Wassily Kandinsky:
Russischer expressionistischer Maler, Blue Rider Group Automatische übersetzen

Einer der größten russischen Künstler des 20. Jahrhunderts und ein führender Vertreter des Expressionismus, Wassily Kandinsky war sowohl Künstler als auch Kunsttheoretiker. Zusammen mit einer Reihe anderer Münchner Künstler gründete er die Kunstbewegung Der Blaue Reiter, eine der einflussreichsten Gruppen des deutschen Expressionismus .

Er gilt als der bedeutendste Kolorist des 20. Jahrhunderts und hatte eine starke körperliche Sensibilität für bestimmte Farben, die er nicht nur „hören“, sondern auch „sehen“ konnte: Dieser Zustand wird Synästhesie genannt. Ihm wird auch die Schaffung der ersten abstrakten Werke des 20. Jahrhunderts zugeschrieben. Zu seinen bekanntesten Werken gehören „Blauer Reiter“ (1903, Privatsammlung), „Schwarzer Rahmen“ (1922, Musée National d’Art Moderne, Paris) und „Mehrere Kreise“ (1926, Guggenheim Museum). Er gilt als einer der führenden expressionistischen Maler und vielleicht als der größte der frühen abstraktistischen Künstler. Viele von Kandinskys Gemälden sind heute im Internet als Drucke Poster erhältlich.

Frühes Leben

Kandinsky wurde in Moskau als Sohn eines wohlhabenden Teehändlers geboren, verbrachte aber den größten Teil seiner Kindheit in Odessa. Als Kind lernte er mehrere Instrumente zu spielen; die Musik hatte einen großen Einfluss auf seine Gemälde, bis hin zu ihren Titeln „Komposition“ und „Improvisation“.

1886 trat er in die Moskauer Universität ein, um Jura und Wirtschaft zu studieren. Nach erfolgreichem Bestehen der Prüfungen wurde ihm eine Professur für Rechtswissenschaften angeboten, die er annahm. 1889 wurde er auf eine Dienstreise der Regierung nach Wologda geschickt, wo er sich, wie aus seinem Tagebuch hervorgeht, für die Kunst, die Architektur und die Folklore der Bauern sowie für das Studium der örtlichen Gesetze interessierte, was der offizielle Grund für seine Reise war. Während dieser Reise blieb ihm sein erster Eintritt in eine isba (Bauernhaus) in Erinnerung: Beim Anblick der Volksbilder mit ihren leuchtenden, primitiven Farben, die die Wände schmückten, hatte er das Gefühl, „ein Gemälde“ zu betreten.

1895 besuchte er eine Ausstellung des Impressionismus in Moskau, und bald darauf beschloss er, seinen Beruf aufzugeben und nach München zu ziehen, um Zeichnen zu studieren. Zu diesem Zeitpunkt war er 30 Jahre alt. Schon als Kind war er von der Farbe fasziniert gewesen. Er sagte einmal, seine Kindheitserinnerungen an Moskau seien Erinnerungen an die Sonne, die „zu einem einzigen Farbfleck verschmilzt: Pistaziengrün, feuerrote Häuser, Kirchen - jede Farbe auf ihre Weise wie ein Lied“. Diese „Flecken“ tauchen immer wieder in seinen Werken auf.

Für eine Analyse des Werks expressionistischer Maler wie Kandinsky, siehe: Analyse der modernen Malerei (1800-2000).

Kunstakademie München

Als Kandinsky Ende 1896 in München ankam, schrieb er sich an der Azbe-Kunstschule ein, die von Anton Azbe (1861-1905) geleitet wurde. Hier lernte er Alexei von Jawlensky (1864-1941) und Marianne von Verefkin (1870-1938) kennen. Der Zeichenunterricht an der Schule interessierte ihn jedoch nicht, und er arbeitete eine Zeit lang allein, insbesondere an Landschaftsstudien.

