Pablo Picasso Automatische übersetzen
HINWEIS: Picasso hat einige der größte Gemälde des 20. Jahrhunderts , von denen einige Kultstatus erlangt haben. 2015 wurde sein abstraktes kubistisches Gemälde Les Femmes d’Alger (Version O) (1955) von Christie’s für einen Weltrekord von 179 Millionen US-Dollar versteigert.
Zur Analyse von Werken spanischer Modernisten wie Pablo Picasso
bitte sehen: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Einführung
Die größte Figur der Moderne Spanische Malerei , Pablo Picasso, der Miterfinder (mit Braque) von Kubismus , gehört zu den Besten Maler des 20. Jahrhunderts und muss einer der einflussreichsten Künstler in der sein Kunstgeschichte . Er selbst, beeinflusst vom französischen Impressionismus, sowie mehrere expressionistische Maler, lehnte dies jedoch ab Matisse’s Blick auf die primäre Bedeutung und Rolle der Farbe und stattdessen auf neue bildliche Darstellungsweisen von Form und Raum. Dies führte ihn in Verbindung mit Georges Braque , um eine völlig neue kubistische Bewegung zu entwickeln, die schnell zum neuesten Stand der Technik wurde moderne Kunst . Picassos Werke zeigen eine Reihe unterschiedlicher Stile, insbesondere den Expressionismus – und umfassten eine Reihe von Epochen, darunter die Blaue Periode, die Rosenperiode, sein Epoque Negre , den Kubismus und den Neoklassizismus. Er war auch die führende Figur in der Ecole de Paris , die lockere Gruppe von Künstlern, die in Paris tätig ist. Höchste Meisterwerke von Picasso gehören Les Demoiselles d’Avignon (1907, MOMA, New York), Guernica (Reina Sofia, Madrid) und Schluchzende Frau (1937, Tate Collection). Viele der berühmtesten Gemälde von Picasso sind als Drucke in der Form von erhältlich Plakatkunst .
Trotz seiner Verbundenheit mit Kubismus und Moderne abstrakte Kunst Pablo Picasso blieb im zwanzigsten Jahrhundert eine Kreatur des neunzehnten Jahrhunderts. Seine Kunst und sein Denken sind wohl im Wesentlichen ein Produkt des neunzehnten Jahrhunderts Romantik und Expressionismus . Die romantische Bewegung bezieht sich auf einen Kulturstil, der Ende des 18. Jahrhunderts begann – eine Periode, die von der Aufklärung beherrscht wurde, einem Stimmungs- und Wertesystem, das aus wissenschaftlichen Fortschritten entstand und an Vernunft und Rationalisierung glaubte. Die Romantiker reagierten gegen diesen rationalen Ansatz, indem sie den Wert von Emotionen, Ästhetik und Vorstellungskraft betonten. In der bildenden Kunst, wie auch in der Malerei, führte dies den Künstler von der Nachahmung der Natur weg und zur Selbstdarstellung, ein Prozess, der in Picassos Fall zu einem ausgewachsenen Expressionismus seiner Blau- und Rosenzeit führte, mit dem er zeitgenössisch war Deutscher Expressionismus der 1900er Jahre. Weitere Informationen zu Picassos Verbindungen zum Expressionismus und zum Kontext seines Beitrags finden Sie unter: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).
Das letzte Stadium dieser Entwicklung wäre die abstrakte Kunst, in der der Kubismus von Pablo Picasso eine zentrale Rolle spielen würde.
Biografie
Pablo Picassos erste vierzig Jahre als Maler lassen sich in relativ klare, aber überlappende Perioden einteilen. Dies sind seine Blaue Periode (um 1901–1904), seine Rosenperiode (um 1905–1907), seine Afrikanische Kunst -beeinflusste Epoche ( Epoque Negre) (um 1907), Prototyp des Kubismus (c.1908-1909), Analytischer Kubismus (c.1909–1912) und Synthetischer Kubismus (c.1912-1919).
