Genre-Malerei: Definition, Eigenschaften Automatische übersetzen

Die Genremalerei ist eine der fünf Hauptarten der Malerei, die die traditionelle Hierarchie der Genres bilden. Zu diesen fünf Gattungen gehören die Historienmalerei, die Porträtmalerei, die Genremalerei, die Landschaft und das Stillleben .

Definition und Merkmale der Genremalerei

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff Genremalerei (auch häusliche Szenen genannt) auf Gemälde, die Situationen und Szenen des täglichen Lebens darstellen. Zu den Themen gehören in der Regel das häusliche Leben, Interieurs, Mahlzeiten, Feste, Tavernen oder das bäuerliche Leben, Märkte und andere Straßenszenen.

Ein Hauptmerkmal der Genremalerei ist im Allgemeinen, dass die Szene nicht idealisiert dargestellt wird, im Gegensatz zum traditionellen klassischen Ansatz der Darstellung von Szenen mit heroischen, adligen oder dramatischen Merkmalen. Man vergleiche beispielsweise die nicht gemalten Figuren in Courbets Bauernszenen mit den idealisierten Straßenjungen, die der sevillanische Maler Bartolomé Esteban Murillo darstellt. Die vielleicht besten Beispiele für dieses Milieu finden sich in der niederländischen Schule des Realismus des 17. Jahrhunderts, die von dem großen Delfter Maler Johannes (Jan) Vermeer (1632-1675) angeführt wird.

Dies ist etwas verwirrend: Der Begriff „Genre“, wird selbst verwendet, um „Kategorie“ Malerei zu bezeichnen, wie Historienmalerei, Porträt, Landschaft, Stillleben, oder Genreszenen . Für weitere Informationen siehe: Gattungen der Malerei .

Der Unterschied zwischen Genreszenen, Landschaften und Stillleben

Wann wird eine Landschaft zu einem Genrebild und umgekehrt? Auf diese Frage gibt es keine eindeutige Antwort, da die Grenze zwischen dieser Art der bildenden Kunst und anderen Genres oft fließend ist. Joseph Wrights berühmtes Meisterwerk Derby „Experiment with a Bird in an Air Pump“ (1768) ist zum Beispiel teils Genremalerei, teils Porträtmalerei und teils Historienmalerei. Der große französische Realist Jean François Millet (1814-1875) malte eine Reihe von ländlichen Szenen (z. B. „Angelus“), die als Landschaften, Genrebilder oder beides interpretiert werden können. In ähnlicher Weise können Innenraumbilder - z. B. „Interieur“ von Peter Wilhelm Ilsted (1896) - eher als Stillleben denn als Genrebilder betrachtet werden.

Als allgemeine Faustregel gilt, dass es sich bei der Genremalerei um die Darstellung normaler Ereignisse handelt, bei denen einzelne Figuren gewöhnlich eine wichtige Rolle spielen. Im Gegensatz dazu enthält eine typische Landschaft kein bedeutendes figuratives Element, während ein „Interieur“ oder „Stillleben“ eigentlich eine häusliche Szene ist, die eine künstliche Anordnung von Gegenständen (einschließlich, seltener, einer Figur) enthält. Dennoch könnte man argumentieren, dass „Kleine Straße“ (1658) von Vermeer sowohl ein Stadtbild als auch ein Genrebild ist.

Sowohl erzählerische als auch dekorative Zwecke

Die oben erwähnte Hierarchie der Genres war das offizielle „Rangordnungssystem“, das von der französischen Akademie der Künste angenommen wurde . Nach diesem System rangiert die Genremalerei an dritter Stelle, nach der Historienmalerei und dem Porträt. Der Grund dafür war, dass die Genremalerei aufgrund ihres Mangels an „Botschaft“ oder „Erzählung“ nicht als „inspirierend“ angesehen wurde, wie die Historien- oder Porträtkunst. Zugegeben, viele Genreszenen wurden in Auftrag gegeben und wegen ihrer wohltuenden, dekorativen oder nostalgischen Qualitäten sowie wegen der Virtuosität des Künstlers geschätzt. Aber (wie bei den Stillleben) enthält eine beträchtliche Anzahl von Genrebildern eine Moral. Manchmal muss man diese entschlüsseln, indem man die Symbolik auf der Leinwand untersucht. Im Gegensatz zur „akademischen“ Auffassung sind Genrebilder durchaus in der Lage, moralische Botschaften zu vermitteln.

