Avantgarde Kunst: Definition, Bedeutung, Geschichte Automatische übersetzen

Was ist die Bedeutung von "Avantgarde"?

Im Kunst wird der Begriff "Avantgarde" (aus dem Französischen für "Avantgarde") traditionell verwendet, um Künstler, Gruppen oder Stile zu beschreiben, die in ihrer Technik, ihrem Gegenstand oder ihrer Anwendung der Mehrheit deutlich voraus sind. Dies ist eine sehr vage Definition, nicht zuletzt, weil es keinen klaren Konsens darüber gibt, ob die WHO entscheidet, ob ein Künstler seiner Zeit voraus ist oder WAS unter Vorsprung zu verstehen ist. Um es anders auszudrücken: Avantgarde bedeutet, neue künstlerische Methoden zu erforschen oder mit neuen Techniken zu experimentieren, um bessere Kunst zu produzieren. Der Schwerpunkt liegt hier eher auf Design als auf Zufällen, da es zweifelhaft erscheint, ob ein Maler oder Bildhauer aus Versehen Avantgarde sein kann. Was aber macht "bessere" Kunst aus? Bedeutet es zum Beispiel, dass Malerei ästhetischer ist? Oder sinnvoller? Oder lebhafter gefärbt? Die Fragen gehen weiter und weiter!

Der vielleicht beste Weg, die Bedeutung der Avantgarde-Kunst zu erklären, besteht darin, die Analogie der Medizin zu verwenden. Die überwiegende Mehrheit der Ärzte befolgt bei der Behandlung von Patienten die gängigen Regeln. (Ebenso befolgen die meisten Maler beim Malen traditionelle Konventionen.) Eine sehr kleine Gruppe von Ärzten und Forschern experimentiert jedoch mit radikal neuen Methoden. (Diese Gruppe entspricht avantgardistischen Künstlern.) Die meisten dieser neuen Methoden führen zu nichts, aber einige verändern den medizinischen Kurs für immer. (Picasso und Braque Kubismus hatte einen ähnlichen Effekt auf die Kunst.)

Radikal sogar subversiv

Der Begriff wurde angeblich erstmals im frühen 19. Jahrhundert von dem französischen politischen Schriftsteller Henri de Saint-Simon auf die bildende Kunst angewendet, der erklärte, dass Künstler vor Wissenschaftlern und anderen Klassen die Avantgarde in der allgemeinen Bewegung des sozialen Fortschritts seien. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts hat der Begriff jedoch eine radikale Konnotation bewahrt und impliziert, dass Künstler, um wirklich avantgardistisch zu sein, den künstlerischen Status quo in Frage stellen müssen – das heißt seinen Ästhetik , seine intellektuellen oder künstlerischen Konventionen oder seine Produktionsmethoden – bis zu dem Punkt, fast subversiv zu sein. Mit dieser Interpretation, Dada (1916-24) ist wahrscheinlich das ultimative Beispiel avantgardistischer bildender Kunst, da es die meisten Grundlagen der westlichen Zivilisation in Frage stellte.

Geschichte der Avantgarde Kunst

Die italienische Renaissance war wahrscheinlich die avantgardistischste Epoche in der Geschichte der Malerei und Bildhauerei. Figuren aus der biblischen Heiligen Familie wurden auf ganz natürliche Weise dargestellt – eine radikale Abkehr von byzantinischen, sogar gotischen Kunstwerken. Darüber hinaus wurde Nacktheit nicht nur akzeptabel, sondern auch die edelste Art bildlicher Darstellungen – Zeuge von Masaccios Vertreibung aus dem Garten Eden (1426, Brancacci-Kapelle, Florenz) von Masaccio und der hypermodernen Bronzeskulptur David von Donatello (um 1440, Bargello Museum, Florenz).

