Wortkunst: Textbasierte Malerei, Drucke, Skulptur Automatische übersetzen

Der Begriff „Wortkunst“ beschreibt eine Kategorie der textbasierten postmodernen Kunst, die von mehreren zeitgenössischen Künstlern seit den 1950er Jahren verwendet wird. Eine einfache Definition von textbasierter Kunst könnte lauten: „ Kunst, die Wörter oder Phrasen als primäre künstlerische Komponente“ enthält. Textbilder mit Wörtern und Sätzen sind in einer Vielzahl von Medien erschienen, darunter Malerei und Skulptur, Lithografie und Siebdruck und angewandte Kunst (T-Shirts, Tassen). Es erscheint auch in den neuesten Formen der zeitgenössischen (aktuellen) Kunst, wie Projection Mapping, Graffiti und Street Art.

Es gibt zwei Haupttypen „von Wortkunst“ :
❶ Erstens Kunstwerke, die Wörter oder Sätze aufgrund ihrer ideologischen Bedeutung, ihres ikonischen Status oder ihrer Bedeutung als Werbetexte einbeziehen. (Das heißt, wenn der Inhalt des Wortes entscheidend ist). Ein Beispiel ist der Satz "Ich kaufe, also bin ich", der in Grafik von Barbara Kruger (geb. 1945) erscheint. Weitere Beispiele sind die „Datumsbilder“ von On Kawara (1932-2014); die Skulptur „Love“ des Pop-Künstlers Robert Indiana (*1928); die Projektionskunst von Jenny Holzer (*1950), wie z. B. „For the City“ (Oktober 2005), das von der New York Public Library in Manhattan aus auf die Fifth Avenue projiziert wurde; und das Plakat „Hope“, entworfen von Shepard Fairey (*1970) für die Präsidentschaftskampagne von Barack Obama (2008).
❷ Zweitens, wenn Wörter oder Phrasen den eigentlichen „künstlerischen Inhalt“ eines Werks ausmachen. Beispiele hierfür sind Gemälde mit Worten von Christopher Wool, wie „Apocalypse Today“ (1988, Privatsammlung) und „Untitled“ (1990, MBBR).

Geschichte

Wortmalerei und andere textbasierte Kunstformen entstanden zunächst als Reaktion auf den „hochkultivierten“ Stil der Malerei des Abstrakten Expressionismus, der von Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) und anderen Vertretern der New York School in den frühen 1950er Jahren praktiziert wurde. Infolge der ethischen Krise, die durch den Zweiten Weltkrieg und den Holocaust ausgelöst wurde (siehe auch Holocaust-Kunst), wandte sich die Bewegung des Abstrakten Expressionismus von allen Formen der gegenständlichen Kunst ab und konzentrierte sich ausschließlich auf die reine Kunst ohne jeden äußeren Inhalt. Ermutigt durch Kritiker wie Clement Greenberg (1909-1994), konzentrierten sich die Abstrakten Expressionisten auf rein formale Kriterien (Linie, Form, Farbe und die zweidimensionale Bildebene) und ignorierten (oder versuchten zumindest, diese zu ignorieren) bildliche und emotionale Inhalte.

Um zu zeigen, dass sie mit der Richtung, die diese anspruchsvolle abstrakte Kunst einschlug, nicht einverstanden waren, begannen mehrere postmoderne Künstler, wie Jasper Johns (geb. 1930), Wörter (Zahlen) in ihre Bilder einzufügen.) begann, Wörter (oder Zahlen) in seine abstrakten Gemälde - Grey Numbers (1957, Privatsammlung), False Start (1959, Privatsammlung), Jubilee (1960, MoMA, New York) und Grey Alphabets (1968, MoMA, New York) - einzufügen, um Inhalte wiederzugewinnen. Viele der von Jones eingefügten Buchstaben und Zahlen waren schablonierte Bilder, da eine Schablone Wörter in eine Art Objekt verwandelt.

Indem er diesen „Textinhalt“ hinzufügte, untersuchte Jones die Frage - was ist Kunst ? Ist sie einfach eine Reihe völlig in sich geschlossener, selbsterklärender Ausdrucksformen (wie der Abstrakte Expressionismus), die nur durch ein erhöhtes Bewusstsein für den Prozess belebt werden (wie in Pollocks Action Painting - brillant eingefangen durch die Fotografie von Hans Namuth)? Oder ist es (wie Jones vorschlug) die Übertragung einer Idee. Wenn Letzteres zutrifft, dann muss dem betreffenden Kunstwerk ein gewisser Inhalt innewohnen.

Nach Jones kam die Pop-Art-Bewegung mit ihrer Verwendung von Massenkonsumbildern, von denen die meisten Wörter und Texte enthielten. Die meisten der in der Pop Art vorkommenden Wörter und Sätze sind jedoch nicht die primäre künstlerische Komponente des betreffenden Gemäldes oder Drucks und stellen daher keine echte „Wortkunst“ dar. Zum Beispiel unterstützt der Textkommentar auf dem Comic-Gemälde „Drowning Girl“ (1963, MoMA, New York) von Roy Lichtenstein lediglich das Cartoon-Bild, ebenso wie der Text auf einer Serie von Bildern von Suppen „Campbells“ von Andy Warhol (1928-1987). Das beste Beispiel für die Pop-"Wortkunst"“ ist die Skulptur LOVE von Robert Indiana (1970, Original im Indianapolis Museum of Art), ein Werk voller emotionaler Inhalte.

Mit der Entwicklung der Konzeptkunst Mitte der 60er Jahre und der puristischen Ethik des Minimalismus, die die Kunst auf das Wesentliche reduzieren wollte, entstanden neue und neutralere Formen der Textkunst. Der Konzeptkünstler Joseph Kosuth (geb. 1945) begann seine „Definition Paintings“ (1966-68) zu schaffen, die aus fotografischen Vergrößerungen von Wörterbuchdefinitionen bestanden; der Installationskünstler Mel Ramsden (geb. 1944), ein führendes Mitglied der), ein führendes Mitglied der Gruppe „Art and Language“, präsentierte seine „Guaranteed Paintings“ (1967-68); und der japanisch-amerikanische Konzeptkünstler On Kawara schuf eine Serie von „Date Paintings“ (die Serie „Today“), die ausschließlich aus dem Datum besteht, an dem ein einzelnes Bild entstanden ist. Diese Beispiele für „Wortkunst“ stellen den Höhepunkt eines minimalistischen konzeptionellen Ansatzes dar, der die Kunst von allen persönlichen Emotionen und anderen Inhalten befreit und sie auf die einfachste visuelle Darstellung einer Idee oder einer einfachen Information reduziert.

In den späten 1970er und frühen 1980er Jahren erlangte die Konzeptkünstlerin Barbara Kruger beträchtliche Anerkennung mit ihrer feministischen Kunst und ihren fotografischen Gemälden, die über Textblöcke in Primärfarben gelegt wurden, um die Art und Weise hervorzuheben, wie ideologische Botschaften unser tägliches Leben durch Werbung und Fernsehen durchdringen. Ihr berühmtestes Werk ist der ikonische Slogan „ I shop therefore I am“ (fotolithografischer Druck auf einer Papiertragetasche) (1990, Guggenheim Museum, New York).

In den späten 1980er Jahren wurde der New Yorker Künstler und Fotograf Christopher Wool (geb. 1955) mit seinen Wortbildern berühmt (die heute Millionenpreise erzielen), die in der Regel aus fetten, schwarzen Schablonenbuchstaben bestehen, die in einem geometrischen Raster angeordnet sind, wobei jedoch alle Interpunktionen und Abstände aufgehoben sind. Sein berühmtestes Werk, „Apocalypse Today“ (1988, Privatsammlung), ist ein Textgemälde, das auf einer Zeile („Sell the House, Sell the Car, Sell the Kids“) aus dem gleichnamigen Film von Francis Ford Coppola basiert. Diese und andere ähnliche Kompositionen von Wool haben eine Art schizophrene Qualität: In einem Moment sind sie eine weitgehend formale Anordnung von schwarzen Blöcken auf weißem Hintergrund, in einem anderen sprechen sie mit einem beunruhigenden Unbehagen zu uns.

Eines der jüngsten Beispiele für textbasierte Kunst aus dem Jahr 2010 ist ein Werk der Graffiti-Kunst von Banksy (geb. 1973) mit dem Titel: „Folge deinen Träumen“ - ein Satz, der dann mit dem überlagerten Wort „Annulliert“ durchgestrichen wird.

Sprache versus Form in den verbalen Künsten

In gewissem Sinne befindet sich die Wortkunst - ob Malerei, Druckgrafik oder Bildhauerei - in einer Art „Niemandsland“ zwischen Sprache und visuellen Bildern. Wenn Wörter und Sätze in Büchern aus ihrer gewohnten Umgebung herausgelöst werden, werden sie weder zu Kunst noch zu Sprache, sondern zu einem seltsamen Hybrid. Die Bilder sowie die Vergrößerung verleihen den Worten selbst eine neue Dimension und Kraft. Das macht sich sogar in den Schlagzeilen der Zeitungen bemerkbar - je größer die Worte, desto größer ihre Wirkung. Gleichzeitig bleibt die lebendige verbale Botschaft, die der Text vermittelt, ein unzerstörbares Element des Inhalts, das verhindert, dass das abstrakte Werk völlig formalistisch wird.

Es gibt einen wichtigen Vorbehalt zu dem oben Gesagten. Die vom Künstler verwendeten Wörter oder Sätze müssen mehr sein als nur Datenblöcke. He Kawara mag ein kluger Konzeptualist sein, aber der Text in seiner Serie „Today“ ist zu minimalistisch, um mehr zu sein als eine konzeptionelle Erinnerung an das, was theoretisch möglich ist. Dasselbe gilt für Joseph Kosuths „Definition Pictures“, bei denen es sich meist um niedliche Gegenüberstellungen handelt. Eine schwierigere Frage - die von einigen der öffentlichen „Word Arts“ von Jenny Holzer aufgeworfen wird - betrifft die Menge des Textes, nämlich: An welchem Punkt überwältigt die Anzahl der Wörter das künstlerische Medium?

Die Grafik von Barbara Kruger ist viel prägnanter und befasst sich mit eher persönlichen Fragen der Selbstidentität und Resonanz. Wie sie selbst sagt: "Ich arbeite mit Bildern und Worten, weil sie die Macht haben zu definieren, wer wir sind und wer wir nicht sind". Im Gegensatz zu Wool, der eine absichtliche Spannung zwischen Form und Sprache erzeugt, stehen bei Kruger die Sprache und ihre Ideen im Vordergrund.