Feministische Kunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen

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Was ist feministische Kunst? Definition und Eigenschaften

Eine Form von postmoderne Kunst Die feministische Kunst entstand als Teil der Frauenbefreiungsbewegung in Amerika und Großbritannien in den späten 1960er Jahren und zielte darauf ab, Frauen einen gerechten und rechtmäßigen Platz in der Welt zu verschaffen. Im Allgemeinen war es das Ziel, kulturelle Einstellungen zu ändern und Stereotype zu transformieren. So sollte der Zuschauer aufgefordert werden, den von Männern dominierten Status Quo in Frage zu stellen, um so eine größere Gleichstellung zu fördern. Insbesondere versuchten feministische Künstlerinnen, die Möglichkeiten und Rollen, die ihnen im amerikanischen Kunstsystem zur Verfügung standen, zu erweitern und das Neue zu interpretieren Kunstgeschichte aus einer frauenfreundlicheren Perspektive. Im Großen und Ganzen mieden Künstlerinnen bewusst traditionelle, von Männern dominierte Kunstformen wie Malerei und Skulptur Einige von ihnen (Nancy Spero, Miriam Schapiro und später Kiki Smith und Jenny Saville) erzielten in diesen Bereichen hervorragende Ergebnisse. Stattdessen erforschten sie die jüngeren Formen von zeitgenössische Kunst , einschließlich Konzeptkunst und Video (Doris Totten Chase, Dara Birnbaum, Martha Rosler, Maureen Connor), zusammen mit Körperbemalung und andere Arten von Körperkunst (Carolee Schneemann, Marina Abramovic) und ihre Schwesterdisziplin Performance-Kunst (Rachel Rosenthal, die "Wartungskünstlerin" Mierle Laderman Ukeles, Yoko Ono, Ana Mendieta). Andere künstlerische Disziplinen, die von Feministinnen erforscht werden, umfassen Fotografie (Cindy Sherman, Laurie Simmons, Nan Goldin), Fotomontage (Anita Steckel), Installationskunst (Judy Chicago) sowie Design – insbesondere Grafik-Design (Sheila Levrant de Bretteville, Barbara Kruger) und Wortkunst (Jenny Holzer). Die feministische Kunst wurde als Protestbewegung geboren, die die Gleichstellung der Geschlechter in den Künsten forderte, und schaffte es, Frauen und Künstlern aus Minderheiten größere Chancen zu eröffnen. Die Bewegung etablierte zahlreiche alternative Kunststätten und überzeugte mehrere bedeutende Kunstinstitutionen und Museen, das Profil der Künstlerinnen zu schärfen. Auf diese Weise wurde der Weg für spätere Generationen von Frauen geebnet zeitgenössische Künstler um die Welt. Infolgedessen haben die führenden Künstlerinnen seit den 1990er Jahren die feministische Agenda heruntergespielt, um sich stärker auf ihre Kunst zu konzentrieren. Wie der italienische Künstler Leonor Fini (1908-96) einmal bemerkte: "Ich bin ein Maler, keine Malerin."

Geschichte

Die erste Welle des Feminismus begann um die Jahrhundertwende mit der Suffragettenbewegung . Seitdem beschäftigten sich eine Reihe von Künstlerinnen mit geschlechtsspezifischen Themen, ohne unbedingt "Feministinnen" zu sein. Zu diesen Pionieren gehörte der Impressionist Mary Cassatt , der ein Wandbild zum Thema Modern Woman (1893) für die Weltausstellung in Chicago gemalt hat; die Fotomontagekünstlerin Hannah Hoch, die Mexikanerin Frida Kahlo und die Bildhauerin Käthe Kollwitz, die alle Fragen zu Macht und Repräsentation im Geschlecht aufwarfen; Der in Deutschland geborene Maler Eva Hesse , der in Russland geborene Assemblage-Künstler Louise Nevelson und der französische Bildhauer Louise Bourgeois , die alle Bilder zum Thema Häuslichkeit und Frauenkörper produzierten.

