Kunstmalerei: Geschichte, Medien, Genres 
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Definition: eine Form des zweidimensionalen visuellen Ausdrucks
Die Kunst der Malerei besteht darin, Formen, Linien, Farben, Töne und Texturen auf einer zweidimensionalen Fläche anzuordnen und so ein ästhetisches Bild zu schaffen. Außerdem kann man nicht sagen, dass die Vielfalt der Möglichkeiten die Möglichkeit einer genaueren Definition ausschließt. Das fertige Gemälde kann vollständig gegenständlich und naturalistisch sein, wie das der Fotorealisten (z. B. Richard Estes), oder vollständig abstrakt, nur aus geometrischen Figuren bestehend (wie das Werk von Piet Mondrian oder Bridget Riley) oder irgendwo dazwischen. In Bezug auf das Genre kann es sich um eine erzählte Geschichte, ein Porträt, eine Genreszene, eine Landschaft oder ein Stillleben handeln. Es kann mit Farbe, Enkaustik, Tempera, Öl, Acryl, Aquarell oder einem der neuen modernen Farbstoffe gemalt werden. Und wie Kunsthistoriker und Historiker bestätigen können, gibt es unzählige widersprüchliche Theorien über die Funktion, das Design, die Hierarchie der Stile und die Ästhetik der Malerei, so dass es vielleicht am sichersten ist zu sagen, dass „bildende Künstler“ mit der Aufgabe beschäftigt sind, zweidimensionale Werke des visuellen Ausdrucks zu schaffen, wie auch immer sie sich ihnen nähern.
Komposition und Gestaltung
„Disegno“ (Skizze, Entwurf) - der Begriff stammt aus der Kunst der Renaissance und bezeichnet einen Entwurf oder eine Zeichnung, die die Vorstellung des Künstlers von dem, was er schaffen will, sowie dessen Ausführung beschreibt - die formale Struktur verschiedener Elemente, die zu einem kohärenten Ganzen kombiniert werden.
Diese formalen Elemente umfassen: Linien, Form und Masse, Farbe, Volumen und Raum, Zeit und Bewegung .
(1) Die Linie beschreibt alles, von den Grundkonturen bis zu den Kanten von Ton und Farbe. Die Linienarbeit erfasst die Beziehung zwischen benachbarten oder entfernten Elementen und Bereichen der Farbfläche sowie deren relative Aktivität oder Passivität.
(2) Form und Masse werden durch verschiedene Farbflächen, Töne und Texturen sowie durch bestimmte Details hervorgehoben. Viele der berühmtesten Gemälde (z. B. „Das letzte Abendmahl“ von Leonardo da Vinci) sind optisch um geometrische Figuren (oder eine Mischung davon) angeordnet. Der Negativraum kann auch verwendet werden, um bestimmte Merkmale einer Komposition zu betonen.
(3) Angesichts der Tatsache, dass das menschliche Auge bis zu 10 Millionen verschiedene Farbtöne erkennen kann, hat Farbe viele verschiedene Anwendungen. (Siehe Colorito .) Sie kann auf rein beschreibende Weise verwendet werden - die Ägypter verwendeten verschiedene Farben, um Götter oder Pharaonen zu unterscheiden und um Männer von Frauen zu unterscheiden (Männer wurden als dunkelhäutiger dargestellt) oder um moralische Botschaften oder emotionale Stimmungen zu vermitteln oder um die Perspektive anzugeben (schwächere Farben für entfernte Hintergründe). Siehe auch: Tizian und die venezianische Farbmalerei (1500-1576). In erster Linie wird die Farbe verwendet, um die Auswirkungen des Lichts darzustellen (siehe Serien „Heuschober“ oder „Kathedrale von Rouen“ von Claude Monet), während viele große Maler wie Caravaggio und Rembrandt den Kontrast zwischen den Farben für dramatische Effekte nutzten, insbesondere in der Technik des Chiaroscuro. (siehe „Nachtwache“ von Rembrandt). Für mehr: Farbe in der Malerei .
(4) Die Elemente Volumen und Raum beziehen sich darauf, wie der Künstler Tiefe und räumliche Beziehungen auf der flachen Oberfläche eines Gemäldes schafft. Traditionelle Künstler tun dies mit Hilfe des Konzepts der linearen Perspektive, das während der Florentiner Renaissance von Piero della Francesca und anderen entwickelt wurde (vgl. Auch die illusionistischen Techniken der Quadratur und Verkürzung), während Kubisten wie Picasso, Braque, Duchamp und Juan Gry Raum und Volumen zum Ausdruck brachten, indem sie eine Reihe von sich überlappenden „Aufnahmen“ desselben Objekts zeigten, als ob sie gleichzeitig aus verschiedenen Perspektiven betrachtet würden. Dritte, wie die Primitivisten, zeigen Objekte nicht in naturalistischen Beziehungen zueinander, sondern isoliert, unabhängig von dem Winkel, aus dem ihre charakteristischen Merkmale am besten hervortreten - dazu gehören zum Beispiel die abgeflachten stilistischen Formen, die die alten Ägypter verwendeten.
(5) Die Elemente Zeit und Bewegung betreffen die Art und Weise, wie das Auge des Betrachters ein Gemälde in Bezug auf Geschwindigkeit und Richtung erfahren kann, sowohl für seine narrative Entwicklung (z. B. in großformatigen historischen Fresken) als auch für ein Gefühl für sein Potenzial.
Interpretation der Malerei
Der Künstler versucht nicht nur, ein visuelles Objekt zu schaffen, sondern ihm auch ein gewisses Maß an intellektuellem Inhalt zu verleihen, in Form von Symbolik, einer moralischen oder sozialen Botschaft oder einer anderen bedeutenden Bedeutung. So erklärte der berühmte amerikanische Kritiker Clement Greenberg (1909-1994) einmal, dass alle große Kunst bestrebt sein muss, eine Spannung zwischen visuellem Reiz und der Möglichkeit der Interpretation herzustellen. Die Kunstgeschichte ist voll von Beispielen für interpretierende Inhalte.
Die ägyptische Kunst ist zum Beispiel berühmt für ihre ikonografischen Bilder, ebenso wie die byzantinischen Tafeln und die Fresken der Vorrenaissance. Die Gemälde der Renaissance, wie die Werke der Alten Meister, wie Botticelli, Leonardo und Raffael, nahmen oft die Form hochkomplexer allegorischer Werke an, eine Tradition, die sich bis in die spätere Barockzeit und den Neoklassizismus des 17. und 18. Selbst Stillleben, insbesondere das Genre der Vanitas-Malerei, waren von einer moralischen Allegorie durchdrungen. Jahrhundert unter dem Einfluss der Romantik, des Impressionismus und, in geringerem Maße, des Expressionismus, bevor sie im 20. Jahrhundert wieder auftauchte, als der Kubismus und der Surrealismus sie in vollem Umfang nutzten. Für weitere Einzelheiten siehe: Analysen der modernen Malerei (1800-2000).
Trägermaterial
Enkaustik
Fresko
Fresco bedeutet auf Italienisch „frisch“. Es handelt sich um eine Malmethode, bei der Pigmente ausschließlich mit Wasser (ohne Bindemittel) gemischt und dann direkt auf frisch hergestellten Putz aufgetragen werden, gewöhnlich auf eine verputzte Wand oder Decke. Der Putz saugt die flüssige Farbe auf und hält beim Trocknen die Pigmente auf und in der Wand fest. Zusätzliche Effekte wurden durch Techniken wie Sgraffito erzielt. Die besten Beispiele für Freskenmalerei sind wahrscheinlich Michelangelos Fresken in der Sixtinischen Kapelle - „Genesis“ und „Jüngstes Gericht“ - sowie Gemälde in Raffaels Sälen wie „Schule von Athen“.
Tempera
Bei der Temperamalerei wird anstelle von Bienenwachs eine Emulsion aus Wasser und Eigelb (manchmal mit Leim, Honig oder Milch vermischt) verwendet, um Pigmente zu binden. Die Temperamalerei wurde schließlich von der Ölmalerei verdrängt, obwohl sie jahrhundertelang als Methode der Tafelmalerei beibehalten wurde. Sie wurde auch in der mittelalterlichen Malerei bei der Herstellung von illuminierten Manuskripten ausgiebig verwendet. Für weitere Informationen zu diesem Genre siehe: Gotische illuminierte Handschriften (1150-1350).
Öl
Das vorherrschende Medium ab 1500. In der Ölmalerei werden Öle wie Leinöl, Walnussöl oder Mohnöl als Bindemittel und Trockenmittel verwendet. Die Beliebtheit von Ölfarben rührt von der höheren Sättigung und Leuchtkraft her, die Öl Farbpigmenten verleiht. Es erleichtert auch das Zeichnen von feinen Details mit Techniken wie sfumato, sowie dicke Farben, die mit dicken Schichten hergestellt werden ) impasto). Wichtige Pioniere der Ölfarbentechnik waren (in Holland) die flämischen Maler Hubert und Jan Van Eyck und (in Italien) Antonello da Messina, Leonardo da Vinci und insbesondere Mitglieder der Schule der venezianischen Malerei, darunter Giovanni Bellini und Tizian.
Aquarell und Gouache
Die Aquarellmalerei - ein recht dynamisches Medium, das in England entwickelt wurde - verwendet wasserlösliche Pigmente, die mit einem Bindemittel, gewöhnlich Gummiarabikum, vorgekocht werden. Wenn Aquarellfarben verdicken, undurchsichtig werden und sich mit Weiß vermischen, nennt man sie Gouache . Die frühen Pioniere der Aquarellmalerei waren Thomas Girtin und J. M. Turner. Die Gouache war ein wichtiges Medium für viele der besten Miniaturisten, die sich mit der frühen Miniaturporträtmalerei beschäftigten, bevor die Emails verwendet wurden.
Acryl
Das modernste aller Medien, die Acrylmalerei, ist eine künstliche Farbe, die ein von Acrylsäure abgeleitetes Harz enthält, das einige der Eigenschaften von Aquarellfarben und Ölen in sich vereint. Es handelt sich um ein sehr vielseitiges Farbmittel, das in unterschiedlichen Mengen auf fast jede Oberfläche aufgetragen werden kann, von dünnen Lacken bis zu dicken Schichten mit Spachtelmasse. Es kann eine matte oder glänzende Oberfläche ergeben und trocknet sehr schnell. Beliebt bei vielen berühmten Künstlern, darunter David Hockney, kann die Acrylmalerei auch im 21. Jahrhundert die Ölmalerei ersetzen.
Formen der Malerei
Wandmalereien
Fresken, die mit der paläolithischen Felskunst verwandt sind, sind in Gräbern, Tempeln, Heiligtümern und Katakomben in der gesamten antiken westlichen Welt, einschließlich Etrurien, Ägypten, Kreta und Griechenland, weit verbreitet. Ursprünglich fehlte es ihnen an „Tiefe“, doch wurden sie in der Frührenaissance von Freskenkünstlern wie Giotto (siehe: Fresken der Scrovegni-Kapelle) und später von Masaccio, Fra Angelico, Raffael und Michelangelo als Bildmedium für die biblische Kunst voll entwickelt. Da die Innendekoration zunehmend von Glasmalerei und Wandteppichen dominiert wurde, verlor die Freskomalerei an Beliebtheit, obwohl im 19. und 20. Jahrhundert neue Formate für die Verwendung dieser Technik entstanden.
Malerei auf Holzvertäfelungen
Die früheste Form der tragbaren Malerei, die Tafeln, waren weit verbreitet (z. B. in der ägyptischen und griechischen Kunst, obwohl nur wenige Objekte aus dieser Zeit erhalten sind) und wurden ab 400 n. Chr. von byzantinischen Künstlern verwendet. Wie die Fresken erlebten auch die Tafeln in der Spätgotik und der Frührenaissance eine zweite Blütezeit, vor allem als eine Form der dekorativen religiösen Kunst - zum Beispiel in solchen Meisterwerken wie dem Genter Altarbild (1432) von Hubert und Jan van Eyck und der Rasyaptie (1440) von Rogier van der Weyden. Mehr über die Tafelmalerei der Renaissance im Venedig des 16. Jahrhunderts, ein Genre und eine Periode, die beispielhaft für den farbenfrohen venezianischen Ansatz sind, siehe: Venezianische Altarbilder (1500-1600); Venezianische Porträtmalerei (1400-1600); Das Erbe der venezianischen Malerei .
Aufgrund des für Fresken ungünstigen Klimas war die Tafelmalerei in der flämischen Malerei und anderen nördlichen Schulen besonders beliebt. Diese Beliebtheit hielt bis zum Ende des 17. Jahrhunderts an.
Die Staffelei
Wie das Tafelbild ist auch die Staffelei eine Form der Studiokunst, die jedoch auf Leinwand und nicht auf Holztäfelung basiert. Die Leinwand war sowohl leichter als auch billiger als Tafeln und erforderte keine besondere Grundierung mit Gips oder anderen Materialien. Ab der Barockzeit (1600) wurden Leinwand und Öl in ganz Europa zur bevorzugten Form der Malerei. In der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts (1600-1680) wurde die Leinwand besonders bei den neuen bürgerlichen Auftraggebern beliebt, vor allem in Form von Porträts, Stillleben und Genrebildern.
Illuminierte Handschriften
Diese Art der Malerei, die auf berühmte Beispiele aus dem alten Ägypten wie das „Totenbuch“ zurückgeht, erreichte ihren Höhepunkt im Mittelalter (ca. 500-1000 n. Chr.) in Form von irischen und europäischen illuminierten (beleuchteten) Handschriften . Frühe Beispiele dieser Art von Buchmalerei sind The Catacha of St Columba (frühes 7. Jahrhundert, ca. 610-620), The Book of Darrow (ca. 670), The Gospel of Lindisfarne (ca. 698-700), Das Evangelium von Echternach (oder Willibrord-Evangelium) (ca. 700), Lichfield-Evangelium (730), Godescalk-Evangelium (781-83), Goldener Psalter (783-89), Lorscher Evangelium (778-820), Book of Kells (ca. 800), Das Evangelium des Heiligen Medard von Soissons (810), Der Utrechter Psalter (830), Das Evangelium von Ebo (835), Die Große Bibel (840), Die Vivianische Bibel (845).
Spätere Beispiele für mittelalterliche illuminierte Handschriften umfassen romanische Werke wie: Der Egbert-Psalter, Der St. Albans-Psalter, Die Winchester-Bibel, Codex Vigilano und Die Moralia-Handschrift ; gotische Werke wie: St. Louis Psalter, Biblical Moraliseum, Amesbury Psalter, Minnesanger Manuscript, Queen Mary Psalter ; und andere gotische Werke wie: das Missale des Kanzlers Jan Stredski (1360, Prag, Bibliothek des Nationalmuseums); das Prachtstundenbuch des Herzogs von Berry (1416, Musée de Condé Chantilly), ausgeführt von den Brüdern Limburg; die Verkündigung von Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliothèque Nationale, Paris); „Die Zeiten von Brüssel“ (Brüssel, Belgische Nationalbibliothek); Die Zeiten des Mareschal de Boucicault (Musée Jacques-Mart-André, Paris); Das Buch des von der Liebe umfangenen Herzens (1457, Bibliothèque Nationale Bibliothèque Osterreischische, Wien).
Diese farbigen Manuskripte, die in der Regel in Eitempera auf Pergament und Karton ausgeführt wurden, zeichneten sich durch eine äußerst reiche und aufwendige grafische Gestaltung aus, die mit Ornamenten im keltischen Stil, Knoten, Spiralen und Zoomorphs sowie Heiligen- und Apostelbildern verziert war. Mit dem Aufkommen des Buchdrucks in Deutschland im 15. Jahrhundert kam diese Kunstform leider zum Erliegen. Danach überlebte sie nur noch im Osten, vor allem in Form von islamischer kalligrafischer Malerei und illustrierten Texten sowie in Form von Miniaturen aus Indien.
Schriftrollen
Handrollen sind eine Form der asiatischen Kunst, die um 350 n. Chr. entstand und mit der chinesischen Malerei und der japanischen Kunst gemeinsam ist. Sie bestehen aus Papier oder Seide unterschiedlicher Länge und stellen eine Vielzahl von Themen dar, die mit Tusche und Tinte gemalt wurden, darunter Landschaften, buddhistische Themen, historische und mythologische Szenen und vieles mehr. Für einen Leitfaden zu den ästhetischen Prinzipien des orientalischen Kunstgewerbes siehe Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .
Bemalung von Wandschirmen und Fächern
Es gibt zwei Haupttypen von bemalten Schirmen: traditionelle chinesische und japanische Faltschirme, die ab dem 12. Jahrhundert mit Tinte oder Tusche auf Papier oder Seide gemalt wurden, eine Form, die später auch Lackschirme umfasste; und Ikonostasenschirme, die in byzantinischen, griechischen und russischen orthodoxen Kirchen zu finden sind. Die Paravents wurden als Abschirmung zwischen dem Altarraum und dem Kirchenschiff verwendet. Diese Schirme werden traditionell mit religiösen Ikonen und anderen Bildern verziert, wobei entweder Enkaustik- oder Temperafarben verwendet werden. Bemalte Fächer - in der Regel mit Tinte und Farbpigmenten auf Papier, Pappe oder Seide, manchmal auch mit Blattgold oder -silber verziert - stammen ursprünglich aus China und Japan, obwohl merkwürdigerweise auch viele in Indien hergestellt wurden. In Europa wurde die Fächermalerei erst im 17. Jahrhundert praktiziert, wobei sie in Frankreich und Italien ab etwa 1750 aufkam.
Moderne Formen der Malerei
Die Künstler des 20. Jahrhunderts experimentierten mit einer Vielzahl von Untergründen und Materialien, darunter Stahl, Beton, Polyester, Neonröhren und eine unendliche Vielfalt „von gefundenen“ Objekten. Letzteres zeigt sich in den Werken von Yves Klein (1928-1962), der weibliche Akte mit blauer Farbe bemalte und sie dann auf die Leinwand bannte, und Robert Rauschenberg (1925-2008), dessen Werk Bed (1955) aus einer mit Zahnpasta, Lippenstift und Nagellack bemalten Bettdecke aus seinem eigenen Bett bestand.
Gattungen der Malerei
Es gibt fünf traditionelle Gattungen der Malerei . Sie sind wie folgt geordnet:
(1) Historienmalerei - zu der auch mythologische Malerei gehört - (2) Porträtmalerei, (3) Genremalerei, (4) Landschaft und (5) Stillleben . Diese Einteilung entspricht der „Hierarchie der Gattungen“ der Europäischen Akademien der Schönen Künste, die Gemälde nach ihrem moralischen Inhalt oder ihrer Bedeutung bewerten. So enthielten Stillleben ohne jegliche menschliche Präsenz vermutlich die am wenigsten bedeutungsvolle Erzählung. Im Vergleich dazu hatten historische Gemälde, die Szenen eines emotionalen Kampfes darstellten, den größten narrativen Gehalt und wurden daher als die primäre Form der Malerei angesehen.
Geschichte und Stile der Malerei
Ursprung
Die Kunstgeschichte hat ein breites Spektrum an Malstilen hervorgebracht. Sie beginnt mit prähistorischen Höhlenmalereien (z. B. in den Höhlen von Altamira, Chauvet und Lascaux) und umfasst die Fresken und Tafeln der ägyptischen, minoischen, mykenischen und etruskischen Zivilisationen sowie den klassischen antiken Stil der griechischen und römischen Malerei. Ein hervorragendes Beispiel aus der Klassischen Antike ist die Serie der Fayum-Porträts, die hauptsächlich in der Oase Fayum in der Nähe von Kairo zu finden sind.
Der Zusammenbruch des Römischen Reiches (ca. 450 n. Chr.) führte zur Dominanz der byzantinischen Kunst, die in Konstantinopel ihren Sitz hatte. In der Zwischenzeit erlebte Westeuropa vier Jahrhunderte der Stagnation - das finstere Mittelalter - bevor Papst Leo III. Karl den Großen zum Kaiser des Heiligen Römischen Reiches krönte. Der Hof Karls des Großen förderte eine kleine kulturelle Wiedergeburt, die als karolingische Kunst (750-900) bekannt wurde. Dieser Aufschwung wurde von Otto I., II. und III. unterstützt, dem Zeitalter der ottonischen Kunst, bevor die wiederbelebte römische Kirche nacheinander die Kulturstile der Romanik (1000-1200) und der Gotik (1150-1375) entwickelte. Die wichtigsten Arten der Malerei, die in diesen fünf Epochen verbreitet waren, waren Ikonentafeln, religiöse Fresken und Buchmalerei.
Proto-Renaissance
Die mittelalterliche westliche Malerei war streng von Konventionen bestimmt. Nicht nur, dass das Thema fast ausschließlich auf die Darstellung biblischer Figuren beschränkt war, es gab auch einen Kanon, der festlegte, welche Kapitel des Alten und Neuen Testaments einbezogen werden durften und wie sie zu interpretieren waren. Der Aufbau des Gemäldes folgte „der Bedeutungsperspektive“, was zur Folge hatte, dass wichtige Themen groß und weniger wichtige in kleinerem Maßstab dargestellt wurden. Die Künstler waren außerdem verpflichtet, bei ihren Kompositionen eine Reihe formaler Konventionen einzuhalten, z. B. in Bezug auf Farbe, Raum und Hintergrund. Naturalismus war also überhaupt nicht erlaubt. Die göttliche Welt Gottes, Jesu, der Jungfrau Maria, der Propheten, der Heiligen und der Apostel - die das vorherrschende Thema war - wurde als eine transzendente Welt angesehen, deren Glanz und Herrlichkeit gewöhnlich durch eine leuchtende goldene Erde symbolisiert wurde.
Die ersten Künstler, die die Starrheit dieser Zeichenregeln in Frage stellten, waren Cimabue und sein Schüler Giotto (1270-1337), dessen Freskenzyklus in der Capella Scrovegni (Arenakapelle) in Padua einen neuen Realismus mit einer viel naturalistischeren Ausdrucksweise einführte. Infolgedessen beschreibt Giorgio Vasari (1511-1574) Giotto in „ Leben der Künstler“ („Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani“) (1550) als „den Vater der Malerei“. Ein weiterer Innovator der Proto-Renaissance (1300-1400) war Ambrogio Lorenzetti (aktiv 1319-48) von der Sieneser Schule der Malerei .
Frührenaissance
Während sich die altmodischen Stile der byzantinischen Kunst und der internationalen Gotik in Siena und an den feudalen Königshöfen in ganz Europa allmählich ausbreiteten, wurden Giottos kreative Ideen in Florenz während der Frührenaissance (1400-1490) erforscht und entwickelt. In dieser Zeit gab es vier wichtige Entwicklungen: (1) eine Wiederbelebung der Formen und Stile der klassischen griechischen und römischen Kunst; (2) ein großer Glaube an den Adel des Menschen (Humanismus); (3) die Beherrschung der linearen Perspektive (Tiefe in der Malerei); und (4) großer Realismus in der religiösen Malerei. Zu den bedeutendsten Künstlern der Frührenaissance gehören Tommaso Mazaccio (ca. 1401-1428), der eine Reihe von Fresken in der Kapelle der Familie Brancacci in Florenz malte, und Piero della Francesca (1420-1492), dessen leidenschaftliches Interesse an der Geometrie ihn zum Wegbereiter der Linearperspektive mit geometrisch präzisen Räumen und strengen Proportionen machte (siehe seine „Die Flamme Christi“, 1450er Jahre). Realismus, lineare Perspektive und neue Kompositionsformen wurden von Künstlern des Quatrocento wie den Florentinern Antonio del Pollaiuolo (1432-1498), Alessandro Botticelli (1445-1510) und dem Norditaliener Andrea Mantegna (1431-1506) perfektioniert.
Hoch-/Spätrenaissance
Die Malerei der Hochrenaissance (ca. 1490-1530), deren Zentrum in Rom lag und die von Papst Julius II. (reg. 1503-13) und Papst Leo X. (reg. 1513-21) regiert wurde, erlebte den Höhepunkt der italienischen Renaissance-Ideologie und des ästhetischen Idealismus sowie einige der größten Gemälde der Renaissance . All dies wird durch die Werke von Leonardo da Vinci (1452-1519) ) Das letzte Abendmahl, Mona Lisa), Raffael (1483-1520) ) Schule von Athen) und Michelangelo (1475-1564) ) Fresko der Genesis in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan) gut illustriert. Dieses Trio der Renaissance wurde von anderen großen Künstlern aus Venedig unterstützt, darunter Jacopo (1400-1470), Gentile Bellini (ca. 1429-1507) und Giovanni Bellini (ca. 1430-1516), Giorgione (ca. 1476-1510), Tizian (Tiziano Vecellio) (ca. 1487-1576), Paolo Veronese (1528-1588) und Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594).
Nördliche Renaissance
In Nordeuropa (Flandern, Holland, England und Deutschland) entwickelte sich die nördliche Renaissance auf etwas andere Weise, nicht zuletzt durch die Vorliebe für die Ölmalerei (Fresken waren für das feuchtere Klima weniger geeignet) und das Interesse an der Druckgrafik. Die großen Künstler dieser Zeit waren Jan van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Dürer (1471-1528) und Hans Holbein (1497-1543).
Manierismus
Die Kunst des turbulenten Cinquento (16. Jahrhundert) zeichnete sich durch einen weniger harmonischen, mehr forcierten Malstil aus, der Manierismus genannt wurde. Michelangelos zweites sixtinisches Fresko, „Das Jüngste Gericht“, ist ein Beispiel für diesen Ansatz, ebenso wie „Das Begräbnis des Grafen Orgaz“ von El Greco (ca. 1541-1614).
Barock
Im späten 16. Jahrhundert leitete die römisch-katholische Kirche als Reaktion auf die protestantische Reformationsbewegung Martin Luthers (ab 1520) eine Gegenreformation ein und setzte alle ihr zur Verfügung stehenden Mittel ein, um ihr Ansehen wiederherzustellen, darunter auch die Kunst. Dies fiel mit der Entstehung eines neuen europäischen Malstils zusammen, der als Barockmalerei bekannt wurde und im 17. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte. In gewissem Sinne war die Barockkunst der Höhepunkt des Manierismus, der sich durch eine groß angelegte, extravagante Theatralik in Form und Bedeutung auszeichnete. Rubens (1577-1640) war der katholische Barockmaler der Gegenreformation. In Spanien, einer weiteren Bastion des Katholizismus, waren die führenden Künstler Diego Velázquez (1599-1660) und Francisco Zurbarán (1598-1664). In Italien wurde Caravaggio (1571-1610) der führende Maler der Gegenreformation, der für seinen Naturalismus und seine praktischen Bilder bekannt war. Er war ein wichtiger Pionier des Tenebrismus und des Chiaroscuro, einer malerischen Verwendung von Schatten, die unter dem Namen Caravaggismo bekannt wurde. Ein wichtiges Zentrum der italienischen Barockkunst und der Caravaggio-Malerei war Neapel, damals die zweitgrößte Stadt Europas nach Paris. Für weitere Informationen siehe: Malerei in Neapel (1600-1700).
Die niederländische Schule der Realisten
Die nicht-katholische Kunst des niederländischen Barocks und einige Werke des flämischen Barocks müssen sich anders entwickelt haben, da die protestantischen Kirchenbehörden wenig Interesse an der Vergabe von Aufträgen für religiöse Werke hatten. Der wachsende Wohlstand der Handels- und Berufsschichten brachte jedoch einen neuen Typus von Kunstsammler hervor, dessen Stolz auf sein Haus eine neue Nachfrage nach Staffeleikunst schuf: vor allem Genrebilder, Landschaften und Stillleben. So entstanden die großen niederländischen Schulen der Genremalerei in Delft, Utrecht, Haarlem und Leiden, zu deren Mitgliedern Genies wie Rembrandt (1606-1669) und Jan Vermeer (1632-1675) gehören.
Rokoko
Um 1700 hatte sich das gewichtige Barockidiom zu einem leichteren, weniger ernsten Stil entwickelt, der schließlich in einer als Rokoko bekannten Bewegung eine eigenständige Form fand. Dieser phantasievolle dekorative Stil war ausschließlich französisch, verbreitete sich aber im 18. Jahrhundert in ganz Europa. Seine größten Vertreter waren die französischen Maler Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-1770) und der venezianische Meister Giambattista Tiepolo (1696-1770), der durch seine prächtigen Wand- und Deckenfresken berühmt wurde. Das Rokoko wurde eng mit dem dekadenten Ancien Régime in Europa in Verbindung gebracht, insbesondere mit dem französischen König Ludwig XV. und seiner Mätresse Madame de Pompadour.
Neoklassizismus und Romantik (Blütezeit 1789-1830)
Die Französische Revolution von 1789 fällt mit dem Aufkommen von zwei verschiedenen Kunststilen zusammen: Neoklassizismus und Romantik . Die Vertreter der neoklassizistischen Malerei ließen sich von der klassischen Antike inspirieren; ihre Gemälde zeichnen sich durch Heldentum, lästige Pflichten und einen spürbaren Sinn für Ernsthaftigkeit aus. Ihr führender Vertreter war der französische Politiker Jacques-Louis David (1748-1825). Weitere bedeutende Künstler des Neoklassizismus waren der deutsche Porträt- und Historienmaler Anton Raphael Mengs (1728-1779) und der französische Meister des akademischen Kunststils, Jean-Auguste-Dominique Engr (1780-1867). Der größte Beitrag der Bewegung war jedoch ihre Architektur, die noch heute einen Ehrenplatz einnimmt.
Im Gegensatz zu der Ernsthaftigkeit und den universellen Werten, die der Neoklassizismus vertrat, strebten die romantischen Maler eine Rückkehr zur Natur an, was sich in der Förderung der spontanen Pleinair-Malerei zeigte (z. B. in den Malschulen Barbizon, Pont-Aven und Norwich) Sie verließen sich eher auf Gefühle und Emotionen als auf Vernunft und Intellekt. Die Künstler der Romantik neigten dazu, emotionale persönliche Reaktionen auf das Leben auszudrücken. Zu den berühmten Romantikern gehörten John Constable (1776-1837) und J. H. W. Turner (1776-1837). Turner (1775-1851), wichtige Vertreter der englischen Landschaftsmalerei des neunzehnten Jahrhunderts, Caspar David Friedrich (1774-1840) und Camille Corot (1796-1875); sowie die Historien- und Porträtmaler Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) und Eugène Delacroix (1798-1763). Lesen Sie auch über Englische figurative Malerei (1700-1900).
Zur späteren romantischen Kunst gehören: die Malerei der levantinischen Orientalisten, die amerikanische Landschaftsschule des Hudson River, die mystischen Werke des Symbolismus und der Präraffaelitischen Bruderschaft, und die fantastischen Märchenbilder der Schule des magischen Realismus.
Realismus
Bis zum 19. Jahrhundert konzentrierte sich die Malerei, mit Ausnahme der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts, hauptsächlich auf „wichtige“ Themen, die durch die Traditionen der Akademien der schönen Künste und des Pariser Salons bestimmt wurden. Selbst wenn sich die Künstler weniger erhabenen Sujets zuwandten (z. B. Kindern), stellten sie diese in der Regel in idealisierter Form dar. Doch im Einklang mit den neuen Ideen von „Freiheit, Brüderlichkeit und Gleichheit“, die von der Französischen Revolution proklamiert wurden, begannen die Künstler, alltäglichen Themen, die im wirklichen Leben dargestellt wurden, die gleiche Aufmerksamkeit zu widmen. Dieser neue Stil, der als realistische Malerei bezeichnet wird, entwickelte sich vor allem in Frankreich und zog Künstler aller Gattungen an, insbesondere Gustave Courbet (1819-1877), Jean-François Millet (1814-1875), Honoré Daumier (1808-1879), Ilja Repin (1844-1930) und Thomas Eakins (1844-1916). Der Einfluss des französischen Realismus des 19. Jahrhunderts setzte sich bis ins 20. Jahrhundert fort, als er zahlreiche Unterstile hervorbrachte, wie Ashcan School (New York), Sozialistischer Realismus (unterstützt durch das Federal Arts Project), Precisionism (Industrieszenen), Sozialistischer Realismus und Modernismus. Alle diese Werke werden bis heute fortgeführt.
