Kunstmalerei: Geschichte, Medien, Genres Automatische übersetzen
Definition: Form des 2-D visuellen Ausdrucks:
Die Kunst des Malens besteht in der Anordnung von Formen, Linien, Farben, Tönen und Texturen auf einer zweidimensionalen Oberfläche, wodurch ein ästhetisches Bild entsteht. Mehr als das kann man nicht sagen, die schiere Vielfalt der Möglichkeiten schließt eine genauere Definition aus. Das fertige Gemälde kann ganz sein gegenständlich und naturalistisch – wie die der Fotorealisten (zB Richard Estes) – oder ganz abstrakt – Besteht nur aus geometrischen Formen (wie die von Piet Mondrian oder Bridget Riley) – oder irgendwo dazwischen. In Genre-Begriffen kann es sich um ein narratives Geschichtswerk, ein Porträt, eine Genreszene, eine Landschaft oder ein Stillleben handeln. Es kann mit Enkaustik-, Tempera- oder Fresko-Farben, Ölen, Acrylfarben oder Aquarellen oder einem der neuen zeitgenössischen Medien bemalt werden. Und wie Kunstkritiker und Historiker können bezeugen, dass es unzählige widersprüchliche Theorien über die Funktion, das Design, die Stilhierarchie und die Ästhetik der Malerei gibt. Vielleicht ist es am sichersten zu sagen, dass sich Maler als "bildende Künstler" mit der Aufgabe beschäftigen, zweidimensionale Bilder zu schaffen Werke des visuellen Ausdrucks, in welcher Weise auch immer sie ansprechen.
Komposition und Design von Gemälden
Manchmal genannt " disegno "- ein Begriff abgeleitet von Renaissance-Kunst was sich sowohl als Design als auch als Zeichnung übersetzt und somit die Idee des Künstlers von dem, was er schaffen möchte, sowie seine Ausführung einschließt – das Malen betrifft die formale Organisation verschiedener Elemente zu einem zusammenhängenden Ganzen.
Diese formalen Elemente umfassen: Linie , Form / Masse , Farbe , Volumen / Raum , Zeit / Bewegung .
(1) Die Linie umfasst alles, von einfachen Umrissen und Konturen bis hin zu Kanten von Ton und Farbe. Mit Linien wird die Beziehung zwischen benachbarten oder entfernten Elementen und Bereichen der Malfläche sowie deren relative Aktivität oder Passivität festgelegt.
(2) Form und Masse umfassen die verschiedenen Bereiche von Farbe, Ton und Textur sowie alle darin enthaltenen spezifischen Bilder. Viele der bekanntesten Gemälde (z. B. The Das letzte Abendmahl von Leonardo Da Vinci) sind optisch um geometrische Formen (oder eine Mischung davon) angeordnet. Negative Leerzeichen können auch verwendet werden, um bestimmte Merkmale der Komposition hervorzuheben.
(3) Angesichts der Tatsache, dass das menschliche Auge bis zu 10 Millionen verschiedene Farbtöne erkennen kann, ist es nicht überraschend, dass die Farbe viele verschiedene Verwendungszwecke hat. (Sehen colorito .) Es kann auf rein beschreibende Weise verwendet werden – Ägypter verwendeten unterschiedliche Farben, um Götter oder Pharaonen zu unterscheiden und Männer von Frauen zu unterscheiden – oder um moralische Botschaften oder emotionale Stimmungen zu vermitteln oder die Perspektive zu verbessern (schwächere Farben für entfernte Hintergründe). Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei 1500-76. Vor allem wird Farbe zur Darstellung von Lichteffekten verwendet (siehe die Serie Haystacks oder Rouen Cathedral von Claude Monet), während viele große Maler wie Caravaggio und Rembrandt den Kontrast zwischen Farben für dramatische Effekte ausgenutzt haben – insbesondere in der Technik von Chiaroscuro (siehe Rembrandts Die Nachtwache ). Sehen Farbe in der Malerei .
(4) Bei den Elementen Volumen und Raum geht es darum, wie der Maler Tiefe und räumliche Beziehungen innerhalb der ebenen Bildfläche herstellt. Traditionelle Maler tun dies, indem sie das Konzept von einsetzen Geradlinige Perspektive , wie während der entwickelt Florentiner Renaissance von Piero della Francesca und anderen (siehe auch die illusionistischen Techniken von Quadratura und Verkürzung ), während Kubisten wie Picasso, Braque, Duchamp und Juan Gris Raum und Volumen ausdrücken, indem sie eine Reihe von überlappenden "Schnappschüssen" desselben Objekts zeigen, als würden sie gleichzeitig aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet. Wieder andere, wie naive (naif) oder primitiv anmutende Maler, zeigen Objekte nicht in ihrer naturgetreuen Beziehung zueinander, sondern getrennt voneinander, aus welchem Winkel sie ihre charakteristischen Merkmale am besten zeigen – dazu gehören beispielsweise die abgeflachten Stilformen. von den Ägyptern.
(5) Die Elemente Zeit und Bewegung betreffen, wie das Auge des Betrachters das Bild in Bezug auf Geschwindigkeit und Richtung sowohl für seine narrative Entwicklung (z. B. in großformatigen historischen Wandgemälden) als auch für seine Wahrnehmung erfahren darf trompe l’oeil Potenzial oder seine kantigen Möglichkeiten für das Studium (z. B. kubistische Gemälde, die mehrere "Schnappschüsse" derselben Objekte darstellen).
Interpretation der Malerei
Ein Künstler möchte nicht nur ein visuelles Objekt schaffen, sondern es auch mit einem gewissen Grad an intellektuellem Inhalt in Form von Symbolen, moralischen oder sozialen Botschaften oder anderen sinnvollen Inhalten füllen. So der berühmte amerikanische Kritiker Clement Greenberg (1909-94) haben einmal festgestellt, dass jede große Kunst darauf abzielen sollte, eine Spannung zwischen visueller Anziehungskraft und Interpretationsmöglichkeit zu erzeugen. Die Kunstgeschichte ist voll von Beispielen für interpretativen Inhalt.
Beispielsweise ist die ägyptische Kunst für ihre ikonografischen Darstellungen bekannt, ebenso wie byzantinische Tafelbilder und Fresken aus der Zeit vor der Renaissance. Renaissancebilder, wie die von Alte Meister wie Botticelli, Leonardo und Raphael nahmen häufig die Form von hochkomplexen allegorischen Werken an, eine Tradition, die während der nachfolgenden Barock- und Neoklassizismus-Epochen des 17. und 18. Jahrhunderts beibehalten wurde. Sogar Stillleben, insbesondere das Genre von Vanitas Malerei , wurden mit moralistischer Allegorie hineingegossen. Die Tradition schwand jedoch im 19. Jahrhundert unter den vorherrschenden Einflüssen der Romantik, des Impressionismus und in geringerem Maße des Expressionismus etwas, bevor sie im 20. Jahrhundert wieder auftauchte, als der Kubismus und der Surrealismus sie voll ausschöpften. Weitere Informationen finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Medien der Malerei
Encaustic
Eines der wichtigsten Malmittel der Antike, Enkaustische Malerei verwendet heißes Bienenwachs als Bindemittel, um Farbpigmente zu halten und sie auf eine Oberfläche aufzutragen – normalerweise Holzplatten oder Wände. Es war weit verbreitet in der ägyptischen, griechischen, römischen und byzantinischen Kunst.
Fresko
Fresco (italienisch für "frisch") bezieht sich auf die Methode des Malens, bei der Pigmente ausschließlich mit Wasser gemischt werden (kein Bindemittel verwendet) und dann direkt auf frisch verlegten Putzgrund aufgetragen werden, normalerweise an einer verputzten Wand oder Decke. Der Putz nimmt die flüssige Farbe auf und hält beim Trocknen die Pigmente in der Wand. Zusätzliche Effekte wurden durch Kratztechniken wie Sgraffito erzielt. Die größten Beispiele von Freskenmalerei sind wahrscheinlich Michelangelos "Genesis" und "Last Judgement" Fresken der Sixtinischen Kapelle und die Gemälde in den Raffael-Räumen, wie "Die Schule von Athen".
Tempera
Anstelle von Bienenwachs verwendet das Malmedium Tempera eine Emulsion aus Wasser und Eigelb (gelegentlich mit Klebstoff, Honig oder Milch gemischt), um die Pigmente zu binden. Temperamalerei wurde schließlich durch Öle abgelöst, obwohl es als Methode zum Malen auf Tafeln jahrhundertelang Bestand hatte. Es war auch weit verbreitet in mittelalterliche Malerei bei der Erstellung von illuminierten Manuskripten. Weitere Details zu diesem Genre finden Sie unter: Gotische Bilderhandschriften (1150-1350).
Öle
Das dominierende Medium seit 1500, Ölgemälde verwendet Öle wie Leinsamen, Walnuss oder Mohn als Bindemittel und Trockenmittel. Seine Popularität beruht auf dem zunehmenden Reichtum und Glanz, den Öl dem Öl verleiht Farbpigmente . Es ermöglichte auch subtile Details mit Techniken wie sfumato sowie kühne Lackierungen durch dicke Schichten ( pastos ). Wichtige Pioniere der Ölmaltechnik waren (in Holland) die flämischen Maler Hubert und Jan Van Eyck sowie (in Italien) Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci und insbesondere Mitglieder der Schule von Venezianische Malerei , darunter Giovanni Bellini und Tizian.
Aquarelle und Gouache
Aquarellmalerei – Ein eher unversöhnliches Medium – entwickelt in England – verwendet wasserlösliche Pigmente, die mit einem Bindemittel, typischerweise Gummi arabicum, vorformuliert sind. Wenn Aquarelle eingedickt, undurchsichtig und mit Weiß gemischt werden, spricht man von Wasserfarben Gouache . Zu den frühen Pionieren der Aquarellmalerei zählen Thomas Girtin und JMW Turner. Die Gouache war ein wichtiges Medium für viele der besten Miniaturisten, die sich schon früh engagierten Miniatur-Porträtmalerei , vor dem einsatz von emaille.
Acryl
Das modernste aller Medien, Acrylgemälde ist eine künstliche Farbe, die ein von Acrylsäure abgeleitetes Harz enthält, das einige der Eigenschaften von Aquarell und Öl vereint. Es ist vielseitig einsetzbar und kann in unterschiedlichen Mengen auf nahezu jede Oberfläche aufgetragen werden, von dünnen Wäschen bis zu dicken, pastosen Schichten. Es kann matt oder glänzend sein und ist extrem schnell trocknend. Beliebt bei vielen berühmte Maler Die Acrylmalerei, zu der auch David Hockney gehört, könnte im 21. Jahrhundert die Ölfarbe verdrängen.
Formen der Malerei
Wandbilder
Aus der Altsteinzeit Höhlenmalerei In der gesamten westlichen Welt, einschließlich Etrurien, Ägypten, Kreta und Griechenland, wurden in Gräbern, Tempeln, Heiligtümern und Katakomben Wandgemälde gemalt. Zunächst ohne "Tiefe", wurden sie als Medium für voll entwickelt Biblische Kunst in der Frührenaissance von Freskenmalern wie Giotto (siehe: Fresken in der Scrovegni-Kapelle ) und später von Masaccio, Fra Angelico, Raphael und Michelangelo. Da die Innendekoration zunehmend von Glasmalereien und Wandteppichen dominiert wurde, Wandmalerei sank, obwohl eine Reihe von ortsspezifischen Arbeiten im 19. und 20. Jahrhundert in Auftrag gegeben wurden.
Tafelmalerei
Als früheste Form der portablen Malerei wurden Tafeln (z. B.) in der ägyptischen und griechischen Kunst (obwohl nur wenige erhalten sind) und später von byzantinischen Künstlern ab 400 n. Chr. Verwendet. Wie bei Wandmalereien, Tafelbilder wurden während der Spätgotik und der Frührenaissance verjüngt, hauptsächlich als eine Art dekorative Andachtskunst – z. " Die Gent Altarbild "(1432) von Hubert und Jan Van Eyck, und" The Deposition "(1440) von Roger van der Weyden. Für Details der Renaissance-Tafelmalerei im Venedig des 16. Jahrhunderts, ein Genre und eine Periode, die den colorito-Ansatz der Stadt illustrieren, bitte sehen: Venezianische Altarbilder (1500-1600) und Venezianische Porträtmalerei (1400-1600). Siehe auch: Vermächtnis der venezianischen Malerei zur europäischen Kunst.
Besonders beliebt war die Holztafelmalerei in Flämische Malerei und andere Schulen des Nordens blieben aufgrund des für Fresken ungünstigen Klimas bis zum Ende des 17. Jahrhunderts bestehen.
Staffelei Malerei
Diese Form war wie die Tafelmalerei eine Form der Studiokunst, benutzte jedoch Leinwand als Unterlage und nicht Holztafeln. Canvas war sowohl leichter als auch billiger als Paneele und erforderte keine spezielle Grundierung mit Gips und anderen Materialien. Ab dem Barock (1600) wurde Öl auf Leinwand in ganz Europa zur bevorzugten Malform. Es war besonders beliebt bei neuen bürgerlichen Gönnern in Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts (1600-80), insbesondere in Form von Porträts, Stillleben und Genrewerken.
Manuskript-Beleuchtung
Diese Art von Gemälde, die auf berühmte Beispiele aus dem alten Ägypten wie das "Buch der Toten" zurückgeht, erlangte im Mittelalter (ca. 500-1000 n. Chr.) Ihren Höhepunkt in Form von irischen und europäischen Gemälden illuminierte Manuskripte . Frühe Beispiele für diese Art der Buchmalerei sind: Cathach of St. Columba (frühes 7. Jahrhundert um 610-620), Book of Durrow (um 670), Lindisfarne Gospels (um 698-700), Echternach Gospels (um 698-700). 700), Lichfield Gospels (730), Godescalc Evangelistary (781-83), The Golden Psalter (783-89), Lorsch Gospels (778-820), Book of Kells (um 800), Gospel of St Medard of Soissons (810), Utrecht Psalter (830), Ebo Gospels (835), Grandval Bible (840), Vivian Bible (845).
Spätere Beispiele von Mittelalterliche Handschriftenbeleuchtung Romanische Werke wie: Egbert Psalter , St. Albans Psalter , Winchester Bible , Codex Vigilano und das Moralia Manuskript ; Gothic Werke wie: der Psalter von St. Louis , Bible Moralisee , Amesbury Psalter , Minnesanger Manuskript , Queen Mary’s Psalter ; und International Gothic Werke wie: Missale für den Kanzler Jan von Streda (1360, Prag, National Museum Library, MS); das Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416, Musee Conde Chantilly) von den Brüdern Limburg; die Verkündigung von Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliotheque Nationale, Paris); die Brüsseler Stunden (Brüssel, Belgische Nationalbibliothek, MS. 11060-1); die Stunden des Marechal de Boucicaut (Jacque-Mart-Andre-Museum, Paris); Le Livre du Coeur d’Amours Espris (1465, Österreichische Nationalbibliothek, Wien).
Diese in Eiweißtempera auf Pergament und Pappe gemalten Manuskripte zeigten äußerst reichhaltige und komplexe grafische Darstellungen von Interlace im keltischen Stil, Knoten, Spiralen und Zoomorphen sowie figürliche Porträts von Heiligen und Aposteln. Leider hat das Aufkommen der Druckerei im 15. Jahrhundert diese Kunstform in Europa aus dem Geschäft gebracht. Danach überlebte es nur im Osten, insbesondere in Form von islamischer kalligraphischer Malerei und verzierten Texten sowie Miniaturen aus Indien.
Rollbild
Handschriftrollen sind eine Form von Asiatische Kunst datierend von c.350 CE, allgemein für beide Chinesisches Gemälde und japanische Kunst. Sie bestanden aus verschiedenen Papier- oder Seidenstücken und zeigten eine große Auswahl an Tusche- und Waschbilder Zu ihren Themen gehörten unter anderem Landschaften, buddhistische Themen, historische oder mythologische Szenen. Eine Anleitung zu den ästhetischen Prinzipien des orientalischen Kunsthandwerks finden Sie unter: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .
Leinwand- / Fächermalerei
Es gibt zwei Grundtypen von bemalten Leinwänden: traditionelle chinesische und japanische Paravents, die mit Tinte oder Gouache auf Papier oder Seide aus dem 12. Jahrhundert gemalt wurden – eine Form, die später auch Lackschirme umfasste; und die Ikonostase, die in byzantinischen, griechischen und russisch-orthodoxen Kirchen gefunden wurde und das Heiligtum vom Kirchenschiff trennt. Dieser Bildschirm ist traditionell mit religiösen dekoriert Symbole und andere Bilder, entweder mit Enkaustik- oder Temperafarben. Bemalte Fächer – in der Regel mit Tinte und Farbpigmenten auf Papier, Pappe oder Seide verziert, manchmal mit Blattgold oder Blattsilber ausgelegt – stammten aus China und Japan, obwohl kurioserweise viele tatsächlich in Indien gemalt wurden. In Europa wurde die Fächermalerei erst im 17. Jahrhundert praktiziert und erst ab etwa 1750 in Frankreich und Italien richtig entwickelt.
Moderne Formen der Malerei
Maler des 20. Jahrhunderts haben mit einer Vielzahl von Trägern und Materialien experimentiert, einschließlich Stahl, Beton, Polyester, Neonlichtern sowie einer endlosen Vielzahl von "gefundenen" Objekten (objets trouves). Letzteres ist in den Werken von Yves Klein (1928-62) dargestellt, der Frauenaktkörper mit blauer Farbe dekorierte und sie dann auf Leinwand druckte; und Robert Rauschenberg (1925-2008), dessen Arbeitsbett (1955) aus der Steppdecke seines eigenen Bettes bestand, die mit Zahnpasta, Lippenstift und Fingernagelpolitur bemalt war.
Malerei-Genres
Es gibt fünf traditionelle Malerei-Genres . Diese sind wie folgt eingestuft:
(1) Geschichtsmalerei – welches beinhaltet mythologische Malerei – (2) Porträtmalerei , (3) Genre-Malerei , (4) Landschaft und (5) Stillleben . Dieses Rangsystem entspricht dem " Hierarchie der Genres "Angekündigt von den europäischen Akademien der bildenden Künste, die Bilder nach ihrer moralischen Botschaft oder ihrem Inhalt schätzten. Stillleben, die keinerlei menschliche Präsenz aufwiesen, enthielten angeblich die geringste moralische Erzählung. Im Vergleich dazu handelten Historienbilder – Darstellungen von Szenen emotionalen Kampfes – hatten den größten erzählerischen Gehalt und wurden daher als die herausragende Form der Bildgestaltung angesehen.
Geschichte und Malstile
Ursprünge
Das Kunstgeschichte hat eine breite Palette von Malstilen erlebt. Beginnend mit der prähistorischen Höhlenmalerei (z. B. in den Höhlen von Altamira, Chauvet und Lascaux) umfasst sie Wandgemälde und Tafelbilder ägyptischer, minoischer, mykenischer und etruskischer Zivilisationen sowie den klassischen antiken Stil der griechischen Malerei und der römischen Kunst. Ein hervorragendes Beispiel aus Antike ist die Reihe von Fayum Mumienporträts , meist im Faiyum-Becken bei Kairo zu finden.
Der Zusammenbruch Roms (ca. 450 n.Chr.) Führte zum Aufstieg der byzantinischen Kunst in Konstantinopel. Währenddessen erlebte Westeuropa vier Jahrhunderte der Stagnation – das dunkle Zeitalter – bevor Papst Leo III. Karl den Heiligen Römischen Kaiser krönte. Der Hof Karls des Großen förderte eine mini-kulturelle Renaissance, bekannt als karolingische Kunst (750-900). Diese Wiederbelebung wurde von Otto I, II und III, der Ära der ottonischen Kunst, aufrechterhalten, bevor eine wiederbelebte römische Kirche die aufeinanderfolgenden kulturellen Stile der Romanik (1000-1200) und Gotik (1150-1375) einführte. Die wichtigsten Malaktivitäten im Rahmen dieser fünf Sätze waren Ikonenmalereien, religiöse Fresken und Buchmalereien.
Protorenaissance
Mittelalterliche westliche Malerei wurde stark durch Konvention geregelt. Der Gegenstand beschränkte sich nicht nur fast ausschließlich auf die Darstellung von biblischen Figuren, sondern es gab auch einen festgelegten Kanon von Regeln, der festlegte, welche alt- und neutestamentlichen Figuren aufgenommen werden könnten und wie sie anerkannt werden sollten. Die Struktur des Bildes orientierte sich an der "Perspektive der Bedeutung", wobei wichtige Themen groß und weniger wichtige in kleinerem Maßstab dargestellt wurden. Die Maler waren auch verpflichtet, in ihren Kompositionen eine Reihe von Konventionen zu befolgen, die (z. B.) Farbe, Raum und Hintergrund betrafen. Daher war Naturalismus nicht allgemein erlaubt. Die göttliche Welt Gottes, Jesus, die Jungfrau Maria, die Propheten, Heiligen und Apostel – das vorherrschende Thema – wurde als transzendentale Welt angesehen, deren Pracht und Herrlichkeit im Allgemeinen durch einen leuchtenden Goldgrund symbolisiert wurden.