Die Kunst der Renaissance, auf der die meisten westlichen bildenden Künste beruhen, war überwiegend öffentliche Kunst, die von Päpsten, Kirchen und weltlichen Führern in Auftrag gegeben wurde, um die Massen mit religiösen und moralischen Werten zu inspirieren. Daher waren die meisten Kunstwerke (Fresken, Altarbilder, Skulpturen) bewusst großformatige bildliche Darstellungen von inspirierenden Botschaften, die von den Betrachtern leicht gesehen und verstanden werden konnten. Die schönen italienischen Kirchen boten reichlich Platz für großflächige Darstellungen, und das gute Wetter war ideal für die Verwendung von Fresken.

Reformation

Dann kam 1517 die Reformation - der Aufstand protestantischer Länder wie Holland, Deutschland und Flandern gegen die römische Kirche -, in deren Folge religiöse oder quasi-religiöse Kunstwerke in weiten Teilen Nordeuropas dramatisch an Bedeutung verloren. Jahrhundert die Nachfrage nach großformatigen religiösen Gemälden abnahm, entstand allmählich ein neuer Typus von Mäzenen aus der wohlhabenden Kaufmannsschicht, die sich eine neue Art von Gemälden in kleinem Format für ihre Häuser wünschten. Dieser neue Mäzen war besonders im protestantischen Holland zu beobachten, wo Staffeleiporträts, Genrebilder und Stillleben sehr beliebt wurden. Frühe Beispiele für Genreszenen sind Quentin Massis (ca. 1465-1530) - „Der Geldverleiher und seine Frau“ (1514) - Marinus van Reimerswale (1490-1567) - der sich auf Genreszenen spezialisierte, in denen die Sünden der Habgier und der Eitelkeit hervorgehoben werden; Lucas van Leyden (1494-1533) - vgl. Kartenspieler (1514). seine Kartenspieler (1517) und Pieter Bruegel der Ältere (1525-69) - siehe Bauernhochzeit (1568) und Bauerntanz (1568).

In der Tat war die Genremalerei in Italien nicht unbekannt - kleine Anklänge an das Genre finden sich in Werken der italienischen Kunst des 14. und 15. Jahrhunderts, wie in Vittore Carpaccios Venezianer - siehe zum Beispiel Zwei venezianische Damen (1510, Correra-Museum, Venedig) -, aber dort diente sie eher als Hintergrund oder Kontext für die vorherrschenden religiösen Themen. Obwohl sie von etwas späteren Italienern wie Caravaggio, Giuseppe Maria Crespi und Curuti weiterentwickelt wurde, spielt sie bis zum Auftreten des venezianischen Malers Pietro Longhi (1702-1785) im 18. Jahrhundert eine untergeordnete Rolle.

Der niederländische Realismus - das goldene Zeitalter

Die Genremalerei entwickelte sich in den Städten des protestantischen Nordeuropas zu einer eigenständigen Kunstform. Die ersten großen Vertreter der Genremalerei waren die holländischen Realisten des 17. Jahrhunderts, deren unvergleichlicher Stil „holländischer Realismus“ sich aus fünf Hauptschulen entwickelte.

❶ Utrechter Schule, unter der Leitung von Hendrik Terbruggen (1588-1629), zu der auch andere Künstler gehörten, wie Gerrit van Honthorst (1592-1656), der einer der wichtigsten Anhänger Caravaggios war.