Trotz einer kurzen Blüte von Caravaggio, der mit seinen bäuerlichen Darstellungen von Christus und anderen Mitgliedern der Heiligen Familie (und Giuseppe Arcimboldo mit seinen Obst- und Gemüseporträts) den humanistischen Trend in der Malerei wiederbelebte, entwickelten sich allmählich die hypermodernen Traditionen der Renaissance ersetzt durch Wiederholung, Nachahmung und völlige Übereinstimmung. Die großen europäischen Akademien der bildenden Künste, die von der katholischen Kirche unterstützt wurden, führten eine Reihe von Regeln und Konventionen ein, die die Künstler auf ihre Gefahr hin ignorierten. Abweichenden wurde der Zugang zu den Salons und anderen offiziellen Ausstellungen verweigert. Vielleicht gab es nur in Holland einen echten Geist der künstlerischen Auseinandersetzung, insbesondere in Form von intensiv evokativen Porträts von Rembrandt und der neuen Art der Genremalerei, die exquisit von Jan Vermeer und anderen gemalt wurde.

Erst als sich der Staub nach der Französischen Revolution gelegt hatte, begannen die Künstler wieder zu experimentieren. Es begann mit Landschaftsmalerei . Eine neue Freilufttradition wurde von Corot und anderen Mitgliedern der Barbizon-Schule initiiert. Der deutsche Symbolistenmaler Caspar David Friedrich verleiht seinen Landschaften eine neue Form der Romantik. und das Genre wurde vom englischen Genie JMW Turner auf ein noch höheres und außergewöhnlicheres Niveau gebracht. Geschichtsmalerei Auch mit Werken wie Goyas avantgardistisch geworden 3. Mai 1808 (1814, Prado, Madrid), der keine Helden und keine erhebende Botschaft hatte.

Die nächste wirklich avantgardistische Schule war Impressionismus , – der erste große Satz von moderne Kunst – die Farbkonventionen auf den Kopf stellten. Auf einmal könnte Gras rot und Heuhaufen blau sein, abhängig von der vom Künstler wahrgenommenen momentanen Sonneneinstrahlung. Heutzutage mag der Impressionismus als Mainstream angesehen werden, aber in den 1870er Jahren wurden sowohl die Öffentlichkeit als auch die Kunsthierarchie skandalisiert. Für sie war Gras grün und Heuhaufen gelb – und das war’s.

Avantgardistische Kunst des frühen 20. Jahrhunderts

Die ersten drei Jahrzehnte der Kunst des 20. Jahrhunderts brachten eine Welle revolutionärer Bewegungen und Stile hervor. Zuerst kam Fauvismus (1905-8), deren Farbschemata so dramatisch und gegen die Natur gerichtet waren, dass ihre Mitglieder als „wilde Bestien“ bezeichnet wurden. Dann Analytischer Kubismus (1908-12) – wahrscheinlich die intellektuellste aller avantgardistischen Bewegungen -, die die konventionelle Idee der linearen Perspektive zugunsten einer stärkeren Betonung der zweidimensionalen Bildebene ablehnten und die Kunstakademien Europas skandalisierten – zusammen mit Besuchern von der Pariser Salon des Independants und das New York Waffenschau (1913) – dabei. In Dresden, München und Berlin war der deutsche Expressionismus der neueste Stil, wie er von Die Brucke (1905-13) und Der Blaue Reiter (1911-14) praktiziert wurde, während der Futurismus in Mailand seine einzigartige Mischung aus Bewegung und Moderne einführte.

Zu den fünf bedeutenden Händlern der Avantgarde-Kunst in Paris zwischen 1900 und 1930 zählen Solomon R. Guggenheim (1861-1949), Ambroise Vollard (1866-1939), Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979), Paul Guillaume (1891-1934) und Peggy Guggenheim (1898-1979). In Deutschland war Walden das große Zentrum der expressionistischen Avantgarde Sturm Galerie .