Feministische Kunst in den 1960er und 1970er Jahren

Die eigentliche feministische Kunst begann in den späten 1960er Jahren in Amerika und Großbritannien während der sogenannten "zweiten Welle" des Feminismus. Weibliche Aktivistinnen dieser Zeit schwelgten in der "weiblichen Erfahrung", gaben sich nackt als Göttinnenfiguren aus und machten vollen Gebrauch von Vaginalbildern und Menstruationsblut. Sie erforschten Medien wie Stickerei und andere Kunsthandwerk ebenso wie die Vorstellung, dass Kunst im Wesentlichen eine kollaborative und keine solistische Anstrengung ist.

Auf praktischer Ebene verfolgte die Bewegung drei Ziele: (1) es Künstlerinnen zu erleichtern, ihre Werke auszustellen; (2) Kurse über Frauenkunst einzurichten; und (3) eine Reihe von Kunstorganisationen und Zeitschriften für Frauen zu gründen. Zu diesem Zweck wurden verschiedene Frauengruppen gegründet, darunter Women Artists in Revolution (WAR) und die AIR Gallery , um die Anliegen feministischer Künstlerinnen in der Kunstszene anzusprechen. Diese Gruppen setzten führende New Yorker Museen unter Druck – einschließlich der Museum für moderne Kunst und das Whitney Museum of American Art – Erhöhung des Ausstellungsanteils von Künstlerinnen. Gleichzeitig richtete die Bewegung mehrere Veranstaltungsorte ein, die sich ausschließlich der Frauenkunst widmeten, wie das Women’s Interart Center in New York (1970) und das Woman’s Building in Los Angeles, in dem sich der von Judy gegründete Feminist Studio Workshop (FSW) befand Chicago, Sheila Levrant de Bretteville und die Kunstwissenschaftlerin Arlene Raven.

Außerdem unterrichtete Judy Chicago 1970 am Fresno State College den ersten Kunstunterricht für Frauen in Amerika. Ihre Schüler waren Dori Atlantis, Gail Escola, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Chris Rush, Judy Schäfer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman, Cheryl Zurilgen und andere. 1971 gelang es Chicago und Miriam Schapiro, das Feminist Art Program am California Institute of Arts zu etablieren.

Es wurden auch feministische Zeitschriften herausgebracht, darunter das Feminist Art Journal (New York, 1972), das Women’s Art Journal (Knoxville, 1980) und das Women’s Art Magazine (London, 1986). Es wurden auch Konferenzen organisiert, um die feministische Agenda zu erörtern und zu verbreiten. Zwei wichtige Ereignisse waren die Westküsten-Frauenkünstlerkonferenz am California Institute of the Arts (Januar 1972) und die Konferenz über Frauen in den bildenden Künsten an der Corcoran School of Art, Washington DC (April 1972).

Aktivistische Ereignisse in Kombination mit Performancekunst waren ebenfalls ein fester Bestandteil des amerikanischen Feminismus. So zeigten die feministischen Künstlerinnen Suzanne Lacy und Leslie Labowitz im Mai 1977 eine Reihe von Performances auf den Stufen des Rathauses von Los Angeles, in denen es um sexuelle Gewalt gegen Frauen ging. Die Aufführung beinhaltete eine Karte von Vergewaltigungen in der ganzen Stadt sowie Ratschläge zur Selbstverteidigung.

Zur gleichen Zeit eine Reihe von weiblichen Kunstkritiker hat der Bewegung geholfen, umfassendere Themen anzusprechen, wie das irreführende Stereotyp des "männlichen Künstlers" und das offensichtliche Versagen von Frauen, einen gleichberechtigten Anteil hochwertiger Kunst zu schaffen. Ziel war es, die Prinzipien von umzuschreiben Ästhetik und Kunstbewertung – bisher von männlichen Künstlern formuliert – geschlechtsneutral zu machen. Wichtige Mitwirkende bei dieser Aufgabe waren Linda Nochlin, die einen einflussreichen Aufsatz mit dem Titel " Warum gab es keine großen Künstlerinnen ?" Schrieb. (Art News, 1971) und Germaine Greer, die " The Obstacle Race " (1979) schrieb. In England – wo Margaret Harrison bereits 1970 die Londoner Women’s Liberation Art Group gegründet hatte – wurde eine ähnliche Kampagne von den Kunstkritikern Griselda Pollock und Rozsika Parker organisiert, die 1973 das Women’s Art History Collective gründeten, um zu erklären, zu qualifizieren und Reparieren Sie die Abwesenheit von Frauen aus der historischen Aufzeichnung. Sie untersuchten die Sprache, die Kunstkritiker im Laufe der Geschichte mit geschlechtsspezifischen Begriffen wie "Meisterwerk" und "Alter Meister" verwendeten. Gleichzeitig untersuchten sie die Position des weiblichen Akts im westlichen Kanon und versuchten herauszufinden, warum Männer und Frauen so unterschiedlich vertreten waren (und sind).

