Die Milchmagd, Jan Vermeer: ​​Analyse, Interpretation Automatische übersetzen

Die Milchmagd (c.1658)
Von Jan Vermeer.
Gilt als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten,
und ein Meisterstück von
Evangelische Reformation Art.

Beschreibung

Künstler : Jan Vermeer (1632-75)
Medium : Ölgemälde
Typ : Genre-Malerei
Bewegung : Niederländischer Realismus
Museum : Rijksmuseum, Amsterdam.

Zur Bedeutung anderer Bilder siehe: Berühmte Gemälde analysiert .

Kunstunterricht
Dutch Realist zu schätzen
Künstler wie Jan Vermeer,
siehe unsere pädagogischen Aufsätze:
Kunstbewertung:
Wie man Kunst schätzt
und auch:
Wie man Gemälde schätzt.

Diese Arbeit von Jan Vermeer, eines der großartigen Beispiele für Niederländische realistische Genremalerei, und ein langjähriger Favorit von Künstlern und Kritikern, wurde im wichtigen Vermeer-Verkauf von 1696 als "ein Dienstmädchen, das Milch einschenkt, außergewöhnlich gut bemalt" beschrieben. Es wurde sicherlich sehr bewundert, da nur die größere Ansicht von Delft (ca. 1660, Mauritshuis, Den Haag) einen höheren Preis erzielte (200 Gulden) als die 175 Gulden, die für The Milkmaid bezahlt wurden. Offensichtlich wurde sowohl dem Inhalt als auch der Ausführung eine besondere Tugend beigemessen Ölgemälde, die im achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert im Gegensatz zu den meisten anderen Vermeers durch mehrere Verkäufe im Blickfeld der Öffentlichkeit blieben. Es wurde zum Beispiel von dem angesehenen englischen Porträtisten Sir Joshua Reynolds erwähnt, als er seine Reaktionen während einer Reise nach Flandern und Holland im Jahr 1781 aufzeichnete. Obwohl Reynolds etwas verwirrt über den Namen des Künstlers war, war er sich ziemlich sicher über die hervorragende Qualität dieses Bildes, auf das er besondere Aufmerksamkeit richtete. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde das Werk von der Six Collection (der Familie des 17. Jahrhunderts) erworben Niederländischer Barock Patron Jan Six), bevor er 1908 schließlich Teil des Rijksmuseums wurde. Heute gilt es als eines der bedeutendsten größte Genrebilder des holländischen goldenen Zeitalters und erklärt, warum Vermeer als einer der angesehen wird beste Genremaler im Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts.

Porträts Homely Tugend

Im Gegensatz zu den meisten Gemälden Vermeers, die elegant gekleidete Menschen in einer gut ausgestatteten Umgebung zeigen, ist The Milkmaid ) De Melkmeid oder Het Melkmeisje) Vermeers zärtliche Darstellung eines robusten Küchenmädchens (Milchmädchen melken Kühe), das eine einfache Haushaltsaufgabe in einer einfachen Küche erledigt Rahmen. Die große Popularität des Werks im 19. Jahrhundert – als es als Symbol für häusliche Tugend wahrgenommen wurde – ergab sich aus dem Zusammentreffen von viktorianischer Moral und niederländischer Ethik im 17. Jahrhundert. Kritiker des 19. Jahrhunderts hatten im Wesentlichen Recht mit der Bedeutung dieses täuschend einfachen Bildes, das das Wesen der häuslichen Tugend darstellt.

Küchenstück

Die Milchmagd ist in der Tat ein "Küchenstück", eine traditionelle Art niederländischer Kunst, die sowohl Genre als auch Kunst verbindet Stillleben malen. Die Tradition, die ein Jahrhundert zuvor vom Antwerpener Maler Pieter Aertsen (1509-75) und seinem Neffen und Schüler Joachim Bückelaer (1535-74) ins Leben gerufen wurde, verlor im 17. Jahrhundert an Popularität, mit Ausnahme von Vermeers Heimatstadt Delft, wo sie am Hände von Malern wie Cornelis Delff und Pieter van Rijck. Dennoch unterscheidet sich Vermeers Bild stark von dem seiner Vorgänger. Seine Aufmerksamkeit richtet sich auf eine einzelne robuste Figur, die in robuster Technik gemalt wurde und dem Gesamtbild entspricht, das er projizieren möchte. Das Dienstmädchen steht in einem einfachen Spülraum und gießt vorsichtig Milch in einen Steingutbehälter, der auf einem kleinen Tisch neben einem Stilleben mit abgestandenen Brotstücken und einem vollen Brotkorb liegt. (Der Konsens ist, dass sie Reste für die Herstellung von Brotpudding verwendet.) Sie wird als junges, gut gebautes Mädchen in einem traditionellen Outfit aus weißer Leinenmütze, gelber Tunika und blauer Schürze dargestellt. Die Ärmel ihrer Tunika sind hochgekrempelt und zeigen dicke Unterarme. Ein Fußwärmer ist auf dem Boden hinter ihr sichtbar.

Bedeutung von Die Milchmagd

Das Studium der Ikonographie der Gemälde Es scheint Vermeers Art zu sein, den Tugenden von Mäßigkeit, Reinheit und harter Arbeit Tribut zu zollen. (Für eine ähnlich thematische Arbeit siehe Der Klöppler c.1669, Louvre.) Mäßigkeit wird durch das traditionelle symbolische Bild einer weiblichen Figur angezeigt, die eine Flüssigkeit von einem Gefäß zum anderen gießt. Anhänger von Caravaggio in der Utrecht School, wie Dirck van Baburen (1595-1624) und Hendrick Terbrugghen (1588-1629) haben oft solche "Mäßigkeits" -Warnungen, die als Genrefiguren getarnt sind, in ihre Gemälde aufgenommen. Reinheit zeigt sich in Vermeers atemberaubender Darstellung des hochglanzpolierten Kupfertopfs an der Wand, der an ähnliche glänzende Metallbehälter in frühen Bildern der niederländischen Verkündigung erinnert, da ein hochreines Gefäß ein traditionelles Symbol für Reinheit war. Harte Arbeit drückt sich in der gesamten Komposition aus, die im Gegensatz zu anderen Gemälden von Vermeer keinerlei Zugeständnisse an Aussehen oder Komfort macht. Stattdessen wird uns ein Arbeitsumfeld geboten, das raue Wände, grob strukturiertes Brot, nacktes Holz, grobe Körbe und ein Dienstmädchen mit stumpfen Zügen, rauen Händen und Unterarmen aufweist, das sich fleißig auf die Aufgabe konzentriert, veraltete Lebensmittel zu recyceln, um eine zu machen appetitanregendes Gericht für den Haushalt. (Für eine Arbeit zur Förderung der Keuschheit siehe Das Mädchen mit dem Perlenohrring ) Kopf eines Mädchens mit einem Turban) (1664-6, Mauritshuis, Den Haag).

Gegen den Trend

Seit den Anfängen des Niederländische Renaissance Um 1400 beruhte die traditionelle ikonografische Bedeutung von Milchmädchen und Küchenmädchen auf ihrem Ruf als verliebte Individuen, eine Bedeutung, die häufig in Bildern von Küchen- und Marktszenen von Antwerpener Malern wie Bückelaer, Aertsen und Franziska ausgedrückt wurde Frans Snyders (1579–1657), der Utrechter Maler Joachim Uytewael (1566–1638) und sein Sohn Peter Uytewael (1596–1660). Andere Maler, die zu dieser Herangehensweise beitrugen, waren der Leidener Künstler Gerrit Dou (1613–1675), der gut aussehende Mädchen neben verschiedenen erotischen Symbolen malte, wie etwa Zwiebeln (die angeblich aphrodisierende Eigenschaften haben) oder weithalsige Krüge (die auf die weibliche Anatomie hindeuten)., oder an verschiedenen erotischen Handlungen wie dem Einsetzen von Kochspießen in Hühner beteiligt. Ein typisches Beispiel ist Dous Komposition Girl Chopping Onions (1646, British Royal Collection). Also in beiden Kunst und Literatur des 17. Jahrhunderts wurden Mägde als Bedrohung für die innere Sicherheit dargestellt, obwohl einige niederländische Maler dies gern taten Pieter de Hooch (1629-84) und Michael Sweerts (1618-64) – begannen, sie auf weniger entzündliche Weise darzustellen.

In Lob der häuslichen Tugend

Vermeers Gemälde von The Milkmaid widerspricht diesem negativen Trend und ist ein seltenes Beispiel dafür, dass eine Dienerin mit Wertschätzung und Würde behandelt wird. In der Tat verbinden einige Kunsthistoriker einige Aspekte des Werkes (insbesondere den Brotkorb) mit seinem früheren Christus im Haus Mariens und Marthas (um 1654). Nationalgalerie von Schottland, Edinburgh): Sie glauben, dass Vermeers tugendhaftes, pflichtbewusstes Mädchen die Rolle der Haushälterin Martha (und Patronin der Hausfrauen) darstellen könnte. Die scheinbar ungezwungene Platzierung des Fußwärmers auf dem Boden kann auch als Zeichen weiblicher Tugend verstanden werden. Das beliebte Wappenbuch von Roemer Visscher stellte dieses einfache Gerät als Favoritin niederländischer Frauen dar, die mehr geschätzt werden als ein Mann. Da Fußwärmer im Sitzen häufig von Frauen verwendet wurden, kann das weggeworfene Erscheinungsbild darüber hinaus das fleißige Wesen der stehenden Magd symbolisieren. Weitere Unterstützung für diese moralische Lesart von Vermeer findet sich in der verwandten Verwendung einfacher Haushaltsgegenstände im Titel des Buches Emblems of the Christian Struggle (1619) von Jacob Cats.