Blaue Periode (um 1901-4)
Während seiner blauen Zeit und beeinflusst vom Selbstmord seines Freundes Carlos Casagemas, porträtierte er die Welt der Pariser Armen. Diese strengen, melancholischen Bilder von Prostituierten und Bettlern, in Blau- und Blaugrün-Tönen gehalten, mit einer weißen Beerdigungsfarbe im El-Greco-Stil (wie La Vie , The Old Guitarist , The Frugal Repast , The Blindman’s Meal , Celestina ). Seine frühen Tage in Paris waren geprägt von Armut, die möglicherweise zur Melancholie und zum Gegenstand seiner Kunst beigetragen hat.
Rosenzeit (um 1905-7)
Während der Rosenperiode begann Picasso, eine hellere Palette mit orangefarbenen, zarten Kitzen und Rosa zu verwenden, was seine Leinwände fröhlicher machte. Ein hervorragendes Beispiel ist Junge mit einer Pfeife ( Garcon à la Pipe ) (1905, Privatsammlung). Ein Grund für diese hellere Herangehensweise war seine herzliche Beziehung zu Fernande Olivier sowie seine zunehmende Auseinandersetzung mit französischer Malerei und anderen Künstlern. In der Tat zog Picassos Pariser Atelier einige der wichtigsten Persönlichkeiten der Avantgarde-Kunst Welt zu dieser Zeit, darunter Matisse, Braque und Gertrude Stein. Siehe zum Beispiel seine Portrait von Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art).
Picassos melancholischer Stil verschwand jedoch nicht mit dem Ende seiner Blauen Periode, obwohl es in seiner Rosenperiode eine merkliche Farbverbesserung gibt, wobei ein Teil des Blaus durch Rosa und Hellbraun ersetzt wurde. Zum Beispiel zeigen Acrobat und Young Harlequin immer noch Traurigkeit, obwohl sie nicht trauern. Tatsächlich unterschieden viele Zeitgenossen von Picasso nicht zwischen einer blauen und einer rosafarbenen Periode, sondern betrachteten die beiden als eine einzige Ära. Aber die Rosenperiode markiert das Ende seines Realismus figur malerei . Von da an würde seine Malerei einen intellektuelleren Stil annehmen – mehr mit der Form als mit dem Realismus – als er sich dem Kubismus zuwandte.
Afrikanische Zeit (um 1907)
Picassos afrikanisch geprägte Epoche ( Epoque Negre ), in der er sich von Afrikanern inspirieren ließ Stammeskunst , beginnt mit den beiden Figuren rechts in seinem Gemälde, Les Demoiselles d’Avignon , die von afrikanischen Artefakten inspiriert wurden.
Les Demoiselles d’Avignon war ein Meilenstein in der Entwicklung der modernen Kunst, das eine radikale Abkehr von den künstlerischen Ideen der Vorzeit ankündigte und die Entstehung einer neuen künstlerischen Bewegung (Kubismus) sowie die Geburt der modernen Abstraktion ankündigte. Der Einfluss von Paul Cezanne und afrikanischer Skulptur zeigt sich in fragmentierten Formen und beispiellosen Verzerrungen. Weitere Informationen finden Sie unter: Primitivismus / Primitive Kunst .
Das Gemälde zeigt fünf Prostituierte in einem Bordell in der Avignon-Straße von Barcelona, die aus verschiedenen Blickwinkeln porträtiert wurden und eines der charakteristischen Merkmale des Kubismus wurden. Das Bild stellte einen grundlegenden Bruch mit den Prinzipien der traditionellen naturalistischen Kunst dar – insbesondere lehnte es den Gebrauch der Perspektive ab – und war eine ganz andere Art der Malerei. Picassos Vorgänger – egal ob sie Porträts oder Landschaften malten – konzentrierten sich weiterhin auf die Darstellung der Natur , während Picasso in Les Demoiselles d’Avignon versuchte, dreidimensionale Objekte auf einer flachen zweidimensionalen Leinwand darzustellen.