Aber die ikonoklastischste Bewegung aller Zeiten ist vielleicht Dada, gegründet von Tristan Tzara (1896-1963), der sich 1916 in Zürich entzündete, bevor er sich nach Paris, Berlin und New York ausbreitete. Dadaisten lehnten die meisten, wenn nicht alle bürgerlichen Werte der bildenden Kunst zugunsten einer berauschenden Mischung aus Anarchismus und hypermoderner Innovation ab. Letzteres beinhaltete eine Reihe von subversiven Ideen, die heute als relativ allgemein angesehen werden, wie die Schaffung von Junk Art von ’ gefundene Objekte ’(Duchamps’ fertige ’) und die Einführung der 3-D-Collage (Schwitters’ Merzbau). Man kann auch sagen, dass Dada-Künstler die Performance-Kunst und Happenings sowie die Konzeptkunst mehr als fünfzig Jahre vor ihren postmodernen Nachfolgern erfunden haben. Dadas weniger unnachgiebiger Nachfolger war der Surrealismus, der amüsierte, aber letztendlich den Impuls zur Veränderung nicht aufrechterhielt. Nach Dada war wohl nur der niederländische Maler Piet Mondrian mit seinem De-Stijl-Stil der geometrischen Abstraktion (Neoplastizität) authentisch experimentell. In der bildenden Kunst war die Avantgarde geschickt vertreten durch den Modernisten Constantin Brancusi, den Futuristen Umberto Boccioni, den Kinetiker Alexander Calder und die Yorkshire-Bildhauerin Barbara Hepworth, die in ihrem 1931 gefeierten Werk Pierced Form das "Loch" einführte die kunst der skulptur.

Avantgardistische Kunst der Mitte des 20. Jahrhunderts

Avantgardismus in den 1940er Jahren kam in Anfällen und Anfängen. Das lag zum Teil daran abstrakte Kunst dominiert, und es gab sehr wenig über die Abstraktion, die grundlegend neu war. In Amerika ist es wahr, erfand Jackson Pollock (1912-56) Action-Painting ; Mark Rothko (1903-70) versetzte seine abstrakten Kompositionen in farbenfrohe Emotionen, während Robert Motherwell und Barnett Newman ihre mit Erzählungen versahen. Mitte der 60er Jahre war die Abstraktion jedoch eine verbrauchte Kraft. Der Minimalismus hat es rationalisiert und versucht, ihm eine stärkere Botschaft zu verleihen, aber die Öffentlichkeit war nicht wirklich interessiert. Sie haben es sehr bevorzugt Pop-Art – die neue Ästhetik der 60er Jahre, die Kunst plötzlich wieder zugänglich machte. Mit Ausnahme einiger außergewöhnlicher Multimedia-Künstler wie Robert Rauschenberg und Andy Warhol und möglicherweise des Bildhauers Claes Oldenburg blieb die Pop-Art trendig, aber berechenbar. (Weitere Informationen finden Sie unter Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.) In Italien wurden in der Zwischenzeit in den späten sechziger Jahren die bescheidenen Rohstoffe für die Montage, Installation und Performance von Arte Povera verstärkte den experimentellen Charakter der Bewegung, während in Amerika sowohl die hölzerne Assemblage-Kunst von Louise Nevelson (1899-1988) und die "Akkumulationen" von Arman (1928-2005) zur Popkultur hinzugefügt. In der Zwischenzeit wurde in Europa in den 1950er und frühen 1960er Jahren von den experimentellen Künstlern Jean Dubuffet (siehe Art Brut ) und Yves Klein sowie der Schweizer Bildhauer und Jean Tinguely (1925-91), die zusammen mit Alexander Calder an der Entwicklung beteiligt waren kinetische Kunst .

Eine einflussreiche Figur in der amerikanischen Avantgarde-Kunst der 1940er und 50er Jahre war John Cage (1912–92), Komponist und Grafiker. Bekannt für seine revolutionäre Musikkomposition von 4 Minuten 33 Sekunden (die keine einzige Musiknote enthielt!), Unterrichtete Cage am Black Mountain College und beeinflusste Künstler wie Robert Rauschenberg und Jasper Johns.