Die ersten Künstler, die die Strenge dieser Malregeln in Frage stellten, waren Cimabue und sein Schüler Giotto (1270-1337), deren Freskenzyklus in der Capella Scrovegni (Arenakapelle) in Padua einen neuen Realismus einführte und eine weitaus naturalistischere Ausdrucksweise verwendete. Infolgedessen beschreibt Giorgio Vasari (1511-74) Giotto in seinem " Leben der Maler " ("Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori et scultori Italiani") (1550) als "Vater der Malerei". Ein weiterer Innovator der Protorenaissance Trecento Zeitraum (ca. 1300-1400) war Ambrogio Lorenzetti (tätig 1319-48), der Sienesische Malschule .
Frühe Renaissance
Während die altmodischen Stile der byzantinischen Kunst und Internationale Gotik Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en In Siena (Italien) und an feudal – königlichen Gerichten in ganz Europa spielten sich nach und nach die kreativen Ideen Giottos ab, die in Florenz während des Festivals geprüft und weiterentwickelt wurden Frühe Renaissance (1400-90). Diese Bewegung sah vier Hauptentwicklungen: (1) eine Wiederbelebung der klassischen griechisch / römischen Kunstformen und -stile; (2) Stärkerer Glaube an den Adel des Menschen (Humanismus); (3) Beherrschung der linearen Perspektive (Tiefe in einem Gemälde); und (4) Mehr Realismus in der figurativen Malerei. Zu den bedeutendsten Malern der Frührenaissance gehörten: Tommaso Masaccio (um 1401-28), der eine Reihe von Fresken in der Brancacci-Kapelle in Florenz malte; und Piero della Francesca (1420-92), dessen leidenschaftliches Interesse an der Mathematik ihn zu einer geradlinigen Pionierperspektive mit geometrisch exakten Räumen und streng proportionierten Räumen führte (siehe sein Geißelung Christi 1450er Jahre). Realismus, lineare Perspektive und neue Formen der Komposition wurden von den folgenden Künstlern des Quattrocento weiter verfeinert, wie den Florentiner Antonio del Pollaiuolo (1432-98) und Alessandro Botticelli (1445-1510) sowie der Norditalienerin Andrea Mantegna (1431-1506)).
Hoch / Spätrenaissance
Malerei der Hochrenaissance (c.1490-1530), das sich auf Rom konzentrierte und von Papst Julius II. (reg. 1503-13) und Papst Leo X. (reg. 1513-21) angetrieben wurde, erlebte den Höhepunkt der italienischen Renaissanceideologie und des ästhetischen Idealismus sowie einiger anderer das größte Renaissance-Gemälde . All dies ist gut in der Arbeit von Leonardo Da Vinci (1452-1519) ( Das letzte Abendmahl , Mona Lisa ), Raphael (1483-1520) ( Die Schule von Athen ) und Michelangelo (1475-1564) ( Die Schule von Athen ) Genesis Fresko in der Vatikanischen Sixtinischen Kapelle). Diese Hohe Renaissance Das Trio wurde von anderen großen Malern aus Venedig unterstützt, darunter Jacopo (ca. 1400-1470), Gentile Bellini (ca. 1429-1507) und Giovanni Bellini (ca. 1430-1516), Giorgione (ca. 1476-1510), Tizian (Tiziano Vecellio) (c.1487-1576), Paolo Veronese (1528-88) und Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-94).
Renaissance des Nordens
In Nordeuropa (Flandern, Holland, England und Deutschland) entwickelte sich die Renaissance des Nordens etwas anders, nicht zuletzt in Bezug auf die Bevorzugung von Ölgemälden (Fresken, die weniger für das feuchte Klima geeignet sind) und in Bezug auf die Druckgrafik. Große Künstler dieser Zeit waren: Jan Van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-1464), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528) und Hans Holbein (1497-1543)..
Manierismus
Kunst im turbulenten Cinquecento oder im 16. Jahrhundert war gekennzeichnet durch einen weniger harmonisierten, forcierteren Malstil, genannt Manierismus . Michelangelos zweites Sixtinisches Fresko Fresko des Jüngsten Gerichts ist ein Vorbild, wie das ist Beerdigung des Grafen Orgaz von El Greco (c.1541-1614).
Barock-
Im späten 16. Jahrhundert startete die römisch-katholische Kirche als Reaktion auf Martin Luthers protestantische Reformationsbewegung (ab ca. 1520) ihre Gegenreformation, indem sie alle ihr zur Verfügung stehenden Mittel einsetzte, um ihren Ruf, einschließlich der Kunst, wiederzubeleben. Dies fiel mit der Entstehung eines neuen europäischen Malstils zusammen, der als Barockmalerei , die im 17. Jahrhundert blühte. In mancher Hinsicht, Barocke Kunst war der Höhepunkt des Manierismus, der sich durch große extravagante Theatralik in Form und Inhalt auszeichnete. Rubens (1577-1640) war der katholische gegenreformatorische Barockmaler schlechthin . In Spanien, einer weiteren Bastion des Katholizismus, waren Diego Velazquez (1599-1660) und Francisco Zurbaran (1598-1664) die führenden Maler. In Italien wurde Caravaggio (1571-1610) zum führenden Maler der Gegenreformation, der für seinen Naturalismus und seine bodenständigen Bilder bekannt ist. Er war ein wichtiger Pionier von Tenebrismus und Helldunkel , die malerische Verwendung von Schatten, die unter dem Namen Karavaggismus . Ein wichtiges Zentrum sowohl der italienischen Barockkunst als auch der caravaggesken Malerei war Neapel – zu der Zeit die zweitgrößte Stadt Europas nach Paris. Weitere Informationen finden Sie unter: Malen in Neapel (1600-1700).