Der relative Mangel an Rundheit in den Formen und die puzzleartigen Fragmente zeigen die abstrakte Richtung an, in die sein Gemälde jetzt ging. In der Zwischenzeit hatte ein anderer Maler ähnliche Gedanken: Sein Name war Georges Braque . Die beiden trafen sich 1908 in Paris und arbeiteten mehrere Jahre eng zusammen.
Geburt des Kubismus (um 1908-9)
1908 beeinflusst von Paul Cezannes geometrisch anmutenden Landschaftsgemälden von Montagne Sainte-Victoire sowie seinem Meisterwerk Die großen Badenden ( Les Grandes Baigneuses ) Picasso und Braque schufen eine Reihe von Landschaftsgemälden, die Cezannes Farben (dunkles Grün, helles Braun) und vereinfachten geometrischen Formen sehr ähnlich waren. Sie malten Häuser in Form von 3-D-Würfeln. Es waren diese Gemälde, die der französische Kunstkritiker anfertigte Louis Vauxcelles bezog sich im Jahr 1909, als er den Ausdruck "bizarreries cubiques" verwendete, was zur Annahme des Wortes " Kubismus" führte . Dieser Stil wurde dann weiter verfeinert und zum analytischen Kubismus weiterentwickelt.
Es war ungefähr um diese Zeit Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) wurde Picassos Kunsthändler und Agent. Später würde er abgelöst werden Leonce Rosenberg (1879-1947) und sein jüngerer, aber schlauerer Bruder Paul Rosenberg (1881-1959).
Das Porträt von Ambroise Vollard (1910) war eines der ersten Beispiele für den neuen strengen analytischen Kubismus. In diesem Gemälde zerlegte Picasso eine menschliche Figur in eine Reihe flacher transparenter geometrischer Platten, die sich in verschiedenen Winkeln überlappen und schneiden. Jetzt sind plötzlich alle "Würfel" des früheren kubistischen Prototyp-Gemäldes verschwunden.
Analytischer Kubismus – eine äußerst herausfordernde Form von Kunst – ist die strengste und intellektuellste Bühne der Kubismusbewegung. Während dieser Zeit werden die Formen der dargestellten Objekte in eine große Anzahl kleiner, kompliziert angelenkter undurchsichtiger Ebenen fragmentiert, die miteinander und mit dem umgebenden Raum verschmelzen. Analytische kubistische Gemälde werden in der Regel monochrom ohne Helligkeit ausgeführt Farbe .
Synthetischer Kubismus (um 1912-19)
Während seiner Phase des synthetischen Kubismus wurden Picassos Formen größer und gegenständlicher, wobei flache, helle dekorative Muster die früheren, strengeren Kompositionen ersetzten. Zu den neuen Techniken, die Picasso in seiner Kunst dieser Zeit anwendete, gehörte das Einfügen geschnittener Papierfragmente (z. B. Tapeten oder Zeitungsstücke) in Kompositionen Collage und Papier Collé in der bildenden Kunst. Beispiele seiner kubistischen Arbeiten zu dieser Zeit sind: Stillleben mit Chair-Caning und Die Gitarre . In dieser Zeit hatte sich der neue Stil bei einigen anderen Talenten durchgesetzt Kubistische Maler .
Neoklassizistische Periode
Von 1906 bis Mitte der 1920er Jahre malte Picasso parallel zu seinem abstrakten Kubismus eine Reihe klassizistischer Figurenbilder, Porträts und Stillleben. (Bitte sehen Sie: Neoklassische Gemälde von Picasso Weitere Details.) Zu seinen berühmten neoklassizistischen Bildern gehören: Zwei Akte (1906), Sitzende Frau (Picasso) (1920), Großer Badender (1921), Frau in Weiß (1923) und die winzige mythologische Gouachemalerei Zwei Frauen laufen am Strand (The Race) (1922). Für den Hintergrund dazu Klassizismus und eine Erklärung, wie dies mit seinem abstrakten Stil der analytischen und synthetischen kubistischen Malerei in Einklang gebracht werden kann, finden Sie unter: Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).
