Portinari-Altarbild, Hugo Van Der Goes:
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Portinari-Altarbild (Detail)
Von Hugo Van Der Goes.
Gilt als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten.

Beschreibung

Künstler : Hugo Van Der Goes (1440 – 1482)
Medium : Ölgemälde auf Holz
Genre : Altarbild Kunst
Bewegung : Niederländische Renaissance
Ort : Uffizien, Florenz.

Kunst Wertschätzung
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Dieses Altarbild von Hugo Van Der Goes, einer der Schätze von Kunst der nördlichen Renaissance, gehört zu den Besten religiöse Kunst des 15. Jahrhunderts von Flämische Maler wie Broederlam (1350-1411), Robert Campin (Meister von Flemalle) (c.1378-1444), Hubert und Jan van Eyck (1390-1441), Roger Van der Weyden (1400-1464), Dieric Bouts the Elder (1420-75) und Hans Memling (c.1433-94). Es wird auch als Portinari-Triptychon bezeichnet und repräsentiert die Anbetung der Hirten und der Heiligen Familie gemäß der biblischen Geschichte in Lukas (2: 10-19). In Brügge gemalt und dann nach Florenz verschifft Tafelbilder hatte einen erheblichen Einfluss auf Renaissance-Kunst in der Stadt und darüber hinaus, darunter die umbrische Malschule, sowie handschriftliche Illustrationen. Leider erlitt Hugo Van Der Goes kurz nach Fertigstellung dieses Meisterwerks einen völligen Nervenzusammenbruch. 1482, ein Jahr vor der Installation des Gemäldes, starb er. Das Werk – heute als eines der einflussreichsten Werke von Christliche Kunst des 15. Jahrhunderts – residiert in der Uffizien, Florenz.

Die Kommission

Das Portinari-Altarbild wurde vom italienischen Finanzier Tommaso Portinari in Auftrag gegeben, der seit langem im wichtigen flämischen Handelszentrum von Brügge ansässig ist und dort die Niederlassung von Brügge leitet Medici-Familie Bank. Gedacht an seinen Erfolg in Flandern, dem Triptychon sollte auf dem Hochaltar des hl. Egidio, der Kirche des Krankenhauses Santa Maria Nuova in Florenz, die 1288 von Folco Portinari, einem der Vorfahren Tommasos, gegründete Portinari-Familienkapelle installiert werden. Warum er sich für den Gent-Maler Hugo van der Goes zum Malen entschied, ist unklar: Über sein Leben vor 1467, als er im Alter von 27 Jahren Meister in der örtlichen Malergilde wurde, ist nur wenig bekannt Vergabe einiger kleinerer Aufträge durch die Stadt Gent, und 1475 wurde er Dekan der Gilde. Was auch immer seine früheren Leistungen waren, Van der Goes produzierte ein Meisterwerk von Flämische Malerei Dies war nicht nur eine angemessen grandiose Hommage an Portinari, sondern auch eine höchst persönliche Vision der Geburt Christi, möglicherweise inspiriert von den Visionen der Heiligen Bridget von Schweden. Fertiggestellt um 1479, wurden die Tafelbilder mit dem Boot nach Sizilien und anschließend mit dem Lastkahn zur Porta San Frediano in Florenz transportiert, die im Mai 1483 eintraf.

Komposition

Die zentrale Szene feiert die Freude an der Geburt Jesu, unterstreicht aber auch die Demut der Familie und der Bauern. Drei realistische Hirtenfiguren knien vor dem Christuskind, das – meist ungewöhnlich – nicht in einer Krippe, sondern auf dem Boden liegt, umgeben von goldenem Licht. (Eine andere naturalistische Darstellung der Hirten findet sich in Anbetung der Hirten (Metropolitan Museum of Art, New York) durch die frühreife Andrea Mantegna.) Van der Goes führt für seine Figuren eine altmodische Hierarchie ein: die Heilige Familie are die größten Dimensionen gegeben, während Engel und Spender kleiner sind. Die Figuren sind nach diagonalen Achsen um die Jungfrau Maria angeordnet, deren Hände den Mittelpunkt des Gemäldes bilden. Diese ungewöhnliche Anordnung erzeugt ein ziemlich unausgeglichenes Bewegungsgefühl.