Im Jahr 1900 besuchte er Kurse an der Münchner Akademie bei Franz von Stuck (1863-1928), der seine „extravaganten Farben“ missbilligte, und lernte Paul Klee (1879-1940) kennen, der sein enger Freund wurde. Kandinskys Vater versorgte seinen Sohn mit einem großzügigen monatlichen Taschengeld, und er und seine Frau ließen sich in Schwabing, einem böhmischen Vorort von München, nieder.

1901 war er Mitbegründer der Ausstellungsgesellschaft „Phalanx“ ; für seine erste Ausstellung entwarf er ein Plakat im Stil des Jugendstils, der damals in München vorherrschend war. Im folgenden Jahr unterrichtete er an einer von der Gruppe geleiteten Kunstschule. Gabriele Münter (1877-1962), eine seiner Schülerinnen, wurde seine Partnerin, bis sie sich während des Ersten Weltkriegs trennten.

Reisen mit Gabriele Münter

In der Zwischenzeit verließ Kandinsky 1903, desillusioniert durch den unerschütterlichen Konservatismus der Münchner Kunstkreise, zusammen mit Gabriele München und reiste nach Venedig, dann nach Odessa und Moskau (1903), Tunis (1904), Dresden, wieder nach Odessa, dann nach Italien (1905), bevor er sich für ein Jahr in Sèvres bei Paris niederließ. Während dieser Zeit experimentierte Kandinsky mit verschiedenen Methoden und Techniken. Seine Geburtsstadt Moskau diente ihm oft als Inspirationsquelle, sowohl für seine Gemälde aus der Erinnerung als auch für seine Studien oder Skizzen nach dem Leben. Letztere, die im alten Münchener Stadtteil Schwabing entstanden, wo die Intensität des Lichts Kandinsky an die Farben Moskaus erinnerte, enttäuschten ihn, weil sie ihm „als vergeblicher Versuch erschienen, die Kraft der Natur“ einzufangen. Er wurde auch von der russischen Volkskunst und der Bewegung des Symbolismus beeinflusst.

Zu den besten seiner frühen Gemälde aus dieser Zeit gehören: Promenade (1901, Sammlung Goldberg, Zürich); Altstadt (1903, Städtische Galerie, München); Altstadt II, 1903 (Musée National d’Art Moderne, Paris); Goldenes Segel (1903, Stadtische Galerie, München); Blauer Reiter (1903, Privatsammlung) und Singer, (1903, Stadtische Galerie, München) Panik (1907, Stadtische Galerie). Stilistisch sind sie sowohl mittelalterlich als auch russisch, ein Einfluss, der auch in seinen Holzschnitten und Stichen (146 zwischen 1902 und 1912) deutlich wird. Wie seine „Gedichte ohne Worte“ (zwölf Holzschnitte, 1904, Moskau) und „Holzschnitte“ (fünf Holzschnitte, 1906, Paris) ähneln sie seinen Gemälden hinsichtlich des „Themas“, offenbaren aber ein größeres Interesse an der Farbe um ihrer selbst willen.

Gemälde „Blauer Reiter“

Eines von Kandinskys wichtigsten expressionistischen Gemälden dieser Epoche ist „Der Blaue Reiter“, das eine kleine verhüllte Figur zeigt, die auf einem Pferd über eine steinige Wiese reitet. Der Umhang des Reiters ist blau und seine Schatten sind dunkelblau. Das Pferd hat einen unnatürlichen Gang, und es ist unklar, ob der Reiter ein Kind auf dem Arm trägt. Kandinsky wollte den Betrachter in das Bild einbeziehen und die Bewegung durch eine Reihe von Farben andeuten, anstatt bestimmte Details zu malen. Dies war ein früher Hinweis auf die Richtung, die seine Malerei in den nächsten Jahren einschlagen sollte.

Frühe Beispiele für Kandinskys Porträts sind Münters Gemälde in Kallmunz (1903) und Gabriele Münter (1905), beide in der Städtischen Galerie, München; weitere Beispiele für seine Landschaftsmalerei sind: Im Wald (1904), Strandkörbe in Holland (1904), Paar zu Pferd (1906) - alle in der Städtischen Galerie, München - und Wolgalied (1906, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankreich).

