Vereinigten Provinzen der nördlichen Niederlande -, erforderten neu gewonnener Reichtum und nationale Freiheit Porträts in Hülle und Fülle. Es wurde gesagt, dass jeder flämische Künstler ein geborener Porträtmaler war. Um den Verlauf der flämischen Malerei von Van Eyck bis Rubens und Van Dyck zu untersuchen, muss man erkennen, wie viel Wahrheit in dieser Beobachtung steckt.
Dennoch hatte das Porträt der Renaissance Italien einen Maßstab gesetzt, von dem das 17. Jahrhundert profitierte. Das Porträt von Baldassare Castiglione von Raphael (1483-1520), das Rembrandt (1606-69) in Amsterdam sah, schlug den Kompositionsstil vor, den er im Selbstporträt von 1640 (London, National Gallery) annahm. Die acht Jahre, die Rubens (1577-1640) in Italien im Dienste des Herzogs von Mantua verbrachte, als er die großen Venezianer für den Herzog und auch zu seiner eigenen Zufriedenheit kopierte, waren Jahre, in denen seine Originalität durch italienisches Beispiel gefördert wurde. Während der sechs Jahre, die Anthony Van Dyck (1599-1641) in Italien verbrachte, um Porträts zu malen und die Venezianer zu studieren, schöpfte er viel aus der Würde der Pose und der reichen Farbe von Tizian.
Van Dyck kann auf zwei verschiedene Arten betrachtet werden. Es gibt den Barockmaler emotionaler religiöser Kompositionen, der mit denen von Rubens in den Antwerpener Kirchen konkurriert, und es gibt den Porträtmaler, der für psychologische Atmosphären sensibler ist als sein Meister Rubens. Die Kühle und Zurückhaltung Englands übte ihren Einfluss aus. Die Eleganz und Verfeinerung von Van Dycks Kunst dominierte das Jahrhundert in England, obwohl William Dobson (1610-46) unabhängig zu einem energischen Stil gelangte, der auf dem Studium der Venezianer beruhte, und Samuel Cooper (1609-72) als einer hervortrat, der exquisit sein konnte Reduzieren Sie die Wirkung eines großen Ölporträts auf Miniaturgröße. Der Niedergang einer "Hofkunst" ist in den Arbeiten von Sir Peter Lely (1618-80) und Sir Godfrey Kneller (1646-1723) nachweisbar. Eine Rasse von aristokratischen Parlamentariern und Landherren waren die Mäzene in der Zeit von Englands größter Exzellenz in den Porträts, dem 18. Jahrhundert.
Das 18. Jahrhundert brachte eine Informalität und Intimität hervor, die Europa zuvor nicht gekannt hatte. Ein Beispiel sind die "Gesprächsstücke", die von einer Reihe von Künstlern – allen voran William Hogarth (1697-1764) – praktiziert wurden. Bestehend aus einer Familiengruppe oder einer Gruppe von Freunden, unterschieden sie sich von solchen Gruppen in der niederländischen oder französischen Kunst, indem sie die Probanden informell in einer üblichen Beschäftigung oder Ablenkung in ihrer gewohnten Umgebung zeigten. Die von Thomas Gainsborough (1727-88) gemalten Porträts unter freiem Himmel lassen auf die Freuden des Besitzes einer Finca schließen. Die Frische der englischen Schönheit bildete einen gesunden Kontrast zu dem kunstvollen Make-up der alten Hofdamen, während Kinder nicht mehr als kleine Bildnisse in zeremonieller Kleidung dargestellt wurden, sondern in natürlicher Bewegung und Ausdruckskraft. Anstelle von Höflingen tritt eine breite Palette von Typen und Charakteren auf. Hogarth malt bevorzugt den bürgerlichen Philanthrop Captain Coram oder eine Gruppe seiner eigenen Diener. Sir Joshua Reynolds (1723-92) malt den Schauspieler, die Schauspielerin, den Mann der Briefe – Garrick, Mrs. Siddons, Dr. Johnson – sowie Lords und Ladies. George Stubbs (1724-1806) und andere malen die Sportknappen auf die Jagd oder beim Schießen.
Im achtzehnten Jahrhundert gab es noch starke Verbindungen zur Vergangenheit. Gainsborough kam an den Punkt, als er Van Dyck wiederentdeckte und die Eleganz des flämischen Meisters in englischem Stil als schottischen Meister umgestaltete Allan Ramsay hatte vor ihm getan. Reynolds gab seinen gelehrten Bildkommentar zu Rembrandt und Tizian. Das neunzehnte Jahrhundert, weniger festgemacht, war in den Porträts, die als Kunstwerke betrachtet werden können, uneinheitlicher und stilvoller – abgesehen von der großen Anhäufung von Werken mit unverwechselbarem und quasi-fotografischem Charakter, Produkt einer wachsenden Bevölkerung und Wohlstand der Mittelklasse. Die Tradition des 18. Jahrhunderts verschwindet in der temperamentvoll romantischen Brillanz von Sir Thomas Lawrence (1769-1830). Das viktorianische Zeitalter zeigt solche Variationen wie die frühen Porträts von Sir John Millais (1829-96) mit ihrer erstaunlichen präraffaelitischen Genauigkeit; die Porträts von George Frederick Watts (1817-1904), die mit einer gewissen Idealisierung den intensiven Ernst der Großen Viktorianer darstellen;und die ästhetische Auffassung von James McNeill Whistler (1824-1903), der das Porträt eher als "Anordnung" von Farben und Formen als als Offenbarung des Charakters ansah. Von den Impressionisten haben sich Edgar Degas und Renoir in Sachen Poprtraiture hervorgetan – siehe: Die Familie Bellelli (1858-67) und das umstrittene Porträts an der Börse (1879). Siehe auch die wundervollen späten Porträts von Cezanne, wie: Der Junge in der roten Weste (1889-90), Mann, der eine Pfeife raucht (1890-2) Frau mit einer Kaffeekanne (1890-5) Dame in Blau (1900), Junge Italienerin, die auf ihrem Ellbogen sich lehnt (1900). HINWEIS: Eine Erklärung der modernen Porträtmalerei aus dem 19. Jahrhundert finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Portraitfotografie
Das 20. Jahrhundert hat den raschen Niedergang des gemalten Porträts und den damit einhergehenden Aufstieg des fotografischen Porträts erlebt. Trotz seines technologischen Hintergrunds ist der künstlerische Wert und Ästhetik von dieser Art von Porträt sind keineswegs minderwertig. Für eine ausgewählte Liste der größte Fotografen Bei fotografischen Porträts beachten Sie bitte Folgendes:
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