Guernica
Der spanische Bürgerkrieg (1936-9) war Anlass für sein zweites richtungsweisendes Gemälde, Guernica , das die nationalsozialistischen Bombenangriffe auf Guernica (Spanien) am 26. April 1937 während des spanischen Bürgerkriegs zeigt.
Gesehen als einer der größte moderne Gemälde Es ist ein riesiges Schwarz-Weiß-Wandbild mit einer Höhe von 3 m und einer Breite von 2 m. Es zeigt eine Szene von Tod, Gewalt, Brutalität, Leiden und Hilflosigkeit, ohne auf die unmittelbaren Ursachen hinzuweisen.
Guernica wurde ursprünglich im Juli 1937 im spanischen Pavillon auf der Pariser Weltausstellung ausgestellt. Es wurde dann auf Picassos Wunsch dem Museum of Modern Art (MOMA) in New York anvertraut, bis es 1981 schließlich nach Spanien zurückgebracht wurde. Eine Kopie von Picassos Guernica (in Braun sowie in Rücken und Weiß) ist in ausgestellt das Gebäude der Vereinten Nationen in New York City, am Eingang zum Raum des Sicherheitsrats.
1947 zog Picasso nach Südfrankreich, wo er konsequent in den Bereichen Skulptur, Keramik und Grafik arbeitete und Tausende von hervorragenden Zeichnungen, Illustrationen und Bühnenbildern fertigte. Er schuf eine große öffentliche Kunst Wandgemälde für das UNESCO-Gebäude in Paris sowie das Chicago Picasso – heute eines der bekanntesten Wahrzeichen der Innenstadt von Chicago – und brillante Variationen der Werke anderer Meister, darunter Goya, Poussin, Manet, Courbet Delacroix und Velázquez. Er starb 1973.
Picassos Gemälde hängen in der beste Kunstmuseen und moderne Galerien auf der ganzen Welt, während drei seiner Bilder für mehr als 50 Millionen US-Dollar verkauft wurden – Boy with a Pipe (104 Millionen US-Dollar, 2004); Dora Maar mit Cat (95, 2 Millionen US-Dollar, 2006); Femme aux Bras Croises (55 Millionen US-Dollar, 2000).
Picassos einfallsreiche Gaben haben ihn nicht nur zu einigen der einflussreichsten Gemälden des 20. Jahrhunderts geführt, sondern ihn auch dazu veranlasst, in vielen anderen Bereichen zu arbeiten, darunter Zeichnung , Skulptur , Lithografie , Linolschnitt, Ballettdekor und Keramik .
Picasso – Ein Rückblick auf sein Leben und seine Kunst
Picasso gilt weithin als einer der beste Künstler aller Zeiten und sicherlich der bedeutendste Künstler der Moderne. Trotzdem bleibt ein Großteil seiner Leistung umstritten. Die vielen Autoren, die über ihn geschrieben haben, bemühen sich charakteristischerweise, den einen oder anderen Aspekt seines enormen Schaffens zu verwerfen, um sich auf einen zentralen Kern zu konzentrieren, der jedoch schicksalhaft undefinierbar zu bleiben scheint. Das Gleiche gilt für Picassos Biografie, die voller Perspektiven ist.
Obwohl Picasso in seiner Jugend eng mit der katalanischen Kultur verbunden war, wurde er nicht in Katalonien, sondern 1881 in Malaga geboren und lebte bis zu seinem zehnten Lebensjahr in dieser Stadt. Der Name Picasso stammt von seiner Mutter, nicht von seinem Vater – Don Jose Ruiz Blasco – einem akademischen Maler mit mittelmäßigen Begabungen und einem professionellen Kunstlehrer. Nach der Abreise aus Malaga verbrachte die Familie vier Jahre in A Coruña, bis Don Jose zum Professor an der Schule der Schönen Künste in Barcelona berufen wurde, der kulturell lebendigsten Stadt Spaniens.
Picassos künstlerisches Talent entwickelte sich bereits in erstaunlichem Tempo – er scheint nie ein "Kinderkünstler" gewesen zu sein – und erlangte schnell eine Meisterschaft über das Bewährte akademischer Stil des Tages. Da sein Vater bereits professioneller Maler war, stieß er auf keinerlei Entmutigung, eine künstlerische Karriere zu verfolgen: Eine Geschichte besagt, dass der Vater vom Talent seines Sohnes so beeindruckt war, dass er feierlich auf Palette und Pinsel verzichtete. Picasso studierte an der Akademie in Barcelona und kurz auch an der Königlichen Akademie von San Fernando in Madrid, aber keine Institution hatte ihm viel beizubringen. Als junger Mann gehörte er in Barcelona zu einem Kreis von Künstlern und Intellektuellen, die sich in einer Taverne namens Els Quatre Gats (Die vier Katzen auf Katalanisch) versammelten. Picassos Arbeiten zu dieser Zeit waren beeinflusst von französischen Malern des urbanen Lebens wie Steinlen und Toulouse-Lautrec .
1900 besuchte Picasso Paris zum ersten Mal in Begleitung von Carlos Casamegas, einem weiteren jungen Maler derselben Gruppe in Barcelona. Casamegas ’Selbstmord (aufgrund seiner Ohnmacht und unerwiderten Liebe) lieferte einen Großteil der Inspiration für die Gemälde von Picassos Blauer Zeit, die seine Erklärung der künstlerischen Unabhängigkeit darstellten. In den ersten Jahren des Jahrhunderts pendelte er zwischen Paris, Madrid und Barcelona. Im Jahr 1901 erhielt er eine Einzelausstellung des klugen Kunsthändlers Ambroise Vollard (1866-1939), was ihm die Freundschaft des Dichters Max Jacob einbrachte (bis dahin bestand sein Pariser Kreis fast ausschließlich aus emigrierten Spaniern). Jacob stellte ihn vor allem anderen Schriftstellern vor Guillaume Apollinaire (1880-1918). Schließlich ließ sich Picasso 1904 in Paris in dem heruntergekommenen Ateliergebäude nieder, das als Bateau-Lavoir bekannt ist, weil es den Booten ähnelt, die damals für die Wäsche auf der Seine verwendet wurden, und wurde bald zum Zentrum eines Kreises avantgardistischer Künstler und Dichter. Er fand eine Geliebte, Fernande Olivier, die später ein Memoirenbuch über diese Zeit schrieb, und erlangte die Freundschaft der amerikanischen Schriftstellerin und Sammlerin Gertrude Stein. Fernande beschrieb Picassos Erscheinen zu diesem Zeitpunkt wie folgt:
Klein, schwarz, dicht anliegend, unruhig, beunruhigend, mit dunklen, tiefen, durchdringenden, seltsamen Augen, fast starrend. Peinliche Gesten, die Hände einer Frau, schlecht gekleidet, schlecht gepflegt. Eine dicke Haarsträhne, schwarz und glänzend, strich über seine intelligente und eigensinnige Stirn.
Die Blaue Periode entwickelte sich zur weniger traurigen, aber immer noch melancholischen Rosenperiode, und dies machte einer Reihe von Saltimbanques Platz – zarten Gemälden von Zirkusartisten und wandernden Unterhaltern mit einem Echo des akademischen Symbolisten Puvis de Chavannes . 1906 gab Picasso diese auf, um einige von einem starken Primitivismus geprägte Bilder zu malen. Diese führten in den folgenden Monaten zu einer außergewöhnlichen kreativen Explosion. In den Jahren 1906 bis 1907 schuf Picasso das wohl bekannteste Gemälde, Les Demoiselles d’Avignon . Diese grausame Gruppe weiblicher Akte wurde vom Dichter Andre Salmon scherzhaft getauft, weil sie den Insassen eines Bordells von besonders niedriger Klasse in Barcelona ähnelte. Es schockierte die wenigen Leute, die es in Picassos Atelier sahen: Braque sagte zum Beispiel, Picasso wolle, dass die Leute eine normale Diät gegen eine aus Werg und Flachs eintauschen (obwohl er kurz darauf selbst ein ähnliches Bild eines einzigen Aktes malte).
Eine der Zutaten in Les Demoiselles war das Spätwerk von Cezanne. Ein anderer war die Kunst des Schwarzafrikas. Für den Moment war es Afrika, das triumphierte, und Picasso wechselte in die sogenannte Negerzeit (Epoque Negre). Diesem folgte eine weitere und entscheidende Verschiebung: die Entwicklung des analytischen Kubismus, die Picasso in Zusammenarbeit mit Braque schuf. Der Kubismus war anders als die früheren Stile, die Picasso verwendet hatte, weil er eine komplizierte formale Grammatik besaß, eine Art, Erscheinungen zu kodieren, die für eine ganze Generation von Menschen eine neue Sprache wurde abstrakte Maler . Lange Zeit waren es diese Anhänger, die den Kubismus öffentlich vertraten, da Picasso und Braque ihre Arbeiten nur ungern im großen Stil ausstellten Pariser Salons wo neue stilistische Experimente generell debütierten.
Picasso erlangte dennoch einen starken Ruf in dem kleinen Kreis von Menschen, die wichtig waren – Händler, Sammler und Kunstkritiker – und 1909 ging es gut genug, um ein neues und komfortableres Studio auf dem Boulevard de Clichy zu beziehen. 1911 wurde der amerikanische Kunstfotograf und moderne Kunsthändler Alfred Stieglitz (1864-1946) gab Picasso eine Einzelausstellung in seiner Galerie "291" in der Fifth Avenue, New York. Es war die erste Einzelausstellung des Spaniers in Amerika. Im Jahr 1912 verließ er Fernande Olivier für eine neue Geliebte, Eva (Marcelle Humbert). Sie ist die einzige von Picassos Begleitern, die keine Serie von Porträts inspiriert hat, obwohl ihr Name oder der Ausdruck "Ma Jolie", der sich auf sie bezieht, auf einer Reihe von kubistischen Gemälden eingeschrieben sind.
Im August 1914 wurde Picassos Verbindung zu Braque unterbrochen, als der Krieg ausbrach. Picasso, als spanischer Staatsbürger, musste nicht dienen, und er blieb in einem grauen und entmutigenden Paris. Im Herbst 1915 starb Eva und wenig später zog Picasso nach Montrouge in die Vororte. Zum Glück der lebhafte russische Impresario Sergei Diaghilev rettete ihn aus seiner Depression, indem er ihn auf Vorschlag von Cocteau nach Rom einlud, um an dem neuen Ballett Parade mitzuarbeiten . Nach seiner Ankunft war Picasso eng mit Diaghilews Kompanie verbunden, die eine kleine eigene Welt bildete, und verliebte sich bald in ein Mitglied des Corps de Ballet , Olga Kokhlova, die Tochter eines russischen Generals. 1917 begleitete er das Ballett nach Spanien; und 1918 kehrten er und Olga nach Paris zurück, während der Rest der Ballets Russes ging weiter nach Südamerika. Im Juli heirateten sie. Olga hatte einen konventionellen bürgerlichen Geschmack und sie nahmen sich eine schicke Wohnung in der Rue de la Boetie. Für eine Weile probierte Picasso das modische Leben in Paris und an der Riviera. 1921 wurde sein erstes Kind, ein Sohn namens Paulo, geboren.
Picasso befand sich mitten in einer neuen Stilphase, der Neoklassik, einer Rückkehr in die antike Welt, die Poussin und Ingres fasziniert hatte. Es schockierte einige seiner ehemaligen Freunde in der Avantgarde, die es seiner Verbindung mit der Modewelt durch Olga zuschrieben. Aber er beobachtete auch die Possen von Dada-Künstler und dann über den Nachfolger des Dadaismus, Surrealismus . Die Art von Leben, die Olga mochte, begann bald zu verblassen, ebenso wie ihre obsessive Eifersucht. In den späten 1920er Jahren wurde Picassos Werk immer wilder und frauenfeindlicher, und die Stimmung änderte sich nicht, bis er Olgas schlimmste Befürchtungen erfüllte und eine neue Geliebte fand, ein friedliches siebzehnjähriges Mädchen namens Marie-Therese Walter, das er 1932 traf. Ihre ruhige Schönheit inspirierte sie zu einer Reihe von Gemälden und auch zu einer Reihe von großen skulpturalen Köpfen. Letztere wurden in einem neuen Atelier im normannischen Schloss von Boisgeloup aus dem 17. Jahrhundert hergestellt. Picasso war nun wohlhabend genug, um den Prozess der Anhäufung von Eigentum zu beginnen, der für den Rest seines Lebens andauerte.
Im Jahr 1935 erhielt er eine offizielle Trennung von Olga, die ihn dennoch weiter verfolgte, wenn sie konnte; und 1936, kurz nachdem Marie-Therese ihm eine Tochter, Maia, geboren hatte, fand er eine andere Begleiterin, eine jugoslawische Fotografin namens Dora Maar. Sie war eine intelligentere Frau und eine weitaus komplexere Persönlichkeit als Marie-Therese und verdrängte letztere allmählich in Picassos Zuneigung. Er besaß immer noch seine Wohnung in der Rue de la Boetie, aber jetzt schien sie unübersichtlich und unzulänglich zu sein, und Dora fand ihn in einem alten Gebäude in der Rue des Grands Augustins in riesigen neuen Ateliers.
In den frühen 1930er Jahren erneuerte Picasso seine Beziehungen zu Spanien. Er besuchte seine Familie 1933 in Barcelona und machte 1934 einen längeren Besuch. 1936, in dem Jahr, in dem der Bürgerkrieg ausbrach, organisierte eine Gruppe junger Bewunderer eine Ausstellung für ihn in Barcelona – die erste, die er seit einem Jahr in Spanien hatte Vierteljahrhundert. Während des Krieges waren seine Sympathien vehement mit den Republikanern, und die republikanische Regierung war sich seines Wertes für sie bewusst. Sie unterstrichen die Verbindung, indem sie ihm die Ehrendirektion der Prado Museum . Picasso erwiderte dies, indem er die riesige Leinwand Guernica malte, die 1937 im spanischen Pavillon auf der Paris Exposition Universelle gezeigt und anschließend auf Tournee geschickt wurde. Die Komposition ist eine erbitterte und wirksame Verurteilung der Bombardierung der baskischen Hauptstadt durch Francos deutsche Verbündete.
In den späten 1930er Jahren besuchte Picasso jeden Sommer das Mittelmeer, und als 1939 der Krieg ausbrach, hielt er sich mit Dora Maar und seiner ergebenen Sekretärin und Hofnarr Jaime Sabartes in Antibes auf. Er ging nach Paris und ordnete seine Angelegenheiten, zog sich dann nach Royan an der Küste bei Bordeaux zurück und blieb dort bis Oktober 1940, als er nach Paris zurückkehrte und dort für den Rest des Krieges blieb. Die Wohnung in der Rue de la Boetie wurde endgültig aufgegeben, und er zog in die Höhlenräume der Rue des Grands Augustins, die er zu einer privaten Welt machte. Er hielt sich von den deutschen Besatzern fern, soll aber von ihnen nicht viel gestört worden sein, sowohl weil er kein Franzose war als auch weil seine Kunst nicht ihrem Geschmack entsprach. Das Thema der Bilder, die er schuf, wie die Serie der Stillleben mit Totenkopf und Kerze, erinnert an die allgegenwärtige Finsternis jener Jahre.
Mit der Befreiung stellte Picasso plötzlich fest, dass er zu einem der Wahrzeichen von Paris geworden war, dem Symbol einer neuen Epoche der Freiheit. In gewissem Maße akzeptierte er die Rolle der öffentlichen Figur. Insbesondere trat er der Kommunistischen Partei bei und nahm in den nächsten Jahren regelmäßig an verschiedenen Friedenskongressen in Paris, Rom, Warschau und Sheffield teil. Die Partei nutzte diesen hervorragenden Rekruten gut – seine Zeichnung einer Taube wurde zu einem ihrer Embleme. Er malte eine Reihe von ehrgeizigen politischen Werken, die als Nachfolger von Guernica angesehen werden können, obwohl sie nicht die gleiche allgemeine Akzeptanz erlangten. Dazu gehören das Charnel House von 1944 bis 1955, ein Gedenken an die Konzentrationslager, und das Massaker in Korea (1951).
Nach dem Krieg zog Picasso an die Riviera. Dora Maar war von Francoise Gilot vertrieben worden, den er kurz nach der Befreiung kennengelernt hatte. Sie wurde in einer neuen Gruppe von Porträts gefeiert, oft als "Femme Fleur". Während ihrer gemeinsamen Zeit lebte Picasso in Vallauris – er interessierte sich für die lokale Keramikindustrie und belebte die Industrie durch die Zusammenarbeit mit den lokalen Handwerkern.
Nach seiner Trennung von Francoise zog er 1955 erneut nach La Californie, einer prunkvollen Villa aus der Jahrhundertwende mit Blick auf Cannes. Seine neue Begleiterin, Jacqueline Roque, sollte schließlich 1961 seine Frau werden. La Californie war Gegenstand vieler Beschreibungen, die die Anhäufung von Gegenständen feiern, mit denen Picasso seine Räume füllte. Er blieb dort, bis die Entwicklung der Riviera-Küste anfing, in das Eigentum einzudringen und seine Ansicht zu stören. Anschließend verlegte er sich in das gewaltige Chateau de Vauvenargues aus dem 17. Jahrhundert in der Nähe von Aix, das er 1958 kaufte und 1961 vollständig bezog. Als er feststellte, dass dies den gegenteiligen Mangel hatte, dass er zu isoliert war, kehrte er an die Küste zurück und kaufte ein altes provenzalisches Haus Herrenhaus namens Notre-de-Dame-de-Vie, mit Blick auf Mougins.
Picasso erlebte ein außerordentlich vitales und kreatives Alter, musste sich jedoch 1965 einer Prostataoperation unterziehen, und danach war die unaufhörliche Produktion seiner Werke immer wieder verzweifelt. Es wurde immer mehr zu einem sardonischen Kommentar über den unvermeidlichen Prozess der physischen Degeneration. Obwohl sein Ansehen immens blieb, verlor er den Kontakt zur avantgardistischen Kunstwelt und zum Respekt der regierenden Junta der Theoretiker und Kritiker. Seine letzte große Ausstellung zu seinen Lebzeiten fand 1970 im Palais des Papes in Avignon statt. Sie bestand aus einer riesigen Menge neuer Werke, die kopfüber und brutal wirkten und das Publikum beunruhigten und die Rezensenten entfremdeten. Erst in jüngerer Zeit gelten diese Werke als Vorläufer des Neo-Expressionismus, der die Kunst der ersten Hälfte der 1980er Jahre beherrschte. Eine Serie von nicht weniger als 347 Drucken, die innerhalb von sieben Monaten im Jahr 1968 ausgeführt wurden, wurde besser angenommen, obwohl ihr Inhalt oft hart war: Sie verspotteten die Illusionen der Jugend und verurteilten ebenso heftig die Impotenz des Alters. Ihre unverhüllte Erotik begeisterte einige und beleidigte andere, aber Picasso war weit darüber hinausgegangen, was irgendjemand von ihm hielt. Er starb 1973 und sein Abgang beendete eine ganze Epoche.
Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Keramiken von Picasso sind in den besten Museen für moderne Kunst der Welt zu sehen.
Für einen anderen großen katalanischen Künstler siehe: Antoni Gaudi (1852-1926) der Jugendstilarchitekt.
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