George Frederick Watts:
Viktorianischer Porträtkünstler, Bildhauer Automatische übersetzen

Ab 1847 etablierte sich Watts in intellektuellen Kreisen einen soliden Ruf, erlangte jedoch erst in den frühen 1880er Jahren, nach Ausstellungen seiner Arbeiten in Manchester (1880), London (1881) und am Metropolitan Museum of Art in New York (1884). Aber in seinen letzten Jahren war er der am meisten verehrte und berühmteste Künstler in Großbritannien. Er wurde stark beeinflusst von Michelangelo und die großen venezianischen Maler mögen Tizian und er füllte seine Kunstwerke mit moralischen Erzählungen – typischerweise komplexen allegorischen Botschaften, die, obwohl sie ursprünglich sehr beliebt waren, jetzt eher veraltet erscheinen. Seine Porträts von großen zeitgenössischen Figuren – Kardinal Manning, der Philosoph JS Mill, der Dichter Tennyson und Ministerpräsident William Gladstone (alle in den USA) National Portrait Gallery, London) – viel besser ausgehalten haben. Als Bildhauer ist er am besten für seine Reiterstandbild Physische Energie (1904). Seit seinem Tod wurde sein Haus in der Nähe von Guildford in die Watts Gallery umgewandelt und zeigt eine Vielzahl seiner Werke. 1986 wurde sein Ölgemälde Hope für 1, 1 Millionen Dollar verkauft.

Frühen Lebensjahren

George Frederick Watts war ein Künstler von Geschenken, die denen seines viktorianischen Zeitgenossen ähnlich waren Alfred Stevens aber er hatte nicht die gleiche Einzigartigkeit des künstlerischen Zwecks, und folglich bildet seine Leistung, so gut sie war, ein weniger zufriedenstellendes Ganzes. Wie so viele andere englische Künstler lernte er Zeichnung und Malerei der schönen Kunst An den Royal Academy Schools folgte eine Zeit im Atelier des Bildhauers Behnes (1795-1864), die für die Gestaltung seines Stils wahrscheinlich von größerer Bedeutung war, da er dort seine praktischen Kenntnisse erlangte Skulptur. Das meiste lernte er jedoch aus einem engen und liebevollen Studium der Elgin Marbles, und die große und ruhige Würde seines besten Werks ergibt sich zweifellos aus ihnen ebenso wie aus der Art seiner Idealfiguren und seiner charakteristischen Behandlung von Vorhängen.

Im Jahr 1843 ermöglichte ihm ein Preis, der beim diesjährigen Wettbewerb in der Westminster Hall gewonnen wurde, einen Besuch in Italien, wo er vier Jahre blieb, um zu malen und Italienisch zu lernen alte Meister, vor allem die der Renaissance in Venedig, dessen Einfluss zusammen mit dem der Elgin Marbles die Hauptmerkmale seines ausgereiften Stils bilden.

Frühe dekorative Kunstwerke

Er kehrte 1847 nach England zurück und gewann im selben Jahr ein zweites Mal einen Preis beim Westminster-Hall-Wettbewerb für seine Karikatur "Alfred, der seine Untertanen zum Widerstand gegen die Dänen aufruft", die anschließend im House of Lords durchgeführt wurde. Aber seine Ambitionen in Richtung Wandmalerei mit wenig Ermutigung getroffen. Ein Angebot, die Halle der Euston Station zu dekorieren, wurde ohne Bezahlung abgelehnt, obwohl ein Angebot der gleichen Art an die Bankiers von Lincolns Inn angenommen wurde, und er malte auf die Nordwand der Halle a Fresko von ’Gerechtigkeit, ein Plenarsaal der Gesetzgeber’. Dieses Fresko und der „Alfred“ im Oberhaus waren fast die einzigen bedeutenden Wandgemälde, die Watts anfertigte, aber fast alle seine größeren Bilder, obwohl auf Leinwand gemalt und nicht für einen bestimmten Ort entworfen, haben die Größe und Würde von Stil mit Wanddekoration verbunden.

Einflüsse und Leben

Moderne Kunstbewegungen hatte wenig Einfluss auf die Entwicklung von Watts Stil, und obwohl er unter dem Einfluss der Präraffaeliten, und Spuren von Turners Inspiration sind hier und da in seiner Arbeit ziemlich offensichtlich, er blieb eher eine isolierte Figur. Nach seiner Kindheit hatte er keine finanziellen Schwierigkeiten und konnte sich mühsam seiner widmen Kunst in einer sorgfältig geschützten Abgeschiedenheit. Sein Ruf wurde vor seiner verspäteten Wahl als Gesellschafter der fest etabliert königliche Akademie 1863 folgte die Vollmitgliedschaft vier Jahre später. Über den Rest seines Lebens gibt es wenig zu erzählen. Er blieb bis zu seinem Ende ein ziemlich regelmäßiger Aussteller an der Akademie sowie an der Grosvenor und New Galleries, und er übte einen erheblichen Einfluss auf viele spätere Künstler des 19. Jahrhunderts aus. Sowohl von Künstlern als auch von der Öffentlichkeit wurde er mit einer Ehrfurcht und Ehrfurcht betrachtet, die kaum einem anderen englischen Maler zuteil wurde, und als ihm 1902 der Verdienstorden verliehen wurde, drückte dies treffend seine allgemeine Wertschätzung aus. Er hatte bereits dreimal einen Titel abgelehnt.