Im Vordergrund das Exquisite Stillleben – bestehend aus zwei Blumenvasen und einem Bündel Weizen – ist ein Hinweis auf die Eucharistie und die Passion. Der Weizen spielt auf das Abendmahl an, als Jesus das Brot brach. Die Weinblätter und Trauben auf der Vase beziehen sich auf den Wein. Die weiße Iris symbolisiert Reinheit, während die orangefarbenen Lilien auf die Passion verweisen (die roten Nelken symbolisieren die blutigen Nägel des Kreuzes Christi); Die purpurnen Iris- und Akelei-Stiele repräsentieren die sieben Leiden der Jungfrau Maria. In dieser Szene der Geburt Christi wird also die spätere Erlösung dargestellt, die er durch seinen Tod erlangt.

An den Seitenwänden werden kniende Spender von ihren Schutzheiligen flankiert. Portinari zum Beispiel ist auf der linken Tafel zusammen mit seinen beiden Söhnen Antonio und Pigello zu sehen. Auf der rechten Seite ist seine Frau Maria di Francesco Baroncelli zusammen mit ihrer Tochter Margarita abgebildet. Mit Ausnahme von Pigello werden alle Spender mit ihren Schutzheiligen gezeigt: der heilige Thomas (mit Speer), der heilige Antonius (mit Glocke), Maria Magdalena (mit Salbe) und die heilige Margarete (mit Buch und Drachen).

Der Hintergrund des Triptychons ist mit Szenen zum Hauptthema gemalt. So sehen wir links Joseph mit seiner schwangeren Frau nach Ägypten fliehen; in der zentralen Tafel werden die Hirten vom Engel besucht; und rechts sind die Heiligen Drei Könige auf dem Weg nach Bethlehem zu sehen.

Wenn die beiden Seitentafeln geschlossen sind, sehen wir eine Ansicht der Verkündigung, wobei die beiden Figuren – die Jungfrau der Verkündigung und der Erzengel Gabriel – vollständig einfarbig bemalt sind Grisaille Technik. Die gewaltigen Figuren, die täuschend wie Steinskulpturen (daher die Grisaille) dargestellt sind, scheinen in ihre eigenen spärlichen, gewölbten Aussparungen eingelassen und in dicke, fließende Gewänder gehüllt zu sein. Das ganze trompe l’oeil Wirkung war etwas völlig Unbekanntes in Renaissancekunst in Florenz und viele italienische Maler versuchten, seinen akribischen Naturalismus nachzuahmen. Siehe zum Beispiel die Anbetung der Hirten (1485, Sassetti-Kapelle, Santa Trinita, Florenz) von Domenico Ghirlandaio.

Van der Goes ’neue Maltechniken

Das Portinari – Altarbild gilt als eines der größte Renaissance-Gemälde Nicht zuletzt wegen dieser revolutionären Eigenschaften. (1) Van der Goes hat die Hauptfiguren zunächst nicht um einen zentralen Brennpunkt gruppiert, sondern die einmalige Entscheidung getroffen, sie nach einem diagonalen Schema anzuordnen. Die daraus resultierende Spannung wurde durch die Chiaroscuro Effekte und Ausdrucksbewegungen der Figuren. (2) Zweitens war er der erste Künstler, der authentische, hässliche oder zumindest nicht idealisierte „Bauerntypen“ in sein Gemälde auf gleicher Augenhöhe mit den Heiligen vor Gott einbezog. In den meisten Darstellungen der Anbetung verehren die Hirten und die Könige gemeinsam Jesus. Im Gegensatz dazu schenkt Van der Goes den Hirten einen besonderen Stellenwert und porträtiert ihre Gesichter mit Charakter und Individualität – im scharfen Kontrast zu den konventionellen Idealzügen vieler anderer Teilnehmer.

Andere berühmte flämische Altarbilder aus dem 15. Jahrhundert

Andere hervorragend religiöse Gemälde Zu den flämischen Künstlern zählen:

Dijon-Altarbild (1393-99) von Melchior Broederlam.
Seilern (Grablegung) Triptychon (1410) von Robert Campin / Meister von Flemalle.
Merode-Altarbild (1427) von Robert Campin.
Das Gent-Altarbild (1432) von Hubert / Jan van Eyck.
Abstieg vom Kreuz (1435-40) von Roger Van der Weyden.
Das Jüngste Gericht (um 1450) von Roger Van der Weyden.
Das letzte Abendmahl (1464-8) von Dieric Bouts the Elder.
Triptychon des Jüngsten Gerichts (c.1471) von Hans Memling.
Donne Triptychon (1477-80) von Hans Memling.