Kandinsky war stark beeinflusst von den Schriften der umstrittenen russischen Spiritistin und Denkerin Helena Blavatsky (1831-1891), Mitbegründerin der Theosophischen Gesellschaft, die die Theosophie propagierte, ein philosophisches und religiöses System, das (unter anderem) behauptet, dass die gesamte Schöpfung eine geometrische Entwicklung ist, die an einem einzigen Punkt beginnt. Außerdem wird behauptet, dass der schöpferische Aspekt der Form durch eine Reihe von Kreisen, Dreiecken und Quadraten ausgedrückt wird. Kandinsky selbst hat auf der Grundlage dieser Theorie mehrere Bücher geschrieben.

Murnau

Nach seiner Rückkehr nach München im Jahr 1908 ließ sich Kandinsky in Murnau bei Gabriele Münter nieder. Hier machte er seinen „Sprung in die Abstraktion“. Als er eines Abends in sein Atelier zurückkehrte, sah er im Halbdunkel „ein Gemälde von unbeschreiblicher Schönheit, durchdrungen von einer inneren Flamme“. Da er zunächst „nur Formen und Farben sah, deren Bedeutung unverständlich war“, erkannte er bald eines seiner eigenen Bilder, das auf der Seite lag. Diese Entdeckung brachte ihn zu der Erkenntnis, dass die Sujets seinen Bildern abträglich waren, und auf der Suche nach Ausdrucksmitteln begann er allmählich, „subjektive“ Formen einfach mit Farbe zu füllen und der Farbe ihre eigentliche Ausdrucksfunktion zu geben: ) Straße in Murnau mit Frauen, 1908, Sammlung Nina Kandinsky, Paris; Landschaft mit Glockenturm, 1909, Nationalmuseum für moderne Kunst, Paris).

Ein weiteres wichtiges Werk ist „Blauer Berg“ (1908, Guggenheim Museum, New York). Auf diesem Gemälde ist ein blauer Berg von zwei farbigen Bäumen, rot und gelb, umgeben. Im unteren Teil des Bildes sind mehrere Reiter zu sehen, deren Körper und Kleidung nur durch einen Farbklecks angedeutet werden. Die Farbe führt fast ein Eigenleben, so dass die Gegenstände auf dem Gemälde letztlich keine Rolle mehr spielen. Er ging bis zu dem Punkt, an dem schließlich nur noch Schattierungen und Formen übrig blieben, die nicht mehr der Realität entsprachen. Weitere Gemälde aus dieser Zeit sind Friedhof und Vikar in Kochel, 1909 und Grüngasse in Murnau, 1909 (beide Stadtische Galerie, München).

Zu dieser Zeit nahm er an einer von der expressionistischen Gruppe Die Brucke (1909) in Dresden organisierten Ausstellung von Grafiken teil. Zu den Mitgliedern von Die Brucke gehörten Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rothluff (1884-1976), Erich Haeckel (1883-1970), sowie Emil Nolde (1867-1956), Max Pechstein (1881-1955), Otto Müller (1874-1930) und der Niederländer Kees van Dongen (1877-1968). Im selben Jahr gründete Kandinsky zusammen mit seinem Freund Jawlensky die Gesellschaft Neue Kunstlervereinigung. Doch nach einer grundlegenden Meinungsverschiedenheit über die eigentliche Bedeutung der Kunst, die darin gipfelte, dass eines seiner Gemälde von der Gesellschaft abgelehnt wurde, verließ er die Gruppe und gründete eine konkurrierende Organisation, Der Blaue Reiter, deren Almanach er in Zusammenarbeit mit Franz Marc (1880-1916) erstellte.

Außerdem nahm Kandinsky 1910 an einer Ausstellung europäischer und russischer Avantgardekunst teil, die von der Gruppe „Tambourine Nose“ in Moskau organisiert wurde. Er nahm jedoch nicht an einer Ausstellung teil, die von einer geschlosseneren Gesellschaft russischer Künstler namens „Donkey’s Tail“ im März 1912 organisiert wurde.

Gruppe „Blauer Reiter“ (1911-14)

Die fünf wichtigsten Mitglieder der Gruppe „Blauer Reiter“ waren Kandinsky und Marc sowie Paul Klee (1879-1940), August Macke (1887-1914) und „Russischer Matisse“ Alexei von Jawlensky (1864-1941). Weitere Künstler, die an den Ausstellungen des Blauen Reiters teilnahmen, waren der niederländische Maler Heinrich Campendonck (1889-1957), die Fauvisten André Derain und Maurice de Vlaminck, der deutsche Grafiker Lionel Feininger (1871-1956), die russischen Avantgardekünstler David Burliuk (1882-1967), Natalia Goncharova (1881-1962) und Mikhail Larionov (1881-1964) sowie Kandinskys Lebensgefährtin Gabriele Münter (1887-1914). Der Name der Bewegung stammt von einem Gemälde Kandinskys aus dem Jahr 1903, bezieht sich aber auch auf Münters Liebe zu Pferden und Kandinskys Liebe zur Farbe Blau. Es gab kein zentrales Manifest und die Ziele der Gruppe waren unterschiedlich. Was sie jedoch gemeinsam hatten, war das Engagement für die symbolische Verwendung von Farben und eine spontane, intuitive Herangehensweise an die Malerei. Beeinflusst wurden sie vom Primitivismus, der zu dieser Zeit in Europa populär war.

Die erste Ausstellung Der Blaue Reiter wurde im Dezember 1911 in München in der Galerie Tannhauser eröffnet. Im März 1912 reiste sie nach Berlin (wo sie die Galerie Sturm eröffnete, eine einflussreiche, von Gerwarth Walden gegründete Galerie), und dann nach Köln und Frankfurt. Eine zweite Ausstellung fand im Februar 1912 in der Galerie Hans Goltz in München statt. Es gab keine weiteren „offiziellen“ Ausstellungen der Gruppe, aber alle fünf Kernmitglieder waren auf der großen Sonderbundausstellung in Köln 1912 und auf der berühmten Ersten Deutschen Ausstellung Salon d’Automne in der Galerie Sturm in Berlin 1913 vertreten.

1912 organisierte die Berliner Galerie Der Sturm, ein wichtiger Ort der expressionistischen Bewegung in Deutschland, eine Retrospektive von Kandinsky. 1913 war er auf der Armory Show in New York vertreten, schrieb eine Autobiografie, Ruckblicke (Erinnerungen), und eine mit sechs Holzschnitten illustrierte Gedichtsammlung, Klänge (Sounds).

Abstrakte Kunst

Zwischen 1910 und 1914 wendet sich Kandinsky zunehmend der abstrakten Kunst zu, als sein Expressionismus mit dem Fauvismus (um 1905-7), Kubismus (um 1907-14) und Orphismus (um 1910-13) verschmilzt, was dazu führt, dass er figurative Elemente aufgibt. Farbige Flächen, die sich von den subjektiven Formen unterscheiden und schwarz umrandet sind, werden zu „Zeichen“ ) Improvisation III, 1909, Musée National d’Art Moderne, Paris; Sketch Composition II, 1909, Guggenheim Museum, New York).

Indem er die Tradition der räumlichen Illusion aufgab, behauptete er den zweidimensionalen Charakter der Leinwand und die gleichzeitige Willkürlichkeit ihres Raums. Nach und nach werden schwarze Konturen zu autonomen grafischen Elementen, und zwar in zunehmender Zahl, und die Farben beginnen über die Ränder „des Motivs“ zu fließen ) Kirche, 1910, Stadische Galerie, München; Komposition IV, 1911, Kunstzammlung Nordrhein-Westfallen, Düsseldorf; Schwarzer Bogen, 1912, Musee National d’Art Moderne, Paris; Improvisation, 1912, Guggenheim Museum, New York).

Sein erstes abstraktes Aquarell (Musee National d’Art Moderne, Paris) stammt aus der Zeit um 1910 und erwies sich für ihn als ideales Experimentierfeld. Es dauerte jedoch noch ein Jahr, bis es ihm gelang, das Thema vollständig von der Ölmalerei zu trennen. Waren seine Impressionen noch ausdrucksstarke Naturdarstellungen, so wandelten sich Improvisationen und in noch stärkerem Maße Kompositionen allmählich zu reinen Form- und Farbschöpfungen. Weitere Werke aus dieser Zeit sind Black Strokes I (1913, Guggenheim Museum); Improvisation in der Schlucht (1914, Stadische Galerie, München) und Fugue, 1914 (Privatsammlung).

Die Gruppe „Blauer Reiter“ wurde 1914 mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs aufgelöst. Zwei ihrer Mitglieder, Franz Marc und August Macke, fielen während des Krieges im Kampf. Kandinsky und Yavlensky waren als Ausländer gezwungen, nach Russland zurückzukehren.

Mehr über Wassily Kandinskys Beitrag zum Expressionismus siehe: Geschichte der expressionistischen Malerei (ca. 1880-1930).

Rückkehr nach Russland

Zwischen 1914 und 1921 lehrte Kandinsky Kunsttheorie am Institut für künstlerische Kultur in Moskau, dem neuen Kontrolleur der russischen Kunst . 1918 wurde er Mitglied der Kunstabteilung des Kommissariats für geistigen Fortschritt, lehrte an der Akademie der Künste und gründete im folgenden Jahr das Museum für Kultur in Moskau. Doch nachdem er 1921 die Akademie der Kunstwissenschaften gegründet hatte und die anfängliche Begeisterung für die moderne Kunst allmählich nachließ (die kommunistische Regierung hatte alle abstrakte Kunst verboten), verließ er Moskau mit Nina de Andreenky, die er 1917 geheiratet hatte, und kehrte nach Deutschland zurück.

Bauhaus-Schule für Gestaltung

1922 wurde er als Dozent an die Hochschule für Gestaltung am Bauhaus berufen, wo Klee bereits tätig war. Obwohl der Umfang von Kandinskys Arbeiten während seines Aufenthalts in Russland gering war (Materialmangel), nutzte er diese Zeit, um seine Theorie der Kunstwissenschaft, die er in Weimar entwickelt hatte, präzise auszubauen.

Kandinskys Eintritt in das Bauhaus markiert eine neue Phase in seinem Werk, die durch das gekennzeichnet ist, was er selbst „lyrischen Geometrismus“ nannte. Er unterrichtete eine Anfängerklasse für Design und einen Fortgeschrittenenkurs für Kunsttheorie. Er glaubt nun, dass jede Form, jede Farbe und ihre Anordnung im Raum eine klare Funktion hat. Er lehrte seine Schüler „, nicht die äußere Erscheinung eines Objekts, sondern die Elemente seiner Komposition genau zu beobachten und darzustellen“. Einige dieser Überlegungen veröffentlichte er 1926 in seinem Buch Punkt und Linie zu Flache sowie in verschiedenen theoretischen Studien.

Seine Zeit am Bauhaus war eine Zeit intensiver Aktivität, in der sein Genie am meisten gewürdigt wurde. Kreise, gerade Linien, Kurven und andere geometrische Elemente nehmen einen immer wichtigeren Platz in seinen Bildern ein. Er entwickelt eine neue Assoziation zwischen den drei Grundformen - Kreis, Dreieck und Quadrat - und einem Farbcode, in dem jede Linie für Spannung steht und die Farbe ihre Dynamik bestätigt ) Komposition VIII, 1923, Guggenheim New York; Gelb-Rot-Blau (1925, Musée National d’Art Moderne, Paris); und Akzent auf Rosa, 1926, Musée National d’Art Moderne, Paris). Insbesondere in dem Gemälde „Gelb-Rot-Blau“ entsteht durch die sorgfältige Anordnung von Kreisen, Bögen und Linien eine bemerkenswerte Harmonie. Zu diesem Zeitpunkt verwendete er Farbe direkt aus der Tube und mischte manchmal Sand unter die Farbe, um der Leinwand eine körnige Textur zu verleihen.

1923 bildete er zusammen mit Klee, Jawlensky und Lionel Feininger die Gruppe „Blaue Vier“. Sie hielten Vorträge und stellten 1924 gemeinsam in Amerika aus.

In Dessau, wohin das Bauhaus 1925 umgezogen war, feierte Kandinsky seinen 60sten Geburtstag. Neue Farbnuancen tauchen in seinem Werk auf. Die Geometrie seiner Formen wird entweder ausgeprägter ) Quadrat [Квадрат] 1927, Paris, Sammlung Maeght und Dark Dot, 1930, Sammlung A Bloc, Paris) oder verschwindet im Gegenteil, um den Raum mit flexibleren, organischeren „“ Formen zu füllen ) Wicker, 1927, Paris, Sammlung Nina Kandinsky; Spitzes Schwarz 1931, Sammlung von M. Hagenb, Basel).

Kandinsky setzt seine Bemühungen um ein „Gesamtkunstwerk“ fort und entwirft die Bühnenbilder und Kostüme für die Bühnenfassung „von Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ (1928) und führt verschiedene große Fresken und Keramikplatten für den von Mies van der Rohe (1886-1969) entworfenen Musiksaal der Internationalen Bauausstellung in Berlin (1931) aus. 1933 wurde das Bauhaus, das im Jahr zuvor nach Berlin umgezogen war, von den Nazis geschlossen. Kandinskys Malerei wurde als entartete Kunst ) entartete kunst) bezeichnet.

Einer der bedeutendsten Sammler von Kandinskys Werken war der amerikanische Philanthrop Solomon Guggenheim (1861-1949).

Letzte Lebensjahre: Neuilly-sur-Seine

1933, als das Bauhaus seine Pforten schließen musste, zog Kandinsky nach Paris, wo er bis an sein Lebensende blieb. Der Umzug nach Neuilly-sur-Seine mit seiner Frau markiert den Beginn „der dritten Periode“, die oft als Wunsch nach einer Rückkehr zu einem symbolischen Stil gesehen wird. Die Formen werden tendenziell kleiner und die Leinwände werden geteilt, um die verschiedenen Ideogrammfiguren näher zusammenzubringen ) Sweet Nothings, 1937; Thirty 1937; beide Paris, Sammlung Nina Kandinsky).

Da ihm Kontroversen nicht fremd waren, blieb sein späteres Werk umstritten, wurde aber von jüngeren zeitgenössischen Künstlern wie Joan Miró (1893-1983) und Alberto Magnelli (1888-1971) bewundert. Sein Ruf wurde gefestigt, als er Solomon Guggenheim vorgestellt wurde, der zu einem seiner besten Förderer wurde. Zwischen 1936 und 1939 schuf er seine letzten beiden großen Werke, Komposition IX, 1936 (Musée National d’Art Moderne, Paris) und Komposition X, 1939 (Kunstsammlung Nordrhein-Westfallen, Düsseldorf).

In seinen letzten Gemälden teilen sich fließende Formen den Raum mit deutlich vereinfachten geometrischen Elementen („Freude“ , 1939; „Mäßiger Impuls“, 1944; beide Paris, Sammlung Nina Kandinsky). Er setzte seine Arbeit bis zu seinem Tod im Jahr 1944 fort. Seine unermüdliche Suche nach neuen Formen führte ihn bis zu den Extremen der geometrisch-abstrakten Kunst. Dies und sein Beitrag zur Theorie und Praxis der Farbe in der Malerei machen Kandinsky zu einer der wichtigsten Figuren in der Kunstgeschichte des frühen 20.

So groß Kandinskys Autorität zu seinen Lebzeiten auch war, seine wahre Bedeutung wurde erst nach dem Krieg gewürdigt. Sein Einfluss wurde in der „Neuen Abstraktion“ weithin spürbar, für die er den Weg ebnete.

Sammlungen

Kandinskys Gemälde des 20. Jahrhunderts sind in den besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, vor allem im Nationalen Museum für Moderne Kunst im Centre Pompidou in Paris und im Samuel Guggenheim Museum in New York. Die Zeit vor 1914 ist in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, München, Deutschland, vor allem durch den Nachlass von Gabriele Münter gut vertreten.