Avantgardistische Kunst des späten 20. Jahrhunderts

Postmoderne Kunst kam in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Es führte zum Auftauchen brandneuer Formen von zeitgenössische Kunst Ein Großteil davon war definitionsgemäß fast Avantgarde. Diese neuen Kunstformen beinhalteten: Feministische Kunst popularisiert von Judy Chicago (* 1939) und Carole Schneemann (* 1939); Kunstfotografie , am Beispiel von Robert Mapplethorpe (1946-89) und Nan Goldin (b.1953); ebenfalls Installationskunst , am Beispiel von Joseph Beuys (1921-86), Bruce Nauman (geb. 1941), Christian Boltanski (geb. 1944), Richard Wilson (geb. 1953) und Martin Creed (geb. 1968); Videokunst Erstellt von Bill Viola (* 1951) und anderen; Konzeptkunst , typisiert in Werken von Sol LeWitt (* 1928), Eva Hesse (1937-70) und Joseph Kosuth (* 1945); Performance-Kunst und den dazugehörigen Stil von Ereignisse , am Beispiel von Allan Kaprow (* 1927), Yves Klein (1928–62), Wolf Vostell (1932–98), Gunter Brus (* 1938), Hermann Nitsch (* 1938), Gilbert & George , und das Fluxusbewegung . Für eine nichtkommerzielle zeitgenössische Kunstform siehe: Eisskulptur – wohl das neueste Wort in "gefundenen Objekten". Eine der neuesten kreativen Moden ist eine extreme Form von Körperkunst Dies wird durch die risikoreichen Leistungen des serbischen Künstlers veranschaulicht Marina Abramovic (geb. 1946).

Informationen zu den Top-Veranstaltungsorten für Avantgarde-Kunst auf der ganzen Welt finden Sie unter: Beste Galerien für zeitgenössische Kunst .

In den späten 1980er und 1990er Jahren entstand eine Avantgarde-Gruppe aus Großbritannien mit dem Namen Junge britische Künstler (YBAs), zu deren Mitgliedern die Turner-Preisträger Mark Wallinger (geb. 1959), Rachel Whiteread (geb. 1963), Gillian Wearing (geb. 1963), Damien Hirst (geb. 1965), Douglas Gordon (geb. 1966), Chris Ofili (geb. 1968) und Steve McQueen (geb. 1969). Ein weiteres umstrittenes Mitglied war Tracey Emin (* 1963). Diese jungen postmoderne Künstler Für große Kontroversen sorgte die herausfordernde, sogar subversive Herangehensweise an das Thema und die Verwendung von Materialien (Elefantendung, Maden, toter Hai, menschliches Blut), die sowohl Kunstkritiker als auch die Öffentlichkeit schockierten. Trotzdem belebte ihr avantgardistischer Ansatz die britische Kunst und verschaffte ihnen eine große Anhängerschaft, einschließlich der Schirmherrschaft von Charles Saatchi Großbritanniens führender Sammler oder zeitgenössischer Kunst, zusammen mit zahlreichen Ausstellungen im berühmten Saatchi Galerie und die Sensation- Ausstellung (1997) an der London Royal Academy.

Weitere Ausstellungen postmoderner Werke auf der ganzen Welt finden Sie unter: Beste Festivals für zeitgenössische Kunst .

Wer ist der avantgardistischste Künstler der Welt?

Eine unlösbare Frage, deshalb gebe ich Ihnen nur unsere Top-Kandidaten. Dazu gehören: JMW Turner (ein Maler, der seiner Zeit wohl 50 Jahre voraus ist); Claude Monet (der erste Revolutionär der modernen Malerei); Ilya Repin (der erste Maler, der das authentische Detail des Lebens in Russland festhält); Picasso (für seine Beherrschung der figurativen und abstrakten Kunst in fast allen Medien); Marcel Duchamp (der Pionier der Dada- und Objektkunst, aus der die Konzeptkunst hervorging); das Ehepaar Christo und Jeanne-Claude ( empaquetage oder packaging); Andy Warhol (der erste und wohl größte Postmodernist); Gilbert & George (lebende Skulpturen); Damien Hirst (der größte Selbstpublizist der Kunst) und natürlich der Graffiti-Terrorist Banksy . In der Architektur gehören zu den Top-Kandidaten: Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret) (1887-1965), der funktionalistische utopische Architekt und Pionier des Brutalismus; und Frank O. Gehry (geb. 1929), der Champion von Dekonstruktivismus in Amerika und Europa.

Welches sind die avantgardistischsten Gemälde des 20. Jahrhunderts?

Hier sind unsere Vorschläge in chronologischer Reihenfolge aufgeführt:

Was sind die avantgardistischsten Skulpturen des 20. Jahrhunderts?

Hier sind unsere Vorschläge: