Keltische Kunst: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Wann begann die keltische Kunst?

Im Großen und Ganzen erschienen die frühesten keltischen Künste und Handwerke in Eisenzeit Europa mit den ersten Keltenwanderungen aus den südrussischen Steppen ab ca. 1000 v. Jede europäische Kunst, Kunsthandwerk oder Architektur vor diesem Datum stammt von früher Bronzezeit Gesellschaften der Urnfield- Kultur (1200-750 v. Chr.) oder der Tumulus- (1600-1200 v. Chr.), Unetice- (2300-1600 v. Chr.) oder Beaker- (2800-1900 v. Chr.) Kulturen.
Siehe auch: Irische Bronzezeit und Irische Eisenzeit .

Was waren die frühen Einflüsse auf die keltische Kunst?

Die ersten Kelten brachten ihre eigenen kulturellen Stile mit, die aus der kaukasischen Bronzezeit stammten, sowie Kenntnisse des Mittelmeers und des Mittelmeerraums Etrusker Stile, die aus Seehandelskontakten über den Bosporus zwischen dem Schwarzen Meer und dem Mittelmeerraum abgeleitet sind. Die Kelten ließen sich im Gebiet der Oberen Donau nieder und setzten Motive der alten Donautradition gebührend um.

Sie brachten auch Kenntnisse in der Eisenherstellung mit, Metallarbeiten und Schmuckkunst , möglicherweise aus der bronzeherstellenden Maikop-Kultur Russlands im Kaukasus oder aus Kontakten mit der Levante hervorgegangen. (Das spätere silberne Meisterwerk von La Tene, bekannt als "Gundestrup-Kessel", wurde vermutlich in der Schwarzmeerregion hergestellt.)

Was war der erste Stil der keltischen Kunst?

Die früheste wahre keltische Redewendung im Bereich des Kunsthandwerks war die Hallstatt Kultur . Dieser stammte aus dem Typusstandort Salzkammergat in der Nähe des österreichischen Dorfes Halstaat und dauerte etwa 800 bis 475 v.

Die Hallstatt-Kultur war zwar auf Österreich ausgerichtet, breitete sich jedoch in Mitteleuropa aus und gliederte sich in zwei Zonen: eine Ostzone mit der Slowakei, Westungarn, Kroatien, Slowenien, Österreich und der Tschechischen Republik; und eine westliche Zone, die Süddeutschland, die Schweiz, Norditalien und Ostfrankreich umfasste. Die Hallstatt-Kultur gründete sich auf ihren lukrativen europaweiten Handel mit Salz- und Eisengeräten, und ihr Wohlstand spiegelte sich in den Bestattungsstätten ihrer Häuptlinge und ihres reichen Adels wider, die riesige Mengen fein gearbeiteter Artefakte, Schmuck, Töpferwaren und Werkzeuge enthielten und andere Objekte.

Was waren die Hauptmerkmale des Hallstätter Kunsthandwerks?

Hallstatt-Kunst aus Mitteleuropa ist bekannt für seine hochwertigen Eisenwerkzeuge und Waffen sowie die Herstellung von Dekorationsgegenständen und Verzierungen auf Bronzebasis. Es wurden jedoch relativ wenige Silber- oder Goldgegenstände aus dieser Zeit gefunden. Hallstatt wurde von den Militaristen beeinflusst Mykenische Kunst und Kultur um 1650-1200 v. Chr., die die Kelten auf ihrem Weg durch das Schwarzmeergebiet aufnahmen.

Die im 19. Jahrhundert von Archäologen vollständig ausgegrabene Schriftstelle in Österreich umfasste mehr als 2.000 Gräber, die mit einer Auswahl an Funktions- und Ziergegenständen gefüllt waren. Diese und andere Schätze aus der Hallstattzeit enthielten eine Menge Waffen wie Äxte, Speere, Speere, Schwerter, Dolche, Helme, Bosse und Schilde. Zu den Hubschraubern gehörte die berühmte geflügelte Hallstattaxt, während die Schwerter lang und schwer waren und ihre Griffe sichelförmig waren, mit großen Pommels oder Antennen, während die Schilde rund waren. Es wurden mehrere breite Bronzegürtel ausgegraben, die im Repousse-Stil mit Tier- und geometrischen Mustern verziert waren. Es wurden auch zahlreiche Schmuckstücke aus Bronze und Eisen gefunden (Broschen, Ringornamente, verschiedene Arten von Bernstein- und Glasperlen), wobei viele der Gegenstände mit Tieren und abstrakten geometrischen Mustern verziert waren. Besonders häufig waren Broschen, die sowohl den primitiven Sicherheitsnadeltyp (Peschiera) als auch den balkanisch-griechischen Spiralstil (Spektakel) umfassten, sowie Exemplare in Tierform. Keramik war vielfarbig, aber unbemalt. Zu den ungewöhnlicheren Entdeckungen gehörte die Leiche eines deutschen Häuptlings, der um 550 v. Chr. In einem mit ziemlicher Sicherheit in China gewebten Seidenmantel begraben war.

Obwohl es sich während seiner 300-jährigen Lebensdauer in mehrfacher Hinsicht entwickelt und beeinflusst hat, ist der Hallstatt-Kunststil in der Regel sehr geometrisch. Seine Fortschritte gegenüber der früheren Urnfield- Kultur sind eher durch technische als durch ästhetische Verbesserungen gekennzeichnet. Wenn überhaupt, besteht eine Tendenz zum Extravaganten (ähnlich wie im Barock), wobei spätere griechische orientalisierende Einflüsse gänzlich fehlen. Hallstatt-Künstler neigten dazu, glatte Oberflächen aufzubrechen, und setzten häufig Farbkontraste für Effekte ein. Zu den Motiven zählen Vogelformen, wahrscheinlich aus Italien, Spiralen, Tiermotive (Zoomorphe), Knoten und Laubsägearbeiten, aber nur wenige Pflanzenmuster. Die Zahlen wurden häufig paarweise angegeben, was ein allgemeines Anliegen mit starrer Symmetrie veranschaulicht.

Welcher Stil der keltischen Kunst kam nach Hallstatt?

Archäologen nennen die nächste Art von keltischem Kunststil " La Tene ", nach dem Typusstandort in der Nähe des Dorfes La Tène am Nordufer des Neuenburgersees, Schweiz. Der 1857 entdeckte Standort wurde bis 1885 von Schweizer Geologen und Archäologen vollständig ausgegraben. Insgesamt wurden über 2.500 Objekte ausgegraben Die meisten Gegenstände waren Waffen, darunter mehr als 150 (meist unbenutzte) Schwerter, fast 300 Speerspitzen und 22 Schildplatten. Andere Gegenstände umfassten fast 400 Broschen sowie Werkzeuge und andere Artefakte. Der La Tene-Stil erstreckte sich über 400 Jahre zwischen 500 und 100 v. Chr. und fiel zeitlich mit einer Verschiebung des kontinentalen keltischen Kernlandes von der österreichischen oberen Donau zum Oberrhein um die Schweiz und den Fluss herum nach Westen zusammen Rhône in Frankreich La Tene ist der erste Höhepunkt oder Aufschwung der keltischen Kunst und zeigt den Wohlstand und die wachsende Reichweite der keltischen Kultur.

So wie es war, fiel die Ära von La Tene mit dem Ende der Einäscherung von Leichen und der Umstellung auf Inhumation oder Bestattung zusammen. Sehr zum Nutzen der Archäologie führte dies zu mehr Bestattungsplätzen, wobei mehr persönliche Besitztümer und Haushaltsgegenstände mit dem Toten beigesetzt wurden, um das erwartete Leben nach dem Tod genießen zu können. Aus diesen Caches von Artefakten leiten wir unser Verständnis dieses Keltischen ab Zivilisation und Kultur.
(Siehe auch: Zeitleiste der Kunstgeschichte .)

Was waren die Hauptmerkmale von La Tene Arts and Crafts?

Der La Tene-Stil, der sich in zahlreichen Ausgrabungen in ganz Europa – einschließlich Großbritannien und Irland – sowie in griechischen und römischen Texten zeigt, war eine ausgereifteren Art der keltischen Kunst. Laut Paul Jacobsthal in seinem wegweisenden Werk "Early Celtic Art" (1944) kann die La Tene-Bewegung in vier Stufen unterteilt werden: den frühen Stil (ca. 480-350 v. Chr.), Den Waldalgesheim-Stil (ca. 350-290 v. Chr.)), The Plastic Style (290-190 v. Chr.) Und The Sword Style (ab 190 v. Chr.). Im Allgemeinen weisen die Artefakte von La Tene in den Mittelmeergebieten der keltischen Besiedlung, insbesondere in Frankreich und Italien, aufgrund ihres engeren Kontakts mit der griechisch-römischen Welt eine größere Reife und Ausdrucksfähigkeit auf als die Gebiete Mitteleuropas.