Niederländische Realistenschule
Nicht katholisch Niederländische Barockkunst , und einige Flämische Barockkunst , musste sich anders entwickeln, da die protestantischen Kirchenbehörden wenig Interesse daran hatten, religiöse Werke in Auftrag zu geben. Der wachsende Wohlstand unter den Kaufleuten und Fachleuten führte jedoch zur Entstehung eines neuen Kunstsammlertyps, dessen Stolz auf Haus und Heim eine neue Nachfrage nach Staffeleikunst auslöste: insbesondere Genrebilder, Landschaften und Stillleben. So entstand das Große Niederländische realistische Schulen der Genremalerei In Delft, Utrecht, Haarlem und Leiden finden sich Genies wie Rembrandt (1606-1669) und Jan Vermeer (1632-1675).
Rokoko
Um 1700 entwickelte sich die gewichtige Barocksprache zu einem leichteren, weniger ernsten Stil, der schließlich in einer eigenständigen Form in eine Bewegung überging, die als bekannt wurde Rokoko . Zunächst ausschließlich französisch, verbreitete sich dieser skurrile Dekorationsstil im 18. Jahrhundert schließlich in ganz Europa. Die größten Vertreter waren die französischen Maler Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honore Fragonard (1732-1806), Francois Boucher (1703-70) und der venezianische Giambattista Tiepolo (1696-1770) fantastische Wand- und Deckengemälde. Das Rokoko war eng mit den dekadenten alten Regimen Europas verbunden, insbesondere mit dem des französischen Königs Ludwig XV. Und seiner Geliebten Madame de Pompadour.
Neoklassizismus und Romantik (blühte c.1789-1830)
Die Französische Revolution von 1789 fiel mit der Entstehung zweier unterschiedlicher künstlerischer Stile zusammen: Neoklassizistische Kunst und Romantik . Exponenten von neoklassizistische Malerei suchte nach Inspiration in der Antike; Ihre Bilder zeichnen sich durch Heldentum, belastende Pflicht und ein spürbares Gespür für Gravitas aus. Ihr Hauptvertreter war der französische politische Künstler Jacques-Louis David (1748-1825). Weitere renommierte neoklassizistische Künstler waren der deutsche Porträtist und Historienmaler Anton Raphael Mengs (1728-79) und der französische Meister des akademischen Kunststils Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Der größte Beitrag der Bewegung war jedoch ihre Architektur, die immer noch auf der ganzen Welt sichtbar ist.
Im Gegensatz zu den durch den Neoklassizismus geprägten Gravitas und universellen Werten suchten die Maler der Romantik die Rückkehr zur Natur – beispielhaft für ihr Eintreten für das Spontane Freilichtmalerei (zB bei der Barbizon , Pont-Aven und Norwich Schulen der Malerei) und vertrauten eher den Sinnen und Emotionen als der Vernunft und dem Intellekt. Romantische Künstler tendierten dazu, eine emotionale persönliche Reaktion auf das Leben zum Ausdruck zu bringen. Zu den berühmten Romantikern gehörten John Constable (1776-1837) und JMW Turner (1775-1851) – wichtige Vertreter des 19. Jahrhunderts Englische Landschaftsmalerei – Caspar David Friedrich (1774-1840) und Camille Corot (1796-1875); sowie die Historienmaler und Porträtisten Francisco Goya (1746-1828) Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) und Eugene Delacroix (1798-63). Siehe auch Englische figurative Malerei (1700-1900).
Die spätere romantische Kunst umfasste die levantinische Orientalistische Malerei Amerikanische Grenzlandschaften der Hudson River School , die mystischen Werke der Symbolismus Bewegung und die Präraffaelitische Bruderschaft sowie die traumhaften Fantasy-Bilder der Magic Realism-Schule.
Realismus
Bis zum 19. Jahrhundert konzentrierte sich die Malerei mit Ausnahme der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts in erster Linie auf "wichtige" Themen, wie sie in der Tradition der Akademien der Schönen Künste und des Pariser Salons definiert wurden . Selbst wenn Maler sich weniger hochgesteckten Themen zuwandten (z. B. Kinderbettlern), stellten sie diese in der Regel idealisiert dar. Aber im Einklang mit den neuen Ideen von "Freiheit, Brüderlichkeit und Gleichheit", die von der Französischen Revolution entfesselt wurden, begannen die Künstler, alltäglichen Themen, die auf naturgetreue Weise dargestellt wurden, den gleichen Stellenwert einzuräumen. Dieser neue Stil – bekannt als Realistische Malerei – tauchte hauptsächlich in Frankreich auf und zog Maler aller Genres an – insbesondere Gustave Courbet (1819-77), Jean-François Millet (1814-75), Honore Daumier (1808-79), Ilya Repin (1844-1930) und Thomas Eakins (1844-1916). Der Einfluss des Französisch des 19. Jahrhunderts Realismus setzte sich bis ins 20. Jahrhundert fort und brachte in dieser Zeit zahlreiche Teilbewegungen hervor, wie z Ashcan Schule (New York), Sozialer Realismus (unterstützt von Federal Arts Project) Präzisionismus (Industrieszenen), Sozialistischer Realismus, Zeitgenössischer Realismus und andere und dauert bis heute an.
Bemerkenswerte Realisten des 20. Jahrhunderts schließen den amerikanischen Maler Norman Rockwell (1894-1978) und den englischen Porträtisten Lucian Freud (* 1922) ein. Der neueste zeitgenössische Stil des Realismus ist Fotorealismus , auch bekannt als Hyperrealismus und Superrealismus.
Impressionistische Malerei
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war Paris zum unbestrittenen Zentrum der Weltkunst geworden. Sie festigte ihre Position, indem sie eine der größten modernen Kunstbewegungen aller Zeiten hervorbrachte – Impressionismus Zu seinen wichtigsten Anhängern gehörten: Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-83), Paul Cezanne (1839-1906) und Berthe Morisot (1841-95). Andere mit dem impressionistischen Stil verbundene Maler waren Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) und Walter Sickert (1860-1942).. Siehe auch: Beste impressionistische Gemälde .
Obwohl sich die Impressionisten in den frühen 1880er Jahren als "Gruppe" auflösten, brachte der Stil eine Reihe verwandter Malstile hervor, auf die unter den Überschriften lose Bezug genommen wurde Neoimpressionismus und Post-Impressionismus . Diese enthielten Pointillismus , ein Ableger von Divisionismus , Intimismus und der Amerikaner Luminismus Stil von Landschaften und Meereslandschaften, sowie Künstlergruppen wie die Engländer Newlyn School und Camden Town Group , die dekorativen französischen Malstile von Synthetismus (Gauguin) und Cloisonnismus (Bernard, Anquetin), die das inspirierte Nabis und der deutschen Worpswede-Gruppe.
Fin de Siecle und Malerei des frühen 20. Jahrhunderts
Zwischen 1882 und 1925 erlebte die Kunstwelt eine Flut neuer Malstile. Die beiden Hauptbewegungen dieses Ausbruchs von moderne Kunst wurden:
(1) Expressionismus – ein koloristischer Stil (der mit der kurzlebigen fauvistischen Bewegung in Paris zusammenfällt, angeführt von Henri Matisse) mit Deutscher Expressionismus Gruppen wie Der Blaue Reiter , Die Brücke und Neue Sachlichkeit , am Beispiel von Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Georges Rouault (1871-1958), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) und Egon Schiele (1890-1918). Siehe auch: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).
(2) Kubismus – Ein eher intellektueller Stil, der sich mit analytischer als mit synthetischer kubistischer Malerei befasste und von Georges Braque (1882-1963) und Pablo Picasso (1881-1973) entwickelt wurde. Das kubistische Experimentieren mit der zweidimensionalen Bildebene führte zu Ablegerstilen wie Futurismus die italienische Kunstbewegung, die 1909 von Filippo Marinetti (1876-1944) gegründet wurde; der orphische Kubismus (Simultanismus) von Robert Delaunay (1885-1941); Rayonnismus entwickelt von der Russische Künstler Mikhail Larionov (1881-1964) und Natalia Goncharova (1881-1962); die russische abstrakte Kunstbewegung von 1913-15, bekannt als Suprematismus, angeführt von Kasimir Malevich (1878-1935), und die Holländer De Stijl 1917 von Theo van Doesburg (1883-1931) und Piet Mondrian (1872-1944) gegründete Bewegung, die später zum Neo-Plastizismus wurde. Weitere Informationen finden Sie unter: Abstrakte Gemälde .
Die Malerei des frühen 20. Jahrhunderts wurde auch von den dekorativen Entwürfen der beiden Jugendstile beeinflusst ( Jugendstil in Deutschland) und Art Deco.
Die europäische Avantgarde – Malerei wurde zum ersten Mal in Amerika auf der Waffenschau (1913) in New York.
Nach dem Ersten Weltkrieg Malerei: Surrealismus
Nach den Anti-Kunst-Mätzchen von Dada war die erste internationale Malerbewegung der Zwischenkriegszeit Surrealismus , deren respektloser, populistischer Stil die spätere Pop-Art maßgeblich beeinflusste. Nach der Pionierarbeit metaphysische Malerei Zu den wichtigsten Künstlern der surrealen Kunst, Giorgio de Chirico, gehören Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Joan Miro (1893-1983) und Rene Magritte (1898-1967) und Salvador Dali (1904-89).
Nach dem Zweiten Weltkrieg: Abstrakter Expressionismus (um 1945-65)
1940, als Europa im Chaos steckte, verlagerte sich das Kunstzentrum der Welt nach New York, wo sich eine wachsende Anzahl einheimischer Maler mit Künstlern aus Frankreich, Spanien und Deutschland mischte, die unter anderem die Schirmherrschaft und Unterstützung der Familie Guggenheim fanden. Die Atmosphäre war schwer von Kriegen, von denen sich viele Künstler zurückzogen und nach Trost und Bedeutung in der Abstraktion suchten, anstatt nach figurativer Kunst, die nach dem Niedergang von effektiv in Verfall geraten war Amerikanische Szenenmalerei und seine Mid-West-Variante Regionalismus .
Aus einer Kombination einflussreicher europäischer Auswanderer – wie Max Ernst (der Peggy Guggenheim heiratete), des Ex-Bauhaus-Malers Josef Albers (1888-1976) und des armenischen Arshile Gorky (1904-48) – sowie einzigartiger amerikanischer Maler wie Mark Rothko (1903-70), Jackson Pollock (1912-56) und andere kamen Abstrakter Expressionismus , mit seinen Varianten von " Action-Painting "(Pollock und Lee Krasner), Farbfeld Malerei (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Hard Edge-Malerei (Frank Stella) und Nachmalerische Abstraktion (Ellsworth Kelly).
In Europa, abstrakte expressionistische Malerei entwickelt unter dem allgemeinen Banner von Art Informel (Alfred Otto Wolfgang Schulze: Wols), dessen Unterarten enthalten sind Lyrische Abstraktion (zB Nicolas de Stael) Tachisme (Sam Francis), Matter Painting (Antoni Tapies) und Cobra-Gruppe (zB Asger Jorn, Karel Appel).
Eine sehr einflussreiche Bewegung, zu der der Abstrakte Expressionismus schließlich führte Minimalismus – einer der Ersten zeitgenössische Kunstbewegungen – über Substile wie Op-Art , verfochten von Bridget Riley (* 1931).
Pop-Art (1960er Jahre)
Als der abstrakte Stil immer intellektueller wurde, suchten andere amerikanische Maler nach Alternativen, die ihre Wurzeln haben – wenn nicht Figuration, dann zumindest alltägliche Realität. In den späten 1950er Jahren begannen Jasper Johns (* 1930) und Robert Rauschenberg (1925–2008) die Nutzung der Populärkultur als Inspirationsquelle zu erforschen. Dies führte schnell zum Antiintellektuellen Pop-Art Bewegung, ua in Werken von Roy Lichtenstein (1923-97), Andy Warhol (1928-87) und David Hockney (* 1937). Nachdem es in den frühen 1970er Jahren abgenommen hatte, erschien es in den 1980er Jahren wieder als Neo-Pop.
Zeitgenössische Malerei
Repräsentativ
Zeitgenössische Kunst Seit 1970 sind einige große figurative Gemälde zu sehen, darunter Werke von Francis Bacon (1909-92) und Fernando Botero (* 1932). In jüngerer Zeit haben wir die Verhaftung Neo-Expressionismus von chinesischen Malern wie Zhang Xiaogang (* 1958) und Yue Minjun (* 1962), Landschaften von Peter Doig (* 1959) und dem ukrainischen Künstler Dmitry Kolujny, den außergewöhnlichen "Ei" -Bildern von Alexander Vlasenko sowie zahlreichen portraits by a range of young painters, including the Irishmen David Nolan (b.1966) and Conor Walton (b.1970), among many others. Sogar so, figur malerei hat in der zeitgenössischen Kunst noch keine Nische gefunden.
Abstrakt
Gleiches gilt für die nicht gegenständliche Malerei, die nach wie vor viele junge abstrakte Maler anzieht und zahlreiche Minibewegungen hervorbringt, ohne die erwarteten Ergebnisse zu erzielen.
Es ist durchaus vorstellbar, dass all dies offensichtlicher als real ist. Beispielsweise könnte der Mangel an "internationalen" Bewegungen die Illusion hervorrufen, dass trotz erheblicher lokaler Entwicklungen nur geringe Fortschritte erzielt werden. Darüber hinaus noch postmodernist Künstler die Möglichkeit haben, wunderbare Beispiele der Abstraktion zu produzieren – nehmen Sie zum Beispiel das Markenzeichen Wortkunst erstellt von Christopher Wool (* 1955) in seinen schwarz-weißen Emailgemälden.
Alles in allem scheint das Bildermachen seit den 1970er Jahren – trotz viel individueller Brillanz – nicht seinen gerechten Anteil an Meisterwerken hervorgebracht zu haben. Stattdessen könnte man argumentieren, postmoderne Maler hätten alle Hände voll zu tun, um Antworten auf diese drei Fragen zu finden: (1) Wie aussagekräftig ist figurative Malerei in einer Zeit, die von Fotojournalismus und Videofilm dominiert wird? (2) Was kann abstrakte Malerei noch an ästhetischer Originalität bieten? (3) Inwieweit kann Malerei mit "moderneren" Kunstformen wie der Installation für die Aufmerksamkeit des Durchschnittsbürgers, in Kunstmuseen oder anderen öffentlichen Einrichtungen konkurrieren?
Vielleicht sind die traditionellen Zeichen- und Malfertigkeiten, denen an Kunsthochschulen und Akademien bisher keine Aufmerksamkeit mehr zuteil wurde, rückläufig, wenngleich dies in Russland, Osteuropa und China, wo sie vielleicht modern sind, zumindest in gleichem Maße nicht der Fall zu sein scheint Video- / Fototechnik hat weniger Auswirkungen. Auf der anderen Seite haben neue Maltechnologien und Software-Grafiken das Malen für ein breiteres Spektrum von Anwendern geöffnet, was nur eine positive Entwicklung sein kann.
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?