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Der bedeutendste Vertreter der modernen spanischen Malerei, Pablo Picasso, einer der Erfinder (mit Braque) des Kubismus, gehört zu den besten Künstlern des 20. Jahrhunderts und ist wohl einer der einflussreichsten Künstler der Kunstgeschichte . Beeinflusst vom französischen Impressionismus sowie von einer Reihe expressionistischer Maler, lehnte er jedoch Matisses Ansichten über die überragende Bedeutung und Rolle der Farbe ab und konzentrierte sich stattdessen auf neue bildnerische Darstellungsweisen von Form und Raum. Dies führte dazu, dass er in Zusammenarbeit mit Georges Braque eine völlig neue Bewegung, den Kubismus, entwickelte, der schnell zur Speerspitze der modernen Kunst wurde.

Galerie: 3.500 Gemälde und Zeichnungen von Pablo Picasso

Picassos Werk weist eine Reihe verschiedener Stile auf, insbesondere den Expressionismus, und umfasst mehrere Perioden, darunter die Blaue Periode, die Rosenperiode, seine Negerzeit, den Kubismus und den Neoklassizismus. Er war auch eine führende Figur in der Pariser Schule, einer engen Gruppe von Künstlern, die in Paris arbeiteten. Zu Picassos wichtigsten Meisterwerken gehören „Les Demoiselles d’Avignon“ (1907, MoMA, New York), „Guernica“ (Reina Sofia, Madrid) und „Weinende Frau“ (1937, Tate Collection). Viele von Picassos berühmtesten Gemälden sind als Drucke in Form von Posterdrucken erhältlich.

Trotz seiner Assoziation mit dem Kubismus und der modernen abstrakten Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts blieb Pablo Picasso eine Schöpfung des neunzehnten Jahrhunderts. Man kann behaupten, dass sowohl seine Kunst als auch sein Denken im Wesentlichen ein Produkt der Romantik und des Expressionismus des neunzehnten Jahrhunderts sind. Die romantische Bewegung bezieht sich auf einen kulturellen Stil, der im späten 18. Jahrhundert entstand, einer Zeit, die von der Aufklärung dominiert wurde, einer Stimmung und einem Wertesystem, das aus wissenschaftlichen Fortschritten und dem Glauben an Vernunft und Rationalisierung hervorging. Die Romantiker stellten sich diesem rationalen Ansatz entgegen und betonten den Wert von Gefühl, Ästhetik und Fantasie. In der bildenden Kunst, z. B. in der Malerei, führte dies den Künstler weg von der Nachahmung der Natur und hin zum Selbstausdruck, was in Picassos Fall zum vollen Expressionismus seiner „Blauen“ und „Rosa“ Periode führte, dem modernen deutschen Expressionismus der 1900er Jahre. Für weitere Informationen über Picassos Verbindungen zum Expressionismus und den Kontext seines Beitrags, siehe Geschichte der expressionistischen Malerei (ca. 1880-1930).

Das letzte Stadium dieser Entwicklung ist die abstrakte Kunst, in der der Kubismus von Pablo Picasso eine Schlüsselrolle spielt.

Biografie

Die ersten vierzig Jahre des Schaffens von Pablo Picasso lassen sich in relativ unterschiedliche, sich jedoch überschneidende Perioden einteilen. Diese sind die Blaue Periode (ca. 1901-1904), die Rosa Periode (ca. 1905-1907), die von der afrikanischen Kunst beeinflusste Periode ) epoque negre) (ca. 1907), Prototypischer Kubismus (ca. 1908-1909), Analytischer Kubismus (ca. 1909-1912) und Synthetischer Kubismus (ca. 1912-1919).

Die Blaue Periode (ca. 1901-4)

In der Blauen Periode stellt er, beeinflusst durch den Selbstmord seines Freundes Carlos Casagemas, die Welt der Pariser Armen dar. Es handelt sich um strenge, melancholische Gemälde von Prostituierten und Bettlern, gemalt in blauen und blaugrünen Farben, mit weißer Haut im Stil von El Greco (z. B. La Vie, Der alte Gitarrist, Das spärliche Mahl, Die Mahlzeit des Blinden, Celestina). Seine ersten Tage in Paris waren von Armut geprägt, was zur Melancholie und den Themen seines Werks beigetragen haben mag.

