Jean-Baptiste-Camille Corot, französischer Landschaftsmaler Automatische übersetzen

Jean-Baptiste-Camille Corot war einer der großen Vertreter der französischen Landschaftsmalerei des neunzehnten Jahrhunderts . Obwohl er eine Reihe von feinen Porträts, Figurenbildern und Radierungen schuf - die alle übersehen werden - ist er am besten bekannt für die leuchtende Klarheit seiner Pleinairbilder . Corot, der einen großen Einfluss auf seine Zeitgenossen und spätere Künstler ausübte, darunter den großen Schweizer Maler Ferdinand Hodler (1853-1918), schlug mit seinem poetischen Stil des ungekünstelten Naturalismus eine Brücke zwischen der romantischen arkadischen Tradition der neoklassischen Kunst und der Pleinair-Reinheit des französischen Impressionismus. Er bleibt einer der beliebtesten und berühmtesten Künstler der Welt .

Gemälde von Jean-Baptiste-Camille Corot

Ein Tag im Leben von Jean-Baptiste-Camille Corot

Es ist drei Uhr nachts. Die Sonne ist noch nicht aufgegangen. Der Künstler sitzt unter einem Baum. Er ist klein, dünn und wachsam, mit einem starken, zerfurchten Gesicht, einem spielerischen Glitzern in den Augen, einer geschwollenen Unterlippe, stählernen Handgelenken und Muskeln und dem Herzen eines Kindes. Er schaut in die graue Morgendämmerung hinaus und singt. Einfach, ungekünstelt, froh über den Gedanken, am Leben zu sein, singt er wie die Vögel zu Ehren des kommenden Tages.

Er singt und wartet. Im grauen Dunst sind die vagen Umrisse von Gegenständen kaum zu erkennen. Ein schwacher Duft schwebt in der Luft. Kleine dünne Grashalme flattern in der Brise. Und dann - die ersten Strahlen der Sonne! Die Blumen erwachen, jede mit ihrem eigenen zitternden Tautropfen. Die Vögel, noch unsichtbar in ihrer Waldkathedrale, stimmen ihren Morgengesang an. Der Nebel hebt sich wie ein Vorhang über ein neues Schauspiel und gibt den Blick frei auf den silbrigen Fluss, die Bäume, die Häuschen und den sanft gefärbten Himmel über ihnen. Die Szene entfaltet sich nun vor den Augen des Künstlers.

Und nun ist die Sonne aufgegangen. Der Himmel steht in Flammen. Aber das Licht auf der Erde ist noch blass und zart. Am Ende des Feldes steht ein Bauer mit einem Wagen und Ochsen. Das Läuten einer Schafsglocke. Ein Wanderer auf einem beschlagenen Pferd reitet den Hang hinauf und verschwindet in einer Mulde. Weiße Birken, grünes Gras, blaue Luft - frisch, zart, lebendig. Und der Künstler malt all dies, ohne mit dem Singen aufzuhören.

Es ist Mittag. Die Sonne hat die Welt erhellt. Die Luft ist schwer, schläfrig, still. Die Blumen neigen ihre Köpfe. Die Vögel sind still geworden. Nur ein Geräusch ist zu hören - der Hammer des Schmieds im Dorf. Ding! Ding! Wie rhythmisch er auf den Amboss schlägt! Und dann verstummt der Hammer. Eine Stunde der Ruhe. Der Maler geht zum Mittagessen auf den Hof. Ein dickes Stück Brot mit Butter, Käse, Eier, Schinken. Oh, wie köstlich! Und nach so einem deftigen Mittagessen ein kurzes Nickerchen. Er träumt von seinen Bildern. Später wird er seine Träume malen.

Die Sonne bewegt sich auf den Horizont zu. Die Luft vibriert, als ob sie von fernen Trommeln geschüttelt würde. Wieder an die Arbeit! Die gleiche Landschaft in einer anderen Stimmung, in einem anderen Licht. Wie sich Züge, Konturen, Schattierungen, Harmonien, Gedanken verändern. Schließlich spricht und denkt die Landschaft unter dem Pinsel dieses Zauberers.

Und nun sinkt die Sonne in den Westen. Sie geht in gelben, orangefarbenen, scharlachroten, kirschroten und violetten Farbtupfern unter. Ein extravagantes und vulgäres Schauspiel. Nicht für diesen Künstler. Denn er bevorzugt die Natur in ihren ruhigen Stimmungen. Und so setzt er sich unter eine Pappel und wartet.

Der letzte Sonnenstrahl sinkt bereits unter den Horizont. Ein Band aus Gold und Purpur säumt die Wolke. Ah, das ist es! Dämmerung, Sanftheit, Frieden. Die Sonne ist verschwunden. Der Himmel ist in einen blassgelben Schleier gehüllt, der letzte Schimmer der Sonne. Und jetzt, wo das Nachglühen mit der Nacht verschmilzt, ist der Himmel eine zarte Textur aus Grün, Türkis, Grau und Braun. Im Wasser des Flusses spiegeln sich die sanften Töne des Himmels. Alles ist verschwommen, verworren - diese Unterströmung, wenn das Sichtbare mit dem Unsichtbaren verschmilzt. Die Natur schlummert. Sonnenuntergang, Stille, Nacht. Ein Stern taucht vom Himmel in den Teich. Und das Wasser reflektiert das Licht in silbernen, lächelnden Kräuseln. Alles ist in Dunkelheit getaucht, außer den Sternen und dem Teich, einem Schwarm goldener Bienen, die sich im Wasser spiegeln. Nacht, Illusion, Träume. Pläne für den nächsten Tag. Neue Landschaften, neue Farbschattierungen, neue Geheimnisse der Natur, die auf der Leinwand eingefangen und interpretiert werden sollen. Aber für heute ist die Arbeit getan.

Dies ist ein typischer Tag von Corot, einem Maler und Dichter, dem es gelang, nicht nur die Form, sondern auch die Psychologie der Natur darzustellen. Wie Bonsels stattet Corot jeden Baum, jede Blume, jeden Grashalm mit Individualität und einer lebendigen Seele aus.

Die frühen Jahre

Corots Leben selbst war ein zartes Gedicht der Großzügigkeit und des Genies. Sein Leben begann jedoch in einer stürmischen Periode der Weltgeschichte. Denn 1796, das Jahr seiner Geburt, war eine Übergangszeit zwischen dem Sturm der Französischen Revolution und dem Sturm der Napoleonischen Kriege. Er wuchs in einer Generation auf, die von Blut und Donner, Ehrgeiz und Intoleranz, Hass, Gemeinheit und Rache geprägt war. Aber sein Charakter blieb unbefleckt von der wilden Dummheit seiner Zeit. Er hatte das Glück, dass in seinem Elternhaus eine gesunde und freundliche Atmosphäre herrschte. Sein Vater war Friseur und seine Mutter Schneiderin - beide waren Künstler und Menschen mit einem feinen Gemüt. Sie liebten ihr Kind, und obwohl sie seine „Fummelei mit dem Pinsel“ missbilligten, waren sie tolerant und ließen ihm seinen Willen.

Kurz vor Corots Geburt gab sein Vater seine Perückenmacherei auf und übernahm die Leitung der Schneiderei seiner Frau in der Rue du Bac, einem der angesagtesten Viertel von Paris. Das Geschäft floriert und der Vater hofft, dass sein Sohn auch ein Geschäftsmann wird. Er schickte ihn zur Schule und zum College und verschaffte ihm dann eine Stelle als Verkäufer von Stoffen. Corot übte diesen Beruf sechs Jahre lang aus und gab ihn dann zugunsten der Malerei auf.

Sein Vater unternimmt einen weiteren Versuch, aus dem jungen Künstler einen Kaufmann zu machen. Er schlägt ihm vor, sich mit einem Kapital von hunderttausend Francs (etwa zwanzigtausend Dollar) selbständig zu machen. Corot lehnt dieses praktische Angebot ab. Er wollte malen. Seine Mutter versuchte, ihn zur Vernunft zu bringen. „Mon Dieu, Camille“, rief sie aus, “wer hätte gedacht, dass sich mein Sohn als so vulgär erweisen würde! Doch Corot ließ sich nicht von seinem Wunsch abbringen, zu malen. Seine Eltern schickten ihn daraufhin mit einem gutmütigen Achselzucken und einem großzügigen Einkommen von zwölfhundert Francs pro Jahr auf ein „verrücktes Abenteuer“.

In diesen frühen Jahren (1820er Jahre) war die Landschaftsmalerei in zwei Schulen oder Stile unterteilt: die italienische neoklassizistische Schule in Südeuropa, die idealisierte, imaginäre Ausblicke propagierte, die oft von mythologischen oder biblischen Figuren bevölkert waren; und die eher realistische Schule, die sich von der niederländischen realistischen Tradition ableitete - die in England und Nordeuropa populärer war - und die der realen Natur eher treu blieb als eine idyllische Version. In beiden Fällen begannen die Künstler in der Regel mit einigen Skizzen und Vorstudien in der freien Natur, die dann im Atelier vollendet wurden. Die englische Schule der Landschaftsmalerei, angeführt von John Constable und William Turner, war besonders einflussreich in ihrer Vorliebe für den Realismus gegenüber dem Neoklassizismus.

Corot studierte kurz (1821-1822) bei dem Maler und Lehrer Achille-Etne Michalion (1796-1822) und bei Jean-Victor Bertin (1767-1842), die Schüler von Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) waren, einem Anhänger von Nicolas Poussin, Claude Lorrain und der klassischen Tradition. Corot, der in den Wäldern von Fontainebleau und in Dörfern wie Ville d’Avray, westlich der französischen Hauptstadt, sowie in seinem Atelier arbeitete , übernahm diesen klassischen Stil bereitwillig in seine Zeichnung, Skizze und Komposition, fügte seiner Malerei jedoch seine eigene Poesie und ungekünstelte Natürlichkeit hinzu. Diese Poesie ist jedoch von Realismus durchdrungen - in seinen Notizbüchern finden sich zahlreiche Skizzen von Bäumen, Felsen und Pflanzenformen, die seine Aufmerksamkeit für die Realität der Landschaft zeigen.

Ein Student der Natur

Während der Entstehungszeit seiner Kunst besuchte er zweimal Italien, um die Techniken der Renaissancekunst zu studieren (ca. 1400-1530), war aber - trotz seiner Verehrung für Leonardo da Vinci - viel mehr von den Farnesischen Gärten, der italienischen Landschaft und der Schönheit des italienischen Himmels fasziniert . Sein erster Aufenthalt in Italien (1825-1828) war sehr produktiv, da er lernte, Licht und Schatten zu nutzen, um das notwendige Volumen und die Massivität von Gebäuden darzustellen. Es entstanden 200 Zeichnungen und 150 Ölgemälde .

Aber wie sein ganzes Leben lang erkannte er keine anderen Lehrer als die Natur. Er kopiert nie. Er malte immer direkt nach der Natur. „Folgt nicht anderen“, pflegte er zu sagen. „Wer folgt, bleibt immer zurück….. Du musst die Natur mit völliger Einfachheit und nach deinem persönlichen Empfinden interpretieren und dich völlig von dem lösen, was du von den alten Meistern oder deinen Zeitgenossen weißt. Nur auf diese Weise wirst du in der Lage sein, die Arbeit mit echtem Gefühl zu tun.“

Ausstellungen auf dem Pariser Salon

In den späten 1820er und frühen 1830er Jahren konzentrierte sich Corot auf die Schaffung großer Landschaften für die Ausstellung im Pariser Salon, der immer noch die realistische Malerei im klassischen akademischen Stil bevorzugte. Er begann damit, seine italienischen Ölskizzen zu überarbeiten und um neoklassische Elemente zu erweitern, wie in seinem ersten Werk, „Ansicht von Narni“ (1827). Es basierte auf einer schnellen Naturskizze eines verfallenen römischen Aquädukts unter einer staubigen, hellen Sonne, die er in eine idyllische, pastorale Umgebung umarbeitete.

Obwohl der Salon dieses Werk und seine anderen Werke von 1831 und 1833 (ein Porträt und mehrere Landschaften) anerkannte, wurden sie von den Kritikern im Allgemeinen kühl aufgenommen, so dass Corot zwei weitere Reisen nach Italien unternahm, um seinen Stil weiterzuentwickeln. Das Ergebnis war sein biblisches Gemälde „Hagar in der Wüste“ (1835), das Hagar und das Kind Ismael zeigt, die von einem Engel in der Wüste vor dem Austrocknen gerettet werden. Obwohl das Gemälde auf einer anderen italienischen Skizze basierte, beeindruckten die Kühnheit der Komposition und die malerische Methode die Kritiker.

