Zeichnung: Typen, Geschichte der Grafik Automatische übersetzen
Einführung & Eigenschaften
Definition
In der bildenden Kunst kann der Begriff "Zeichnung" als die lineare Verwirklichung von visuellen Objekten, Konzepten, Emotionen und Fantasien einschließlich Symbolen und sogar abstrakten Formen definiert werden. Zeichnen ist ein Grafik-Design die sich durch eine Betonung auf Form oder Gestalt auszeichnet, anstatt auf Masse und Farbe wie in Malerei . Das Zeichnen unterscheidet sich erheblich von Grafikdruckverfahren, da eine Zeichnung zwar die Grundlage für die Replikation bilden kann, aber von Natur aus einzigartig ist.
Die Basis anderer Kunstformen
Die meisten Zeichnungen sind von anderen abhängig Arten von Kunst . Obwohl nicht jedem Gemälde, Mosaik, Wandteppich oder anderen Kunstwerken eine Zeichnung in Form einer vorläufigen Skizze vorangestellt wurde , ist die Zeichnung in Wirklichkeit die Grundlage aller bildenden Künste. Zum Beispiel ist eine Architekturzeichnung die Grundlage für den gesamten Hochbau. auf einem rohen Steinblock gezeichnete Markierungen bilden die Grundlage für die entstehende Skulptur; anfangs entstehen die meisten gemälde aus vorläufigen skizzen – erst im laufe der arbeiten werden sie zu farbigen oberflächen verfestigt. Außerdem zeigen immer mehr Untersuchungen, dass Zeichnungen die materielle Grundlage für Wand -, Tafel – und Buchmalereien, Statuen, Radierungen, Gravuren, Mosaiken, Glasmalereien und viele andere Formen bilden dekorative Kunst . Solche vorbereitenden Skizzen können sich auf breite Richtlinien beschränken oder die gesamte Arbeit bis ins kleinste Detail regeln.
Zeichnen ist auch eine eigenständige Kunstform
Darüber hinaus als eigenständige Kunst form, zeichnung bietet den größtmöglichen spielraum für kreativen ausdruck. Körper, Raum, Tiefe, Dreidimensionalität und sogar Bewegung können durch Zeichnen sichtbar gemacht werden. Darüber hinaus drückt die Zeichnung die Persönlichkeit des Zeichners spontan im Fluss der Linie aus und macht sie zu einer der persönlichsten aller künstlerischen Aussagen.
Zeichenmedien
Zeichnungen können mit einer Vielzahl von Zeicheninstrumenten erstellt werden , einschließlich Feder und Tinte, Kohle, Kreide, Pastell, Metallstift, Silberstift, Graphitstift, Buntstift sowie Stich-, Stich- oder Ätznadel für eingeschnittene Zeichnungsarten. Andere Alternativen sind Wachs oder conte Buntstifte , Marker, Graphitstifte und verschiedene Arten von Tintenstiften. Die üblichste Unterlage (das Material, auf dem das Bild gezeichnet wird) ist natürlich Papier, aber andere Optionen umfassen Pappe, Karton, Papyrus, Pappe, Leinwand, Leder, Pergament (Kalbsleder), Textilien – sogar Kunststoff oder Metall. Mixed-Media-Zeichnungen werden unter Verwendung einer Kombination dieser Materialien ausgeführt.
Zeichnen versus Malen
Die Grenze zwischen Zeichnen und Malen war schon immer leicht verwischt. Beispielsweise ist die chinesische Kunst, die mit einem Pinsel auf Seide oder Papier ausgeführt wird, der Zeichnung so nahe wie der Malerei der schönen Künste (z. B. Kalligraphie ). Einige Bilderhandschriften aus dem Mittelalter, wie der Utrecht Psalter , haben Federzeichnungen von solcher Freiheit der Linie, dass sie modernen Cartoons ähneln und effektiv die gleiche Funktion wie Gemälde erfüllen. Trotzdem entstand das Zeichnen als eigenständige Kunstform erst mit dem Renaissance-Kunst des quattrocento (15. Jahrhundert). Bis dahin zeichnen ( disegno ) war der Malerei unterlegen ( colorito ). Siehe auch: Kunstbewertung: Wie man Kunst schätzt .
Zeichnungsexperten
Das Wort " Zeichner" (oder " Zeichner" ) ist die übliche Bezeichnung für einen Künstler, der das Zeichnen übt. Vor allem Beispiele für höchste Entwurfskunst figurative Zeichnung Werke von Alte Meister wie Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Albrecht Dürer, Peter Paul Rubens, Rembrandt, Jacques Louis David und andere berühmte Maler wie Honore Daumier, Edgar Degas, Egon Schiele, Max Beckmann, David Hockney und Lucian Freud, um nur einige zu nennen.
Kategorien der Zeichnung
Im Allgemeinen umfasst das Zeichnen drei grundlegende Kategorien: Skizzierung ) : Dies bezeichnet unfertige und in der Regel unraffinierte Kompositionen. Diese Zeichnungen haben keine fortlaufende Funktion. Vorbereitende Zeichnung : Dies bezeichnet die Erstellung eines bestimmten Bildes oder einer Reihe von Bildern, die das Ganze oder einen Teil einer Komposition bilden, die der Künstler durch Hinzufügen von Pigmentfarben (Farben, Farbtinten usw.) vervollständigen möchte. Fertige Zeichnung : Bezeichnet eine abgeschlossene eigenständige autonome Arbeit, z. B. eine Illustration, eine Karikatur, eine Karikatur oder ein Grafikdesign.
Betreff
Zeichner haben alle Arten von Bildern in ihre Kompositionen aufgenommen, einschließlich Darstellungen von Menschen und Tieren in allen Genres, wie erzählerische Geschichtsbilder, Porträts, Karikaturen und Genreszenen sowie Landschaften oder Stillleben-Kompositionen. Einige Zeichner sind spezialisiert auf präzise Reproduktionen bestehender oder geplanter Gebäude (Architekturzeichnung), Schiffe (Meereszeichnung), Blumen (botanische Illustration) oder Pferde (Reiterzeichnung) oder Tiere sowie abstrakte Kompositionen von kubistischen bis zu typografischen oder kalligraphischen Kompositionen.
Zeichenmethoden
Zum Zeichnen kann eine enorme Anzahl von Werkzeugen und Utensilien verwendet werden, darunter Schieferstifte, Metallstifte, Kohle und Kreide sowie herkömmliche Stifte, Bleistifte und Pinsel, Füllfederhalter, Kugelschreiber und Filzstifte. Tatsächlich werden sogar Meißel und Diamanten zum Zeichnen verwendet. Siehe auch Automatismus in der Kunst für seine automatische Zeichnung.
Holzkohle
Teilweise verbrauchte Holzstücke werden seit der Ära von verwendet Prähistorische Kunst , als paläolithische Künstler das Erstaunliche hervorbrachten Höhlenmalerei zu finden in Chauvet, Lascaux und Altamira. Die Tradition wurde von den Alten Meistern gepflegt, deren Vorbereitung Kohlezeichnungen für Wandgemälde, Tafel und sogar Miniaturmalerei ist noch gelegentlich unter dem Pigment zu sehen. Das Ziehen von Holzkohle ergibt typischerweise einen porösen und nicht sehr klebenden Strich. Ein spitzer Kohlestift kann außergewöhnlich dünne Linien erzeugen. Wird die Breitseite auf der Oberfläche verwendet, werden gleichmäßig getönte Ebenen erstellt. Durch Reiben und Verschmieren der Kohlelinie entstehen gedämpfte Zwischentöne und feine Übergänge. Holzkohle eignet sich aufgrund ihrer geringen Klebekraft ideal zum Korrigieren von Skizzen. Wenn die Zeichnung jedoch erhalten bleiben soll, muss sie durch ein Fixiermittel geschützt werden.
Als Medium für schnelle Skizzen von Lebensmodellen wurde Holzkohle häufig in Kunstakademien und Werkstätten eingesetzt. Schwierige Posen, wie sie Tintoretto von seinen Modellen verlangte, ließen sich mit dem anpassungsfähigen Kohlestift schnell und einfach festhalten. (Weitere Informationen zu Tintorettos Zeichnungen finden Sie unter: Venezianische Zeichnung 1500-1600.) Holzkohle wurde auch häufig in vorbereitenden Skizzen für Porträts verwendet. In seiner Kohlezeichnung Porträt einer Dame gelang es dem französischen Maler Edouard Manet (1832-83), die Maserung des Holzes auf dem Stuhl, den Pelzbesatz des Kleides, die Kompaktheit der Frisur und die Weichheit des Fleisches festzuhalten. Der niederländische Maler Paulus Potter (1625-54) aus dem 17. Jahrhundert war ein weiterer großer Exponent, ebenso wie die großen Zeichner der Neuzeit, wie Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edgar Degas (1834-1917), Kathe Kollwitz (1867-1945) und Ernst Barlach (1870-1938).
Mit geölter Kohle , dh in Leinöl getauchten Kohlestiften, erzielten die Künstler eine bessere Haftung und ein tieferes Schwarz. Ausgenutzt im 16. Jahrhundert von Tintoretto Diese Technik war besonders beliebt bei Niederländische realistische Künstler des 17. Jahrhunderts, um tiefschwarze Akzente zu setzen. Im Gegenzug für eine bessere Haftung in den Vertiefungen des Papiers wird die Korrektur jedoch schwieriger. Darüber hinaus hinterlassen tief in Öl getauchte Kohlestifte einen bräunlichen Streifen neben den Linien.
Kreiden
Kreide ist ein ebenso wichtiges Zeichenmedium. Wo Holzkohle in erster Linie ein Medium für schnell korrigierbares Skizzieren ist, kann Kreidezeichnen dies und mehr erreichen. Seit Beginn des 16. Jahrhunderts ist Steinkreide , wie sie in der Natur vorkommt, in der Malerei immer beliebter geworden. Aluminiumoxidkreide hat als natürliches Material verschiedene Härtegrade, so dass der Hub von leicht körnig bis homogen dicht und glatt variiert. Die Suche nach gleichmäßiger Qualität hat zur Herstellung von Spezialkreiden für das Zeichnen geführt; Das heißt, Kreide, die nach dem Pulverisieren, Waschen und Formen zu praktischen Stiften einen weicheren, gleichmäßigeren Strich ermöglicht und auch frei von Sandpartikeln ist. Die Zugabe von Pigmenten erzeugt verschiedene Farbtöne von einem satten Schwarz bis zu einem bräunlichen Grau; die braune sorte ist im vergleich zur vielfach verwendeten schwarzen kreide von geringer bedeutung. Weiße Kreide, die auch in der Natur vorkommt, wird kaum als eigenständiges Zeichenmedium verwendet, obwohl sie häufig in Kombination mit anderen Medien verwendet wird, um einzelne Akzente des reflektierten Lichts zu setzen.
Seit dem 15. Jahrhundert wird Kreide zunehmend für Studien und Skizzen verwendet. Aufgrund seiner Eignung zum Zeichnen präziser Linien einer bestimmten Breite und zum Erzeugen von fein schattierten Farbtönen eignet es sich besonders zum Modellieren von Studien. Aufgrund dieser Eigenschaften ist Kreide ein besonders gutes Medium für autonome Zeichnungen, und es gibt kaum einen Zeichner, der nicht mit Kreide gearbeitet hat, oft in Kombination mit anderen Medien. Neben den Porträtzeichnungen haben insbesondere bei den Niederländern die Landschaften das Hauptthema der Kreidezeichnungen gebildet. Seit der Erfindung der künstlichen Kreide aus dem feinen, mattschwarzen Ruß Lampenschwarz - eine Erfindung, der zugeschrieben wird Leonardo da Vinci (1452-1519) – Die Bildqualitäten der Kreide wurden vollständig erforscht. Das Kreidesortiment reicht von trockenen, kohleähnlichen Sorten bis zu den fettigen Sorten, die von Lithografen verwendet werden.
Sanguine , ein Kreide-Eisen-Oxid-Zeichenstift, war im 15. Jahrhundert ein beliebtes Zeichenmedium, da es eine Fülle von farbenfrohen Möglichkeiten gab. Es war beliebt bei Michelangelo, Raphael und Andrea del Sarto (1486-1531), während Leonardo da Vinci es in seinen Skizzen für The Das letzte Abendmahl : siehe auch Michelangelos Profil mit orientalischem Kopfschmuck (1522, Ashmolean Museum, Oxford). Andere Künstler, die Sanguine verwendeten, waren die Porträtisten Jean Clouet und Hans Holbein, die flämische Schule um Peter Paul Rubens und vor allem französische Künstler des 18. Jahrhunderts wie Watteau, Nicolas Lancret, Jean-Etienne Liotard, Jacques-Andre Ponail und François Boucher. Der schottische Porträtist des 18. Jahrhunderts Allan Ramsay war ein begeisterter Benutzer vorbereitender Kreidezeichnungen für seine Porträts. Sanguine bot in Kombination mit schwarzer und weißer Kreide auf farbigem Papier eine noch stärkere Farbdifferenzierung.
Kreidezeichnungen sind auch mit modernen Zeichnern wie Edgar Degas, Odilon Redon, Gustave Moreau, Jean-Edouard Vuillard und Pierre Bonnard sowie expressionistischen Künstlern wie Edvard Munch und Ernst Ludwig Kirchner verbunden.
Pastelle
Eine noch stärkere Verfeinerung der Farbe ist mit Pastellstiften möglich, die aus pulverförmigen Pigmenten bestehen, die mit einer minimalen Menge an nicht fettendem Bindemittel gemischt sind. Wenn die Farben auf Papier aufgetragen werden, sehen sie immer frisch und hell aus, obwohl sie vor Zerstreuung geschützt werden müssen, indem sie unter Glas gehalten werden. Pastellfarben können in linearer Technik direkt mit den Stiften oder mit den Fingern direkt auf einen Bereich des Papiers aufgetragen werden. Pastelle entstanden im Norden Italiens im 16. Jahrhundert und wurden von Jacopo Bassano (1515-92) und Federico Barocci (1526 & ndash; 1612). Pastellzeichnungen der Accademia degli Incamminati spätestens im 17. Jahrhundert bekannt, obwohl sie als Kunstform erst im 18. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte, insbesondere in Frankreich (mit Jean Marc Nattier, Maurice Quentin de la Tour, Jean – Baptiste Perronneau und Jean Chardin) und in Venedig (mit Rosalba Carriera). Besonders beliebt bei den Porträtisten waren Pastellkreiden .
Metallpunkte
Die Technik der Metallspitze wird seit der Antike beim Schreiben und Zeichnen verwendet, so dass es wenig Vorstellungskraft erforderte, sie auch beim Zeichnen anzuwenden. Künstler verwenden ein schlankes Werkzeug (Stab oder Stift) aus reinem Weichmetall wie Blei, Silber, Zinn, Kupfer sowie verschiedene Blei-Zinn-Legierungen. Das am häufigsten verwendete Material war weiches Blei, das bei Verwendung auf einer glatten Oberfläche eine hellgraue Linie erzeugt. es ist nicht sehr farbstark und leicht zu löschen und eignet sich daher ideal für vorbereitende skizzen.
Die Papiervorbereitung war entscheidend für die Sichtbarkeit der Linie. Während der Renaissance wurde das leere Blatt normalerweise mit Schichten einer flüssigen Mischung aus fein gemahlener Kreide, Knochenmehl oder mit Pigment getöntem Bleiweiß bestrichen und mit Hautkleber und Gelatine gebunden. Und alle Metallpunkte mit Ausnahme des Leadpoints erfordern eine raue Arbeitsfläche. Eine der besten frühen Quellen für Metalpoint-Kunst ist das Skizzenbuch des venezianischen Malers Jacopo Bellini (1400-70) aus dem 15. Jahrhundert, das eine Reihe von Leadpoint-Zeichnungen auf getöntem Papier enthält. Der Florentiner Maler Botticelli benutzte leadpoint, um die Umrisse seiner berühmten Illustrationen für Dantes Divine Comedy zu skizzieren und sie anschließend mit dem Stift nachzuzeichnen.
Permanente Zeichnungen lassen sich am besten mit Silverpoint erstellen , da sie nach dem Anwenden nicht mehr gelöscht werden können. Silverpoint-Zeichnungen erfordern daher einen klareren Formenbegriff und eine ruhige Hand, da alle Korrekturen sichtbar bleiben. Dreidimensionalität und Darstellung von Licht müssen entweder durch dichte Schraffuren, Leerstellen oder ergänzt durch andere Medien dargestellt werden. Trotz dieser Schwierigkeiten war silverpoint im 15. und 16. Jahrhundert sehr beliebt. Albrecht Dürer verwendete silverpoint, um Landschaften, Porträts und verschiedene Gegenstände zu skizzieren, die seine Aufmerksamkeit auf einer bestimmten Reise nach Holland erregten. Silverpoint war auch bei Porträtkünstlern vom 15. bis zum 17. Jahrhundert beliebt. Es wurde später in der Ära von wiederbelebt Romantik und wird immer noch gelegentlich von modernen Künstlern verwendet. Metallpunkte wurden bis weit in das 18. Jahrhundert hinein verwendet, insbesondere in Architekturzeichnungen.
Graphitpunkt
Ende des 16. Jahrhunderts tauchte ein neues Zeichenmedium auf und ersetzte rasch die Metallspitze für das Skizzieren und Vorzeichnen. Bekannt als Graphitpunkt - oder "spanisches Blei" nach seinem Hauptursprungsort – erfreute sich dieses Zeichenmedium großer Beliebtheit, obwohl es aufgrund seiner weichen Konsistenz hauptsächlich für vorbereitende Skizzen und nicht für autonome Zeichnungen verwendet wurde. Die Graphitspitze brachte den Bleistift zum Vorschein , nachdem Nicolas-Jacques 1790 ein ähnliches Herstellungsverfahren wie bei der Herstellung künstlicher Kreide entdeckt hatte. Gereinigt und gewaschen konnte Graphit fortan in nahezu jedem Härtegrad hergestellt werden. Die harten Bleistiftspitzen mit ihren dauerhaften, klaren, dünnen Strichen waren besonders für die Zwecke neoklassizistischer Künstler geeignet. Zu den größten Vertretern der Bleistiftzeichner gehörte der akademische Maler JAD Ingres , der systematisch angestellt hat Bleistiftzeichnungen als Grundlage für seine Ölgemälde.
Mit der Zeit entstanden zahlreiche Bleistiftzeichnungstechniken. Maler des späten 19. Jahrhunderts wie Eugene Delacroix (1798-1863) bevorzugten weichere Stifte, um die Tiefe und den 3D-Effekt bestimmter Bereiche in der Zeichnung zu verstärken. Georges Seurat (1859-91) griff in seinen Zeichnungen ( Bei einem Europäischen Konzert , Museum of Modern Art, New York) auf Graphit zurück, in denen er seine pointillistische Technik in das monochrome Medium des Zeichnens übersetzte. Bleistift- Frottage (Reiben auf Papier, das dann über eine raue Oberfläche gelegt wird), zuerst vom surrealistischen Künstler untersucht Max Ernst (1891-1976) war eine weitere innovative Technik.
Zeichnen mit Stift
Von den vielen Möglichkeiten, flüssige Farbstoffe auf eine ebene Oberfläche zu übertragen, sind zwei für das Zeichnen in der Kunst von besonderer Bedeutung: Pinsel und Stift. Stellt der Pinsel eine insgesamt ältere Methode dar, die aus Paläolithische Kunst Der Stift ist seit der Antike das beliebteste Schreib- und Zeichengerät.
Die Funktionalität des Stiftes ist seit mehreren Jahrtausenden nahezu unverändert geblieben. Durch die Kapillarwirkung der gespaltenen Spitze wird die Ziehflüssigkeit je nach Sättigung des Stifts und dem von ausgeübten Druck unterschiedlich stark auf den Untergrund aufgebracht (zunächst Pergament, Papyrus, Pergament, aber seit dem Spätmittelalter fast ausschließlich Papier) die zeichnende Hand. Der älteste Stifttyp ist der Schilfstift . Aus Papyruspflanzen, Bambus oder Segge geschnitten, speichert es in seinem hohlen Inneren ein Reservoir an Flüssigkeit. Sein Hub ist normalerweise kraftvoll, hart und wird gelegentlich durch stärkeren Druck auf die geteilte Spitze gegabelt. Rembrandt war ein hervorragender Meister der starken, plastischen Akzente des Rohrfederhalters, der normalerweise durch andere Stifte oder Pinsel ergänzt wurde. Während des 19. Jahrhunderts, beginnend mit dem niederländischen Künstler Vincent van Gogh, wurden von mehreren Künstlern, darunter dem dadaistischen und dem satirischen deutschen Expressionisten, reine Schilfstiftzeichnungen im expressionistischen Stil geschaffen George Grosz (1893-1959). Siehe auch: Illustration Kunst .
Der Federkiel bietet ein noch breiteres Spektrum künstlerischer Möglichkeiten. Seit dem späten Mittelalter ist die Pinole das am häufigsten verwendete Instrument, um flüssige Farbstoffe auf die Zeichenfläche aufzutragen. Die geschmeidige Spitze des Federkiels, die in verschiedenen Stärken erhältlich ist, ermöglicht eine relativ große Anzahl von Einzelstrichen – von weichen, dünnen Linien, wie sie in Vorbereitungsskizzen für Illustrationen in beleuchteten Büchern verwendet werden, bis zu energischen, breiten Linien. Im 20. Jahrhundert entstanden Metallstifte als Ersatz für Federkiele, die heute aus Edelstahl und in verschiedenen Stärken hergestellt werden.
Tinten sind die gebräuchlichste Form von Flüssigfarbstoffen, die beim Zeichnen verwendet werden. Die Gallnut – Tinte war im Mittelalter in der klösterlichen Schrift sehr beliebt illuminierte Manuskripte . Eine andere Tinte, die populär wurde, war bistre , ein leicht lösliches , hell- bis dunkelbraunes transparentes Pigment, das aus dem Ruß des Lampenrußes erhalten wurde, der die Holzkamine beschichtet. Der Farbton variiert je nach Konzentration und Holzart. Harthölzer (wie Eiche) haben einen dunkleren Farbton als Nadelbäume wie Kiefer. Während der bildhaften Periode von Barocke Kunst , der warme Ton, der nach Belieben verdünnt werden kann, machte bistre zu einem beliebten Medium für Stiftzeichnungen.
Aus einer Kohlenstoffquelle wird auch Tusche gewonnen , die aus dem Ruß außergewöhnlich harter Hölzer wie Oliven- oder Weinreben oder aus dem fetten Lampenschwarz der Ölflamme mit eingemischtem Gummi arabicum als Bindemittel gewonnen wird. Diese dicke schwarze Flüssigkeit behält ihren dunklen Ton lange bei und kann mit Wasser verdünnt werden, bis sie hellgrau wird. In Stangen oder Riegel gepresst, wurde es früher unter dem Namen chinesische Tinte oder Tusche verkauft. Diese Zeichnungstinte wurde insbesondere von deutschen und niederländischen Zeichnern wegen ihrer starken Farbe bevorzugt, wodurch sie sich besonders für den Einsatz auf getöntem Papier eignet. Seit dem 19. Jahrhundert ist Tusche die mit Abstand beliebteste Zeichentusche für Stiftzeichnungen und ersetzt alle anderen Alternativen in technischen Skizzen.
Weitere Zeichenflüssigkeiten sind Sepia , hergestellt aus dem Pigment des Tintenfischs, Minium (rotes Blei) – insbesondere zur Dekoration von Anfangsbuchstaben und auch in bebilderten Federzeichnungen.
Federzeichnungen gehören neben schriftlichen Manuskripttexten zu den ältesten künstlerischen Dokumenten. Klassische Texte wurden mit starken Konturen und spärlichen Innendetails illustriert; Mittelalterliche Randzeichnungen und Buchillustrationen wurden in der Regel mit dem Stift vorgezeichnet, wenn nicht sogar ausgeführt. In der Buchmalerei entstanden Stile, in denen der Pinsel auch nach Art einer Federzeichnung eingesetzt wurde: zum Beispiel in der Reims School of Karolingische Kunst , bekannt für seine Produktion des Utrecht Psalter aus dem 9. Jahrhundert und auch in Süddeutschland, wo ein separates illustratives Genre unter Verwendung von Strichzeichnungen eng mit der Biblia Pauperum verbunden war – preiswerte biblische Bilderbücher, die verwendet wurden, um eine große Anzahl von Menschen im Christentum zu unterrichten Glauben. Die dünn gezeichnete Umrissskizze ist auch charakteristisch für die frühesten autonomen Zeichnungen der frühe Renaissance . Im 16. Jahrhundert erreichte die Federzeichnung ihren Höhepunkt. Leonardo war bekannt für den besonders präzisen Strich seiner wissenschaftlichen Zeichnungen; Raphael fertigte regelmäßigere, anmutigere Skizzen an, während Michelangelo mit kurzen Strichen zeichnete, die an Meißelarbeiten erinnerten; Tizian verwendete komplizierte Schraffuren, um Licht und Dunkelheit zu kennzeichnen, während unter den Künstler der nördlichen Renaissance Dürer beherrschte alle Möglichkeiten des Stiftzeichnens, von einer rein grafischen, abgrenzenden Herangehensweise bis hin zu einer räumlichen und plastischen Modellierungstechnik.
Während des 17. Jahrhunderts wurde das Zeichnen mit dem Stift weniger populär als andere kombinierte Techniken wie das Waschen mit dem Pinsel. Ein offener Zeichenstil, der früher Konturen vorschlug, gepaart mit kontrastierenden, dünnen und kraftvollen Strichen, verlieh der Linie Ausdrucksstärke. In seinen Zeichnungen erlangte insbesondere Rembrandt eine vollständige Beherrschung von Freihandzeichnen Es zeigt äußerst subtile 3D-Effekte durch die Verwendung verschiedener Strichschichten, die durch die Kombination verschiedener Stifte und Pinsel erzielt werden.
Die dünnlinige Zeichenmethode der Frührenaissance erlangte in der Zeit von wieder ihre Popularität Neoklassizistische Kunst und Romantik im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Beide Nazarener und Romantics erzielten zum Beispiel außergewöhnliche plastische 3D-Effekte mit rein grafischen Mitteln.
Es folgte eine weitere mehr bildhafte Phase, die im späten 19. Jahrhundert mit Arbeiten von Künstlern wie. Gipfelte Aubrey Beardsley (1872-98), die den direkten Schwarz-Weiß-Kontrast auf Flugzeuge anwendeten, während die französischen Meister Henri Matisse (1869-1954) und Picasso das Objekt im 20. Jahrhundert auf eine bloße Linie ohne jegliche Tiefe oder andere räumliche Illusion reduzierten. Viele Illustratoren und Zeichner favorisieren den klaren Strich. Zu den weiteren Erfindern des Stiftzeichnens im 20. Jahrhundert gehört der amerikanische orientalische Künstler Mark Tobey (1890-1976), der berühmt für seinen "weißen Schreibstil" von kalligraphischen Gemälden war; der deutsche künstler Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-51), bekannt für seine haarfeinen grafischen Seismogramme; und Agnes Martin (1912-2004), bekannt für ihre filigranen handgezeichneten minimalistischen Gitter.
Zeichnen mit einem Pinsel
Der Pinsel eignet sich ideal zum Auftragen von Pigmenten auf eine ebene Fläche (Malerei), wird aber seit prähistorischen Zeiten auch beim Zeichnen verwendet. Zusätzlich zu den oben genannten Zeichentinten, die alle in Verbindung mit Pinsel und Stift verwendet wurden, wurden auch mit Kombinationen von Flüssigkeiten Pinselzeichnungen erstellt. Eine der gebräuchlichsten künstlerischen Techniken von der klassischen griechischen Kunst bis zum Barock war Sinopia , die normale Vorzeichnung für eine monumentale Wandmalerei. Mit einem Pinsel ausgeführt, weist es alle Merkmale einer Vorzeichnung auf.
Im Allgemeinen wurden jedoch nur wenige Zeichnungen ausschließlich mit einem Pinsel ausgeführt, obwohl dies eine wichtige Rolle in Landschaften spielte, in denen durch Tönung mit unterschiedlicher Intensität ein vollständiges Spektrum an räumlicher Tiefe und Beleuchtungsstärke geboten wurde. Die Venezianer Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) und Palma il Giovane (1544-1628) sowie Parmigianino (1503-40), der große Pionier von Manierismus , waren alle bekannten Vertreter der Technik. Einige niederländische Genremaler wie Adriaen Brouwer (1605-38), Adriaen van Ostade (1610-84) und Jan Steen (1625-79) verwendeten den Pinsel, um eine Reihe von Zeichnungen im Aquarellstil zu erstellen. Im 18. Jahrhundert entstanden die Pinselzeichnungen von Jean-Honore Fragonard (1732-1806) und der Spanier Francisco Goya (1746-28) hoben die Kunst auf eine neue Höhe, während in England Künstler wie Alexander Cozens (1717-86), John Constable (1776-1837) und JMW, Turner (1775) -1851) nutzten die Pinselzeichnung für ihre Landschaftsstudien.
Stift und Pinsel
Eine beliebte Kombination ist die Kombination aus Stift und Pinsel, wobei der Stift die Konturen des Objekts abgrenzt und der Pinsel räumliche und farbliche Werte liefert. Die einfachste kombinierte Anwendung war die Manuskriptbeleuchtung, bei der die Formen mit dem Pinsel in einem Stift gezeichnet und mit Farbe gefüllt wurden. Weitere Beispiele für Pinsel und Stifte sind das Aufbringen von Weißpigmenten auf Zeichnungen auf getöntem Papier, das Hervorheben der Beleuchtung (wie Licht auf Objekte fällt) und natürlich das Waschen . Die Methode des kombinierten Stift-Pinsel-Zeichnens war besonders bei den Zeichnern in Deutschland und den Niederlanden beliebt, insbesondere im Kreis um Dürer und der süddeutschen Donauschule.
Zeichenhilfen
Mechanische Hilfsmittel sind für das Zeichnen in der Regel weniger wichtig als für andere Kunstformen. Diejenigen, die eingesetzt wurden, umfassen das Lineal, das Dreieck und den Kompass, insbesondere in konstruktiven und perspektivischen Werken der frühen und frühen Zeit Hohe Renaissance Jahrgang. Der Gitterrahmen wurde verwendet, um die richtige Perspektive zu schaffen, während Spiegel mit reduzierenden konvexen Spiegeln oder konkaven Linsen (insbesondere im 17. und 18. Jahrhundert) ebenso wie die Camera obscura als Zeichenhilfen verwendet wurden. (Sehen Kunstfotografie-Glossar .) Maßstabsgetreue Verkleinerungen oder Vergrößerungen können mit einem als Stromabnehmer bekannten Ortungsgerät vorgenommen werden . Mit Hilfe von elliptischen Kompassen, gebogenen Linealen und Schablonen könnten spezialisiertere Aufgaben gelöst werden .
Arten der Zeichnung
Die mit Abstand größte Anzahl von Kunstzeichnungen in der westlichen Welt befasst sich mit der menschlichen Figur.
Porträts
Bei Porträtzeichnungen handelt es sich normalerweise um das reine Profil und das Dreiviertelprofil. Beispiele sind Porträts von Pisanello oder Jan van Eyck aus dem 15. Jahrhundert sowie Dürers Zeichnung des Kaisers Maximilian. Die Werke von Jean und Francois Clouet in Frankreich und von Hans Holbein dem Jüngeren in der Schweiz und später in England verliehen der Porträtzeichnung eine besondere Autonomie, insbesondere wenn sie mit Kreide in verschiedenen Farben ausgeführt wurden. Im 18. Jahrhundert waren Quentin de la Tour, François Boucher und Jean-Baptiste Chardin bekannte Vertreter der Kreideporträtmalerei. Mehr zu den psychologischen Aspekten von Porträtkunst Porträtisten des späten 19. und 20. Jahrhunderts bevorzugten die weicheren Buntstifte, die ihre künstlerischen Impulse besser widerspiegelten. Leon Bakst , der berühmte Bühnenbildner und Kostümbildner für Diaghilev und die Ballets Russes war ein weiterer hervorragender Zeichner.
Landschaften
Bis zum 15. Jahrhundert war auch die Landschaft ein akzeptables Thema für eine eigenständige Zeichnung geworden, wie Jacopo Belllinis Skizzenbücher aus dem 15. Jahrhundert zeigten. Erst mit dem Aufkommen von Dürer am Ende des Jahrhunderts wurde die Landschaft als eigenes Thema ohne Bezug zu anderen Werken gänzlich respektiert. Seine Zeichnungen seiner beiden italienischen Reisen, der Region Nürnberg und seiner Reise in die Niederlande, sind die frühesten reinen Landschaftszeichnungen. Es sollte Jahrhunderte dauern, bis solche "reinen Landschaftszeichnungen" wieder auftauchten. Landschaftselemente tauchten auch in deutschen und niederländischen Zeichnungen und Illustrationen des 16. Jahrhunderts auf, insbesondere von Mitgliedern der Donauschule mögen Albrecht Altdorfer und Wolf Huber. Das Niederländische Renaissance Der Maler Pieter Bruegel the Elder zeichnete auch topografische Ansichten sowie freie Landschaftskompositionen, jeweils als eigenständige Werke. Im 17. Jahrhundert entstanden die Landschaftszeichnungen der Accademia degli Incamminati Domenichino B. klassische und mythologische Themen mit Heldenlandschaften vermischt. Darüber hinaus sind die in Rom ansässigen französischen Klassiker Claude Lorrain und Nicolas Poussin fertigten auch idealisierte arkadische Landschaftszeichnungen an. Im Italien des 18. Jahrhunderts erreichte die topografisch exakte Landschaftszeichnung mit dem Aufkommen der Vedutisten, der "Ansichtsmaler", wie der Venezianer, einen Höhepunkt Canaletto (1697-1768) und Bernardo Bellotto (1720-80) und der römische Giambattista Piranesi (1720-78). In England erlebten Landschaftszeichnungen zu Beginn des 19. Jahrhunderts dank Arbeiten von. Eine zweite Blüte JMW Turner und Alexander Cozens, während in Frankreich die Tradition durch veranschaulicht wurde Camille Corot und später, Van Gogh .
Figurative Genrewerke
Figurenzeichnungen sind für das autonome Zeichnen von weit geringerer Bedeutung als das Porträt und das Landschaftsbild. So waren beispielsweise Zeichnungen von Genreszenen in der niederländischen Realismusschule des 17. Jahrhunderts, in Frankreich und England des 18. Jahrhunderts und in Frankreich des 19. Jahrhunderts (Honore Daumier) relativ verbreitet.
Stillleben
Stilllebenzeichnungen, insbesondere die Darstellung von Blumen, wie die des Amsterdamer Künstlers Jan van Huysum (1682-1749), sind seit dem 17. Jahrhundert beliebt. In einigen dieser Werke ist die Ähnlichkeit mit der Malerei sehr eng; Nehmen wir zum Beispiel die Pastelle des französischen Künstlers des 19. Jahrhunderts Odilon Redon (1840-1916) oder das Werk des deutschen Expressionisten des 20. Jahrhunderts Emil Nolde (1867-1956), die beide die Grenze zwischen Zeichnen und Malen überschreiten.
Fantasy-Zeichnungen
Zeichnungen, die imaginäre, surreale oder visionäre Themen darstellen, wie die fantastischen Kompositionen von Hieronymus Bosch , sind seit langem beliebt. Siehe auch die Grotten von Raffael im 16. Jahrhundert, die allegorischen Bauernszenen von Pieter Bruegel und die Radierungen des französischen Künstlers Jacques Callot aus dem 17. Jahrhundert. Andere Künstler, deren Zeichnungen außerhalb von Landschaft und Porträt liegen, sind der italienische Kupferstecher Giambattista Piranesi aus dem 18. Jahrhundert, der anglo-schweizerische Künstler Henry Fuseli (1841-1925), der englische Illustrator des 19. Jahrhunderts Walter Crane (1845-1915), der einflussreiche französische Symbolist Gustave Moreau (1826-98) und die Surrealisten des 20. Jahrhunderts.
Abbildungen
Die illustrative Zeichnung geht vielleicht nicht über eine einfache bildliche Erklärung eines Textes hinaus, kann aber dennoch höchsten künstlerischen Ansprüchen genügen. Immer wieder haben große Künstler sowohl biblische Texte als auch Literatur aller Art illustriert. Berühmte Beispiele sind Botticellis illustrative Zeichnungen für Dantes Divine Comedy und Dürers marginale Illustrationen für Kaiser Maximilians Gebetbuch. Einige Künstler haben mehr als Illustratoren als als autonome Zeichner erreicht. Zu diesen Personen zählen der deutsche Kupferstecher Daniel Nicholas Chodowiecki (1726-1801) aus dem 18. Jahrhundert, der Karikaturist Honore Daumier (1808-79) aus dem 19. Jahrhundert und der für seine reimenden Bildergeschichten (Max und Moritz) und der österreichische Maler und Illustrator Alfred Kubin (1877-1959) aus dem 20. Jahrhundert.
Karikaturen
Mit illustrativem Zeichnen verbunden ist das Kunst der Karikatur , die, indem sie die Sichtmerkmale einer Person oder Situation übertreiben, ein stark andeutendes Bild verursacht. Beispiele für diese Art der figurativen Zeichnung sind Größen wie Annibale Carracci (1560-1609), die zuerst das Wort Karikatur prägten – Leonardo da Vinci, Dürer und der Barockkünstler Bernini – sowie soziale Kommentatoren wie der Italiener des 18. Jahrhunderts Künstler Pier Leone Ghezzi (1674-1755), englischer Künstler des 18. Jahrhunderts William Hogarth (1697-1764), der englische Karikaturist Thomas Rowlandson (1756-1827), der hauptsächlich in der Tusche- und Aquarellwäsche tätig war, der als Grandville (1803-47) bekannte Franzose Jean-Ignace-Isidore Gerard aus dem 19. Jahrhundert und vielleicht der größte karikaturist von allen, Honore Daumier .
Arten von Boden
Man kann auf fast alles zeichnen, was eine ebene Oberfläche hat – eben oder nicht – einschließlich Papyrus und Pergament, Stoff, Tierhaut, Holz, Metalle und Glas. Papier ist jedoch seit der Mitte des 15. Jahrhunderts der häufigste und beliebteste Grund.
Die Methode der Papierherstellung ist in den letzten 2000 Jahren praktisch unverändert geblieben. Ein faseriger breiiger Rest aus Maulbeerbaumrinde, Bast, Hanf und Leinenlappen wird gepresst und in flachen Formen getrocknet. (Die Einführung von Zellstoff in der Mitte des 19. Jahrhunderts war nicht auf Kunstdruckpapier ausgerichtet, da Papier mit einem hohen Holzanteil schnell vergilbt und daher für Zeichenzwecke ungeeignet ist. Ursprünglich sollte das Papier eine ausreichend glatte und ebene Oberfläche haben Zum Schreiben oder Zeichnen wurde es mit Knochenmehl oder Gips in einer sehr dünnen Lösung aus Leim und Gummi arabicum eingerieben, doch seit dem späten 15. Jahrhundert wird der gleiche Effekt erzielt, indem das Papier in ein Leim- oder Alaunbad getaucht wird. Dem Zellstoff wurden auch Pigmente und Farbstoffe zugesetzt, wobei blaue "venezianische Papiere" besonders beliebt waren. Das 17. Jahrhundert bevorzugte halbe Farbtöne von Blau – oder Grau -, Braun – und Grüntönen, das 18. bevorzugte warme Farben wie Beige oder Elfenbein. along with blue. Since the 18th century, drawing papers have been produced in almost every conceivable colour and shade, while quality has also greatly increased.
Granulierte und weichere Zeichengeräte wie Kreide, Kohle und Graphit sind nicht so abhängig von einer bestimmten Papiersorte (wie Aquarelle, Pastelle oder Feder). Aufgrund ihrer geringen Haftfähigkeit benötigen sie jedoch häufig eine stärkere Verbindung mit dem Untergrund sowie eine Art Oberflächenschutz.
Kurze Geschichte des Zeichnens
Das Zeichnen beginnt in Höhlen und Felsunterkünften in der Steinzeit, als mit scharfen Steinen gearbeitet wurde prähistorische Gravuren und Holzkohle wurde verwendet, um Werke wie das zu schaffen Nawarla Gabarnmang Kohlezeichnung (26.000 v. Chr.). In der westlichen Kunst begann die Geschichte des Zeichnens als eigenständiges künstlerisches Dokument gegen Ende des 14. Jahrhunderts und nicht nur als erste Skizze für etwas anderes. Es ist nicht überraschend, dass die größten Zeichner auch Maler, Illustratoren, Grafiker oder Grafiker waren, so dass die Zentren des Zeichnens und die Perioden der größten Aktivität im Allgemeinen mit den Zentren und Epochen anderer Typen zusammenfielen Kunst .
In Zeichnungen aus dem Norden der Alpen sind der ansonsten nicht identifizierte deutsche Meister des Haushalts vom Ende des 15. Jahrhunderts und sein Zeitgenosse Martin Schongauer (1430-91). Der jüngere Dürer zeigte dann beispielhaft die gestalterische Präzision und Methodik der Zeichenkunst, die die deutsche Renaissance auszeichnet . Als unermüdlicher Zeichner beherrschte er alle Techniken und übte einen dauerhaften und weitverbreiteten Einfluss aus. Die Landschaftszeichnungen von Dürer sowie die von Altdorfer und Huber zeigen ein erstaunliches Naturgefühl, das man beinahe als romantisch bezeichnen könnte. Die humanistischen Porträtzeichnungen von Hans Holbein dem Jüngeren wirkten sich ebenso stark auf die Zeitgenossen aus wie die strengere Linearität der Porträts des französischen Vaters und Sohnes Jean (1485-1540) und Francois (1510-72) Clouet.
Im Süden der Alpen erlebte das Zeichnen im Zuge der italienischen Renaissance eine noch revolutionärere Phase.
Wie die italienische Renaissance das Zeichnen beeinflusste
Bis zum vierzehnten Jahrhundert wurde das Zeichnen selten als ein Zeichen von Bedeutung angesehen Kunst bilden sich in sich. Stattdessen wurde es lediglich als Vorentwurf für ein Gemälde oder eine Skulptur angesehen. Der italienische Maler Cennini (um 1369-1440) hat ihm einen gewissen Respekt verliehen, indem er ihn als das Tor zum erfolgreichen Malen beschrieb, aber es war nicht bis zum Italienische Renaissance und die Ankunft von Künstlern wie Leonardo Da Vinci und Michelangelo, ein Jahrhundert später (zusammen mit einer breiteren Verfügbarkeit von Papier), dass es eine unabhängige Kunstform wurde. Einzelheiten finden Sie unter: Beste Zeichnungen der Renaissance .
Die frühe italienische Renaissance erlebte bedeutende Entwicklungen in der Beherrschung der Perspektive sowohl beim Zeichnen als auch beim Malen.
Alles naturalistische Kunst mit jeglichem Hintergrundmotiv braucht Tiefe. Das heißt, der Hintergrund muss relativ zum Vordergrund entfernt erscheinen. Der Begriff Geradlinige Perspektive bezeichnet diese Tiefenschöpfung, bei der Hintergrundbilder in einer flachen Zeichnung weiter entfernt erscheinen. Die Kontrolle des Fluchtpunkts, der Konvergenz von Linien aus der Sicht des Künstlers, ist entscheidend. Italienische Zeichner der Renaissance, die die Regeln der linearen Perspektive eingeführt haben, sind: Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-92) in seinem Gemälde The Geißelung Christi (um 1470), Raffael (1483-1520) in seiner Arbeit Die Schule von Athen (c.1509).
Künstler der Frührenaissance (um 1400-90)
In der italienischen Renaissance des 15. Jahrhunderts wurde viel mit unterschiedlichen Medien und Stützen experimentiert. Hier finden Sie eine kurze Liste italienischer Zeichner und ihrer Zeichnungen.
Fra Angelico benutzte Federwaschmittel für The Prophet David Playing a Psaltery (1430), jetzt in der Britisches Museum , London; Antonio Pisanello verwendete Feder und Tinte, Aquarell. weiße Gouache und Spuren von schwarzer Kreide oder Metallspitze für sein Wildschwein (1434, Louvre); Jacopo Bellini verwendete den Leitpunkt für The Vision of St Eustace (1445, British Museum, London); Fra Filippo Lippi verwendete Metallspitze und braune Waschung über schwarzer Kreide, die auf lachsfarbenem, vorbereitetem Papier für seine Heilige Stehende (um 1440, British Museum) mit Weiß gehöht war. Benozzo Gozzoli verwendete für seinen Kopf eines Mönchs (1447, Musee Conde, Chantilly) weiße Hervorhebungen und braune Gouache über Metallspitzen auf ockerfarbenem Papier. Andrea Mantegna verwendete Feder und Tinte auf Spuren schwarzer Kreide, um einen Mann zu schaffen, der auf einer Steinplatte liegt (1470er Jahre, British Museum); Andrea del Verrocchio verwendete Feder für seine Fünf Studien über Kleinkinder (1470er Jahre, Louvre); Sandro Botticelli verwendete Feder und Tinte und wusch sich in einem schwachen Braun über schwarzer Kreide auf rosa getöntem Papier, das mit Weiß verstärkt wurde, um Abundance oder Herbst zu schaffen (1480er Jahre, British Museum). Siehe auch: Renaissance in Florenz .
Künstler der Hochrenaissance (um 1490-1530)
Luca Signorelli verwendete schwarze, rote und weiße Kreide, mit schwarzer Kreide und brauner Tinte kariert, für seine Studie für den Geldverleiher im Orvieto Antichrist (1500, Louvre); Leonardo Da Vinci verwendete einen Pinsel mit grauem Tempera und weißen Reflexen, Pinselspuren und schwarzer Tinte auf Leinen, um eine Drapierungsstudie für eine sitzende Figur (1470er Jahre, Louvre) zu erstellen. er verwendete Feder und Tinte über Spuren von Stylus und Leadpoint, um die Anbetung der Könige (1481) und schwarze, rote und ockerfarbene Kreiden mit weißer Hervorhebung für sein Porträt von Isabella d’Este (1499) herzustellen ; Michelangelo verwendete rote Kreide für seine Zeichnungen. Studies on Haman’s Torso (1511, British Museum), Studie für Adam (um 1511, British Museum); und schwarze Kreide mit Spuren von Weiß über Stift für seine Zeichnungen von Ignudo (c.1511) und über Federwäsche, um den Propheten David zu schaffen, der eine Psalterie spielt (1430, British Museum); Raphael verwendete rote Kreide für Studien zur Alba-Madonna (1509), schwarze Kreide für Studien zum Altarbild des hl. Nikolaus von Tolentino (1500) und Metallstift für Köpfe der Jungfrau und des Kindes (1504). Siehe auch: Renaissance in Rom .
16. Jahrhundert
Beispiele für Zeichnungen der Spätrenaissance des Manierismus (um 1520-1600) waren Jacopo Pontormo (1494-1556) in Florenz, Parmigianino (1503-40) in Norditalien und Tintoretto (1518-94) in Venedig verwendete Metallspitze und Stift als wesentliche Ausdrucksmittel. Ihre Zeichnungen wurden in engen Zusammenhang mit ihrer Malerei, sowohl inhaltlich als auch in den grafischen Verfahren sensitiver Konturierung und gewagten Verkürzungen .
16./17. Jahrhundert
Ein wichtiges Zentrum der Zeichnerkunst des späten 16. Jahrhunderts war Bologna, wo Annibale Carracci zusammen mit seinem Bruder Agostino Carracci und Cousin Ludovico Carracci , gründete die "Academy degli Desiderosi" (später umbenannt in "Academia degli Incamminati"), die den Kern der Bologneser Malschule (c.1590-1630). Die Carracci-Akademie setzte sich für einen klassischen Kunststil ein, bei dem akribisches und festes Zeichnen einen hohen Stellenwert hatte. Sehen: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei.
17. Jahrhundert
Jacques Callot (1592-1635) wurde zu Beginn des 17. Jahrhunderts in der französischen Kunst bekannt, nicht zuletzt durch seine grafischen Illustrationen des Dreißigjährigen Krieges. Im flämischen Antwerpen Peter Paul Rubens (1577-1640) erstellte eine Vielzahl von Studien und Skizzen, die integraler Bestandteil seines Schaffens sind. Um seine Bildthemen zu verbreiten, unterhielt er eine eigene Schule für Zeichner und Graveure, zu deren Schülern Jacob Jordaens und Anthony Van Dyck gehörten. Der niederländische Künstler Hercules Seghers (1590 – nach 1633) war äußerst einfallsreich in der Interpretation alttestamentlicher Motive und in der Beherrschung aller Zeichentechniken. Die meisten niederländischen Maler des Goldenen Zeitalters des 17. Jahrhunderts, darunter Brouwer, Van Ostade und Pieter Saenredam (1597-1665), Paulus Potter (1625-54) und der unvergleichliche Rembrandt (1606-69) waren ebenfalls eingefleischte Zeichner, die ihre thematischen Ideen in größtenteils fertigen Zeichnungen festhielten. Im Italien des 17. Jahrhunderts war das Zeichnen in den Lehrplänen der Akademien der bildenden Künste, insbesondere in Bologna, Florenz und Rom, fest verankert. Bedeutsam war auch die Weiterentwicklung des Landschaftszeichnens, wie sie von den Carracci – Brüdern Domenichino und Domenichino initiiert wurde Salvator Rosa (1615 & ndash; 73). Der in Rom lebende französische Maler Claude Lorrain ging noch einen Schritt weiter und schuf quasi sein eigenes Genre italienischer Open-Air-Landschaftskunst. Dieses Plein-Air-Zeichnen wurde unter anderem auch vom französischen Klassiker Nicolas Poussin, den niederländischen Künstlern Jan Asselyn (1610-52), Claes Berchem (1620-83) und Karel Dujardin (1622-78) praktiziert.
18. Jahrhundert
In Frankreich, Jean-Antoine Watteau Wie viele andere auch, zeichnete er für sein Gemälde, um "die Hand zu behalten": Die meisten Figuren in seinen Gemälden basierten auf früheren Zeichnungen. Energischer waren die Künstler des 18. Jahrhunderts François Boucher , Jean-Honore Fragonard, Hubert Robert und Gabriel de Saint-Aubin, deren Zeichnungen Landschaften, figurative Studien und genreähnliche Werke umfassten.
Im Venedig des 18. Jahrhunderts folgten Canalettos außergewöhnlichen Architekturzeichnungen der Stadt eine Reihe leuchtender Feder- und Pinselzeichnungen von Giambattista Tiepolo (1692-1770) und seiner Familie. Der Architekt Giambatttista Piranesi fertigte daraufhin seine kraftvollen Zeichnungen von Gebäudeinnenräumen und unheimlichen Gewölben ("Carceri") an. Ende des 18. Jahrhunderts wurde der spanische Künstler Goya produzierte seine innovativen Brush-and-Sanguine-Zeichnungen, in denen die leuchtenden Effekte von Tiepolos Zeichnungen mit dem Drama der Hell – Dunkel – Stimmung im Rembrandt-Stil kombiniert wurden .
19. Jahrhundert
Das frühe 19. Jahrhundert brachte einen Zeichenstil hervor, der das lineare Element betonte. Einer seiner großen Meister war der akademische Maler JAD Ingres (1780-1867). Die deutschen Nazarener sowie Romantiker wie Philipp Otto Runge (1777-1810) und Caspar David Friedrich (1774-1840) waren in der Verwendung des Hardpoints nur wenig weniger streng. Weitere Zeichner mit linearer Neigung waren der englische Präraffaelit John Millais (1829-96), der amerikanische Realist Thomas Eakins (1844-1916) sowie Meister aus Paris wie Picasso, Matisse und Modigliani. Währenddessen verwendeten die Zeichnungen von Daumier bildhafte Hell-Dunkel- Effekte, um energische Aussagen zur Gesellschaftskritik zu machen.
Tatsächlich war Frankreich im Allgemeinen und Paris im Besonderen weiterhin ein führendes Zentrum der Zeichenkunst, eine Form, die sich in den außergewöhnlich erfinderischen Werken von widerspiegelte Entgasen (1834-1917), Toulouse-Lautrec (1864-1901), Van Gogh (1853-90) und Cezanne (1839 & ndash; 1906). Das Jugendstil Englisch: www.db-artmag.de/2005/2/e/1/363-2.php In den Zeichnungen von Deutsch: www.db-artmag.de/2005/2/d/1/363-2.php Aubrey Beardsley .
20. Jahrhundert
Die deutschen expressionistischen Künstler entwickelten besonders betonte Zeichenstile mit kraftvoller Abgrenzung und übertriebenen Formen. Bemerkenswerte Beispiele finden sich in den Werken von Ernst Barlach (1870-1938), Käthe Kollwitz (1867-1945), Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Max Beckmann (1884-1950), Oscar Kokoschka (1886-1980) und George Grosz. Weitere Zeichnungshighlights waren die abstrakten Kompositionen von Wassily Kandinsky (1866-1944), die erhabenen Federzeichnungen von Paul Klee (1879-1940) und die figurativen Werke des österreichischen Virtuosen Egon Schiele (1890-1918), zusammen mit seinem zeitgenössischen Gegenstück Lucian Freud (b.1922). Das Zeichnen war besonders wichtig in der Arbeit der Maler der Ecole de Paris , wie z Pierre Soulages (geb. 1919) und Hans Hartung (1904-89). Natürlich war der produktivste Zeichner der Pariser Schule Pablo Picasso , ein Künstler, der genau wusste, wie er seine vielfältigen technischen Möglichkeiten nutzen konnte. Er ist wohl der größte Zeichner des 20. Jahrhunderts und einer der größten der Welt Kunstgeschichte .
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