❷ Die Harlemer Schule mit Adrian Brauer (1605-1638), der sich auf Szenen der Trunkenheit spezialisierte; Adrian Van Ostade (1610-1685), der Genreszenen von Bauern in ihren Häusern oder Tavernen malte; Jan Wall (1626-1679), ein Tavernenmeister, der Szenen von Menschenansammlungen malte; Gerard Terborch (1617-1681) und David Teniers der Jüngere (1610-1690).

❸ Leidener Schule, zu der Gerard Dawe (1613-1675), der zahlreiche kleine Charakterstudien schuf, und seine Schüler Gabriel Metsu (1629-1667) - bekannt für seine Werke des intimen Genres - und Frans van Mieris (1631-1681) - der Szenen des Vergnügens und der Ausschweifung sehr wohlhabender Zeitgenossen malte - gehören.

❹ Delfter Schule unter der Leitung von Jan Vermeer (1632-1675), dem wahrscheinlich größten aller niederländischen Genremaler, und Pieter de Hooch (1629-1684), der für seine Bilder von Bauern und Soldaten bekannt ist. Für eine spezifische Analyse von Vermeers Werken siehe: Analysen von berühmten Gemälden .

❺ Die Dordrechter Schule, deren Hauptvertreter Nicholas Mas (1634-1693) war, der für seine frühen Szenen aus dem Leben der Dienerschaft „Unter der Treppe“ bekannt ist.

Überblick: Niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts (1600-80).

Die von den Realisten des niederländischen Barocks geschaffene Genremalerei verbreitete sich in Flandern, England, Spanien, Italien und Frankreich, wo sie von zahlreichen Künstlern verschiedener Schulen weiterentwickelt wurde. In Spanien zum Beispiel führten die Künstler der Bamboccianti eine düstere Form der Genremalerei ein, die als bodegon bekannt ist. Ein Beispiel dafür ist „Der Wasserverkäufer in Sevilla“ (1618-1622) von Velázquez.

Geschichte und Entwicklung der Genremalerei

Genrebilder des achtzehnten Jahrhunderts

In Frankreich war einer der ersten Meister der Genremalerei Louis Lenin (ca. 1563-1648), zusammen mit seinen Brüdern Antoine (ca. 1588-1648) und Mathieu (ca. 1607-77). Die Brüder Lenin waren für ihre kleinen Interieurporträts von Bauerngruppen bekannt, wie Landschaft mit Bauern (1640) und Vier Figuren an einem Tisch (ca. 1643). Ihnen folgte Jean Chardin (1699-1779), einer der größten Künstler des 18. Jahrhunderts, der viele exquisite Stillleben und Genredarstellungen mit unglaublichem Realismus schuf, wie „Seifenblasen“ (1734), „Junger Schullehrer“ (um 1735), Zeichner (1737), Gouvernante (1739) und Bote (1739). Sein Zeitgenosse Jean-Baptiste Grèze (1725-1805) spezialisierte sich zunächst auf Gemälde mit einer sentimentalen moralischen Erzählung, wie „Die zerbrochenen Eier“ (1756), „Die neapolitanische Geste“ (1757), „Der Junge mit dem Schulbuch“ (1757) und „Die Wäscherin“ (1761). Siehe auch: Schaukel (Fragonard) (1767) Jean-Honoré Fragonard.

Obwohl Italien stark von den großen humanistischen Traditionen der Renaissance beeinflusst blieb, entwickelte sich die Genremalerei schließlich im 18. Jahrhundert, nicht zuletzt dank des venezianischen Malers Pietro Longhi (1702-1785), der ihr sein Leben widmete und Szenen von Aristokraten und Menschen der unteren Schichten in Gemälden wie: Theaterszene (1752) und Darstellung eines Elefanten (1774).

In England war ein früher Vertreter der Genremalerei, William Hogarth (1697-1764). Seine Szenen des modernen Lebens, wie die Serien The Adventures of a Hanging Man und A Fashionable Marriage, stellen menschliches Verhalten mit einer klaren moralischen Botschaft dar. Im Vergleich dazu wenden die Gemälde von Thomas Gainsborough (1727-1788) Muster der Verfeinerung auf Szenen des bürgerlichen ländlichen Adels und der Zufriedenheit an.

Genrebilder des neunzehnten Jahrhunderts

Während die religiöse und historische Malerei im neunzehnten Jahrhundert zurückging, ließen sich immer mehr Künstler vom Alltagsleben der einfachen Leute inspirieren. Die Realisten, vor allem in Frankreich, gingen noch weiter und brachten ihre alltäglichen Genreszenen auf großformatige Leinwände, die zuvor turbulenten oder subtilen historischen Werken vorbehalten waren.

In England waren die beliebtesten Genremaler des 19. Jahrhunderts der schottische Maler David Wilkie (1785-1841), zu dessen Werken The Blind Fiddler (1806, Tate Gallery, London) gehört; Willkommensbrief (1813, National Gallery); Arrest eines Grundstücks zur Miete (1815, National Gallery); und Testamentseröffnung (1820, Pinakothek, München) - siehe Der blinde Geiger (1820, Pinakothek, München). seine Werke und die von und William Powell Frith (1819-1909) in National Gallery of Scotland, Edinburgh. Frith, der von der Königin bewundert wurde, war ein Chronist des viktorianischen Lebens bei Rennen, auf See und auf Reisen, mit Gemälden wie Derby Day (1858) und Railway Station (1862). Walter Sickert (1860-1942), der führende britische Maler der impressionistischen und postimpressionistischen Epoche, bevorzugte bescheidenere Themen wie Straßenszenen, geschmacklose Interieurs, Prostituierte und Music Halls, die er ohne Glamour in einer Palette von Schlammfarben darstellte.

In Frankreich waren in der ersten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts die beiden großen Genremaler die Realisten Jean-François Millet (1814-1875) und Gustave Courbet (1819-1877). Millet, ein Bauernsohn, konzentrierte sich auf Szenen aus dem ländlichen Frankreich, in denen er das harte, aber würdevolle Leben der Bauernschaft in Werken wie Erntehelfer (1857), Angelus (1859) und Mann mit Hacke (1862) darstellte. Courbet weitet den Fokus auf Szenen aus dem Leben in der Provinz aus: Seine bekanntesten Werke sind Stonelomes (1849) und Begräbnis in Ornans (um 1850). Honoré Daumier (1808-1879), ein scharfer Beobachter und Karikaturist des Zweiten Französischen Kaiserreichs, hielt in Radierungen, Aquarellen und Skizzen das Alltagsleben von Männern und Frauen fest. Zu seinem umfangreichen Werk gehören Die Wäscherin (1860) und Orte der dritten Klasse (1864). Siehe auch die exquisiten Miniaturen von Ernest Meissonier (1815-1891), die in einem akademischen Stil ausgeführt wurden. Eine andere Art der Genremalerei, die von französischen Künstlern im 19. Jahrhundert erforscht wurde, war der Orientalismus, der in der Regel häusliche Szenen in Algerien, Ägypten und anderen nordafrikanischen Ländern darstellte. Einer der führenden Orientalisten war Jean-Léon Jerome (1824-1904).

Ein weiterer wichtiger Maler von Genreszenen war der deutsche Maler Adolf Menzel (1815-1905), dessen ruhige Interieurs dem Impressionismus um 25 Jahre vorausgingen.

Einen weiteren Höhepunkt erreichte die Genremalerei in der Zeit des Impressionismus und des Postimpressionismus. Abgesehen von Puristen wie Monet, Pissarro und Sisley konzentrierten sich die meisten Impressionisten auf Alltagsszenen aus dem Pariser Leben. Beispiele:

Frédéric Bazille (1841-1870)
Atelier Bazille (1870)

Mary Cassatt (1845-1926)
Junge Frau beim Nähen im Garten (1886)

Paul Cézanne (1839-1906)
Kartenspieler (1892-6)

Gustave Caibotte (1848-1894)
Pariser Straße, Regentag (1877)
Schausteller (1875)

Edgar Degas (1834-1917)
Rennpferde vor der Tribüne (1866-8)
Ballettklasse (1871- 4)
Absinth (1876)
Bügelzimmer (1884)
Frau beim Haare bürsten (1887-90)

Édouard Manet (1832- 1883)
Frühstück im Gras (1863)
Balkon (1868)
Arbeiter in der Rue Bern (1878)
Bar bei Foley- Berger (1882)

Claude Monet (1840-1926)
Frauen im Garten (1867)
La Grenouillere („Der Frosch“, 1869)

Berthe Morisot (1841-1895)
Wiege (1873)

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Tanz in Le Moulin de la Galette (1876)
Mittagessen auf einem Bootsfest (1880- 1)
Schaukel (1876)

Georges Cera (1859-1891)
Sonntagnachmittag auf La Grande Jatte (1886)
Badende in Agnières (1884)

John Singer Sargent (1856-1925)
El Haleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum).

In Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Auf dem Moulin Rouge (1892)

In Russland waren die größten Genremaler Ilja Repin (1844-1930), am bekanntesten für Burlaken auf der Wolga (1870-73) und Religiöse Prozession in der Provinz Kursk (1883); Konstantin Savitsky (1844-1905) ist bekannt für Reparatur einer Eisenbahn (1874); und Abram Arkhipov (1862-1930), bekannt für die Gemälde Besuch (1915), Wäscherinnen (1899), Arbeiter in einer Eisengießerei (1896) und Entlang des Flusses Oka (1890).

In Amerika war die vorherrschende Schule der Genremalerei realistisch, mit den Bürgerkriegs- und Meeresbildern von Winslow Homer (1836-1910) und Gemälden wie Gross’s Clinic von Thomas Eakins (1844-1916) als Grundlage, Niederlage „Cowboy“ (1895-6) Frederic Remington (1861-1909), Deer at Sharkey’s (1909) von George Wesley Bellows (1882-1925) und spätere nostalgische Genrebilder des Zeitschriftenillustrators Norman Rockwell (1894-1978), wie Freedom from Want (1943). Weitere einflussreiche Künstler waren Mitglieder der amerikanischen Bewegung „Scenic Painting“, wie Edward Hopper (1882-1967), und ein Ableger, die American School of Regionalism, deren Genremaler Thomas Hart Benton (1889-1975) und John Stuart Curry (1897-1946) waren.

Zur Interpretation der Genrebilder des 19. oder 20. Jahrhunderts siehe: Analyse der modernen Malerei (1800-2000).

Genrebilder des zwanzigsten Jahrhunderts

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts produzierten Künstler verschiedener Schulen weiterhin hochwertige Genreszenen, die von ruhigen Gemälden wie: Interieur mit einem Mädchen im Klavier (1901) von dem dänischen Interieurmaler Wilhelm Hammershøj ; Royal Café in London (1912) von Sir William Orpen ; Dalarna Girl Taking a Bath (1908) von Anders Zorn; und expressionistische Meisterwerke wie: Berliner Straßenszene (1913) von Ernst Ludwig Kirchner . Andere einzigartige künstlerische Stile entstanden, wie „Streichhölzer“ L. S. Lowry, wie in Von der Mühle kommend (1930). Der Kolorist Pierre Bonnard schuf herausragende Werke, siehe Green Blouse (1919) und Terrace at Vernon (1939). Darüber hinaus bildeten sich Schulen eines bestimmten Genres heraus, wie die Londoner Bewegungen: die Camden Town Group und die Euston Road Painters.

In der Mitte bis zum Ende des zwanzigsten und zu Beginn des 21. Jahrhunderts kam es zum Aufkommen der stilistischen Abstraktion, was zu einer Degradierung der Genrekunst führte. Edward Hopper (1882-1967) ist mit Meisterwerken wie Night Hawks (1942) eine seltene Ausnahme, ebenso wie Alex Colville (geb. 1920) mit Werken wie Swimming Race (1959). Jack Vettriano war ein erfolgreicher schottischer Künstler, der in einem ähnlichen Idiom arbeitete, allerdings ohne die malerischen Qualitäten von Hopper und Colville.