Japanische Kunst: Geschichte, Typen, Stile Automatische übersetzen

Keramiken

„Jōmon“ ist die Bezeichnung für antike Keramik, die in Japan während der prähistorischen Epoche hergestellt wurde: das heißt, alle tongebrannten Töpfe, Gefäße und dekorativen Keramikfiguren, die von 14.500 v. Chr. bis etwa 100 v. Chr. hergestellt wurden. Die Jomon-Kultur beginnt also in der paläolithischen Periode und reicht bis in die neolithische Periode (10.000-2.000 v. Chr.). In der Tat wird der Begriff „Jōmon“ jetzt für die gesamte Periode der japanischen Steinzeitkunst verwendet. Wie sich die Jōmon-Töpferwaren in die Chronologie der Töpferwarenproduktion auf der ganzen Welt einfügen, erfahren Sie in: Chronologie der Töpferwaren (26.000 v. Chr. bis 1900).

Die Jomon-Gefäße wurden mit ziemlicher Sicherheit von chinesischer Töpferei beeinflusst, die seit der Xiangrendong-Höhlentöpferei (18.000 v. Chr.) und der Yuchangyang-Höhlentöpferei (16.000 v. Chr.) kontinuierlich hergestellt worden war. Um 14 500 v. Chr. verbreitete sich die chinesische Technologie über die Grenze nach Sibirien, wie das Auftauchen von Keramik aus dem Amur-Becken, die auf 14 300 v. Chr. datiert wird, beweist, und gelangte wahrscheinlich auch über das Japanische Meer nach Honshu. Auf jeden Fall wissen wir, dass die japanische Töpferei ebenfalls zu dieser Zeit begann, wie die Radiokarbondaten der ältesten Fundorte zeigen, nämlich Odaiyamamamoto I (Tohoku) (14 540 v. Chr.), Fukui-Höhle (Kyushu) (14 000 v. Chr.) und Kamino (Kanto) (13 500 v. Chr.).

Die Jōmon-Keramik entwickelte sich in sechs Perioden: das beginnende Jōmon 14500-8000 v. Chr.; das anfängliche Jōmon 8000-5000 v. Chr.; das frühe Jōmon 5000-2500 v. Chr.; das mittlere Jōmon 2500-1500 v. Chr.; das späte Jōmon 1500-1000 v. Chr.; und das letzte Jōmon 1000-100 v. Chr. Um zu sehen, wie sich die japanische antike Kunst in die Entwicklung der Kunst und des Kunsthandwerks auf der ganzen Welt einfügt, siehe: Chronologie der prähistorischen Kunst (ab 2,5 Millionen v. Chr.).

Frühe Jōmon-Töpferwaren wurden aus unraffiniertem Ton hergestellt, der in Freiluftfeuern gebrannt wurde. Die Gefäßformen beschränkten sich auf einfache Schalen und Krüge mit spitzem oder rundem Boden, und die Verzierung beschränkte sich auf Tauzeichen auf den Außenflächen. Mit dem Fortschreiten des Neolithikums wurde die Keramikproduktion jedoch zunehmend verfeinert. (Siehe auch: Neolithische Kunst in China : 7500-2000 V. CHR.). So wurden die Formen der Gefäße vielfältiger, mit flachen Böden und kunstvolleren Verzierungen.

Auch die Brenntechniken wurden verbessert, es entstanden primitive Brennöfen, und soziale Veränderungen führten zu einer steigenden Nachfrage nach neuen Töpferwaren. Im Laufe der Zeit wurden neue Arten von Gefäßen für die Verwendung bei religiösen oder rituellen Zeremonien geschaffen. In der mittleren und späten Jōmon-Periode verbreiteten sich Tonfiguren „dogu“, eine Reihe von anthropomorphen Figuren, darunter seltsame Formen mit „Kulleraugen“.

Buddhistische Tempelkunst

Japan ist eine Fundgrube für die großartigsten Skulpturen der Welt, die fast alle buddhistisch sind und anfangs stark von Vorbildern aus der chinesischen Kunst beeinflusst waren. Die mittelalterliche buddhistische Kunst in Japan ist jedoch oft viel besser erhalten als in China oder Korea, und wegen des Mangels an vergleichbaren Beispielen ist es oft schwierig zu entscheiden, ob ein bestimmtes Stück religiöser Kunst importiert, „einheimisch japanisch“ oder „eingewandert“ ist.

Die Geschichte Japans vor dem Aufkommen des Buddhismus wird in drei Hauptepochen unterteilt: Jōmon (ca. 7500-200 v. Chr.), Yayoi (200 v. Chr.-200 n. Chr.) und Tumulus (200-600 n. Chr.) Aus diesen Perioden sind hauptsächlich kleine Keramikskulpturen erhalten. Die neolithischen Figuren aus der Jomon-Zeit sind aus grauer und roter Tonware gefertigt, ihre Körperzüge sind durch Grate und flache Einschnitte gekennzeichnet, die großen runden Augen verleihen dem abstrakten Bild Leben. Die Tumulus-Periode verdankt ihren Namen den großen Hügeln, die von ihren Herrschern errichtet wurden und um die herum zahlreiche Hanivas gefunden wurden, Keramikzylinder, die von Figuren von Dienern, Frauen, Tieren und Häusern überragt werden. Dem alten Text zufolge traten haniwa an die Stelle von lebenden Menschen und realen Gegenständen, die in früheren Zeiten die Großen ins Grab begleiteten - obwohl die Archäologie dies nicht bestätigt hat.

Die erste Welle des buddhistischen Einflusses kam aus dem Königreich Baekje in Korea nach Japan. Es wird berichtet, dass ein koreanischer Herrscher im Jahr 538 ein vergoldetes Bronzebildnis des Buddha an den japanischen Kaiser schickte. Der Kaiser erklärte, er sei von der buddhistischen Lehre zutiefst bewegt, doch aufgrund einer Seuche wurde das Geschenk in einen Kanal geworfen. Es folgten jedoch weitere Bilder und dann Künstler (darunter ein berühmter Meister, Tachito, aus China - siehe Chinesische buddhistische Skulptur), und gegen Ende des sechsten Jahrhunderts begrüßte Prinz Shotoku, Regent von Japan, den Buddhismus offen. Zu dieser Zeit wurde das berühmte Horyu-Kloster in der Region Nara gegründet, und man begann, Bilder in großer Zahl anzufertigen.

Zunächst beschränkte sich die buddhistische Bildhauerei auf einige wenige Themen - Shaka (der historische Buddha), Yakushi (der Buddha der Heilung), Miroku (oder Maitreya, der Buddha der Zukunft), Kwannon oder Kannon (der Bodhisattva des Mitgefühls) und die Wächterkönige des Nordens, Ostens, Südens und Westens. Die beiden buddhistischen Trinitäten (Buddha flankiert von zwei Bodhisattvas) in Bronze sind von der Hand von Tori, dem Enkel des Wanderers Tachito, der dafür mit einem höheren sozialen Status belohnt wurde, eingraviert.

Der Stil dieser frühen japanischen Skulptur ist eindeutig chinesischen Vorbildern entlehnt (vgl. z. B. die in Lunmen und Yungang), die oft über Korea nach Japan gelangten - wie „Gangnon aus Kudam (Baekje)“, das traditionell einem koreanischen Künstler zugeschrieben wird. Die Formen sind etwas starr und langgestreckt, geglättet in weiche, abgestufte Oberflächen, gesprenkelt mit Kalligraphie von absteigenden Falten und anmutigen Faltungen. (Anmerkung: Wie sich Kunst und Kunsthandwerk im chinesischen Stil in Ostasien verbreiteten, siehe: Koreanische Kunst .)

Mehr über die frühe chinesische buddhistische Kunst erfahren Sie in Kunst der Sechs-Dynastien-Periode (220-589) und Kunst der Sui-Dynastie (589-618).

Während des siebten und achten Jahrhunderts wurde Holz zum Lieblingsmaterial der japanischen Bildhauer. Sie schnitzten und polierten daraus sanft gewellte Volumen mit weichen Konturen, die mehr oder weniger durch lineare Muster belebt wurden. (Siehe auch: Jadeschnitzerei)) Eines der schönsten Beispiele aus dieser Zeit ist jedoch in Bronze ausgeführt, eine kolossale, freistehende buddhistische Dreifaltigkeit im Yakushi-Tempel in Nara, wahrscheinlich aus dem frühen achten Jahrhundert. Die Faltenwürfe wölben sich locker um den prächtigen und massiven Yakushi; die Bodhisattvas sind ebenfalls plump und verkörpern Eleganz.

Solche riesigen Bilder, die wahrscheinlich direkt von chinesischen Prototypen aus der Tang-Periode abgeleitet wurden, die heute verloren sind, wurden in der Nara-Periode (710-84) häufig von jeder Provinz in Auftrag gegeben, um das Überwinden einer Plage, die Thronbesteigung eines Kaisers usw. zu feiern; eines von ihnen, das im Todai-Tempel in Nara aufbewahrt wird, besteht aus fast fünf Tonnen Metall, obwohl die Figuren hohl sind, gegossen nach dem Wachsausschmelzverfahren. Für einen Leitfaden zu den ästhetischen Prinzipien der orientalischen Kunst, die in der Malerei, der Bildhauerei und den zahlreichen Kunsthandwerken Chinas zum Ausdruck kommen, siehe: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .

Eine andere Art der Bildhauerei, die aus ungebranntem Ton hergestellt wird, zeigt sich in den locker modellierten kleinen Figuren trauernder Schüler auf dem Gemälde „Tod des Buddha“ (711) im Horyu-Kloster. Jeder Schüler ist als ein besonderes Individuum konzipiert. Dieser Realismus verleiht dem Porträt des chinesischen Mönchs Ganjing, dem Gründer des Klosters Toshodai, der in Japan weithin als eine Art Heiliger verehrt wird, einen prächtigen, trockenen Anstrich. Aus China scheint er Künstler und eine neue Welle des Einflusses mitgebracht zu haben.

Der riesige Kannon im Toshodai-Tempel, 5,5 Meter (18 Fuß) hoch, mit tausend Händen (eigentlich 953), die einen fantastischen Heiligenschein um sein ruhiges Gesicht bilden, ist ebenfalls trocken lackiert. Während Ganjing eine neue und kraftvolle Tradition der Porträtplastik einleitet, die zweifellos mit dem Trend in China zusammenhängt, der in den individualistischen Figuren der Luohans gipfelte, zeigt Kannon einen neuen, grüblerischen und statischen Stil mit einer Draperie aus schweren, geschwungenen Falten.

In der Heian -Periode (784-1185) begann eine esoterische Sekte, die Shingon -Buddhisten, aufzublühen; ihre langwierigen Rituale erforderten eine große Anzahl von Bildern, die ein umfangreiches Pantheon spiritueller Mächte verkörperten, von denen jedes verschiedene, oft fantastisch komplexe Attribute besaß.

Im elften Jahrhundert griffen die Bildhauer auf die Technik ) yosegi) zurück, Teile von geschnitztem Holz in Eisen zu verbinden, um komplexere Figuren zu schaffen. Die aufwendigen Rituale, die während des Kamakura-Shogunats (1185-1392) praktiziert wurden, standen nicht mehr unter staatlicher Schirmherrschaft, obwohl weiterhin viele große und hochwertige Skulpturen für sie angefertigt wurden, mit zunehmend dynamischem Einfallsreichtum und eindringlichem Realismus. Zwei große Holzschnitzer des dreizehnten Jahrhunderts, Unkei und Kaikei, waren sehr bekannt; ihre Statuen von Schutzgöttern sind majestätisch und beeindruckend.

Buddhistische Tempel waren nicht nur mit Skulpturen, sondern auch mit Fresken, bestickten Bannern, bebilderten Seidenstoffen, illustrierten Manuskripten, Zeichnungen und Schriftrollen im Blockdruckverfahren geschmückt. Einzelpersonen besaßen sowohl Miniaturversionen von Bildern in Tempeln als auch kleine tragbare Schreine, die manchmal aus kostbaren Materialien geschnitzt waren.

Zen, Tuschemalerei

„Zen“ ist die japanische Aussprache des chinesischen „Chan“, einer energischen, fundamentalistischen buddhistischen Sekte, die in China erstmals während der Künste der Tang-Dynastie (618-906) aufblühte. Sie bedeutete die Abkehr von den aufwendigen Riten und Pflichten des traditionellen Buddhismus, wie er in den großen Klöstern mit ihrem riesigen Zeremonialapparat und ihren Schätzen an Gemälden und Skulpturen praktiziert wurde. Die Zen-Mönche suchten die Erleuchtung durch persönliche Einweihung, durch Askese und konzentrierte Meditation und erwarteten, sie inmitten der gewöhnlichen täglichen Aktivitäten zu erlangen.

Während des Kamakura-Shogunats (1185-1332) wurde der Zen-Buddhismus von einem Großteil der Kriegerklasse angenommen. Die Shogunate waren Militärdiktaturen, die Japan im Namen eines Marionettenkaisers regierten, der zusammen mit seinen Höflingen vom Shogunat als ästhetisierend, frivol und dem Zeremoniell verhaftet angesehen wurde. Im Gegensatz dazu entwickelten die Shogunate den Zen-Buddhismus, eine Kaste und einen Kodex von Samurai („Krieger“), deren Ethik und Fähigkeiten auf den Zen-Regeln beruhten. In ihren Kampfkünsten mit Schwert, Bogen und Speer spielte die Zen-Disziplin, die Ausbildung, durch die man Erleuchtung erlangen kann, eine wichtige Rolle. Die Schläge der Samurai mussten spontan und augenblicklich sein, ohne dass fremde Gedanken zwischen Notwendigkeit und Handlung traten. Eine ähnliche Qualität wurde beim Tuschezeichnen kultiviert.

Im vierzehnten Jahrhundert, während der Muromachi- -Periode (1333-1573), dominierte die Tuschemalerei - vor allem in der Ausführung durch Zen-Priester - die Kunst Japans, ebenso wie die asiatische Kunst auf dem chinesischen Festland. Sie basierte auf der Tusche- und Seifenmalerei des Chinas der Song-Ära: Reine schwarze chinesische Tusche ) shujboku) war das Hauptmedium, und auch die Themen stammten aus dem chinesischen Repertoire - vor allem Landschaften und Jahreszeiten, aber auch Porträts .

Die Ästhetik verlangte eine Unmittelbarkeit des Sehens, eine spontane Reflexion der Sensibilität für die Natur - sie war eng an den chinesischen Kanon angelehnt, wurde aber durch Techniken der Zen-Meditation erreicht. Eine Reihe von Künstlern etablierte diesen chinesischen Stil allmählich in Japan - unter ihnen Shubun (aktiv im 14. Jahrhundert) und Bunsei (aktiv im 15. Jahrhundert), aber der größte von ihnen war Sesshu (1420-1506), der vielleicht der größte japanische Maler bleibt, der mit Tusche arbeitete, obwohl auch er, wie seine Vorgänger, stark von den großen Künstlern der Song-Dynastie (906-1279) beeinflusst war, darunter der Zen-Mönch Muqi und der Ming-Maler Dai Jin .