Seit seinem Tod hat Watts ’Ruf unter der allgemeinen Reaktion gegen alle viktorianischen Dinge gelitten, aber es ist wahrscheinlich, dass er diese Phase der Herabsetzung überstehen wird, auch wenn er nie wieder so hoch steht wie am Ende seines Lebens.

Die Kunst von George Frederick Watts

Watts Arbeiten lassen sich auf natürliche Weise in drei Kategorien einteilen: narrative Malerei (einschließlich Allegorien, historische und mythische Themen), Porträts und Landschaften. und er selbst hätte sie wahrscheinlich selbst in diese Rangfolge eingeordnet, denn er betrachtete sich vor allem als Lehrer, der eine Botschaft zu überbringen hatte. Eine solche Haltung eines Künstlers ist heutzutage so ungewohnt, dass sie schwer zu verstehen ist, aber in einer Zeit, in der sich die Köpfe der Menschen stark mit moralischen Problemen beschäftigten und von einem Bild immer noch erwartet wurde, dass es zum Nachdenken anregt, war sie selbstverständlich.

Allegorien, mythologische, historische Gemälde

Heutzutage mögen ästhetische Puristen Einwände gegen die ethische Bedeutung erheben, mit der Watts seine Bilder geladen hat, und man könnte das Gefühl haben, dass das Gewicht dieser Ladung manchmal höher war, als die Bilder unterstützen konnten. Wenn wir jedoch das moderne Vorurteil gegen Bilder mit einem "Zweck" aus unseren Augen verbannen, müssen wir zugeben, dass Watts seine Ideen in große und würdevolle Formen gekleidet hat, die für sich genommen ein geeignetes Mittel für ihren moralischen Inhalt sind. Es stimmt, dass Geschichtsmalerei Derartige Gegenstände scheinen an den Wänden einer Ausstellung fehl am Platz zu sein, und es wäre weitaus besser gewesen, wenn sie in einem homogenen Dekorationsschema eines Gebäudes verkörpert worden wären, in dem ihre Bedeutung dem Zweck der Ausstellung entsprochen hätte was das Gebäude beabsichtigt war. Watts selbst hätte es sicherlich vorgezogen, und es war kein Fehler von ihm, dass seine allegorischen und mythologische Malerei besteht aus abgelösten Fragmenten eines solchen Schemas. Ihre wirklich gute Qualität kann am besten geschätzt werden, wenn man sie mit denen anderer Maler ähnlicher Motive vergleicht. Allegorien sind notorisch schwer zu malen und scheinen oft nur die leiseste Entschuldigung für ein Bild zu sein, aber bei Watts war dies nie der Fall, und in seinem besten Werk bilden Subjekt und Form eine unvermeidliche Einheit. "Chaos" ) Tate Gallery), ’Der Geist des Christentums’ (Tate Gallery), ’Liebe und Tod’ ) National Gallery London) sind schöne Beispiele für diese Seite seiner Kunst.

Porträts

Watts ’größte Qualitäten zeigen sich in seinen Porträtkunst, und diese Werke sind nicht offen für Einwände, die allgemein gegen seine Allegorien erhoben werden, obwohl sie mit demselben Idealismus und derselben Ernsthaftigkeit des Zwecks behandelt werden. Einige seiner Porträts waren Aufträge. Er malte sie als historische Aufzeichnungen der großen Männer seiner Zeit und behielt sie in seinem eigenen Besitz, bis er sie der Nation vorstellte. Er begann in Italien als junger Mann, nachdem er Lord Holland kennengelernt hatte, der sich mit ihm anfreundete und ihn zu angesehenen Sittern machte. So konnte er früh in seiner Karriere mit seiner Reihe historischer Porträts beginnen. Sie sind in einem Geist der Heldenverehrung gemalt, der eher die öffentliche Größe seiner Dargestellten als ihren privaten Aspekt betont, aber sie haben nichts über das offizielle Porträt. Sie lassen sich vielleicht am besten als symbolische Porträts beschreiben, denn Watts sieht in den physischen Eigenschaften seiner Dargestellten nichts als Symbole ihrer Größe.

