Abendessen bei Emmaus, Caravaggio: Analyse, Interpretation Automatische übersetzen

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Beschreibung

Künstler : Caravaggio (1571-1610)
Medium : Öl und Tempera auf Leinwand
Genre : Geschichtsmalerei illustriert eine biblische Geschichte
Bewegung : Karavaggismus
Standort : National Gallery, London.

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Die kurze Karriere von Michelangelo Merisi da Caravaggio hat ihren Platz als Wendepunkt in der Kunstgeschichte. Sein kurzes und gewalttätiges Leben bietet uns eine Geschichte, die sowohl sensationell als auch dramatisch ist, und vier Jahrhunderte später seinen einzigartigen Stil Gemälde fordert weiterhin unsere Aufmerksamkeit. Weitere Informationen zu Caravaggios Stil finden Sie unter: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts.

Das Abendmahl in Emmaus – ein beliebtes Thema in Christliche Kunst – stellt die Geschichte dar, die im Lukasevangelium erzählt wurde, als zwei der Apostel Christi nach der Kreuzigung einen scheinbaren Fremden, den sie gerade kennengelernt haben, einladen, mit ihnen zu essen. Wenn er das Brot segnet und bricht, erkennen sie, dass ihr Gast tatsächlich der auferstandene Christus ist. Der heilige Lukas nennt einen der Apostel Cleophas, aber er identifiziert den anderen nicht. "Und ihre Augen wurden geöffnet und sie kannten ihn und er verschwand aus ihren Augen." Hinter ihnen kichert der Wirt verständnislos.

Caravaggio hat sich entschieden, einen genauen Moment darzustellen, nämlich den Bruchteil einer Sekunde, nachdem die beiden Apostel erkannt haben, dass sie Zeuge eines Wunders unvorstellbarer Macht sind. Er friert diesen Moment ein, macht ihn dauerhaft und ermöglicht es uns, uns Zeit zu nehmen, über das Wunder nachzudenken und das Gefühl von Schock und Erstaunen, das die beiden Apostel verspürten, für uns selbst zu erleben.

Es ist nicht sicher, für wen Caravaggio sein Abendmahl in Emmaus gemalt hat, aber wir wissen, dass es in Rom hergestellt wurde, wahrscheinlich 1602, auf dem Höhepunkt der Gegenreformation. Das Konzil von Trient, das gegründet wurde, um der anhaltenden Bedrohung durch den Protestantismus entgegenzuwirken, hatte 1563 erklärt, "dass die Menschen durch die Geschichten über die Geheimnisse unserer Erlösung, die in Gemälden oder anderen Darstellungen dargestellt sind, angewiesen und in der Gewohnheit bestätigt werden, sich zu erinnern und ständig die Glaubensartikel im Auge zu behalten… auch weil die Wunder, die Gott vollbracht hat, vor die Augen der Gläubigen gestellt werden, damit sie Gott danken und aufgeregt sind, Gott zu verehren und zu lieben und Frömmigkeit zu pflegen. "

Es war eine Zeit, in der die Kirche das starke Bedürfnis verspürte, ihre Botschaft den Gläubigen durch sorgfältiges Verfassen direkt zu übermitteln religiöse Kunst und forderte von Künstlern eine besondere Klarheit der Darstellung. Bitte sehen Sie: Katholische Gegenreformation Art (c.1560-1700) für Details. Um dieser Richtlinie nachzukommen, Alte Meister musste vor allem realistisch sein. Caravaggios Marke des Realismus war also maßgeschneidert für die Biblische Kunst der ganzen Zeit. Er war ein Maler, dessen Direktheit und Unmittelbarkeit in völligem Gegensatz zu der raffinierten Eleganz und Kunstfertigkeit des späteren 16. Jahrhunderts standen (siehe zum Beispiel das Werk seiner Zeitgenossen) Annibale Carracci 1540-1609) und der Kunststil bekannt als Manierismus. Entfernen Sie die Ansprüche der letzten Zeit Manieristische Malerei Nachdem er nur von einer gebildeten Elite geschätzt und verstanden worden war, gab er der Malerei die Einfachheit und die unmittelbare Wirkung, die von den kirchlichen Behörden gefordert wurden.

Caravaggio investiert seins religiöse Gemälde mit einem Gefühl von kraftvollem Drama durch seinen Umgang mit Licht und Schatten ) Chiaroscuro ). "Er hat seine Figuren nie ans Tageslicht gebracht", schrieb Bellori, ein Kunstautor aus dem 17. Jahrhundert, "aber er platzierte sie in der dunkelbraunen Atmosphäre eines geschlossenen Raumes mit einem hohen Licht, das senkrecht über die Hauptteile der Körper fiel." während der Rest im Schatten bleibt, um durch einen starken Kontrast von Hell und Dunkel Kraft zu geben. " Der "geschlossene Raum", den Bellori erwähnt, ist ein Merkmal, das in vielen Werken von Caravaggio zu sehen ist. (Siehe auch: Tenebrismus.) Etwa ein Jahrhundert zuvor, in der Ära von Renaissance-Kunst Eines der Hauptanliegen der Künstler war das Malen von Ferne oder Ferne Geradlinige Perspektive. Für die Künstler der Renaissance war die Bildfläche, in diesem Fall ein Stück Leinwand, eine Barriere zwischen der gemalten und der realen Welt. Die reale Welt, unsere Welt, existiert auf dieser Seite der Leinwand, während sicher hinter der Leinwand Heilige und Apostel der Renaissance dargestellt werden konnten, die ihre Geschichten vorspielen, damit wir sie beobachten, aber niemals eintreten können.

Es war Caravaggios Entscheidung, diese Konvention in Frage zu stellen und den Begriff der Distanz in seinen Gemälden auszuschalten, indem er seine Figuren gegen eine Wand lehnte, die nur wenige Meter hinter der Oberfläche des Bildes zu sein scheint. Anstatt seine Figuren in einem klaren und weiten Bildraum anzuordnen, drängt er sie ein und treibt sie voran. Caravaggio möchte nicht, dass seine Charaktere hinter der Leinwand existieren. Es ist, als wolle er das Unmögliche tun und es physisch durch diese Leinwand in unseren eigenen Raum projizieren.

Die ausgestreckte Hand des Apostels rechts vom Betrachter scheint fast die Leinwand selbst zu berühren, aus dem Inneren des Bildes. (Siehe auch die Technik von Verkürzung.) Der Ellbogen des anderen Apostels sieht aus, als wäre er tatsächlich durch die Leinwand gerissen, eine Idee, die Caravaggio durch das Aufreißen des Ellbogens in der Jacke, die die Figur trägt, unterstreicht. Schließlich scheint der Obstkorb, der prekär auf der Tischkante balanciert ist, nur den geringsten Schubs zu brauchen, damit er kippt und seinen Inhalt auf den Boden darunter verschüttet. Und dieser Boden ist nicht mehr der Boden auf dem Bild. aber der eigentliche Boden in der realen Welt, in unserem eigenen Raum. Caravaggio durchbricht die traditionelle Barriere zwischen dem, was wirklich ist und dem, was gemalt wird, und verwandelt eine Szene, die in der Vergangenheit passiert ist, in etwas, das jetzt passiert, direkt vor unseren Augen.

Die neue religiöse Atmosphäre in Rom war ideal, um auf das Lebendige zu reagieren trompe l’oeil Illusionismus von Caravaggios Werk. Die Spirituellen Übungen des heiligen Ignatius Loyola riefen den Gläubigen dazu auf, bei der Betrachtung der christlichen Botschaft alle fünf Sinne zu berücksichtigen. Die Gläubigen wurden ermutigt, nicht nur die in religiösen Gemälden gezeigten Geschichten zu lernen, sondern sich vorzustellen, in diese Geschichten physisch einzutreten und dieselben Erfahrungen wie die abgebildeten Figuren zu machen. Caravaggio schob seine Figuren und Stillleben in die Welt des Betrachters und lieferte genau diese Kunst von der Kirche in einer Zeit leidenschaftlicher Gegenreformationsfrömmigkeit gewollt.