HINWEIS: Neben den USA und Großbritannien sind feministische Kunstbewegungen in Kanada, Europa (Dänemark, Norwegen, Russland, Spanien, Schweden), Australien, Japan und Lateinamerika entstanden.

Feministische Kunst in den 1980er Jahren

Der neue Konservatismus der 1980er Jahre, verkörpert von Reagan und Thatcher, setzte den radikalen Idealismus der 70er Jahre in den Schatten. Die feministische Kunst entwickelte sich weiter, jedoch nicht als Teil einer breiteren Bewegung. Stattdessen versuchten Künstlerinnen, Begriffe wie Weiblichkeit und Weiblichkeit neu zu erklären, indem sie sie als eine Reihe von Verhaltensweisen interpretierten, die von Frauen übernommen wurden, um den sozialen Erwartungen an die Weiblichkeit zu entsprechen.

Drei verschiedene Dinge aus den 1980er Jahren sind es wert, aufgenommen zu werden. Erstens das Erscheinen einer als " The Guerrilla Girls " bekannten Aktivisten-Protestgruppe, die im Auftrag feministischer Künstler an verschiedenen Orten protestierte, während sie in Gorillamasken getarnt war, und später eine Reihe von Plakatkampagnen durchführte. Zweitens die Verwendung von Werbebildern und Slogans, um frauenorientierte soziale Grundsätze zu fördern, durch feministische Künstler wie Barbara Kruger und Jenny Holzer. Drittens, der große Erfolg von Künstlerinnen in der Junge britische Künstler Bewegung, in den späten 1980er und frühen 90er Jahren. Drei dieser Künstler – Rachel Whiteread, Gillian Wearing und Tomma Abts – wurden Turner-Preisträger , während einige andere – die Assemblage – Künstlerin Sara Lucas, der Fotograf Sam Taylor Wood, die Maler Fiona Rae und Jenny Saville Die Installationisten Tracey Emin, Anya Gallaccio und Georgina Starr erlangten in verschiedenen Disziplinen Berühmtheit.

Feministische Kunst in den 1990er Jahren

Zu den eher theoretisch orientierten feministischen Künstlern der späten 1980er und 1990er Jahre gehörten: die Konzeptkünstlerin Mary Kelly, heute Professorin für Kunst an der University of California in Los Angeles, deren Arbeiten sowohl dem Marxismus als auch der Psychoanalyse entlehnt sind; die zeitgenössische deutsche Fotografin Katharina Sieverding, die Make-up und gesichtsmalerei Geschlechtergrenzen erforschen; die deutsche Multimedia-Künstlerin Iza Genzken, bekannt für ihre Zusammenstellungen von Haushaltsgegenständen; die amerikanische Postmodernistin Lynda Benglis, bekannt für ihre Wachsmalereien und gegossenen Latexskulpturen; und die englische Konzeptualistin Helen Chadwick (1953-96), die für ihre feministischen Performances und Installationen bekannt ist, aber am bekanntesten dafür ist, ihren Körper neben toten Tieren zu fotokopieren.

Feministische Kunst im 21. Jahrhundert

Das Anwachsen des Individualismus in der Kunst stumpft die feministische Botschaft im 21. Jahrhundert weiter ab. Trotzdem werden sowohl in Nordamerika als auch auf globaler Ebene Fortschritte auf dem Weg zu mehr Gleichstellung für Frauen erzielt. Dies wurde durch mehrere große Ausstellungen mit Werken von Künstlerinnen unterstützt, darunter " WACK! Art and the Feminist Revolution " im Jahr 2007, an denen über 120 Künstler aus Amerika und anderen Ländern teilnahmen. Kurz zuvor, im Jahr 2006, wurde das Feminist Art Project - eine Website und Informationsquelle für Künstler und Wissenschaftler – an der Rutgers University in New Jersey gegründet. Im Jahr 2009 wurde das ursprüngliche feministische Kunstprogramm in einer Retrospektive mit dem Titel " Ein Studio für sich: Das Erbe des feministischen Experiments von Fresno " in der Phebe Conley Art Gallery auf dem Fresno-Campus in Kalifornien gefeiert. Im Juni 2011 wurde in den USA der Dokumentarfilm " ! Women Art Revolution " unter der Regie von Lynn Hershman Leeson veröffentlicht. Der Film basiert auf aufgezeichneten Gesprächen und Archivfilmen, in die Künstlerinnen, Historikerinnen, Kuratorinnen und Kritikerinnen einbezogen sind. Er beschäftigt sich mit allen wichtigen Entwicklungen der feministischen Kunst in den 1970er Jahren und zeigt viele der Pionierkünstlerinnen – Marina Abramovic, Judy Chicago, Miranda July und Barbara Kruger, Yoko Ono, Yvonne Rainer, B. Ruby Rich, Miriam Schapiro, Carolee Schneemann, Cindy Sherman, Ingrid Sischy und Marcia Tucker und The Guerilla Girls – die die Bewegung ermöglichten.

Berühmte Werke feministischer Kunst

Bekannte Werke feministischer Künstler sind:

Rhythm 0 (1974) von Marina Abramovic (geb. 1946)
Performance Art

Die 6-stündige Veranstaltung der in New York lebenden serbischen Künstlerin ist eine der bekanntesten Performances. Sie liegt in Bauchlage und ist von 72 Gegenständen umgeben, die (ein Zeichen erklärt) die Zuschauer auf irgendeine Weise für sie verwenden könnten Sie wählten. Einige Gegenstände könnten Vergnügen bereiten; andere, Schmerz. Dazu gehörten eine Rose, Honig, Olivenöl, eine Feder, eine Peitsche, eine Schere, ein Skalpell, eine Waffe und eine Kugel. Als ultimativer Ausdruck weiblicher Passivität – ein Anathema für Feministinnen – prüfte die Performance die Reaktion des Publikums auf die sich bietenden Möglichkeiten und bestätigte die Identität der Künstlerin durch die Handlungen anderer. Am Ende wurde Abramovics Körper ausgezogen, angegriffen, erstochen und mit Schüssen bedroht.

Semiotik der Küche (1975) von Martha Rosler (geb. 1943)
Schwarz-Weiß-Video mit Ton
[Anmerkung: "Semiotik" bedeutet das Studium von Symbolen und deren Verwendung.]

Wird als Ikone der Feministin angesehen Videokunst Diese 6-minütige feministische Parodie einer im Fernsehen übertragenen Kochshow versucht, vorgefasste Vorstellungen über die Rolle der Frau im Haushalt und wie diese in den Massenmedien dargestellt wird, zu ändern. Rosler, der Moderator der Show, untersucht eine Reihe von Küchenutensilien und demonstriert für jede eine unproduktive, gelegentlich gewalttätige Verwendung. Das Video zeigt, wie die Sprache der Häuslichkeit dazu beiträgt, Frauen in ungleiche Partner und Menschen zu verwandeln, und wie sie sich auf die Alltagserfahrung von Frauen konzentriert.