Er leistete anderen Künstlern finanzielle Unterstützung

Trotz all dieser Höhen und Tiefen ging Corot seinen eigenen Weg, hörte auf niemanden und war mit allen befreundet. Sein Vater erhöhte sein Einkommen auf zweitausend Francs. Aber Corot gab alles aus - für andere. Er war ein extravaganter Bruder für alle bedürftigen jungen Künstler in Paris. Er gab ihnen zu essen, kleidete sie ein und kaufte später sogar ein Haus für einen von ihnen. Um diese wohltätigen Bedürfnisse zu befriedigen - er nannte sie nie Almosen, sondern nur Zeichen seiner Freundschaft -, musste er sich von seinem Vater große Geldsummen leihen, die über sein Gehalt hinausgingen. „Eines Tages“, so pflegte er zu sagen, “werde ich meine Bilder verkaufen und es dir dann zurückzahlen.

Aber der Vater öffnete nur seine Brieftasche und lächelte. Wer hat je gehört, dass ein Künstler einem Geschäftsmann Geld zahlen kann? Und wozu waren Künstler überhaupt gut? Er war überzeugt, dass Camille für den Rest seines Lebens ein dummes, unpraktisches und improvisiertes Kind bleiben würde.

Unpraktisch und improvisiert, ja - bis zu einem gewissen Grad. Aber dumm? Nicht Coro. Er war weise mit der Weisheit eines großen Herzens. Corot war sparsam bis zur Mäßigung und konnte, in den Worten seines Biographen Everard Meynell, „eine Sultanine auf einem Laib Brot“ sein. Denn sein Brot war mit dem Gewürz der Freude gewürzt, wenn er daran dachte, dass ein anderer armer „Künstlerteufel“ in diesem Augenblick ein herzhaftes Mittagessen auf seine Kosten genoss. Am liebsten lieh er ohne jede Hoffnung auf Rückzahlung.

Freunde und Zeitgenossen des Künstlers

Corots Gemälde waren großartig, weil sie aus der Güte seines Herzens heraus entstanden waren. Und nach und nach erkannte das Publikum die Größe seiner Bilder ebenso wie die Güte seines Herzens. Seine Leinwände begannen sich zu verkaufen, und den Erlös schenkte er seinen Freunden. Und was für Freunde! Unter ihnen war Charles-François Daubigny (1817-1878), einer der ersten Vertreter der Pleinairmalerei, der sein ganzes Leben lang mit ihm malte, spielte und scherzte und der ihm auf dem Sterbebett zuflüsterte: „Adieu. Ich gehe in den Himmel, um zu sehen, ob Koros Freund Motive für Landschaften gefunden hat.“

Da war Henri Rousseau, Le Douanier (1844-1910) mit seinem massigen Kopf und dem dichten Bart, ein Künstler, dessen fröhliches Gesicht noch die Spuren des frühen Hungers trug - eines Hungers, den Corots Großzügigkeit zu beenden half. Da war Diaz - Narcisse Virgil Diaz de la Pella (1807-1876), dessen reiche Gemälde dem bunten Reichtum seines Namens entsprachen, ein Mann mit einem verkrüppelten Bein und einem kräftigen Herzen, ein Spanier, der wie ein Pirat aussah und wie ein Gott malte, ein schwarzhaariger John Silver, der in den Straßen gebettelt hatte, nun den Becher des Erfolgs bis zum Rand genoss und an einem tragischen Tag an einem Schlangenbiss sterben sollte. Da war Baudelaire, der Apostel der Romantik, dessen Genie an den Wahnsinn grenzte - oder, wie einige seiner schärferen Kritiker sagen würden, dessen Wahnsinn an das Genie grenzte. Und dann war da Gustave Courbet, dessen Eitelkeit noch größer war als sein Genie.

Ruhm und Anerkennung

Während der gesamten 1840er Jahre kämpfte Corot damit, die Kritik zu überwinden und seine Enttäuschung zu verbergen, als sein Werk vom Salon abgelehnt wurde . Doch 1845 erklärte Baudelaire Corot zum wichtigsten Vertreter „der modernen Schule der Landschaftsmalerei“. Im Jahr 1846 verlieh ihm die französische Regierung das Kreuz der Ehrenlegion .

„Unglaublich!“ - rief sein Vater aus, als er davon erfuhr. Corot selbst steht dieser Anerkennung ebenso gleichgültig gegenüber wie seinen früheren Misserfolgen. Sie erlaubt es ihm lediglich, seine Bilder nach Belieben zu verkaufen und seinen Geldbeutel zu Gunsten von Freunden aufzufüllen. Auf dem Salon von 1848 erhält er eine Medaille zweiter Klasse, aber immer mehr seiner Zeitgenossen, darunter Eugène Delacroix (1798-1863), erkennen seinen künstlerischen Rang an. Im Jahr 1848 wurde Corot zum Mitglied des Salons gewählt, und die öffentliche Anerkennung folgte schnell, was sein finanzielles Ansehen stark erhöhte.

Manchmal verlangte er von Mäzenen und Käufern von Kunstwerken recht hohe Preise - tausend Franken, dreitausend Franken, zehntausend Franken. Aber im Allgemeinen bewertete er seine Gemälde eher nach seinen Bedürfnissen zu jener Zeit als nach ihrem eigentlichen Verdienst. Im Großen und Ganzen hat er ihren Wert eher unterschätzt. Er wäre sehr überrascht gewesen, wenn er hätte ahnen können, dass, als er sein Gemälde „Lac de Garde“ für achthundert Franken verkaufte, dieses Gemälde dreißig Jahre später zweihunderteinunddreißigtausend Franken wert sein würde!

Die letzten Jahre

Während des Sturms des französisch-preußischen Krieges bleibt er ruhig und widmet sich seiner Aufgabe, Schönheit, Freundschaft und Freundlichkeit zu schaffen. Bis zuletzt unterstützte er seine Künstlerkollegen, indem er ihnen oft Aufträge vermittelte. 1871 spendete er 10.000 Dollar für die Armen von Paris, das zu dieser Zeit von der preußischen Armee blockiert war. Er schenkte der Witwe des großen Jean-François Millet (1814-1875), dem ehemaligen Führer der Schule von Barbizon, 10.000 Francs und kaufte ein Häuschen für den armen und fast blinden Karikaturisten, Maler und Bildhauer Honoré Daumier . Selbst der gewöhnlich bissige Edgar Degas nannte Corot „den Engel, der Pfeife raucht“.

Corot selbst lehnte es ab, alt zu werden. Er erwartete, so sagte er, hundertvier Jahre alt zu werden. Er hatte einen unersättlichen Appetit auf Arbeit. Im Alter von 77 Jahren stieg er immer noch die vier Treppen zu seinem Atelier in der rue Paradis Poissonnière hinauf. Im Winter des folgenden Jahres stirbt einer seiner besten Freunde, d’Aligny. Während der Beerdigung tobte ein Schneesturm auf dem Friedhof von Montparnasse. Doch der alte Künstler, dessen weißes Haar vom Schnee gepeitscht wurde, weigerte sich, bis zum Ende der Zeremonie zu gehen.

Schließlich begann seine Gesundheit zu schwinden. Er ging noch regelmäßig in sein Atelier - aber nicht um zu schreiben, sondern um bei seinen Lieblingsbildern zu sein. „Wenn ich jetzt nur die Kraft hätte!“ - pflegte er zu seinem Freund Robaut zu sagen. „Du hast keine Ahnung, was ich schreiben könnte….. Ich sehe Dinge, die ich noch nie gesehen habe. Neue Farbtöne, neue Himmel, neue Horizonte….. Ach, wenn ich dir diese unermesslichen Horizonte zeigen könnte!“ Drei Wochen später, am 22. Februar 1875, ging er zu diesen neuen Horizonten über. „Ich hoffe weiterhin“, sagte er kurz vor seinem Tod, “dass es im Himmel Malerei geben wird. Er wurde auf dem Friedhof Père-Lachaise in Paris beigesetzt.

Renommee

Als Schöpfer mehrerer berühmter Landschaftsgemälde erfreute sich Corot als Landschaftsmaler anhaltender Beliebtheit, ein Beweis für seine einzigartige kreative Fähigkeit, die Natur in ihrer ganzen Schönheit darzustellen. Er leistete einen wichtigen Beitrag zur modernen französischen Malerei, war ein feiner Beobachter von Licht und Wolken und einer der größten Meister der Pleinair-Ölstudien. Außerdem schuf er mehrere reizvolle Figurenbilder und Porträts (z. B. das Meisterwerk „Frau mit einer Perle“, 1869). Er hatte einen starken Einfluss auf die Landschaftsmalerei in der Mitte des 19. Jahrhunderts, einschließlich der impressionistischen Landschaften, und auf Künstler wie Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Eugène Boudin (1824-1898) und Berthe Morisot (1841-1895). Das letzte Wort hat Claude Monet (1840-1926), der einmal sagte: „Es gibt hier nur einen Meister, Corot. Wir sind nichts im Vergleich zu ihm, nichts.“

Die Werke von Corot hängen in vielen der besten Kunstmuseen der Welt .