Aber für viele ging Caravaggios Realismus zu weit. 1602 malte er einen Matthäus für die Kirche San Luigi de ’Francesi in Rom. Der nackte Heilige saß mit gekreuzten Beinen so da, dass ein Fuß aus dem Bild herausragt. Bellori zufolge wurde der Auftrag abgelehnt, weil die Priester sagten, die Figur habe kein Anstand. Die Priester wollten anscheinend keinen schmutzigen nackten Fuß, egal wie heilig sie auch sein mögen, und Caravaggio musste eine zweite Version malen, in der der Heilige kniet und höflich seine Füße für sich behält.

Das Abendmahl in Emmaus wurde von Bellori besonders kritisiert. "Neben dem rustikalen Charakter der beiden Apostel und des Herrn, der jung und ohne Bart dargestellt wird, zeigt Caravaggio den Wirt, der ihm mit einem Hut auf dem Kopf dient. Auf dem Tisch steht ein Korb mit Trauben, Feigen und Granatäpfeln, außerhalb der Saison."

"Mangel an Anstand" war eine Kritik, die sich oft an Caravaggio richtete. Seine Tendenz, die Apostel als schmutzig, zerlumpt und ungepflegt darzustellen, war immer ärgerlich, wie die Geschichte des abgelehnten Matthäus zeigt. Belloris Besorgnis darüber, dass der Wirt Christus mit einem Hut auf dem Kopf dient, ist ähnlich prüde, und seine Kritik, dass der Obstkorb „außerhalb der Saison“ gezeigt wird, zeigt ein rigoroses Verlangen nach völliger Genauigkeit bei der Darstellung der Evangeliumsgeschichten. Die Auferstehung wird schließlich zu Ostern im Frühjahr gefeiert, und Caravaggio hat sich für Herbstfrüchte entschieden.

Die Auswahl der Früchte auf dem Tisch ist jedoch sicherlich absichtlich; In Kombination mit den anderen Elementen auf dem Tisch hat es eine symbolische Bedeutung. Der Apfel, der hier verfault, ist natürlich ein Symbol der Versuchung und des Sündenfalls. Das Kommen Christi wird durch den Lichtstrahl symbolisiert, der durch das Glasgefäß auf die Tischdecke reflektiert wird. Dies kann als Symbol der Geburt der Jungfrau verstanden werden – das Licht durchdringt das Glas, ohne es zu zerbrechen – und das Brot ist leicht als Symbol für erkennbar der Leib Christi, die Inkarnation. Schließlich wird das Opfer Christi durch die von Bellori kritisierten Trauben symbolisiert. Trauben sind die Quelle des Weins, der bei der römisch-katholischen Eucharistie zum Blut Christi wird. Dementsprechend hat Caravaggio den Obstkorb verwendet, um die Bedeutung der Geschichte, die er malt, hervorzuheben und zu untermauern.

Caravaggio wurde in Norditalien geboren und kam 1592 im Alter von 21 Jahren nach Rom. Seine ersten Jahre dort waren in Armut und seine frühesten bekannten Gemälde zeigen einzelne Figuren mit Stillleben. Irgendwann in den 1590er Jahren wurde er von Kardinal Francesco del Monte aufgenommen, in dessen Haus er lebte. Der Kardinal und seine Freunde stellten einen Markt für diese Gemälde bereit, wofür sich auch in der National Gallery in London ein schönes Beispiel befindet, der Junge, der von einer Eidechse gebissen wurde.