Die Mehrheit der viktorianischen Porträts, so gut sie auch gemalt sein mögen, sieht zu sehr aus wie posierende Models und erinnert unweigerlich an das Studium der Studenten. Keines von Watts Porträts hat diesen Look. Auf seltsame Weise isoliert er die Persönlichkeit von ihrer zufälligen Umgebung und beseitigt, wie Joshua Reynolds es tat, alles, was momentan und zufällig ist. In der Tat waren seine Ziele in der Porträtmalerei denen von Reynolds sehr ähnlich, und seine Figuren haben den gleichen typischen Charakter, obwohl sie eine ganz andere Ausstrahlung haben. Im Gegensatz zu dem Gefühl der reichen und aristokratischen Freizeit, das die Porträts von Reynolds belebt, steckt in denen von Watts eine dynamische Energie des Geistes und des Intellekts.

Das Kostüm seiner Zeit gab Watts nicht die gleichen Möglichkeiten für wunderschöne Farbschemata wie Reynolds, aber trotz dieser Einschränkung, die Farbe Von seinen Porträts hat er einen nüchternen und würdevollen Reichtum, der zu ihrer Ernsthaftigkeit passt, und wenn sich die Gelegenheit für eine kräftige Farbe bot, konnte er das Beste daraus machen. Die Schwierigkeiten des Kostüms erklären wahrscheinlich auch die Tatsache, dass die meisten Porträts von Watts Köpfe und Schultern oder kleine halbe Längen sind, in denen sich die gesamte Aufmerksamkeit auf den Kopf konzentrieren könnte.

Porträt des Kardinals Manning

Das Porträt von Kardinal Manning, in dem das Kostüm ihm erlaubte, das Interesse auf seine Leinwand zu verteilen, ist größer als die meisten seiner Männerporträts und ein gutes Beispiel dafür, was er mit einer solchen Gelegenheit anfangen könnte. Es ist in der Tat eines der besten Porträts, die er jemals gemalt hat, und zeigt besonders gut seinen sympathischen Idealismus. Watts (man stellt sich vor) stand von Natur aus weder der römisch-katholischen Kirche noch Manning besonders nahe, und er hätte dieses Bild durchaus als Kostümstück mit nur dekorativem Interesse betrachten können. Stattdessen ist er ein lebendiges Symbol dieser seltsamen Mischung aus Pracht und Askese, weltlichem Prunk und spiritueller Kraft, die die historische katholische Kirche darstellt. Bei aller Pracht von Scharlach und Spitze dominiert der magere asketische Kopf des Kardinals das Bild, dessen brennende Augen eine Intensität spiritueller Energie ausstrahlen, die die Pracht seiner Gewänder nicht in den Schatten werfen kann. Mit vielen seiner anderen Darsteller, mit Carlyle, mit Tennyson, mit William Morris zum Beispiel, hatte Watts vermutlich ein viel natürlicheres Mitgefühl, und obwohl ihre Porträts großartig sind, übertreffen sie das Porträt von Manning in ihrer sympathischen Einsicht und Symbolik nicht Idealismus. Es war für Watts charakteristisch, dass er sich in seinen Porträts völlig unterdrückt und keine Spur einer persönlichen Beziehung zwischen ihm und seinem Dargestellten hinterlässt. Er scheint seine Motive eher neu zu erschaffen, als sie zu beschreiben, so dass wir uns beim Betrachten der Porträts in direkten Kontakt mit einer mächtigen Persönlichkeit gebracht fühlen.

Frauen malte er seltener als Männer und insgesamt weniger erfolgreich; sein Verständnis von ihnen war weniger sicher und die Robustheit seiner Berührung degeneriert oft zu einem unsicheren Fummeln in seinen Bemühungen, sie an die Zartheit weiblicher Schönheit anzupassen. Trotzdem sind einige seiner Frauenporträts, insbesondere Frau Nassau Senior, sehr schön und liebenswürdig.

Ein königlicher Akademiemitglied von Watts war der sehr beliebte Tierporträtmaler Sir Edwin Landseer (1802-73), bekannt für seine sentimentalen Gemälde und Radierungen von Hunden sowie für seine Porträts von Königin Victoria und der königlichen Familie.

Landschaften

Im Landschaftsmalerei Watts erreicht kein so hohes Niveau wie in seinem anderen Werk, obwohl er auch hier auf einem höheren Niveau war als viele seiner Zeitgenossen in England. Er hatte nicht das genaue und intime Wissen über die Natur, das für den großen Landschaftsmaler notwendig war, und in der Folge sah er zu viel mit den Augen anderer. JMW Turner (1775-1851), John Crome (1768-1821) und John Constable (1776-1837) scheinen zu verschiedenen Zeiten seine Vorbilder gewesen zu sein, aber ihm fehlt die direkte Herangehensweise, und er scheint zu versuchen, seine Landschaften zum Vehikel von Ideen und Ideen zu machen Stimmungen, die ihnen nicht eigen sind.

Trotz aller Misserfolge und Mängel war die Leistung von Watts großartig. Die feinen ästhetischen Qualitäten seines Werkes und die unerschütterliche Zweckmäßigkeit, die es inspirierte, werden ihm letztendlich eine Position unter den großen Künstlern seiner Zeit sichern. Seine Werke hängen in einigen der beste Kunstmuseen im Vereinigten Königreich.