Berühmte Realisten des 20. Jahrhunderts sind zum Beispiel der amerikanische Maler Norman Rockwell (1894-1978) und der englische Porträtist Lucian Freud (geb. 1922). Der neueste moderne Stil des Realismus ist der Fotorealismus, auch bekannt als Hyperrealismus und Superrealismus .
Impressionistische Malerei
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war Paris zum unbestrittenen Zentrum der Weltkunst geworden. Es festigte seine Position und brachte eine der größten modernen Kunstbewegungen aller Zeiten hervor - den Impressionismus, dessen Hauptvertreter waren: Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Paul Cézanne (1839-1906) und Bertha Morisot (1841-1895). Andere Künstler, die mit dem impressionistischen Stil in Verbindung gebracht werden, sind Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) und Walter Sickert (1860-1942). Siehe auch: Die besten impressionistischen Gemälde .
Obwohl sich die Impressionisten als „Gruppe“ in den frühen 1880er Jahren auflösten, hat der Stil eine Reihe verwandter Malstile hervorgebracht, die lose unter den Überschriften Neoimpressionismus und Postimpressionismus zusammengefasst werden. Dazu gehören auch der Pointillismus, ein Ableger des Divisionismus, der Intimismus und die Stile der amerikanischen Landschafts- und Seestücke sowie Künstlergruppen, wie die englische Newlyn School und Camden Town Group, die dekorativen französischen Malstile des Synthetismus (Gauguin) und Cloisonnismus (Bernard, Anquetin), die Nabi inspirierten, und die deutsche Worpswede-Gruppe.
Die Malerei des frühen 20. Jahrhunderts
Zwischen 1882 und 1925 entstehen in der Kunstwelt zahlreiche neue Malstile. Die beiden wichtigsten Bewegungen dieser Explosion der modernen Kunst waren:
(1) Expressionismus - ein koloristischer Stil (der mit der kurzlebigen Pariser Fauvismus-Bewegung unter der Leitung von Henri Matisse zusammenfiel), an dem Gruppen wie Der Blaue Reiter beteiligt waren Deutscher Expressionismus, Die Brucke und Neue Sachlichkeit und illustriert mit Gemälden von Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Georges Rouault (1871-1958), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) und Egon Schiele (1890-1918). Siehe auch: Geschichte der Malerei des Expressionismus (ca. 1880-1930).
(2) Kubismus Ein eher intellektueller Stil mit analytischer als synthetischer kubistischer Malerei, der von Georges Braque (1882-1963) und Pablo Picasso (1881-1973) begründet wurde. Die Experimente des Kubismus mit der zweidimensionalen Bildebene führten zu Stilen wie dem Futurismus, einer 1909 von Filippo Marinetti (1876-1944) gegründeten italienischen Kunstbewegung, dem orphischen Kubismus (Simultanismus) von Robert Delaunay (1885-1941) und dem Luchismus, der von den russischen Künstlern Michail Larionow (1881-1964) und Natalia Gontscharowa (1881-1962) entwickelt wurde; die als Suprematismus bekannte russische abstrakte Kunstbewegung von 1913-15, die von Kasimir Malewitsch (1878-1935) angeführt wurde; und die niederländische Bewegung de Stijl, die 1917 von Theo van Doesburg (1883-1931) und Piet Mondrian (1872-1944) gegründet wurde und sich später zum Neo-Plastizismus entwickelte. Für weitere Informationen siehe: Abstrakte Malerei .
Die Malerei des frühen 20. Jahrhunderts wurde auch von dekorativen Elementen des Jugendstils ) Jugendstil in Deutschland) und des Art déco beeinflusst.
Die europäische Avantgarde-Malerei wurde in Amerika erstmals auf der Armory Show (1913) in New York gezeigt.
Malerei nach dem Ersten Weltkrieg: Surrealismus
Nach den kunstfeindlichen Possen von Dada war die erste internationale Malereibewegung der Zwischenkriegszeit der Surrealismus, dessen respektloser, populistischer Stil einen großen Einfluss auf die spätere Pop Art hatte. Nach der bahnbrechenden metaphysischen Malerei von Giorgio de Chirico, dem wichtigsten Vorläufer der surrealistischen Kunst, gehörten zu den führenden surrealistischen Künstlern Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Juan Miró (1893- 1983), René Magritte (1898-1967) und Salvador Dalí (1904-1989).
Kunst der Nachkriegszeit: Abstrakter Expressionismus (1945-65)
1940, als Europa im Chaos versank, hatte sich das Zentrum der Kunstwelt nach New York verlagert, wo sich eine wachsende Zahl einheimischer Künstler mit emigrierten Künstlern aus Frankreich, Spanien und Deutschland mischte, die unter anderem von der Familie Guggenheim gefördert und unterstützt wurden. Die Atmosphäre war durch den Krieg belastet, vor dem viele Künstler über den Ozean flohen und Trost und Sinn eher in der Abstraktion als in der figurativen Kunst suchten, die nach dem Niedergang der amerikanischen Genremalerei und ihrer Variante, die als Regionalismus bezeichnet wurde, tatsächlich zurückging.
Von den einflussreichen europäischen Emigranten, wie z.B.: Max Ernst (der Peggy Guggenheim heiratete), der ehemalige Künstler der Bauhausgruppe, Josef Albers (1888-1976) und der Armenier Arshil Gorki (1904-1948) - sowie einzigartige amerikanische Künstler wie Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-1956). Durch diese enge Bekanntschaft entstand der Abstrakte Expressionismus mit seinen Varianten Action Painting (Pollock und Lee Krasner), Colour Field Painting (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Hard Edge Painting (Frank Stella), und Post-Howard-Abstraktion (Ellsworth Kelly).
In Europa entwickelte sich die Abstrakt-expressionistische Malerei unter dem allgemeinen Banner des Informalismus (Alfred Otto, Wolfgang Schulze, Wols), deren Unterstile Lyrische Abstraktion (z.B. Nicholas de Stael), Tachismus (Sam Francis), Material Painting (Anthony Tapies) und die Cobra-Gruppe (z.B. Asger Jorn, Karel Appel) umfassen.
Eine sehr einflussreiche Bewegung, der Abstrakte Expressionismus, führte schließlich zum Minimalismus - eine der ersten Bewegungen der modernen Kunst - durch Unterstile wie Op Art, die von Bridget Riley (*1931) vertreten wurde.
Pop Art (1960er Jahre)
Als der abstrakte Stil immer intellektueller wurde, suchten andere amerikanische Künstler nach Alternativen - wenn nicht in der Fiktion, so doch zumindest in der alltäglichen Realität. In den späten 1950er Jahren begannen Jasper Johns (geb. 1930) und Robert Rauschenberg (1925-2008), die Popkultur als Inspirationsquelle zu nutzen. Dies führte schnell zur anti-intellektuellen Pop Art Bewegung, die unter anderem durch die Werke von Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol (1928-1987) und David Hockney (geb. 1937) verkörpert wurde. Nach einem Niedergang in den frühen 1970er Jahren tauchte sie in den 1980er Jahren als Neo-Pop-Art wieder auf.
Zeitgenössische Malerei
Aktuelle Kunst Repräsentation seit 1970 hat die figurative Malerei, einschließlich der Werke von Francis Bacon (1909-1992) und Fernando Botero (*1932), Neoexpressionismus von chinesischen Künstlern wie Zhang Xiaogang (geb. 1958) und Yue Mingyun (geb. 1962), Landschaften von Peter Doig (geb. 1959) und dem ukrainischen Künstler Dmytro Koluyny, Gemälde von Alexander Vlasenko und zahlreiche Porträts von einer Reihe junger Künstler, darunter die Iren David Nolan (geb. 1966) und Conor Walton (geb. 1970), um nur einige zu nennen. Trotzdem hat die figurative Malerei ihre Nische in der zeitgenössischen Kunst noch nicht gefunden. Das Gleiche gilt für die gegenständliche Malerei, die nach wie vor viele junge abstrakte Künstler anzieht und zahlreiche Minibewegungen hervorgebracht hat, ohne zu großen Ergebnissen zu führen.
Es ist durchaus möglich, dass all dies mehr Einbildung als Realität ist. So kann beispielsweise das Fehlen internationaler Bewegungen die Illusion erwecken, dass die beobachteten Fortschritte unbedeutend sind, obwohl es auf lokaler Ebene lebhafte Entwicklungen gibt. Darüber hinaus sind postmoderne Künstler immer noch in der Lage, schöne Beispiele der Abstraktion zu schaffen - zum Beispiel die unverwechselbare Wortkunst von Christopher Wool (geb. 1955) in seinen schwarz-weißen Emaille-Gemälden.
Zusammenfassend lässt sich also sagen, dass die Kunst der Malerei nach den 1970er Jahren - trotz vieler individueller Glanzleistungen - nicht den erwarteten Anteil an Meisterwerken hervorgebracht zu haben scheint. Stattdessen könnte man sagen, dass die postmodernen Künstler um Antworten auf folgende drei Fragen gerungen haben: (1) Welche Bedeutung hat die figurative Malerei in einer von Fotojournalismus und Videofilmen dominierten Ära? (2) Was hat die abstrakte Malerei noch an ästhetischer Originalität zu bieten? (3) Inwieweit kann die Malerei mit zeitgenössischeren „Kunstformen“, wie z.B. Installationen, um die Aufmerksamkeit der Menschen in Kunstmuseen oder anderen öffentlichen Räumen konkurrieren?
Vielleicht sind die traditionellen Fertigkeiten des Zeichnens und der Malerei, denen nicht mehr die Aufmerksamkeit zuteil wird, die ihnen früher an den Kunsthochschulen und -akademien zuteil wurde, im Niedergang begriffen, obwohl, zumindest in Russland, Osteuropa und China, die modernen Video- und Fototechnologien weniger Einfluss auf die Kunst haben. Andererseits haben neue Technologien wie Grafiktabletts mit Stiften sowie digitale Grafiken das Zeichnen für einen größeren Kreis von Praktikern geöffnet, was nur eine positive Entwicklung sein kann.
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