Bemerkenswert La Tene Kunstwerke gehören eine Fülle von Goldschmiedekunst , einschließlich atemberaubender Goldartefakte wie Torcs und Goldkrägen (z. Broighter Kragen aus der Grafschaft Derry), Bänder, Halsketten, Verschlüsse und Armbänder, eine begrenzte Menge an Goldskulpturen (z. B. Broighter Boat), Gold – und Silberkessel (z Gundestrup-Kessel , gefunden in einem Moor in Himmerland, Dänemark), sowie eine Reihe von Bronzegegenständen, darunter Schilde (z. B. der bronzene Battersea-Schild, der Witham-Schild von Lincoln), Trompeten (z. B. die bronzene Trompete von Loughnashade, County Armagh), Schalen, Flaggen und Ziergegenstände (z. B. die späteren Petrie Crown aus der Grafschaft Cork), viele eingeschnitten oder graviert mit typischen La Tene-Mustern. Gängig waren auch Kunstwerke aus Eisen, ein interessantes Beispiel dafür waren die schmiedeeisernen Feuerhunde (z. B. von Capel Garmon, Gwynedd), die Bratspieße oder Holzscheite hielten.

Die Muster von La Tene wurden von formalen Motiven beeinflusst, aus denen sie importiert wurden Griechenland , Italien und der Kaukasus, aber die keltischen Metallarbeiter in Mittel- und Westeuropa entwickelten schnell ihre eigenen einzigartigen Interpretationen von abstrakten fließenden Mustern. Das Ergebnis ist eine stark stilisierte Form krummliniger Kunst, die hauptsächlich auf Gemüse- und Laubmotiven wie Blattpalmen, Akanthusblättern, Ranken, Weinreben und Lotusblüten sowie Spiralen, Triskels, S-Rollen und Trompetenformen basiert. Weitere geometrische Dekorationen waren Kreuzmotive auf Rädern, Zick-Zack-Muster, Kreuzschraffur, Fischgrätenmuster, konzentrische Kreise und mehr. Unter diesen abstrakten Mustern verwoben keltische La Tene-Künstler eine breite Palette zoomorpher Tiermotive, darunter Schlangenköpfe, Wildschweine, Eulen und andere. Alle diese Muster, manchmal geprägt mit roten oder anderen Emails, traten auf den persönlichen Verzierungen und Waffen der keltischen Kriegeraristokratie auf, deren Macht und Einfluss in der Zeit von 400 bis 300 v. Chr. Ihren Höhepunkt erreichte.

Gibt es Beispiele für Gemälde oder Skulpturen von La Tene?

Trotz des offensichtlichen Reichtums an kontinentalen Kelten in der Zeit von La Tene (und Hallstatt) sind keine Beispiele dafür bekannt gemälde , nur eine relativ kleine Menge von Skulptur und wenige, wenn überhaupt bemerkenswerte figurative Schnitzereien. Wir haben nur einige gehörnte Köpfe, Janusköpfe, sowie eine Reihe von anthropomorphen und therianthropischen Figuren aus Holz, Ton oder Metall.
Dieser Mangel an Skulpturen und Schnitzereien ist rätselhaft. Das Fehlen einer Tradition in der 3-D-Kunst mag eine Erklärung sein – obwohl die russischen Steppenstämme für ihre Bronzen berühmt waren und das ursprüngliche keltische Kernland in Österreich in der Nähe des Ortes des berühmten Paläolithikums liegt Elfenbeinschnitzereien des Schwäbischen Jura . Andererseits schätzte die keltische Gesellschaft die Anhäufung solcher kostbaren Gegenstände vielleicht nicht, sondern bevorzugte eher personalisierte oder tragbare Gegenstände. Aber auch die Wikinger-Gesellschaft, aber die Wikinger sind bekannt für ihre Schnitzkunst.

