Die Kunst der Malerei, eine Allegorie:
Jan Vermeer:
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Die Kunst der Malerei
(Der Künstler in seinem Atelier)
Von Jan Vermeer.
Gilt als einer der
Größte Gemälde aller Zeiten.

Beschreibung

Bild : Die Kunst des Malens
Datum : 1665-67
Künstler : Jan Vermeer (1632-75)
Medium : Ölgemälde auf Leinwand
Genre : Niederländische realistische Genremalerei
Bewegung : Holländische Malerei des 17. Jahrhunderts
Ort : Kunsthistorisches Museum, Wien.

Zur Bedeutung anderer Bilder siehe: Berühmte Gemälde analysiert .

Kunstunterricht
Gemälde von
der Delfter Meister Vermeer
und Pieter de Hooch, siehe
unsere pädagogischen Aufsätze:
Kunstbewertung
und auch:
Wie man Gemälde schätzt.

Die Kunst der Malerei (auf Niederländisch: De Schilderkonst), auch bekannt als Der Künstler in seinem Atelier und Die Allegorie der Malerei, ist eine gefeierte Kunst Genre-Malerei vom Delfter Maler Johannes (Jan) Vermeer. Das größte Beispiel für Vermeers Stil von Niederländischer Realismus Es wird angenommen, dass es sich um eine ausgewachsene Allegorie handelt, die die Kunst von Gemälde und die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft – und vielleicht sogar ein Selbstporträt von sich selbst in Aktion: daher die verschiedenen Titel des Werks. Im November 1940 wurde es vom Naziführer Adolf Hitler von seinem Besitzer Graf Jaromir Czernin für 1, 65 Millionen Reichsmark persönlich gekauft. Nach dem Krieg wurde es von den Amerikanern beschlagnahmt und der österreichischen Regierung übergeben. Es befindet sich jetzt in der Kunsthistorisches Museum, Wien. Es wird angenommen, dass das Bild Vermeers Favorit war, was ziemlich überraschend ist. Es ist wahr, es bleibt eine typische Illustration von ihm Niederländische Barockmalerei, aber es zählt kaum zu seinen Meisterwerken – eine Ansicht, die durch die Tatsache gestützt wird, dass es viele Jahre lang von Vermeers Delfter Zeitgenossen gemalt wurde Pieter de Hooch (1629 & ndash; 84).

Komposition

Diese Leinwand ist eines der beiden allegorisch-literarischen Werke des Künstlers – das andere ist Allegorie des Glaubens (c.1673, Metropolitan Museum of Art, New York) -, die, wie es scheint, in Anbetracht von Vermeers Werken entstanden sind Methoden, dass es das war Genre er war am wenigsten dafür geeignet. Obwohl es einige von Vermeers Vorstellungen über die Kunst der Malerei verkörpert, repräsentiert diese Leinwand weder den Künstler selbst noch seine Arbeitsweise. Trotzdem muss es für Vermeer, der das Gemälde bis zu seinem Tod aufbewahrte, eine ungewöhnliche Bedeutung gehabt haben.

Vermeers schönste Arbeiten sind seine Innenräume mit einem einzigen weiblichen Thema. Sie beinhalten: Das Milchmädchen (um 1658, Rijksmuseum, Amsterdam), Junge Frau mit einem Wasserkrug (um 1662, Metropolitan Museum of Art, New York), Frau, die ein Gleichgewicht hält : auch bekannt als The Goldweigher, (c.1662, National Gallery of Art, Washington DC), Frau mit einer Perlenkette (c.1662, Staatliche Museum, Berlin), Mädchen mit einem roten Hut (c.1666, National Gallery of Art, Washington DC und Der Klöppler (um 1669, Louvre, Paris).

Das Bild – mit etwa zwei mal zwei Metern sein größtes – ist entweder eine Allegorie oder (vielleicht wahrscheinlicher) eine Feier der Kunst der Malerei. In beiden Fällen wird die „theatralische“ Qualität der Szene bewusst durch den markanten Vorhang hervorgehoben, der nach links zurückgezogen wird, als würde er ein Bühnenstück enthüllen. Hinter dem geteilten Vorhang befindet sich ein hell erleuchtetes Studio, in dem ein Modell des Künstlers gemalt wird, der mit dem Rücken zum Betrachter sitzt. Der Raum ist viel eleganter als eine normale Künstlerwerkstatt, mit einem goldenen Kronleuchter, edlen Möbeln, teuren Marmorbodenfliesen und so weiter.

Symbolik und Bedeutung

Für Vermeers Zeitgenossen wäre das Modell der Künstlerin sofort an ihrem Kleid als Muse Clio erkennbar gewesen, eine der neun Personifikationen der höchsten Standards der Kunst und Philosophie in der griechischen Mythologie, die die Schirmherrschaft über die Geschichte übernahm. Sie wird genau so wiedergegeben, wie es Cesare Ripa in einem der populärsten Bücher über die Embleme und Personifikationen künstlerischer Themen beschrieben hat, die jemals geschrieben wurden, der Iconologia. Die niederländische Übersetzung dieses wichtigen italienischen Werks von Dirck Pietersz Pers erschien erstmals 1644, und Vermeer musste das Buch gut gekannt haben, wenn er kein Exemplar besaß. Clio trägt eine Lorbeerkrone und ein Buch von Thukydides und eine Trompete (Darstellung von Ruhm). Der Maler selbst trägt ein offensichtlich altmodisches, historisches Gewand. Die Botschaft ist, dass Malerei mit anderen Künsten wie Poesie und Philosophie auf einer Stufe steht und – was noch wichtiger ist – jede reale oder imaginäre visuelle Manifestation in der Geschichte der Welt darstellen kann. Insbesondere zeigt das Bild selbst, durch die Verwendung von Geradlinige Perspektive und Chiaroscuro kann dieses Gemälde das Auge täuschen, dreidimensionale Tiefe und Solidität der Form zu "sehen".

All dies war Vermeers Versuch, eine immer wiederkehrende Frage zu beantworten, die von Malern, Bildhauern und Schriftstellern immer wieder diskutiert wurde: Welchen Platz hatte der Maler in der Gesellschaft? War er ein Handwerker auf dem Niveau von Tischlern, Maurern und Goldschmieden oder ein kreativer Denker auf dem Niveau von Dichtern, Architekten, Ingenieuren und Philosophen? Vermeers Antwort, wie die der anderen Niederländische realistische Künstler – vor allem der brillante Interieurkünstler Samuel van Hoogstraten (1627-78) – war, dass Malerei mit jeder anderen Kunst gleichzusetzen war, da sie in der Lage war, alle möglichen visuellen Ideen darzustellen und das Auge mit Illusionen von Tiefe und Farbe zu täuschen.

Der goldene Kronleuchter ist ein Doppeladler, das offizielle Symbol der österreichischen Habsburger-Dynastie, ehemaliger Herrscher der Niederlande. So glauben Experten, dass der Kronleuchter den Katholizismus darstellt, während der Mangel an Kerzen ein Hinweis auf seine Unterdrückung durch den vorherrschenden protestantischen Glauben ist. In jedem Fall ist der Kronleuchter, wie der Hut eines orthodoxen Juden, der an die Existenz einer höheren Macht erinnert, eine Anspielung auf die übergreifende Gegenwart Gottes.

Die Karte, die die Rückwand des Studios bedeckt, enthält einen Riss, der die Trennung zwischen der niederländischen Republik im Norden und den von den Habsburgern regierten flämischen Provinzen im Süden symbolisiert (Hinweis: Wie es Brauch war, zeigt die Oberseite der Karte nach Westen).. Insgesamt zeigt die Karte, inwieweit sich der Ruhm eines Malers ausbreiten könnte – von Antwerpen bis Amsterdam, durch alle Schulen der niederländischen realistischen Malerei, einschließlich Utrecht, Haarlem, Leiden, Dordrecht und Delft. Der Rest der vornehmen Einrichtung und Ausstattung des Studios symbolisiert lediglich den materiellen Wohlstand, den talentierte Maler erreichen können.

Jan Vermeer und Farbe

Farbe spielte eine wichtige Rolle in allen Gemälden Vermeers, und er hatte eine besondere Schwäche für die kühle blaue Farbe des natürlichen Ultramarins, hergestellt aus dem Mineral Lapislazuli. Dies war (und ist) eine der teuersten der Welt Farbpigmente. Wie er es schaffte, seinen großzügigen Einsatz von Ultramarin – auch nach dem katastrophalen Jahr 1672 – zu finanzieren, bleibt ein Rätsel. Eine Antwort ist, dass er von einem Sammler, möglicherweise Pieter van Ruijven, mit Material versorgt wurde, dessen Schwiegersohn Jacob Dissius 1696 in Amsterdam eine große Auktion von 21 Vermeers abhielt.