Bis 1602, dem ungefähren Datum des Abendmahls in Emmaus, hatte er sich den Ruf eines mächtigen, dramatischen Realisten erworben, doch sein Lebensstil sorgte für gleiche Aufmerksamkeit und keine geringe Kontroverse. Im Oktober 1600 war er in einer Straßenschlägerei festgenommen worden; im Februar 1601 hatte er einen Soldaten angegriffen und schwer getroffen. Er taucht regelmäßig in Polizeiakten auf, wegen Kämpfen und Übergriffen, wegen Beschädigung des Eigentums seiner Vermieterin und Nichtzahlung der Miete sowie wegen verschiedener Streitigkeiten, die zu Gewalt führten. Im Mai 1605 wurde er verhaftet, weil er einen Dolch und ein Schwert ohne Führerschein besaß. Ähnliche Ereignisse ereigneten sich, bis er im Frühjahr 1606 aus Rom floh und in einer weiteren Straßenschlägerei einen Gegner ermordete. Caravaggios Lebensstil ist nicht die Art, die wir mit einem Maler religiöser Bilder assoziieren, und viele seiner Freunde und Bekannten scheinen aus den Tavernen römischer Kleinbürger zu stammen. Es waren diese Charaktere, die er wahrscheinlich als Vorbilder in seinem Gemälde verwendete. Ablehnung traditioneller Vorstellungen Skizzierung Während er Kompositionsstudien durchführte, arbeitete Caravaggio direkt auf der Leinwand und stellte die Szene vor sich auf, beinahe als eine Art Tableau vivant, und man stellte sich vor, wie ein Regisseur in einem Theater, der seinen Modellen beibrachte, wie sie zu sitzen hatten und welche Einstellungen sie hatten sollten halten.

Für das zwanzigste Jahrhundert handelt es sich um eine zwanghafte Geschichte eines Mannes, der in zwei Welten lebt, die raffinierte Verfeinerung von Kardinal del Monte und seinem Kreis teilt und sich dennoch in eine Art römische Unterwelt des siebzehnten Jahrhunderts hineinversetzt, eine Welt des Elends und Gewalt. Es ist nicht verwunderlich, dass seine Bilder, obwohl sie angeblich den Forderungen nach einem Gegenreformationsrealismus gehorchen, häufig Anstoß erregen. In einem Gemälde, das den Tod der Jungfrau darstellt, soll er als Vorbild für die Jungfrau Maria die aufgeblähte Leiche einer toten Prostituierten verwendet haben. Seine Arbeit ist jedoch unbestreitbar beeindruckend, und ihre Wirkung auf die nächste Künstlergeneration setzte unmittelbar ein Rubens (1577-1640) und Rembrandt (1606-1669) in Nordeuropa, bis Velazquez (1599-1660) und Zurburan (1598-1664) in Spanien.

Für Bellori gab es gute Gründe, warum so viele italienische Künstler seinen Stil angenommen haben. "Viele Künstler waren von seiner Art fasziniert und akzeptierten sie bereitwillig, da sie ohne Studium oder Anstrengung einfache Kopien nach der Natur anfertigen und Formen imitieren konnten, die vulgär und ohne Schönheit waren."

Wie so viel von der besten modernen Kunst aller Zeiten, Caravaggio’s Barockmalerei zogen Kritik auf sich, weil sie nicht etwas waren, was es nie sein sollte. Sein Mangel an Idealismus wurde trotz der Forderung der Kirche als vulgär empfunden. Seiner Nachahmung der Natur fehlten die intellektuellen Eigenschaften, die für viele Menschen notwendig waren, um zu verhindern, dass Kunst einfach zu einer sinnlosen Nachahmung wurde. Einzelheiten zu Caravaggios Zeitgenossen finden Sie unter: Italienische Barockkünstler.

Trotz dieser Kritik war Caravaggio weiterhin sehr gefragt. Er erhielt wichtige Aufträge in Malta, Sizilien und Neapel, Orte, die ihm während seiner Zeit als Flüchtling Zuflucht gewährten. Er starb 1610 an Fieber in Porto Ercole, kurz nachdem ihm der Papst eine besondere Absolution von seinem Verbrechen gewährt hatte und er als freier Mann nach Rom zurückkehren konnte. Mord umsonst zu begnadigen, zeigt, wie geschätzt seine Bilder von der Kirche waren. Gewisse raffinierte Gefühle des 17. Jahrhunderts mögen durch Caravaggios direkte Angriffe auf die Sinne verärgert worden sein, aber in ihrer Kraft, ihre Erzählungen sofort und eindringlich zu kommunizieren, sind seine Bilder jetzt genauso gültig wie für ihr ursprüngliches Publikum.

HINWEIS: Caravaggio produzierte fünf Jahre später eine zweite, zurückhaltendere Version dieses Gemäldes.