Als eines der bekanntesten Beispiele feministischer Kunst ist diese Installation eine ständige Ausstellung im Center for Feminist Art im Brooklyn Museum. Es besteht aus einem großen Esstisch mit Gedecken für 39 berühmte Frauen aus Geschichte und Legende. Jede Fassung hat einen goldenen Keramikkelch, Silberwaren und einen Porzellanteller, der mit Schmetterlings- und Vulva-inspirierten Mustern verziert ist. Außerdem sind auf den Fliesen unter dem Tisch die Namen von 999 anderen bedeutenden Frauen aufgemalt. Obwohl seine historisch-feministische Botschaft für die Präsentation von Textilien wichtig ist, Metallarbeiten , Stickerei, Handarbeiten und keramische Kunst Die Arbeit feiert auch den Wert des Handwerks und dekorative Kunst im Gegensatz zu männlich dominiert Kunst . Mit Beiträgen von mehr als 100 Künstlern und Kunsthandwerkern zeigt The Dinner Party die feministische Tendenz, die Idee eines Künstlers als individuelles kreatives Genie abzulehnen und es vorzuziehen, Kunst als kollaboratives Erlebnis zu sehen.

Dieses surrealistische fotografische Selbstporträt von sich selbst als putzende Hausfrau, die beim Stehen am Herd über die Schulter schaut, ist Teil einer Serie von Selbstporträts mit dem Titel "Untitled Film Stills" (1977-80). Es ist nicht "echt", aber es zeigt uns, was existiert und was uns kontrolliert: Sexualität, Schönheit und Macht. Das Museum of Modern Art, New York, kaufte alle 69 Schwarzweiß-Fotografien der Serie für geschätzte 1 Million US-Dollar.

Die Arbeit ist ein Nahaufnahmefoto von Transvestiten, die auf dem Rücksitz eines Autos zusammensitzen, und zeigt beispielhaft, wie sie das Leben und die Liebe von Randgemeinden in ganz New York City thematisiert. Goldins Arbeit untersucht Stereotype in Bezug auf soziales und sexuelles Verhalten: Ihre Aufnahmen sind Teil des allgemeinen Trends, die Abweichung von kulturellen Normen einzufangen, der in den 1980er Jahren begann.

Dieser fotolithografische Werbeslogan veranschaulicht Krügers grafische Kunst, die soziale Stereotypen in Frage stellt, insbesondere jene, an denen Frauen beteiligt sind. Ein anderes Beispiel ist der Doppelslogan "77 Prozent der Anti-Abtreibungs-Führer sind Männer; 100 Prozent von ihnen werden niemals schwanger werden."

Diese 1998 geschaffene Installation wurde in die engere Auswahl der Turner-Preis für zeitgenössische Kunst , die es nicht zu gewinnen vermochte. Bestehend aus Tracey Emins Bett, das genau so belassen wurde, wie es war, seit sie eines Morgens aufgestanden war, rührt seine Bekanntheit von der grafischen Natur der Begleitartikel her. Dazu gehören mit Körpersekreten befleckte Bettlaken sowie Kondome, Unterwäsche mit Menstruationsblutflecken und andere Alltagsgegenstände. Die postmoderne Ästhetik des Werks ergibt sich aus seiner persönlichen Erzählung und der Verwendung nicht traditioneller Materialien.

Ausstellungen feministischer Kunst

Wichtige Ausstellungen von Frauen postmoderne Künstler Zu den Veranstaltungen des 21. Jahrhunderts zählen: "WACK! Art and the Feminist Revolution", kuratiert von Connie Butler (2007, San Francisco Museum of Modern Art); "Global Feminisms", kuratiert von Linda Nochlin und Maura Reilly (2007, Brooklyn Museum, New York City); "Rebelle" kuratiert von Mirjam Westen (2009, Museum of Modern Art, Arnhem); "Kiss Kiss Bang Bang! 45 Jahre Kunst und Feminismus" kuratiert von Xavier Arakistan (2007, Bilbao Fine Arts Museum); "Elles" (2009-2011, Pompidou Centre, Paris), die auch zum Seattle Art Museum reiste; und "Doin ’It in der Öffentlichkeit, Feminismus und Kunst im Gebäude der Frau" (2012, Ben Maltz Galerie, Otis College für Kunst und Design, Los Angeles).

Andere wichtige Künstlerinnen

Für Biografien anderer wichtiger Künstlerinnen, die im 20. Jahrhundert tätig waren, siehe bitte das Folgende: