Japanische Kunst: Geschichte, Typen, Stile Automatische übersetzen

Hier finden Sie eine kurze Einführung in die Ursprünge, Einflüsse und die historische Entwicklung von fünf wichtigen Arten der bildenden Kunst aus Japan.

Zum Einfluss japanischer Ukiyo-e-Drucke und anderer dekorativer Kunst auf europäische Künstler siehe: Japonismus (c.1854-1900).

Keramik von Jomon

"Jomon" ist der Name, der gegeben wird alte Töpferei hergestellt in Japan in der Epoche von prähistorische Kunst das heißt, alle Tongefäße, Gefäße und dekorativen Keramikfiguren, die von 14.500 v. Chr. bis etwa 100 v. Chr. hergestellt wurden. Die Jomon-Kultur beginnt also in der Ära von Paläolithische Kunst und setzt sich fort während der Periode von Neolithische Kunst (10.000-2.000 v. Chr.). In der Tat wird der Begriff "Jomon" jetzt verwendet, um sich auf die gesamte Zeit des Japanischen zu beziehen Steinzeit Kunst . Um zu sehen, wie Jomon-Keramik in die Chronologie der Keramikherstellung auf der ganzen Welt passt, siehe: Keramik-Timeline (26.000 v. Chr. – 1900).

Jomon-Schiffe wurden mit ziemlicher Sicherheit von beeinflusst Chinesische Keramik , die seitdem kontinuierlich produziert worden waren Xianrendong Cave Pottery (18.000 v. Chr.) Und Yuchanyan Höhlentöpferei (16.000 v. Chr.). Um 14.500 v. U. Z. verbreiteten sich chinesische Techniken über die Grenze nach Sibirien, wie sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts zeigte Amur River Basin Keramik , aus dem Jahr 14.300 v. Chr., und überquerte wahrscheinlich auch das Japanische Meer nach Honshu. Jedenfalls wissen wir, dass zu dieser Zeit auch die japanische Töpferei begann, wie aus den Radiokarbondaten hervorgeht, die an den ältesten Standorten von Jomon erhalten wurden, nämlich: Standort Odaiyamamoto I (Tohoku) (14.540 v. Chr.); Fukui-Höhle (Kyushu) (14.000 v. Chr.); und Kamino (Kanto) (13.500 v. Chr.).

Jomon Keramik entwickelt über sechs Perioden: Incipient Jomon 14500-8000 BCE; Initial Jomon 8000-5000 BCE; Early Jomon 5000-2500 BCE; Middle Jomon 2500–1500 v. Spätes Jomon 1500-1000 v. Final Jomon 1000-100 v.Chr. Um zu sehen, wie japanisch Antike Kunst , passt in die Entwicklung des Kunsthandwerks auf der ganzen Welt, siehe: Prähistorische Kunst Timeline (von 2, 5 Millionen v. Chr.).

Der frühe Jomon keramische Kunst wurde aus unraffiniertem Ton hergestellt, der bei Lagerfeuern im Freien niedrig gebrannt wurde. Die Gefäßformen beschränkten sich auf einfache Schalen und Gläser mit spitzem oder rundem Boden, während sich die Dekoration auf Seilmarkierungen an den Außenflächen beschränkte. Mit der Entwicklung des Neolithikums wurde die Töpferei jedoch verfeinert. (Siehe auch: Jungsteinzeit in China : 7500-2000 v. Chr.) So wurden die Gefäße in ihrer Form vielfältiger und enthielten flache Böden und reich verzierte Verzierungen. Die Brenntechniken wurden verbessert und primitive Brennöfen eingeführt, während soziale Veränderungen zu einer größeren Nachfrage nach neuen Sortimenten keramischer Objekte führten. Zu gegebener Zeit wurden neue Gefäßtypen für religiöse oder rituelle Zeremonien geschaffen. Der mittlere und späte Jomon war Zeuge der Verbreitung von "dogu" -Tonfiguren – einer Reihe von anthropomorphen Figuren, einschließlich seltsamer "brillenäugiger" Formen (siehe Bild links).

Kunst der buddhistischen Tempel

Japan ist eine Schatzkammer einiger der größten der Welt Skulptur , so gut wie alles buddhistisch und zunächst stark von Prototypen abhängig Chinesische Kunst . Die mittelalterliche buddhistische Kunst in Japan ist jedoch oft viel besser erhalten als in China oder Korea, und aufgrund des Fehlens entsprechender Beispiele ist es oft schwierig, zu entscheiden, ob ein bestimmtes Stück davon stammt religiöse Kunst wird importiert oder von einem einheimischen Japaner oder von einem Einwanderer.

Die japanische Geschichte vor dem Buddhismus gliedert sich in drei Epochen: Jomon (ca. 7500-200 v. Chr.), Yayoi (200 v. Chr. – 200 n. Chr.) Und Tumulus (200-600 n. Chr.) überlebt. Die neolithischen Jomon- Figuren bestehen aus grauem und rotem Steingut. Ihre Körperzüge sind mit Graten und flachen Einschnitten versehen. Große runde Augen geben dem abstrahierten Bild Leben. Die Tumulus- Periode hat ihren Namen von den großen Grabhügeln, die von ihren Herrschern errichtet wurden und um die sich Mengen befinden von Haniva wurden gefunden – Keramikzylinder mit Figuren von Gefolgsleuten, Frauen, Tieren und Häusern. Nach einem alten Text war Haniva ein Ersatz für die lebenden Menschen und realen Gegenstände, die früher die Großen ins Grab begleitet hatten – obwohl die Archäologie dies nicht bestätigt hat.

Die erste Welle buddhistischen Einflusses kam aus dem Königreich Paekche in Korea nach Japan. Es wird berichtet, dass der koreanische König dem Kaiser von Japan 538 ein Bild des Buddha in Goldbronze schickte. Der Kaiser erklärte, er sei zutiefst bewegt von der tiefgreifenden buddhistischen Lehre, aber weil Pestilenz auf ihn zukam, wurde das Geschenk in einen Kanal geworfen. Es gibt jedoch mehr Bilder und dann Künstler (einschließlich eines bekannten Meisters, Tachito, aus China – siehe Chinesische buddhistische Skulptur ), und Ende des sechsten Jahrhunderts begrüßte Prinz Shotoku, Regent von Japan, den Buddhismus offen. Damals wurde unter anderem das berühmte Kloster Horyu in der Region Nara gegründet, und es entstanden Bilder in großer Zahl. Anfangs beschränkte sich die buddhistische Skulptur auf einige wenige Themen – Shaka (der historische Buddha), Yakushi (der heilende Buddha), Miroku (oder Maitreya, der Buddha der Zukunft), Kwannon oder Kannon (der Bodhisattva des Mitgefühls) und der Wächter Könige von Norden, Osten, Süden und Westen. Zwei buddhistische Trinitäten (der Buddha flankierte von zwei Bodhisattvas) Bronze- werden von der Hand von Tori, Enkel des Einwanderers Tachito, aufgezeichnet, der für sie mit einem höheren sozialen Status belohnt wurde. Der Stil dieser frühen japanischen Skulptur leitet sich eindeutig von chinesischen Beispielen ab (vergleiche zum Beispiel die von Longmen und Yungang), die oft über Korea nach Japan gebracht wurden – wie bei "The Kudam (Paekche) Kannon", das traditionell zugeschrieben wird ein koreanischer Künstler. Die Formen sind etwas steif und länglich, zu sanft abgestuften Flächen geglättet, die mit einer Kalligraphie aus herabhängenden Falten und anmutigen Faltenenden versehen sind. (Hinweis: Informationen zur Verbreitung des chinesischen Kunsthandwerks in Ostasien finden Sie unter: Koreanische Kunst .)

Einzelheiten zur frühen chinesischen buddhistischen Kunst finden Sie unter: Kunst der sechs Dynastien (220-589) und Sui-Dynastie Art (589 & ndash; 618).

Während des siebten und achten Jahrhunderts, Holz wurde ein beliebtes Medium der japanischen Bildhauer. Es wurde geschnitzt und poliert, um sanfte Konturen zu erhalten, die durch lineare Muster mehr oder weniger belebt wurden. (Siehe auch: Jade schnitzen .) Eines der schönsten Beispiele dieser Zeit ist jedoch Bronze, die kolossale freistehende buddhistische Dreifaltigkeit im Yakushi-Tempel in Nara, wahrscheinlich aus dem frühen 8. Jahrhundert. Die Vorhanglinien drehen sich frei um das prächtige und massive Yakushi; Auch die Bodhisattvas sind prall und verkörpern Eleganz. Solche riesigen Bilder, die wahrscheinlich direkt von chinesischen Tang-Prototypen stammen und jetzt verloren gehen, wurden in der Nara- Zeit (710-84) häufig von jeder Provinz bestellt, um den Tod einer Pest, den Beitritt eines Kaisers usw. zu feiern. Eine, die im Todai-Tempel in Nara überlebt hat, besteht aus fast fünf Tonnen Metall, obwohl die Figuren hohl sind und nach der Wachsausschmelzmethode gegossen wurden. Eine Anleitung zu den ästhetischen Prinzipien der orientalischen Kunst, die sich in Malerei, Skulptur und zahlreichen Handwerken in China widerspiegeln, finden Sie unter: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .

Eine weitere Ader der Skulptur aus ungebranntem Ton tauchen in den frei modellierten kleinen Figuren der Trauerjünger auf dem Tableau des Todes des Buddha (711) im Kloster Horyu auf. Jeder Jünger ist als ein eigenständiges Individuum konzipiert. Ein ähnlicher Realismus greift das großartige Trockenlackporträt des chinesischen Mönchs Ganjin auf, Gründer des Toshodai-Klosters, der in Japan weithin als eine Art Heiliger verehrt wird. Aus China scheint er Künstler und eine neue Welle des Einflusses mitgebracht zu haben. Der riesige Kannon im Toshadai-Tempel, 5, 5 Meter hoch, mit seinen tausend Armen (tatsächlich 953), die um das ruhige Gesicht eine fantastische Aureole bilden, ist ebenfalls aus Trockenlack. Während die Ganjin eine neue und kraftvolle Tradition der Porträtskulptur initiieren, die sicherlich mit dem Trend in China zusammenhängt, der in den individualistischen Figuren von Luohans gipfelte, offenbart die Kannon einen neuen schwerfälligen und statischen Stil mit Vorhängen aus schweren geschwungenen Falten.

In der Heian- Zeit (784-1185) blühte eine esoterische Sekte, die Shingon-Buddhisten , auf. Ihre langwierigen Rituale erforderten eine große Anzahl von Bildern, die ein verzweigtes Pantheon spiritueller Kräfte verkörperten, jedes mit unterschiedlichen, oft phantastisch ausgearbeiteten Attributen. Im elften Jahrhundert griffen die Bildhauer auf die Yosegi- Technik zurück, um immer komplexere Figuren aus geschnitztem Holz zu formen. Die aufwändigen Rituale, die während des Kamakura-Shogunats (1185-1392) praktiziert wurden, standen nicht mehr unter der Schirmherrschaft des Staates, obwohl weiterhin große und qualitativ hochwertige Skulpturen für sie angefertigt wurden, die immer dynamischer und realistischer wurden. Zwei große Holzschnitzer des 13. Jahrhunderts, Unkei und Kaikei , waren berühmt; Ihre Statuen von Schutzgottheiten sind großartig bedrohlich.

Die buddhistischen Tempel wurden nicht nur mit Skulpturen, sondern auch mit Wandbildern bestickten Bannern, gemusterten Seiden, illustrierten Manuskripten, zeichnungen und blockgedruckte Schriftrollen. Privatpersonen besaßen sowohl Miniaturversionen der Bilder in den Tempeln als auch kleine tragbare Schreine, die manchmal aus kostbarem Material geschnitzt waren.

Zen Tuschmalerei

" Zen " ist die japanische Aussprache des chinesischen " Chan " – der lebhaften, fundamentalistischen buddhistischen Sekte, die in China in der Ära von zum ersten Mal blühte Tang-Dynastie Kunst (618 & ndash; 906). Es stand für die Ablehnung der ausgeklügelten Riten und Pflichten des traditionellen Buddhismus, die in den großen Klöstern mit ihrem immensen Zeremonienapparat, ihren Schätzen an Gemälden und Skulpturen praktiziert wurden; Zen-Mönche suchten Erleuchtung durch persönliche Hingabe, durch Sparmaßnahmen und konzentrierte Meditation und erwarteten, dass sie sie inmitten der normalen Alltagsaktivität erreichen würden.

Während des Kamakura-Shogunats (1185-1332) wurde der Zen-Buddhismus von vielen Kriegern übernommen. Die Shogunate waren Militärdiktaturen, die im Namen eines Marionettenkaisers über Japan herrschten und vom Shogunat zusammen mit seinen Höflingen als wirkungsvoll, leichtfertig und zeremoniell gefesselt angesehen wurden. Die Shogunate förderten im Gegensatz dazu den Zen-Buddhismus und die Kaste und den Kodex der Samurai ("Krieger"), deren Ethik und Fähigkeiten auf den Geboten des Zen beruhten. In ihren Kampfkünsten der Schwert-, Bogen- und Speer-Zen-Disziplin spielte das Training, durch das Erleuchtung erreicht werden könnte, eine bedeutende Rolle. Die Anschläge der Samurai mussten spontan und unmittelbar sein, ohne dass ein überflüssiger Gedanke zwischen Bedürfnis und Tat bestand. Eine ähnliche Qualität wurde in der Tuschmalerei gepflegt.

Im vierzehnten Jahrhundert, in der Muromachi- Zeit (1333-1573), dominierte die Tuschemalerei – insbesondere wie sie von Zen-Priestermalern praktiziert wurde – die Kunst in Japan, wie sie dominierte Asiatische Kunst auf dem chinesischen Festland. Es wurde auf dem gegründet Tusche-und-Wasch-Malerei of Song China: Rein schwarze chinesische Tinte ( suzboku ) war das Hauptmedium, und auch ihre Motive entstammen dem chinesischen Repertoire – vor allem Landschaften und die Jahreszeiten, aber auch Porträts . Seine Ästhetik erforderte Direktheit des Sehens, spontane Reflexion der Sensibilität für die Natur – es basierte eng auf chinesischen Kanonen, wurde aber durch die Zen-Meditationstechniken erreicht. Eine Reihe von Malern hatte diesen chinesischen Stil nach und nach in Japan etabliert – darunter Shubun (aktives 14. Jahrhundert) und Bunsei (aktives 15. Jahrhundert); der größte von ihnen war Sesshu (1420-1506), der vielleicht der größte typisch japanische Tuschemaler war, obwohl auch er wie seine Vorgänger noch stark von den großen Malern der Zeit beeinflusst war Kunst der Song-Dynastie (906-1279), darunter der Zen-Mönch Muqi , aber auch der Ming-Maler Dai Jin . Von Sesshu wird berichtet, dass er während seines Studiums in China (1467-68) als der größte lebende Tintenmaler dort galt. Tatsächlich war Sesshus Pinselstrich schärfer und kantiger als der der Song-Maler. Er drückte seine Naturerfahrung mit größerer Freiheit und einer stärkeren Persönlichkeit aus und setzte die akademische Harmonie von Form und Geist außer Kraft, nach der die chinesischen Meister damals strebten. Spätere Generationen japanischer Künstler sollten immer wieder auf sein Beispiel zurückgreifen – nicht zuletzt die Maler der Kano- Familienschule.

Der Überlieferung nach war der Gründer der Kano-Schule Kano Masanobu (1434-1530), der anfing, im weichen Stil seines Meisters Shubun zu malen, und dann einen dekorativeren Ausdruck in bemerkenswert klaren und ausgewogenen Kompositionen entwickelte, insbesondere in einer großen Serie. Meist verloren, von Wandgemälden und Leinwandbildern für Zen-Klöster. Sein Sohn Kano Motonobu (1476-1559) festigte den Kano-Stil in starken und lyrischen Umrissen, die seine Bewunderung für Sesshu, aber auch für die Stile der großen Meister von Song China widerspiegeln. Wie sein Vater arbeitete er für Zen-Klöster und tat viel, um der Kano-Schule ihren offiziellen Status beim Shogunat zu verleihen.

Die großen Burgen auf hoch aufragenden Steinsockeln, die die Adligen während der Herrschaft der Momoyama-Shoguns (1568-1615) als Reaktion auf den Import von Kanonen errichteten, boten riesige Flächen zum Malen an – eine Gelegenheit, auf die die Kano-Künstler mit Energie und Energie reagierten Phantasie. Das große Genie war Kano Eitoku (1543-90), der Enkel von Motonobu. Er fügte dem gedämpften Tuschestil die für die weltlichen Ziertraditionen von Yamato-e charakteristische Farb- und Blattgoldfarbe hinzu und setzte auf seinen Bildschirmen riesige Bäume oder Felsen, die in großen geschwungenen Linien gezeichnet waren, gegen ein goldenes, trübes, immaterielles Material Hintergrund. Leider hat wenig von seiner Hand die Zerstörung der Schlösser und Burgen überstanden, in denen er gearbeitet hat. Es gibt auch dekorative Bildschirme, stimmungsvoll und asymmetrisch gestaltet von seinem Zeitgenossen Hasegawa Tohaku (1539-1610), der jedoch am besten für seine monochrome Malerei und die Feinheit seiner scheinbar lässigen Pinselführung bekannt ist. Die Kano-Schule blühte bis ins 18. Jahrhundert hinein und verlor allmählich an Inspiration.

Der strenge Zen-Malstil wurde in der Edo- Zeit (1615-1867) neu belebt, als Niten (1584-1645), Tintenmaler und Samurai-Schwertkämpfer, dessen Pinselführung eine entsprechend schnelle, zusammenfassende Qualität aufwies, die Einfachheit und Direktheit wieder bestätigte. Nitens lebendige monochrome Pinselführung wurde von seinen Zeitgenossen Sotatsu (d.1643) und Koetsu (1558-1637) ergänzt, die nicht nur Tusche-Maler (wenn auch nicht im Zen-Stil), sondern auch dekorative Künstler waren, die maßgeblich an der Wiederbelebung von beteiligt waren Yamato-e. Die Vorstellung von Zen war zu dieser Zeit nicht mehr so ​​streng; Die Teezeremonie, die ursprünglich von Mönchen als kontemplatives Ritual praktiziert wurde, wurde eher als ästhetische als als religiöse Aktivität kultiviert. Aus der Momoyama-Zeit und der frühen Edo- Zeit sind die feinsten, subtil lässig dekorierten Gefäße erhalten geblieben, die damit verbunden sind. Die Erneuerung des Zen stimulierte auch die Entwicklung der anspielenden, epigrammatischen 17-Silben-Versform des Haiku und seines bildhaften Gegenstücks, der Haiga , perfektioniert vom Dichter-Maler Yosa Buson (1716-83). Eine ähnliche Ästhetik prägte das von Zen-Mönchen praktizierte Bild, um ihre intuitiven Einsichten zu testen – eine extreme, "minimale" Version des Prinzips, das die japanische Tuschemalerei immer dazu veranlasste, das Meiste mit dem Wenigsten auszudrücken.

Wichtige Daten zur Entwicklung der ostasiatischen Kultur: Chinesische Kunst Timeline (18.000 v. Chr. – Gegenwart).

Yamato-e

Die im Wesentlichen säkulare Malweise des japanischen Namens yamato-e , "japanische Malerei", entstand ursprünglich aus Stilen der chinesischen Tang-Dynastie, die Japan durchdrangen und im frühen Mittelalter assimiliert wurden. Anfänglich war es ein Hofstil, der sich deutlich von dem Gemälde unterschied, das direkt vom späteren chinesischen Beispiel inspiriert war und das dominierte Kunst während der Kamakura und Muromachi Shogunate (1185-1573). Ihre formellere, dekorativere und farbenfrohere Ästhetik widersprach der Spontaneität, Intuition und dem persönlichen Ausdruck der Zen-Tuschemaler – gewöhnlich in Schwarz-Weiß -, obwohl, wie wir bereits gesehen haben, die beiden Modi in gewissem Maße wechselwirkten.

Merkmale von Yamato-e sind früh in den berühmten Porträts von Hofwürdenträgern von Fujiwara Takanobu (1141-1204) zu sehen, die die äußerst strengen Konventionen widerspiegeln, die den Verkehr des mittelalterlichen japanischen Adels regeln. Die Gesichter wirken jetzt stark stilisiert, wobei der Schwerpunkt auf einfachem Grafikdesign mit dekorativen Details liegt. Zu ihrer Zeit verursachte ihr Realismus jedoch einen Skandal.

Die wichtigsten Beispiele für Yamato-e sind gemalte Schriftrollen. Während der Heian- Zeit (784-1185) inspirierten wahrscheinlich aus China importierte tang- buddhistische Schriftrollen die Entwicklung von langen Erzählrollen , Emakimono , die die raffinierten und kultivierten Freuden des kaiserlichen Hofes widerspiegelten . Eine Gruppe der frühesten und schönsten von ihnen illustriert den berühmten höfischen Roman der Dame Murasaki aus dem elften Jahrhundert "Die Geschichte von Genji", dessen Szenen sich mit Textpassagen abwechseln. Die mit schwarzer Tinte umrandeten Figuren sind nach einer Formel gezeichnet; Es sind ihre modischen Gewänder, die ihre Identität und ihren Status bestimmen, und nicht die auf leere Ovale reduzierten Gesichter, deren Nasen von kleinen Haken und die Augen von winzigen schwarzen Zecken umrahmt werden. Gebäude sind größtenteils ohne Dach und in einer solchen Projektion, dass ein Blick auf Innenaufnahmen möglich ist.

Andere erzählerische Schriftrollen anderer Art, aber eines ähnlichen Stils, widmeten sich dem Leben der buddhistischen Heiligen Japans oder der oft grausamen Geschichte Japans, die manchmal satirisch, manchmal dramatisch im Handel erhältlich war. Die Ban Dainagon- Schriftrollen aus dem 12. Jahrhundert sind vielleicht die dramatischsten. Sie sind insofern bemerkenswert, als aufeinanderfolgende Episoden zu einer fortlaufenden Darstellung zusammengefasst sind, die in unzähligen lebhaft gezeichneten, kaum Millimeter hohen Figuren vor sich geht, als die lange Schriftrolle von rechts nach links abgerollt wurde. Alle Klassen von Menschen, von Adligen bis zu Bauern, werden in einer Reihe von hektischen Gestikulationen dargestellt, die gewalttätige Gefühle ausdrücken.

Ausgehend von diesen frühen Prototypen sollte in einer langen Reihe narrativer Schriftrollen, die praktisch bis in die Neuzeit reichten, das Können geübt und weiterentwickelt werden, lebhafte Genres mit schneidigen Linien und dekorativen Farben darzustellen. Die Tradition wurde von der Tosa- Familienschule dominiert, die im konservativen und feierlichen Umfeld des heiligen kaiserlichen Hofes von Kyoto eingerichtet wurde . Die frühen Tosa-Künstler kultivierten raffinierte Techniken der Oberflächendekoration mit satten Farben und viel Blattgold. Während der frühen Shogunate lehnte die Schule ab, aber ihre dekorative Pracht trat im 16. und 17. Jahrhundert wieder in die Hauptströmung der japanischen Malerei ein, nachdem sie von Tosa Mitsunobu (1434-1525) wiederbelebt worden war. Aus dem Beispiel der Tosa-Schule entwickelten die Künstler Koetsu und Sotatsu (berühmt auch für ihre Experimente in der Tuschmalerei, so) im frühen 17. Jahrhundert in Kyoto einen farbenfrohen Stil, der von Ogata Korin (1658-1716) aufgegriffen wurde., ein begeisterter Bewunderer von Sotatsu. Korins hervorragend elegante Bildschirme und Schriftrollen kombinieren Elemente aus der traditionellen Bildsprache von Chinesisches Gemälde mit japanischer folklore, in dramatischen designs und mit einem außergewöhnlichen gefühl für farbe und textur präsentiert. Entgegen der formalen Pracht seiner rein dekorativen Arbeiten malte er auch lebhafte naturalistische Studien.

Die letzte und herausragende Periode von Yamato-e beginnt mit dem Umzug des Shogunats von Kyoto nach Edo im modernen Tokio im Jahr 1615. Die Kunst für die Bürger von Edo, einer urbanen Klasse eines neuen wohlhabenden Typs, war keine Angelegenheit sozialer Zeremonien auch nicht religiösen Ausdrucks, sondern nur zum Vergnügen. Für ihre Köstlichkeit wurde der wiederbelebte Yamato-E-Stil angewendet Genrebilder wie die der Matsuura- Bildschirme, bevölkert mit Damen in wunderschönen zeitgenössischen Kleidern. Dies wäre der Gegenstand von ukiyo-e; und das Hauptmedium der Ukiyo-e-Künstler, der Holzschnitt , wurde im Edo des 17. Jahrhunderts entwickelt, insbesondere von Moronobu (um 1618-94), der als einer der ersten das Verfahren anwendete Buchillustration . Moronobu sah sich als Anhänger der Yamato-e-Tradition und unterschrieb sich entsprechend. Erotische Kunst wurde von allen Edo-Künstlern praktiziert; Sigimura Jihei (tätig Ende des 17. Jahrhunderts) machte großartige Drucke von erotischen Tänzen, die sehr beliebt waren.

Hinweis: Ein weiteres japanisches Handwerk, das in der Edo-Zeit erfunden wurde, ist Origami , die Kunst des Papierfaltens.

Das Ausdrucksspektrum von Yamato-e erstreckte sich von seiner frühen raffinierten Formalität bis zu den sentimentalen, sehr opulenten und manchmal rohen Edo-Stilen; Nicht zuletzt war die Kunst der Lackmalerei einer der vielen Ableger. Mehrere berühmte Maler hatten mit Lackarbeiten experimentiert, darunter Koetsu und Korin im 17. Jahrhundert; Chinesische Lackwaren wurde seit der Antike hergestellt und wurde in der Ära von sehr beliebt Kunst der Ming-Dynastie (1368 & ndash; 1644). Während der Edo-Zeit entwickelten die Japaner eine außergewöhnliche Fähigkeit, kleine Lackbecher und -schalen zu malen, insbesondere die als Inro bekannten abgeteilten Medikamentenkisten . Diese waren mit einer Kordel, die mit einem Netsuke gesichert war, einer kleinen Schnitzerei aus Holz, Elfenbein oder einem Halbedelstein an der Schärpe des Trägers befestigt. Ob im Relief oder in der Runde, in einem bemerkenswert kleinen Miniaturkompass konnten japanische Handwerker erstaunliche, fantastische Effekte zaubern.

Ukiyo-e

Das Thema Ukiyo-e , "Bilder der schwebenden Welt", erschien zuerst auf Bildschirmen und hängenden Schriftrollen, wurde aber im späten 17. Jahrhundert von Holzschnittdruckern aufgegriffen. Ukiyo-e Farbholzschnitte , sowohl als Illustrationen zu Romanen als auch als eigenständige Bilder veröffentlicht, wurden im Fachhandel hergestellt Druckgrafik Kunsthandwerker zu Künstlerentwürfen, und ihr typisch kalligraphischer Stil wurde bereits in den handkolorierten Drucken von Kaigetsudo Ando (tätig 1700-14) und seinen Mitarbeitern geformt. In Kaigetsudo Andos einfigurigen Bildern berühmter Schönheiten der Yoshiwara , des Bordellviertels von Edo (heute Tokio), wurde der Schwerpunkt auf die prächtigen Designs der Kimonos gelegt, die mit drahtigen Kurven und starken, breiten Winkeln in einem kühnen, zweifarbigen Muster dargestellt wurden. dimensionale Zusammensetzung. (Siehe auch: Holzschnitte .)

Um 1720 erschienen Lackdrucke, in denen bestimmte Teile des Designs, wie die Schärpe eines Kimonos, mit glänzender Tinte bemalt wurden, während andere Teile mit Klebstoff bedeckt und mit Metallpulver bestäubt wurden – eine Technik, die später im Jahrhundert von Sharaku ausgenutzt wurde. Die Erfindung des Multiblock-Farbdrucks von Suzuki Harunobu (1724-70) erfolgte 1765. Harunobus Bilder drehten sich um einen fragilen Frauentyp, der fast kindisch ist, auf der Straße herumläuft oder sich zu Hause beim Faulenzen oder im Gespräch oder beim Malen vorstellt Liebe: Es war Harunobu, der die vorherrschende Stimmung von Ukiyo-e in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts begründete, als eine Vision der alltäglichen Realität, die mit einem eleganten Glamour versehen war.

Unter einer Vielzahl bedeutender Künstler waren während der ersten Reife des Edo-Drucks drei Giganten, Koryusai , Kiyonaga und Utamaro, am Werk . Anfangs war der Stil von Koryusai (aktiv 1765-84) seinem Meister Harunobu sehr ähnlich, aber nach Harunobus Tod begann er in den 1770er Jahren, ein neues, größeres Format zu entwerfen (das bald zum Standard für andere Künstler wurde) und begann lange Reihe von Kurtisanenbildern – Schönheiten des Yoshiwara, die entweder allein oder mit Begleitern stehen oder promenieren -, deren Bilder er in großartigen Kompositionen präsentierte, wobei er Garben von Linien verwendete, um Kaskaden von Vorhängen und geschwungenen Falten zu definieren. Er war auch ein herausragender Künstler in Bezug auf Vogel- und Pflanzenkompositionen und produzierte, wie fast alle anderen Edo-Künstler, Drucke, die Liebe in Aktion zeigen. Kiyonaga (1752-1815) spezialisierte sich auf erweiterte Kompositionen von Figuren in architektonischen oder landschaftlichen Umgebungen, wobei sich die Landschaften durch eine bemerkenswert subtile Luftperspektive auszeichneten. Seine Entwürfe erstreckten sich häufig über eine Reihe von Blättern – zwei oder drei oder mehr – und brachten erweiterte Erzählungen in den Bereich des Drucks.

Utamaro (1735-1806) wird oft als der größte der Ukiyo-e-Drucker angesehen. Er entwickelte eine neue Art von weiblicher Schönheit, großkörperig, weich, aber stark, hervorgerufen in weit geschwungenen Linien – und verwendete diese Art auch in seinen Illustrationen japanischer Legenden und Folklore. Er war fruchtbar in technischen Geräten, führte Effekte ein, die die Transparenz von Stoffen vermitteln, und schnitt die Figuren an den Grenzen der Komposition ab – ein Trick, den man bewundern und imitieren sollte Impressionisten .

Diese Künstler wurden Ende des achtzehnten Jahrhunderts von einer jüngeren Generation, einschließlich des mysteriösen Sharaku (tätig 1794-95), konkurriert. Er soll von Beruf Schauspieler im traditionellen Noh- Theater gewesen sein; 1794-95 wandte er sich zehn Monate lang den Drucken zu und fertigte mindestens 136 bemerkenswerte Porträts von Kabuki-Schauspielern an. Seine energische und forschende Zeichenkunst ist jetzt erfreut, aber seine harten Charakterisierungen scheinen die Öffentlichkeit zu dieser Zeit nicht angesprochen zu haben.

Hokusai (1760-1849) hatte im Gegensatz dazu eine immens lange Karriere: In seinen späteren Jahren unterschrieb er sich selbst. Der alte Mann war verrückt nach Zeichnen , und er war in der Tat ein experimenteller Künstler, voller Humor und Verständnis für die Kuriositäten des Lebens und der Kunst. Bis etwa 1823 produzierte er vergleichsweise konventionelle Schauspieler- und Kurtisanenabzüge und 1798 eine winzige Serie von Ansichten von Edo , seine ersten Landschaften. Dann, zwischen 1823 und 1829, machte er sich mit seinen sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji (später bis zu 46 Drucke) einen Namen: Kein früherer Ukiyo-e-Künstler hatte sich so direkt für das Drama der Landschaft interessiert, das so witzig und witzig geführt wurde kühnes Design. Er war äußerst produktiv, nicht nur in Drucken, sondern auch in Vogel- und Blumenbildern, illustrierten Grußkarten und in Zeichnungen (seinem Manga ), die ab 1814 in 13 Bänden gesammelt wurden. Sehen Sie seinen Berg Fuji bei klarem Wetter (um 1829) in der Britisches Museum , London.

Hokusai war ein bedeutender Künstler, aber auch eine Übergangsfigur, die das achtzehnte Jahrhundert mit dem neunzehnten verband. Unter dem Druck der Zensur änderte sich das Thema der Abzüge. Es war Hiroshige (1797-1858), der der größte Landschaftskünstler wurde. Seine Ansichten, obwohl sicherlich beeinflusst von Hokusais Stil, ließen seine Tapferkeit hinter sich und waren voller poetischer Atmosphäre, mit einer sympathischen Beobachtung der einfachen Leute über ihr tägliches Geschäft. Kuniyoshi (1797-1861) entwickelte eine ganz andere Art, Japans reiches Repertoire an Legenden, die Kriegsführung der Samurai. In Sätzen von Großdrucken, darunter einige in Triptychon Er illustrierte Helden, die gegen abscheuliche Chancen und Monster kämpften. Aber die Arbeit von Kuniyoshi und Hiroshige ist variabel; Der westliche Einfluss und der nachlassende Standard technischer Errungenschaften beeinträchtigten die Qualität japanischer Drucke fast zur gleichen Zeit, als westliche Maler begannen, sie zu sammeln und ihre kühnen Entwürfe und ihre hervorragenden dekorativen Farben in ihre eigenen Arbeiten einzubeziehen.

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