Dem sogenannten Mona Lisa-artigen Lächeln des Dienstmädchens wurde einiges Aufmerksamkeit geschenkt. Abgesehen davon, dass es bei halbem Gesicht im Schatten fast unmöglich ist, sicher zu sein, ob sie wehmütig vom Tag träumt oder sich einfach darauf konzentriert, die Milch nicht zu verschütten.

Für andere sphinxähnliche Figuren von Vermeer siehe: Frau, die ein Gleichgewicht hält (c.1662, National Gallery, Washington DC) und Frau mit einer Perlenkette (um 1662), Staatliche Museen Preußischer Kulturbesitz, Gemäldegalerie, Berlin).

Maltechnik

Vermeers Farbpalette zeigt ein abgeschwächtes Farbschema aus Weiß, Gelb und Blau, das mit der abgenutzten Kleidung seines Motivs übereinstimmt und dessen Silhouette sich von einer kahlen weißen Küchenwand abhebt, die von Licht beleuchtet wird, das links aus dem Fenster fällt. Die Gefäße, das Brot im Korb und die Brotstücke auf dem Tisch sind mit schimmernden Lichtpunkten übersät, die Vermeers meisterhafte pointillistische Maltechnik veranschaulichen. Die Farbe selbst ist dick und körnig, mit schwerem aufgetragen pastos.

Obwohl sich oberflächliche Aspekte des Themas dieser Leinwand auf die Werke verschiedener Zeitgenossen beziehen lassen, ist klar, dass Vermeers Maltechnik im 17. Jahrhundert einzigartig ist. Die kleinen Farbpunkte oder Pointilles, die zuerst in der Soldat und ein lachendes Mädchen (c.1657-8, Frick Collection) haben hier eine zusätzliche Bedeutung erlangt. In seinen früheren Experimenten mit der Camera obscura war Vermeer zunächst damit zufrieden, diese Pointilles nur zu verwenden, um zu beschreiben, was er durch die Linse des optischen Geräts sah. Mit seinem wachsenden Vertrauen in seine neue Technik, wie in diese Leinwand, beginnen diese schimmernden Lichtpunkte – oder zumindest die Farbe, die sie beschreibt – ein Leben zu beginnen, das fast unabhängig von den Objekten ist, die sie beschreiben, und tragen so zur modernen Wirkung bei von diesem Bild und vielen seiner reifen Werke.

Komposition

Die Milchmagd hat mehrere bemerkenswerte kompositorische Merkmale. Insgesamt hat das Bild eine starke taktile Qualität – man spürt die Feuchtigkeit im Raum und berührt fast die robusten, abgerundeten Schultern des Dienstmädchens. Sie ist keine zarte Schönheit, keine idealisierte Abstraktion, sondern eine echte Person, die sich ganz auf ihre Hausarbeit konzentriert. Vergleichen Sie zum Beispiel die junge Hausfrau in Junge Frau mit einem Wasserkrug (c.1662). Vermeer verwendete verschiedene Techniken, um diesen Gesamteindruck zu erzeugen. Erstens wählte er einen relativ niedrigen Standpunkt, um die monumentale Natur und Solidität seines Themas hervorzuheben. Zweitens strukturierte er das Bild in zwei diagonalen Linien: vom Brotkorb im linken Vordergrund bis zum Kopf der Magd und vom linken Hintergrund bis zur Unterseite des rechten Tischbeins. Beide Linien kreuzen sich am rechten Handgelenk des Mädchens, was die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Milchkrug lenkt und so (1) die Dynamik des Einfüllens der Milch mit (2) der Statik des Raumes und dem Stillleben verbindet auf dem Tisch. Drittens entfernte Vermeer rücksichtslos alles, was die Aufmerksamkeit seines bildhauerischen Dieners ablenken könnte. Nach Röntgenuntersuchungen enthielt das Gemälde ursprünglich zwei Objekte – eine große Wandkarte und einen Wäschekorb, die sich beide hinter dem Dienstmädchen befanden – die anschließend gelöscht wurden.