Genre-Malerei: Definition, Eigenschaften Automatische übersetzen

Hinweis: Genremalerei ist eine der fünf Hauptarten der Malerei, die das Traditionelle bilden Hierarchie der Genres . Die fünf umfassen: Historienmalerei , Porträtmalerei , Genremalerei , Landschaftsmalerei und Stillleben .

Definition und Charakteristika der Genre-Malerei

Im Malerei der schönen Kunst Der Begriff Genremalerei (auch Genrewerke genannt) bezieht sich auf Bilder, die Situationen und Szenen des Alltags darstellen. Themen sind in der Regel häusliche Umgebungen, Innenräume, Essenszeiten, Feste, Tavernen- oder Bauernszenen, Märkte und andere Straßenszenen.

Im Allgemeinen ist das Hauptmerkmal eines Genregemäldes, dass die Szene nicht idealisiert dargestellt wird, im Gegensatz zu der traditionellen klassischen Herangehensweise, Szenen mit heroischen, edlen oder dramatischen Merkmalen zu infundieren. Stellen Sie zum Beispiel die ungeschminkten Figuren in Bauernszenen von Courbet den idealisierten Straßenbengeln gegenüber, die der Sevilla-Künstler Bartolome Esteban Murillo darstellt. Die wohl besten Vertreter des Mediums waren das 17. Jahrhundert Niederländische Realistenschule für Genremalerei , angeführt vom großen Delfter Künstler Johannes (Jan) Vermeer (1632-75).

Unterschied zwischen Genre-Ansichten, Landschaften und Stillleben-Interieurs?

Wann wird eine Landschaft zum Genrebild und umgekehrt? Es gibt keine genaue Antwort auf diese Frage, da die Grenze zwischen dieser Art von bildender Kunst und anderen Genres oft verwischt ist. Zum Beispiel Joseph Wright of Derbys berühmtes Meisterwerk Ein Experiment an einem Vogel in der Luftpumpe (1768) ist teils Genremalerei, teils Porträtmalerei und teils Geschichtsmalerei. Der große französische Realist Jean Francois Millet (1814-75) malten eine Reihe von ländlichen Szenen (z. B. Der Angelus ), die entweder als Landschaften oder als Genrebilder oder als beides interpretiert werden könnten. Ebenso könnte ein Bild eines „Interieurs“ – wie das Interieur von Peter Vilhelm Ilsted (1896) – eher als Stillleben denn als Genrebild betrachtet werden, insbesondere wenn die Komposition gestellt wurde.

Als Faustregel gilt, dass ein Genregemälde in der Regel eine Darstellung normaler Ereignisse ist, bei denen einzelne Figuren in der Regel eine wichtige Rolle spielen. Im Gegensatz dazu enthält eine typische Landschaft kein wesentliches figuratives Element, während ein „Interieur“ oder ein „Stillleben“ in Wirklichkeit eine häusliche Szene ist, die eine künstliche Anordnung von Gegenständen enthält (seltener auch eine Figur). Trotzdem könnte man immer noch argumentieren, dass Kleine Straße (1658) von Vermeer war sowohl eine Stadtlandschaft als auch ein Genrebild.

Hinweis: Eher verwirrend bedeutet der Begriff "Genre", wenn er für sich allein verwendet wird, "Kategorie" der Malerei, wie beispielsweise Historienmalerei , Porträtmalerei , Landschaftsmalerei, Stillleben oder in der Tat Genreszenen. Weitere Informationen finden Sie unter: Malerei-Genres .

Narrative sowie dekorative

Die Hierarchie der Genres , auf die oben Bezug genommen wurde, war das offizielle "Rangordnungssystem", das von der Französische Akademie der Schönen Künste. Nach diesem System belegt die Genremalerei nach der Historienmalerei und der Porträtmalerei den dritten Platz. Dies lag daran, dass Genrebilder nicht als "inspirierend" wie Geschichte oder Porträtkunst angesehen wurden, da sie keine "Botschaft" oder "Erzählung" enthielten. Zugegeben, viele Genreszenen wurden für ihre Wohlfühl-, Dekorations- oder Nostalgiequalitäten sowie die Virtuosität des Künstlers in Auftrag gegeben und ausgezeichnet. Aber (wie Stillleben) enthält eine bedeutende Anzahl von Genrebildern eine moralische Geschichte. Manchmal muss dies entschlüsselt werden, indem die Symbolik auf der Leinwand untersucht wird. In jedem Fall sind Genrebilder entgegen der "akademischen" Auffassung durchaus in der Lage, moralistische Botschaften zu vermitteln.

Wie begann die Genremalerei?

Renaissance-Kunst – auf dem die meisten westlichen bildenden Künste basieren – war überwiegend öffentliche Kunst, die von Päpsten, Kirchen und weltlichen Führern in Auftrag gegeben wurde, um die Massen mit religiösen und moralischen Werten zu inspirieren. So waren die meisten Kunstwerke (Fresken, Altarbilder, Skulpturen) bewusst großformatige Bildpräsentationen erhebender Botschaften, die für die Zuschauer leicht sichtbar und nachvollziehbar waren. Die wunderschönen italienischen Kirchen boten viel Ausstellungsfläche und das schöne Wetter war ideal für die Verwendung von Fresken.

Die Reformation

1517 kam die Reformation – der Aufstand der protestantischen Länder wie Holland, Deutschland und Flandern gegen die Kirche von Rom – mit der Folge, dass religiöse oder quasi-religiöse Kunstwerke in weiten Teilen Nordeuropas abrupt an Bedeutung verloren. Als im 16. Jahrhundert die Nachfrage nach großformatigen religiösen Gemälden zurückging, entstand nach und nach eine neue Art von Gönner, die der wohlhabenden Handelsklasse angehörte und eine neue Art von kleinformatigen Gemälden in ihren Häusern haben wollte. Dieser neue Mäzen war besonders im protestantischen Holland zu sehen, wo Staffelei-Porträts, Genrebilder und Stillleben sehr beliebt wurden. Frühe Beispiele für Genreszenen sind Werke von Quentin Massys (c.1465-1530) – siehe Der Geldverleiher und seine Frau (1514) – Marinus van Reymerswaele (1490-1567) – der sich auf Genreszenen spezialisierte, in denen die Sünden von Habgier und Eitelkeit hervorgehoben wurden – Lucas van Leyden (1494-1533) – siehe seine Kartenspieler (1517) – und Pieter Bruegel der Ältere (1525-69) – siehe Bauernhochzeit (1568) und Bauerntanz (1568).

Genre-Malerei war in Italien zwar nicht unbekannt – kleine Genre-Akzente finden sich in italienischen Kunstwerken aus dem 14. und 15. Jahrhundert (wie denen des Venezianers) Vittore Carpaccio – siehe zum Beispiel Two Venetian Ladies , 1510, Museo Correr, Venedig) – aber es war mehr Hintergrund oder Kontext für die vorherrschenden religiösen Themen. Und obwohl es etwas später von Italienern wie Caravaggio, Giuseppe Maria Crespi und Ceruti entwickelt wurde, spielt es bis zum Auftreten des venezianischen Künstlers Pietro Longhi (1702-1785) aus dem 18. Jahrhundert eine untergeordnete Rolle.

Niederländischer Realismus – Das goldene Zeitalter

Die Genremalerei wuchs als eigenständige Kunstform in Städten des protestantischen Nordeuropas auf. Die ersten großen Vertreter der Genremalerei waren die Niederländische realistische Künstler des 17. Jahrhunderts, dessen unvergleichlicher Stil " Niederländischer Realismus "ging aus fünf Hauptschulen hervor.

(1) Die von Hendrik Terbrugghen (1588-1629) geleitete Utrecht-Schule umfasste auch andere wie Gerrit van Honthorst (1592-1656), der einer der Hauptanhänger von Caravaggio war. (2) An der Haarlem School war Adriaen Brouwer (1605-38) zu sehen, die sich auf Szenen mit Trunkenheit spezialisiert hatte. Adriaen Van Ostade (1610-85), der Genreszenen von Bauern zu Hause oder in Tavernen malte; Jan Steen (1626-79), ein Wirtshauswirt, der in Häusern und Gasthäusern überfüllte Szenen produzierte; Gerard Terborch (1617-81) und David Teniers der Jüngere (1610-90). (3) Die Leidener Schule, zu deren Mitgliedern Gerard Dou (1613-1675), Schöpfer zahlreicher kleiner Charakterstudien, und seine Schüler Gabriel Metsu (1629-67) – bekannt für seine kleinen intimen Genrewerke – und Frans van Mieris (1631-67) gehörten. 81) – die die sozialen Freuden, Zerstreuungen und Stoffe der Reichen schilderten. (4) Die Delfter Schule unter der Leitung von Jan Vermeer (1632-75), wahrscheinlich der größte niederländische Genremaler, und Pieter de Hooch (1629-84), bekannt für seine Szenen mit Bauern und Soldaten. Für eine besondere Analyse von Vermeers Werken siehe: Berühmte Gemälde analysiert . (5) Die Dordrecht-Schule, deren Hauptfigur Nicolaes Maes (1634-93) war, bekannt für seine frühen Darstellungen des Dienerlebens unter der Treppe.

Eine Übersicht finden Sie unter: Niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts (1600-80).

Einmal etabliert von den Realisten der Niederländischer Barock Die Genre-Malerei verbreitete sich in Flandern, England, Spanien, Italien und Frankreich, wo sie von zahlreichen Künstlern verschiedener Schulen entwickelt wurde. In Spanien zum Beispiel führten die Bamboccianti- Maler eine düstere Form des Genrebildes ein, das als Bodegon bekannt ist , wie zum Beispiel Der Wasserverkäufer von Sevilla (1618-22) von Velazquez.

Geschichte und Entwicklung der Genremalerei

Genrebilder des 18. Jahrhunderts

In Frankreich war Louis Le Nain (ca. 1593-1648) in Begleitung seiner Brüder Antoine (ca. 1588-1648) und Mathieu (ca. 1607-77) ein früher Praktiker der Genremalerei. Das Brüder Le Nain waren bekannt für ihre kleinteiligen Innenräume von würdigen Bauerngruppen. Ihre Arbeiten umfassen: Eine Landschaft mit Bauern (1640) und vier Figuren an einem Tisch (um 1643). Sie wurden von gefolgt Jean Chardin (1699-1779), einer der größten Künstler des 18. Jahrhunderts, der eine Reihe hochglanzpolierter Stillleben und Genre-Ansichten mit unglaublicher Realität schuf, wie Soap Bubbles (1734), The Young Schoolmistress (ca. 1735), The Draftsman (1737), The Governess (1739) und The Messenger (1739). Sein Zeitgenosse Jean-Baptiste Greuse (1725-1805) spezialisierte sich zunächst auf Bilder mit sentimentaler moralischer Erzählung wie Broken Eggs (1756), Le Geste Napolitain (1757), Boy with Lesson Book (1757) und The Laundress (1761). Siehe auch: Die Schaukel (Fragonard) (1767) von Jean-Honore Fragonard.

Obwohl Italien weiterhin stark von den großhumanistischen Traditionen der Renaissance geprägt war, entstand die Genremalerei schließlich im 18. Jahrhundert, nicht zuletzt durch den venezianischen Künstler Pietro Longhi (1702-85), der sich zeitlebens mit Szenen von Aristokraten und Niedrigen beschäftigte -Leben in Bildern wie: Theatrical Scene (1752) und The Display of the Elephant (1774).

In England war ein früher Exponent der Genremalerei William Hogarth (1697 & ndash; 1764). Seine Szenen des zeitgenössischen Lebens, wie die Serie Der Fortschritt und die Ehe von Rake a la Mode , zeigen menschliches Verhalten mit einer klaren moralischen Botschaft. Zum Vergleich: Die Bilder von Thomas Gainsborough (1727-88) veredeln Szenen bürgerlicher ländlicher Sanftmut und Zufriedenheit.

Genrebilder des 19. Jahrhunderts

Als die religiöse und historische Malerei im 19. Jahrhundert abnahm, suchten immer mehr Künstler Inspiration aus dem Alltag der einfachen Leute. Die Realisten, insbesondere in Frankreich, gingen noch einen Schritt weiter, indem sie ihre alltäglichen Genreszenen auf großformatigen Leinwänden platzierten – die zuvor nur für anspruchsvollere oder raffiniertere geschichtliche Arbeiten des Alltags der einfachen Leute bestimmt waren.

In England gehörte der schottische Künstler zu den beliebtesten Genremalern des 19. Jahrhunderts David Wilkie (1785-1841), zu dessen Werken The Blind Fiddler (1806, Tate Gallery, London) gehörte; Das Einführungsschreiben (1813, NGS); Distraining for Rent (1815, NGS); und Lesen des Testaments (1820, Pinakothek, München) – siehe seine Werke in der Nationalgalerie von Schottland , Edinburgh – und William Powell Frith (1819-1909). Von der Königin bewundert, war Frith ein Chronist des viktorianischen Lebens bei den Rennen, am Meer und auf Reisen in Gemälden wie Derby Day (1858) und The Railway Station (1862). Walter Sickert (1860-1942) – der führende britische Maler des Zeitalters der Impressionisten und Postimpressionisten – wählte bescheidenere Motive wie Straßenszenen, billige Innenräume, Prostituierte und Musicals aus und stellte sie ohne Glamour in einer Palette matschiger Farben dar.

In Frankreich waren in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die beiden großen Genremaler die Realisten Jean-Francois Millet (1814-1875) und Gustave Courbet (1819 & ndash; 77). Während sich der Bauernsohn Millet auf Szenen aus dem ländlichen Frankreich konzentrierte, in denen er das harte, aber würdevolle Leben der Bauern in Werken wie Die Gleaners (1857), Der Angelus (1859) und Mann mit einer Hacke (1862). Courbet erweiterte den Fokus auf Szenen aus allen Provinzen: Seine bekanntesten Werke sind The Stone Breakers (1849) und Eine Beerdigung in Ornans (c.1850). Honore Daumier (1808-79), der akute Beobachter und Karikaturist des Französischen Zweiten Reiches, zeichnete mit Drucken, Aquarellen und Skizzen den Alltag von Männern und Frauen auf. Zu seinen zahlreichen Werken zählen: The Laundress (1860) und The Third Class Carriage (1864). Siehe auch die exquisiten miniaturistischen Werke von Ernest Meissonier (1815-91) im akademischen Stil ausgeführt. Eine andere Art der Genremalerei, die französische Künstler im 19. Jahrhundert erforschten, war Orientalistische Malerei , typisch für alltägliche Szenen in Algerien, Ägypten und anderswo in Nordafrika. Einer der führenden Vertreter war der Akademiker Jean-Leon Gerome (1824 & ndash; 1904).

Ein weiterer bedeutender Maler von Genreszenen war der deutsche Künstler Adolph Menzel (1815-1905), dessen ruhige Innenräume 25 Jahre vor dem Impressionismus lagen.

Die Genremalerei erreichte im Zeitalter des Impressionismus und des Postimpressionismus einen weiteren Höhepunkt. Abgesehen von Plein-Air-Puristen wie Monet, Pissarro und Sisley konzentrierten sich die meisten Impressionisten auf alltägliche Szenen des Pariser Lebens. Beispiele beinhalten:

Frederic Bazille (1841-70)
Bazilles Atelier (1870)

Mary Cassatt (1845–1926)
Junge Frau, die im Garten näht (1886)

Cezanne (1839-1906)
Die Kartenspieler (1892-6)

Gustave Caillebotte (1848-94)
Pariser Straße, regnerischer Tag (1877)
Die Bodenschaber (1875)

Degas (1834-1917)
Rennpferde vor den Ständen (1866-8)
Die Ballettklasse (1871-4)
Absinth (1876)
Frauen bügeln (Die Wäscherinnen) (1884)
Frau, die ihr Haar kämmt (1887-90)

Manet (1832-83)
Dejeuner sur l’herbe (1863)
Der Balkon (1868)
Roadmenders in der Rue de Berne (1878)
Eine Bar im Folies-Bergere (1882)

Monet (1840-1926)
Frauen im Garten (1867)
La Grenouillere (1869)

Berthe Morisot
Die Wiege (1873)

Renoir (1841–1919)
Tanzen Sie im Le Moulin de la Galette (1876)
Mittagessen der Bootsparty (1880-1)
Die Schaukel (1876)

Georges Seurat (1859–1891)
Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte (1886)
Badende in Asnières (1884)

John Singer Sargent (1856–1925)
El Jaleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum).

Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Im Moulin Rouge (1892)

In Russland gehörten die größten Genremaler dazu Ilya Repin (1844-1930) am bekanntesten für Binnenschifffahrtsunternehmen an der Wolga (1870-73) und für religiöse Prozessionen in der Provinz Kursk (1883); Konstantin Savitsky (1844-1905) notierte für die Reparatur der Eisenbahn (1874); und Abram Arkhipov (1862-1930) für Visiting (1915), The Washer-Women (Laundresses) (1899), Laborers at the Iron Foundry (1896) und Along the River Oka (1890) bekannt.

In Amerika war die vorherrschende Schule der Genremalerei realistisch und wurde durch den Bürgerkrieg und Seemalereien von veranschaulicht Winslow Homer (1836-1910), arbeitet wie The Gross Clinic von Thomas Eakins (1844-1916), Der Fall des Cowboys (1895-6) von Frederic Remington (1861-1909), Stag at Sharkey (1909) von George Wesley Bellows (1882-1925) und später nostalgische Genrebilder des Illustrators Norman Rockwell (1894-1978) wie Freiheit von der Not (1943). Andere einflussreiche Praktiker waren Mitglieder der American Scene Painting-Bewegung wie Edward Hopper (1882-1967) und deren Ableger die American Regionalism School, zu deren Genre-Malern gehörten Thomas Hart Benton (1889-1975) und John Steuart Curry (1897-1946).

Eine Interpretation der Genrebilder des 19. oder 20. Jahrhunderts finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Genrebilder des 20. Jahrhunderts

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts produzierten Künstler verschiedener Schulen weiterhin Genreszenen von hoher Qualität, angefangen von ruhigen Bildern wie: Interior with a Girl at the Clavier (1901) des dänischen Malers "interiors" Vilhelm Hammershoi ; Das Cafe Royal in London (1912) von Sir William Orpen ; Mädchen aus Dalarna beim Baden (1908) von Anders Zorn; und expressionistische Meisterwerke wie: Berlin Street Scene (1913) von Ernst Ludwig Kirchner . Andere einzigartige Kunststile entstanden, wie die "Streichholz" -Männer von LS Lowry , wie in Aus der Mühle (1930). Der Kolorist Pierre Bonnard produzierte weiterhin herausragende Werke: siehe The Grüne Bluse (1919) und The Terrasse in Vernon (1939). Darüber hinaus entstanden bestimmte Genre-Schulen wie die in London ansässigen Bewegungen: die Camden Town Group und die Euston Road Painters.

Mitte / Ende des 20. Jahrhunderts und Anfang des 21. Jahrhunderts hat die stilistische Abstraktion zugenommen, was zu einer Verschlechterung der Genrekunst führte. Edward Hopper (1882-1967) ist eine seltene Ausnahme, mit Meisterwerken wie Nighthawks (1942), wie es ist Alex Colville (* 1920), mit Werken wie The Swimming Race (1959). Ein erfolgreicher schottischer Künstler, der in einer im Großen und Ganzen ähnlichen Sprache arbeitet, jedoch ohne die malerischen Qualitäten von Hopper oder Colville, ist Jack Vettriano .