Die Rosenzeit (ca. 1905-7)

Während der Rosenperiode begann Picasso, eine hellere Farbpalette mit Orangen, zarten Olivtönen und Rosa zu verwenden, was seine Gemälde fröhlicher machte. Ein schönes Beispiel ist das Gemälde Junge mit Pfeife ) Garçon mit Pfeife) (1905, Privatsammlung). Ein Grund für diese extravagantere Herangehensweise war seine herzliche Beziehung zu Fernande Olivier sowie seine zunehmende Vertrautheit mit der französischen Malerei und anderen Künstlern. In der Tat zog Picasso in seinem Pariser Atelier mehrere bedeutende Vertreter der Avantgardekunst der damaligen Zeit an, darunter Matisse, Braque und Gertrude Stein. Siehe z. B. sein Porträt von Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art).

Trotz der deutlichen Zunahme der Farbe in der „Rosa Periode“, in der Rosa- und helle Brauntöne einige Blautöne ersetzen, verschwindet Picassos melancholischer Stil jedoch nicht mit dem Ende der „Blauen Periode“. Zum Beispiel zeigen „Akrobat“ und „Junger Harlekin“ immer noch Traurigkeit, wenn auch ohne Trauer. Tatsächlich haben viele Zeitgenossen Picassos nicht zwischen der blauen und der rosa Periode unterschieden, sondern sie als eine Epoche behandelt. Die rosa Periode markiert jedoch das Ende seiner realistischen Figurenmalerei. Von diesem Zeitpunkt an nimmt seine Malerei einen intellektuelleren Stil an, der sich mehr mit der Form als mit dem Realismus befasst und sich in Richtung Kubismus bewegt.

Die afrikanische Periode (ca. 1907)

Picassos afrikanisch geprägte Periode ) epoque negre), in der er sich von afrikanischer Stammeskunst inspirieren ließ, beginnt mit den beiden Figuren rechts in seinem Gemälde „Avignon Demoiselles“, die von afrikanischen Artefakten inspiriert sind.

„Die Demoiselles von Avignon“ sind ein wegweisendes Gemälde in der Entwicklung der modernen Kunst, das eine radikale Abkehr von den künstlerischen Ideen der vorangegangenen Epochen markiert und die Ankunft einer neuen künstlerischen Bewegung (Kubismus) sowie die Geburt der modernen Abstraktion einläutet. Der Einfluss von Paul Cézanne und der afrikanischen Bildhauerei ist in den fragmentarischen Formen und den noch nie dagewesenen Verzerrungen sichtbar. Für weitere Einzelheiten siehe: Primitivismus/Primitive Kunst .

Das Gemälde zeigt fünf Prostituierte in einem Bordell in der Rue Avignon in Barcelona und stellt sie aus verschiedenen Blickwinkeln dar, was eines der charakteristischen Merkmale des Kubismus wurde. Das Gemälde markiert einen grundlegenden Bruch mit den Prinzipien der traditionellen naturalistischen Kunst - insbesondere lehnt es die Verwendung der Perspektive ab - und stellt eine völlig neue Art der Malerei dar. Picassos Vorgänger - ob sie nun Porträts oder Landschaften malten - konzentrierten sich auf die Darstellung der Natur, wie sie sie sahen, während Picasso in „Avignon Demoiselles“ versuchte, dreidimensionale Objekte auf einer flachen zweidimensionalen Leinwand darzustellen.

Der relative Mangel an Rundungen in den Formen und die puzzleartigen Fragmente weisen auf die abstrakte Richtung hin, die seine Malerei nun einschlug. In der Zwischenzeit denkt ein anderer Künstler in dieselbe Richtung: Georges Braque . Sie lernten sich 1908 in Paris kennen und arbeiteten mehrere Jahre lang eng zusammen.

Geburt des Kubismus (ca. 1908-9)

Beeinflusst von Paul Cézannes geometrischen Landschaftsgemälden im Stil von Montaigne-Saint-Victoire und seinem Meisterwerk „Les Grandes Baigneuses“ ) Les Grandes Baigneuses) Picasso und Braque schufen eine Reihe von Landschaftsgemälden, die den Gemälden Cézannes sehr ähnlich sind, sowohl was die Farben (dunkelgrün, hellbraun) als auch die vereinfachten geometrischen Formen betrifft. Sie malten Häuser in Form von dreidimensionalen Würfeln. An diese Bilder dachte der französische Kunstkritiker Louis Vauxcelles im Jahr 1909, als er den Ausdruck „bizarreries cubiques“ verwendete, der zur Annahme des Wortes Kubismus führte. Dieser Stil wurde dann zum analytischen Kubismus weiterentwickelt.

Zu dieser Zeit wurde Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) Picassos Kunsthändler und Agent. Ihm folgten später Léonce Rosenberg (1879-1947) und sein jüngerer, aber intelligenterer Bruder Paul Rosenberg (1881-1959).

Porträt von Ambroise Vollard (1910) ist eines der ersten vollwertigen Beispiele des neuen strengen analytischen Kubismus. In diesem Gemälde hat Picasso die menschliche Figur in eine Reihe flacher, transparenter, geometrischer Platten zerlegt, die sich in verschiedenen Winkeln überlappen und überschneiden. Nun sind plötzlich alle „Würfel“ des früheren Prototyps der kubistischen Malerei verschwunden.

Der analytische Kubismus, die komplexeste Form der Kunst, ist die strengste und intellektuellste Phase der kubistischen Bewegung. In dieser Periode werden die Formen der dargestellten Objekte in eine große Anzahl kleiner, kompliziert gegliederter undurchsichtiger und transparenter Flächen zerlegt, die miteinander und mit dem umgebenden Raum verschmelzen. Die Gemälde des Analytischen Kubismus sind in der Regel monochrom ausgeführt, ohne leuchtende Farben .

Synthetischer Kubismus (ca. 1912-19)

In der Phase des Synthetischen Kubismus werden Picassos Formen größer und gegenständlicher, und flache, leuchtend farbige dekorative Muster ersetzen die früheren, strengeren Kompositionen. Zu den neuen Techniken, die Picasso in dieser Periode anwandte, gehörte das Einfügen von ausgeschnittenen Papierfragmenten (wie Tapeten oder Zeitungsstücke) in die Kompositionen, was den ersten großen Einsatz von Collage und Papier-Collé in der bildenden Kunst markierte. Beispiele für seine kubistischen Werke aus dieser Zeit sind Stillleben mit rollendem Stuhl und Gitarre. Zu dieser Zeit hatten einige andere talentierte kubistische Künstler den neuen Stil aufgegriffen.

Neoklassizistische Periode

Von 1906 bis Mitte der 1920er Jahre malte Picasso parallel zum abstrakten Kubismus eine Reihe von neoklassizistischen Figuren, Porträts und Stillleben. (Siehe: Picassos neoklassizistische Gemälde für weitere Informationen). Zu seinen berühmten neoklassizistischen Gemälden gehören: Zwei nackte Frauen (1906), Sitzende Frau (Picasso) (1920), Die große Badende (1921), Frau in Weiß (1923) und ein miniaturhaftes mythologisches Gouache-Gemälde Zwei Frauen, die am Strand laufen (Rennen) (1922). Für eine Vorgeschichte dieses Klassizismus und eine Erklärung, wie er mit seinem abstrakten Stil der analytischen und synthetischen kubistischen Malerei in Einklang gebracht werden kann, siehe: Klassisches Revival in der modernen Kunst (um 1900-30).

Guernica

Der Spanische Bürgerkrieg (1936-9) war der Anlass für sein zweites bahnbrechendes Gemälde, Guernica, das die Bombardierung von Guernica, Spanien, durch Nazi-Deutschland am 26. April 1937 während des Spanischen Bürgerkriegs darstellt.

„Guernica“ gilt als eines der größten modernen Gemälde, es ist ein riesiges schwarz-weißes Wandgemälde mit einer Höhe von 11 Fuß und einer Breite von 23 Fuß. Es zeigt eine Szene des Todes, der Gewalt, der Grausamkeit, des Leidens und der Hilflosigkeit, ohne Rücksicht auf deren unmittelbare Ursachen.

„Guernica“ wurde ursprünglich im Juli 1937 im spanischen Pavillon auf der Internationalen Ausstellung in Paris ausgestellt. Anschließend wurde es auf Wunsch Picassos in das Museum of Modern Art (MOMA) in New York gebracht, bis es 1981 nach Spanien zurückgegeben wurde. Eine Kopie des Gemäldes von Picasso „Guernica“ (in brauner Farbe und mit weißem Hintergrund) ist im Gebäude der Vereinten Nationen in New York am Eingang zur Kammer des Sicherheitsrats ausgestellt.

1947 zog Picasso nach Südfrankreich, wo er ununterbrochen an Skulpturen, Keramiken und Grafiken arbeitete und Tausende von hervorragenden Zeichnungen, Illustrationen und Bühnenbildern schuf. Er schuf ein großes Wandgemälde für das UNESCO-Gebäude in Paris sowie Picassos Chicago - heute eines der bekanntesten Wahrzeichen in der Innenstadt von Chicago - und schuf brillante Variationen über die Werke anderer Meister, darunter Goya, Poussin, Manet, Courbet, Delacroix und Velázquez. Er starb im Jahr 1973.

Picassos Gemälde hängen in führenden Kunstmuseen und zeitgenössischen Galerien auf der ganzen Welt, und drei seiner Gemälde wurden für mehr als 50 Millionen Dollar verkauft - Junge mit Pfeife, (104 Millionen Dollar, 2004); Dora Maar mit Katze (95,2 Millionen Dollar, 2006); Frau mit Armbändern, (55 Millionen Dollar, 2000).

Picasso schuf nicht nur einige der einflussreichsten Gemälde des zwanzigsten Jahrhunderts, sondern seine Erfindungsgabe führte ihn auch dazu, in vielen anderen Bereichen zu arbeiten, darunter Zeichnung, Skulptur, Lithografie, Linolschnitte, Ballettdekoration und Keramik .

Picasso - ein Überblick über sein Leben und Werk

Picasso gilt weithin als einer der besten Künstler aller Zeiten und mit Sicherheit als der bedeutendste Künstler der modernistischen Ära. Trotzdem bleibt ein Großteil seiner Leistungen umstritten. Viele Autoren, die über ihn geschrieben haben, neigen dazu, den einen oder anderen Aspekt seines immensen Oeuvres zu vernachlässigen, um sich auf einen zentralen Kern zu konzentrieren, der jedoch dazu bestimmt zu sein scheint, undefiniert zu bleiben. Das Gleiche gilt für die Biografie Picassos, die von wechselnden Perspektiven geprägt ist.

Obwohl er in seiner Jugend eng mit der katalanischen Kultur verbunden war, wurde Picasso nicht in Katalonien, sondern 1881 in Málaga geboren und lebte dort, bis er zehn Jahre alt war. Picassos Nachname stammt von seiner Mutter, nicht von seinem Vater, Don José Ruiz Blasco, einem akademischen Maler von mittelmäßigem Talent und einem professionellen Zeichenlehrer. Nachdem die Familie Málaga verlassen hatte, lebte sie vier Jahre lang in Coruna, bis Don José zum Professor an der Hochschule der Schönen Künste in Barcelona, der kulturell bedeutendsten Stadt Spaniens, ernannt wurde.

Picassos künstlerische Talente entwickelten sich mit großer Geschwindigkeit - er scheint nie ein „Kinderkünstler“ gewesen zu sein - und er beherrschte schnell den etablierten akademischen Stil der damaligen Zeit. Da sein Vater bereits ein professioneller Künstler war, stand einer künstlerischen Laufbahn nichts im Wege: Eine Geschichte besagt, dass sein Vater von dem Talent seines Sohnes so beeindruckt war, dass er ihm feierlich eine Palette und Pinsel überreichte. Picasso studierte an der Akademie in Barcelona und kurzzeitig auch an der Königlichen Akademie San Fernando in Madrid, aber keine dieser Einrichtungen konnte ihm viel beibringen.

Als junger Mann in Barcelona wurde er Teil eines Kreises von Künstlern und Intellektuellen der Jahrhundertwende, die sich in einer Taverne namens Els Quatre Gats („Vier Katzen“, auf Katalanisch) trafen. Picassos Werk wurde zu dieser Zeit von französischen Künstlern beeinflusst, die das städtische Leben darstellten, wie Steinlen und Toulouse-Lautrec .

Im Jahr 1900 besuchte Picasso zum ersten Mal Paris in Begleitung von Carlos Casamegas, einem anderen jungen Künstler aus der gleichen Gruppe in Barcelona. Der Selbstmord von Casamegas (wegen seiner Impotenz und einer unerwiderten Liebe) inspirierte Picasso zu den Gemälden „der Blauen Periode“, die zu seiner künstlerischen Unabhängigkeitserklärung wurden. In den ersten Jahren des Jahrhunderts reiste er zwischen Paris, Madrid und Barcelona hin und her.

1901 verschafft ihm der gewiefte Kunsthändler Ambroise Vollard (1866-1939) eine Einzelausstellung, die ihm die Freundschaft des Dichters Max Jacob einbringt (zuvor bestand sein Pariser Kreis fast ausschließlich aus spanischen Emigranten). Jacob machte ihn mit anderen Schriftstellern bekannt, vor allem mit Guillaume Apollinaire (1880-1918). Schließlich ließ sich Picasso 1904 in Paris in einem baufälligen Ateliergebäude nieder, das wegen seiner unheimlichen Ähnlichkeit mit den Booten, die damals zum Wäschewaschen auf der Seine verwendet wurden, den Namen Bateau-Lavoir trug, und wurde bald zum Mittelpunkt eines Kreises von Avantgarde-Künstlern und Dichtern. Er fand eine Geliebte, Fernande Olivier, die später ein Buch mit Memoiren über diese Zeit schrieb, und gewann die Freundschaft der amerikanischen Schriftstellerin und Sammlerin Gertrude Stein. Fernande gab eine Beschreibung von Picassos Aussehen zu dieser Zeit:

Klein, schwarz, von dichter Statur, unruhig, ängstlich, mit dunklen, tiefen, stechenden, seltsamen, fast sternförmigen Augen. Unbeholfene Gesten, die Hände einer Frau, schlecht gekleidet, ungepflegt. Eine dicke Haarsträhne, schwarz und glänzend, scheitelt über seine intelligente und widerspenstige Stirn.

Die Blaue Periode ging in die weniger düstere, aber immer noch melancholische Rosa Periode über, und es entstand die Serie der Saltimbancas, zarte Gemälde von Zirkusartisten und fahrenden Künstlern, mit Anklängen an den akademischen Symbolismus Puvis de Chavannes . 1906 gab Picasso sie auf, um einige Bilder zu malen, die sich durch einen starken Primitivismus auszeichnen. In den folgenden Monaten führten sie zu einer außergewöhnlichen kreativen Explosion. In den Jahren 1906-7 schuf Picasso sein vielleicht berühmtestes Gemälde, „Die Jungfrauen von Avignon“. Diese wilde Gruppe nackter Frauen wurde von dem Dichter André Salmon scherzhaft als prätentiöse Ähnlichkeit mit den Insassen eines besonders minderwertigen Bordells in Barcelona bezeichnet. Sie schockierte die wenigen Menschen, die sie in Picassos Atelier sahen: Braque zum Beispiel sagte, Picasso wolle, dass die Menschen eine normale Ernährung gegen eine Ernährung mit Handtüchern und Leinen eintauschen (obwohl er selbst kurz darauf ein ähnliches Bild eines Aktes malte).

Ein Bestandteil „der Demoiselles“ waren die späten Werke Cézannes. Eine andere war die Kunst Schwarzafrikas. Für einen Moment war es Afrika, das triumphierte, und Picasso ging in das über, was man seine Negerperiode (epoque negre) nennt. Es folgte eine weitere, entscheidende Wende: die Entwicklung des analytischen Kubismus, den Picasso in Zusammenarbeit mit Braque schuf. Der Kubismus unterscheidet sich von Picassos vorangegangenen Stilen durch eine komplexe formale Grammatik, eine Art der Kodierung der Sichtbarkeit, die zu einer neuen Sprache für eine ganze Generation von abstrakten Malern wurde . Lange Zeit waren es diese Anhänger, die den Kubismus in der Öffentlichkeit vertraten, da Picasso und Braque ihre Werke nur ungern in den großen Pariser Salons ausstellten, in denen neue Stilexperimente gewöhnlich vorgestellt wurden.

Nichtsdestotrotz hatte sich Picasso in dem engen Kreis derer, auf die es ankam - Händler, Sammler und Kunstkritiker - einen guten Ruf erworben, und 1909 lief sein Geschäft gut genug, um in ein neues, komfortableres Atelier am Boulevard de Clichy umzuziehen. 1911 vermittelte der amerikanische Fotograf und Händler für moderne Kunst Alfred Stieglitz (1864-1946) Picasso eine Einzelausstellung in seiner Galerie „291“ in der Fifth Avenue in New York. Es war die erste Einzelausstellung des Spaniers in Amerika. 1912 verließ er Fernanda Olivier für eine neue Geliebte, Eva (Marcelle Humbert). Sie ist die einzige von Picassos Gefährtinnen, die ihn nicht zu einer Reihe von Porträts inspiriert hat, obwohl ihr Name oder der Satz „Ma Jolie“, der sich auf sie bezieht, auf einigen kubistischen Gemälden zu finden ist.

Im August 1914 wurde die Verbindung zwischen Picasso und Braque durch den Kriegsausbruch unterbrochen. Picasso war als spanischer Staatsbürger nicht zum Kriegsdienst verpflichtet und blieb im grauen und tristen Paris. Im Herbst 1915 starb Eva, und wenig später zog Picasso nach Monrouge in die Vorstadt. Glücklicherweise holte ihn der fröhliche russische Impresario Sergei Diaghilev aus seiner Depression, indem er ihn auf Cocteaus Vorschlag hin nach Rom einlud, um an einem neuen Ballett „Parade“ mitzuarbeiten.

Nach seiner Ankunft in Rom wurde Picasso eng mit Diaghilevs Kompanie verbunden, die eine eigene kleine Welt bildete, und verliebte sich bald in eines der Mitglieder des Corps de ballet , Olga Kokhlova, die Tochter eines russischen Generals . Im Jahr 1917 begleitete er das Ballett nach Spanien, und 1918 kehrten er und Olga nach Paris zurück, während die anderen Mitglieder der Ballets Russes nach Südamerika reisten. Im Juli heirateten sie. Olga hatte den üblichen bourgeoisen Geschmack und sie mieteten eine schicke Wohnung in der Rue de la Boétie. Picasso machte sich eine Zeit lang mit dem mondänen Leben in Paris und an der Riviera vertraut. Im Jahr 1921 wurde sein erstes Kind, ein Sohn namens Paulo, geboren.

Picasso befand sich nun mitten in einer neuen stilistischen Phase, der neoklassischen Periode, einer Rückbesinnung auf die antike Welt, die Poussin und Engra fasziniert hatte. Dies schockierte einige seiner ehemaligen Freunde aus der Avantgarde, die dies auf seine Verbindung zur Modewelt durch Olga zurückführten. Aber er verfolgte auch klugerweise die Possen der Künstler des Dadaismus und dann des Nachfolgers des Dadaismus, des Surrealismus . Der Lebensstil, den Olga genossen hatte, begann sich bald zu verschlechtern, ebenso wie ihre zwanghafte Eifersucht.

