Rückkehr des verlorenen Sohnes, Rembrandt:
Analyse Automatische übersetzen

Rückkehr des verlorenen Sohnes
Von Rembrandt.
Gilt als einer der
größte religiöse Gemälde
des 17. Jahrhunderts.

Beschreibung

Name: Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666-69)
Künstler: Rembrandt van Rijn (1606-69)
Mittel: Ölgemälde auf Leinwand
Genre: Religiös Geschichtsmalerei
Bewegung: Niederländische Barockkunst
Ort: Eremitage, St. Petersburg

Für eine Erklärung anderer berühmter Öle und Fresken
bitte sehen: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800).

KUNST VERSTEHEN
Für Hilfe beim Verständnis
das Holländische Malerei von
Künstler wie Rembrandt,
bitte sehen: Kunstbewertung.

Hintergrund

Dieses Meisterstück von Biblische Kunst bestätigt erneut Rembrandts Status als einer der beste Künstler aller Zeiten und das größte von allen Alte Meister in der Darstellung von Szenen aus der Bibel. Die Rückkehr des verlorenen Sohnes, die in den letzten Lebensjahren Rembrandts vollendet wurde, zeigt eine Szene aus dem Gleichnis, wie es in Lukas 15: 11-32 wiedergegeben ist. Laut dem bedeutenden Kunstwissenschaftler Kenneth Clark es zählt zu den größte Gemälde je.

Der religiöse Bildersturm, der nach der Befreiung Hollands vom Kolonialjoch Spaniens und der katholischen Kirche stattfand, verwandelte die calvinistischen Kirchen in Muscheln, die dem Gottesdienst, Predigen und Gebet gewidmet waren. Die niederländischen Behörden hatten keine Lust, ihre Kultstätten damit zu schmücken Altarbild Kunst, Fresken oder jede andere Art von religiöse Kunst zu sprechen. Stattdessen wurde Holland berühmt für Niederländischer Realismus – eine Art kleiner, detaillierter und sehr realistischer Stil von Genre-Malerei und Porträtkunst, von denen viele moralistische Botschaften verschiedener Art enthielten. Eine dritte Art von Kunst, bei der Niederländische realistische Künstler ausgezeichnet war Stillleben malen (vor allem Vanitas Malerei), die auch eine moralische, manchmal religiöse Botschaft enthielt. Dies war der nächste, zu dem viele Niederländer kamen " Protestantische Kunst "Umso überraschender ist es, dass ein niederländischer protestantischer Maler wie Rembrandt ein so einfühlsamer Interpret biblischer Szenen wird.

In Holland gab es keine Nachfrage mehr nach christlicher Kunst mit Heiligen, Erzengeln, triumphalen Märtyrern oder Werken zur Verherrlichung der Jungfrau Maria im Stil des flämischen Malers Peter Paul Rubens (1577 & ndash; 1640). Trotzdem gab es immer noch ein Publikum für Themen aus dem Alten Testament, besonders wenn es um dramatische Handlungen ging. Der junge Rembrandt, der von einer klassischen Ausbildung und guten Bibelkenntnissen profitiert, porträtierte wiederholt die Geschichte von Samson und Delilah mit einem enormen Gespür für szenische Effekte. Bitte sehen Sie auch Samson und Delilah (1610) von Rubens. In seinem reifen Werk ändert sich jedoch die Einstellung: Die Maskeraden hören auf, ein mildes Licht hüllt die Szene ein und statt erbärmlicher Gesten machen sich Emotionen und religiöse Substanz bemerkbar.

In der Rückkehr des verlorenen Sohnes – eines von Rembrandts letzten Gemälden vor seinem Tod – ist jede Dynamik verschwunden. Wie ein alttestamentlicher Patriarch legt der Vater seine Hände auf die Schultern des rasierten Büßers in abgenutzten Kleidern. Mit halb geschlossenen Augen befehlen seine sanften Gesten Stille. Der Akt der Vergebung wird zum Segen fast sakramentaler Würde. Dies ist eine Darstellung der äußersten Spiritualisierung, befreit von allen anekdotischen Aspekten, in denen alle Bewegungen und Handlungen zum Stillstand gekommen sind. Der ältere Bruder auf der rechten Seite hatte seinem Vater mit seinem reumütigen Auftreten laut Lukas vorgeworfen: "Siehe, ich habe dir so viele Jahre gedient und deine Gebote nie missachtet… aber jetzt hat er dich verschwendet Geld mit Huren ist gekommen und du hast das gemästete Kalb für ihn geopfert. " Rembrandt entfernt diese Worte jedoch und lässt ihn in Stille an diesem bewegenden Moment teilnehmen. Die Szene taucht in eine kellerartige Dunkelheit ein, aus der die Gesichter des Vaters und seines ältesten Sohnes blass leuchten und deren rote Umhänge dieser Dunkelheit ihren Glanz verleihen. Rembrandt, mit all seiner Meisterschaft, ließ sich nicht auf künstlerische Raffinesse ein, sondern produzierte eine Pittura Povera, bei der die Einfachheit im Vordergrund stand.

Rembrandt hat sich immer wieder mit dem Thema des verlorenen Sohnes auseinandergesetzt – als Radierer und besonders oft in seinem Zeichnung und Skizzen – Siehe zum Beispiel Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (1656, Bisterzeichnung, Victoria & Albert Museum, London). In dieser monumentalen Ölgemäldeversion kam er zu seiner bewegendsten und – durch den Gegensatz des älteren und jüngeren (verlorenen) Sohnes – psychologisch komplexesten Formulierung.

Die Anordnung der Figuren – der Vater und der ältere Sohn (beide in Rot) und der jüngere kniende Sohn – die Bewegungsmangel, das schattige Licht und insbesondere die Wärme und Harmonie der Farbpalette bei der Verwendung von ocker, goldene oliven und scharlach – all diese dinge tragen zum außergewöhnlichen gefühl der ruhe bei und sorgen für eine zarte vergebung, die fast greifbar ist. Das malerische Genie von Rembrandt ermöglicht es ihm, die Szene mit einer zeitlosen Würde und Größe zu versehen, die perfekt die aufrichtige Reue des Sohnes sowie die liebevolle und barmherzige Reaktion seines Vaters widerspiegelt.

Die inhärente Botschaft dieses spirituellen Meisterwerks ist klar. Gott wird einem reuigen Sünder immer vergeben, egal was passiert. In der Tat interpretieren einige Kunstwissenschaftler die Rückkehr des verlorenen Sohnes als eine Bitte an die Juden, sich wieder dem Mainstream-Christentum anzuschließen, in der Gewissheit, dass sie von Gott und all seinen Anhängern herzlich willkommen geheißen werden. Diese Gelehrten glauben, dass der ältere Sohn die Juden symbolisiert und dass Rembrandt ihn absichtlich in denselben Farben wie seinen Vater malte, was bedeutet, dass sie in gewissem Sinne ein und dasselbe sind.