In den späten 1920er Jahren wurde Picassos Werk zunehmend brutaler und frauenfeindlicher, und die Stimmung änderte sich erst, als er Olgas schlimmste Befürchtungen erfüllte und eine neue Geliebte fand, ein stilles siebzehnjähriges Mädchen namens Marie-Therese Walter, die er 1932 kennenlernte. Ihre stille Schönheit diente ihm als Inspiration für eine Reihe von Gemälden sowie für eine Serie von großen skulpturalen Köpfen. Letztere entstanden in einem neuen Atelier im normannischen Schloss Boisgeloup aus dem 17. Jahrhundert - Picasso war nun wohlhabend genug, um mit der Anhäufung von Besitztümern zu beginnen, die ihn für den Rest seines Lebens begleiten sollte.

1935 ließ er sich formell von Olga scheiden, die ihn jedoch weiterhin verfolgte, wann immer sie konnte. 1936, kurz nachdem Marie-Therese seine Tochter Maya zur Welt gebracht hatte, fand er eine neue Lebenspartnerin, eine jugoslawische Fotografin namens Dora Maar. Sie war intelligenter und eine viel komplexere Persönlichkeit als Marie-Therese und verdrängte diese nach und nach aus Picassos Zuneigung. Picasso besaß zwar noch immer seine Wohnung in der Rue Boétie, aber sie erschien ihm nun überladen und unzureichend, und es war Dora, die ihm ein neues, großes Atelier in einem alten Gebäude in der Rue des Grandes Augustins verschaffte.

In den frühen 1930er Jahren erneuerte Picasso seine Beziehungen zu Spanien. Im Jahr 1933 besuchte er seine Familie in Barcelona, 1934 folgte ein längerer Besuch. Im Jahr 1936, dem Jahr des Ausbruchs des Bürgerkriegs, organisiert eine Gruppe junger Bewunderer eine Ausstellung für ihn in Barcelona, die erste in Spanien seit einem Vierteljahrhundert. Während des Krieges standen seine Sympathien auf der Seite der Republikaner, und die republikanische Regierung war sich seiner Bedeutung für sie durchaus bewusst. Sie unterstrich diese Verbindung, indem sie ihm den Posten des Ehrendirektors des Prado-Museums verlieh. Als Antwort darauf malte Picasso ein riesiges Gemälde „Guernica“, das im spanischen Pavillon auf der Weltausstellung 1937 in Paris ausgestellt und anschließend auf Tournee geschickt wurde. Die Komposition ist eine bittere und wirkungsvolle Verurteilung der Bombardierung der baskischen Hauptstadt durch Francos deutsche Verbündete.

In den späten 1930er Jahren fuhr Picasso weiterhin jeden Sommer ans Mittelmeer, und als 1939 der Krieg ausbrach, lebte er mit Dora Maar und seinem treuen Sekretär und Hofnarren Jaime Sabartes in Antibes. Er begibt sich nach Paris, um seine Angelegenheiten zu regeln, und zieht sich dann nach Royan an der Küste in der Nähe von Bordeaux zurück, wo er bis Oktober 1940 bleibt, um dann nach Paris zurückzukehren und dort bis zum Kriegsende zu bleiben. Die Wohnung in der Rue de la Boétie wird schließlich aufgegeben, und er zieht in die Höhlenräume der Rue Grande-Augustin, die er zu seiner privaten Welt macht. Er hält sich von den deutschen Besatzern fern, aber sie scheinen ihn nicht sonderlich zu stören, sowohl weil er kein Franzose ist als auch weil seine Kunst nicht ihrem Geschmack entspricht. Die Themen seiner Gemälde, wie eine Serie von Stillleben mit einem Totenkopf und einer Kerze, spiegeln die überwältigende Düsternis jener Jahre wider.

Nach seiner Entlassung wurde Picasso plötzlich zu einem der Wahrzeichen von Paris, zu einem Symbol für ein neues Zeitalter der Freiheit. In gewisser Weise übernahm er die Rolle einer öffentlichen Person. So trat er der Kommunistischen Partei bei und nahm in den folgenden Jahren regelmäßig an verschiedenen Friedenskongressen in Paris, Rom, Warschau und Sheffield teil. Die Partei machte sich diesen hervorragenden Rekruten zunutze - seine Zeichnung einer Taube wurde zu einem ihrer Embleme. Er schrieb eine Reihe ehrgeiziger politischer Werke, die als Nachfolger von „Guernica“ betrachtet werden können, auch wenn sie nicht die gleiche allgemeine Anerkennung fanden. Dazu gehören „Das Hexenhaus“ von 1944-5, über Konzentrationslager, und „Das koreanische Massaker“ (1951).

Nach dem Krieg lebt Picasso an der Riviera. Dora Maar wird von Françoise Gilot abgelöst, die er unmittelbar nach der Befreiung kennenlernt. Sie ist in einer neuen Gruppe von Porträts zu sehen, oft in der Gestalt „einer Lilienblume“. Während ihrer gemeinsamen Zeit lebte Picasso in Vallauris - er interessierte sich für die örtliche Keramikindustrie und belebte sie wieder, indem er mit örtlichen Handwerkern zusammenarbeitete.

1955, nach seiner Trennung von Françoise, zog er erneut um, diesmal nach La Californie, einer pompösen Villa aus der Jahrhundertwende mit Blick auf Cannes. Seine neue Lebensgefährtin, Jacqueline Roque, wurde 1961 seine Frau. La Californie ist Gegenstand zahlreicher Beschreibungen, in denen die Anhäufung von Objekten erwähnt wird, mit denen Picasso seine Räume füllte. Er blieb dort, bis die Bebauung der Riviera-Küste begann, auf sein Grundstück überzugreifen und die Aussicht zu beeinträchtigen. Jahrhundert in Vauvenargue bei Aix, das er 1958 kaufte und 1961 vollständig bezog. Da er den gegenteiligen Nachteil der Abgeschiedenheit feststellte, kehrte er an die Küste zurück und kaufte das alte provenzalische Herrenhaus Notre de Dame de Vie oberhalb von Mougins.

Picasso genoss einen ungewöhnlich vitalen und kreativen Lebensabend, doch 1965 musste er sich einer Prostataoperation unterziehen, und danach gab es in der unaufhörlichen Produktion seiner Werke immer wieder Anzeichen von Verzweiflung. Sie wurden mehr und mehr zu einem sardonischen Kommentar auf den unausweichlichen Prozess des körperlichen Verfalls. Obwohl sein Ansehen nach wie vor enorm ist, verliert er allmählich den Kontakt zur Avantgarde und den Respekt der herrschenden Junta von Theoretikern und Kritikern.

Seine letzte große Ausstellung zu seinen Lebzeiten fand 1970 im Päpstlichen Palast in Avignon statt. Sie bestand aus einer riesigen Menge neuer Werke, ungestüm und brutal im Stil, die die Öffentlichkeit alarmierten und die Kritiker entfremdeten. Erst in jüngster Zeit werden diese Werke als Vorläufer des Neoexpressionismus angesehen, der die Kunst der ersten Hälfte der 1980er Jahre beherrscht. Eine Serie von nicht weniger als 347 Grafiken, die 1968 über sieben Monate hinweg entstanden, wurde besser aufgenommen, obwohl ihr Inhalt oft hart war: Sie verspotteten die Illusionen der Jugend und verurteilten ebenso vehement die Impotenz des Alters. Ihre unverhohlene Erotik erfreute die einen und beleidigte die anderen, aber Picasso hatte längst aufgehört, sich darum zu kümmern, was man von ihm dachte. Er starb 1973, und mit seinem Tod ging eine ganze Ära zu Ende.

Picassos Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Keramiken sind in den besten Museen für moderne Kunst auf der ganzen Welt zu sehen.

Für einen anderen großen katalanischen Künstler siehe: Antoni Gaudi (1852-1926) Jugendstilarchitekt.

Picasso schuf einige der größten Gemälde des 20. Jahrhunderts, von denen einige Kultstatus erlangt haben. Im Jahr 2015 wurde sein abstraktes kubistisches Gemälde „Algerische Frauen“ (Version O) (1955) bei Christie’s für den Rekordpreis von 179 Millionen Dollar versteigert.

Für eine Analyse der Werke spanischer Modernisten wie Pablo Picasso,
siehe: Analyse der modernen Gemälde (1800-2000).