Das einzige hochwertige Mauerwerk, das von irischen La Tene – Bildhauern hergestellt wird, ist die Serie verzierter heidnischer Steine, wie z Turoe Stein (Co Galway), Castlestrange-Stein (Co Roscommon), Killycluggin-Stein (Co Cavan), Mullaghmast-Stein (Co Kildare) und Derrykeighan-Stein (Co Antrim).

Haben die Kelten Keramik hergestellt?

Ja, wir kennen viele Beispiele für keltische Töpferwaren, aber im Allgemeinen war Keramik kein besonders geschätztes Handwerk oder keine Kunstform – sicherlich nichts Vergleichbares Griechische Keramik der Zeit, obwohl ironischerweise letzteres definitiv von den Kelten geschätzt wurde.

Was geschah mit der Geschichte der keltischen Kunst nach La Tene?

In der Spätzeit von La Tene und unmittelbar danach, von etwa 200 v. Chr. Bis 100 n. Chr., Besiegten die römischen Legionen alle unabhängigen keltischen Stämme auf dem Kontinent und nahmen sie in die römische Verwaltung Europas auf. Auch Großbritannien wurde mit Ausnahme einiger abgelegener Regionen in Schottland, Wales und Cornwall unterworfen und gleich behandelt. Nur Irland konnte sich der römischen Kontrolle entziehen. Während der nächsten drei Jahrhunderte dieser Romanisierung, keltische Kultur, Sprache und Kunsthandwerk allmählich zurückgegangen, außer in Irland. Auch hier gab es für Künstler und Handwerker weniger Möglichkeiten, sich weiterzuentwickeln. So stagnierte die keltische Kunst im Großen und Ganzen bis ins 5. Jahrhundert. Im fünften Jahrhundert besiegten die Barbarenstämme schließlich das Römische Reich – zumindest im Westen. Im Jahr 410 plünderten westgotische Stämme unter Alarich Rom und 45 Jahre später wurde die Stadt erneut überrannt – diesmal von Vandalen unter Gaiserich. Mit dem Zusammenbruch der römischen Zivilautorität in ganz Europa geriet die Region in Anarchie und Chaos – eine Zeit, die Historikern als dunkles Zeitalter bekannt war. Es würde bis ungefähr 800 CE dauern. In der Zwischenzeit beschloss die christliche Kirche mit Sitz in Italien, das barbarenfreie Irland als einen ihrer Außenposten zu nutzen. Es schickte St. Patrick, das Land zum Christentum zu konvertieren. Dies sollte tiefgreifende Konsequenzen haben, nicht nur für das irische Volk, sondern auch für die keltische Kunst. Siehe auch Keltisch-römische Kunst .

Was geschah mit der keltischen Kunst in Irland nach dem Fall Roms?

Das Kommen des Christentums nach Irland führte unmittelbar zu einer Renaissance der irisch-keltischen Kunst. Dies nahm drei Formen an: Erstens eine Regeneration von Keltische Metallarbeiten ; zweitens die Produktion – in Verbindung mit angelsächsischem und deutschem Fachwissen – einer Reihe von glorreichen beleuchtete evangeliumshandschriften ; drittens die Schaffung herausragender freistehender Skulpturen – der sogenannten Hohe Kreuze von Irland . Anders als in der früheren heidnischen Periode der keltischen Geschichte, in der Waffen und Schmuck vorherrschten, sind die meisten der großen Artefakte, die in der frühchristlichen Periode geschaffen wurden, mit religiöser Verehrung verbunden. Trotzdem nutzten die Zeichner, Metallarbeiter und Bildhauer der christlichen Ära die Spiralen, Knoten, Zoomorphe und viele andere Muster ihrer heidnischen Vergangenheit in großem Umfang.

Wurde die christliche keltische Renaissance allein von der Kirche verursacht?

Nein, nicht ganz. Weil das Land sowohl von den Römern als auch von den Barbaren verschont blieb, entwickelte sich die irisch-keltische Kultur weiter. Zwischen 300 und 400 n. Chr. Entwickelten die irischen Kelten ein vereinfachtes Ogham-Alphabet, um die römisch eingeschriebene Monumentalskulptur nachzuahmen. Diese neuen "Ogham-Steine" dienten zahlreichen Funktionen: Ahnengrabmarkierungen, Denkmäler und territoriale Grenzen, um nur einige zu nennen. Ein bemerkenswertes Beispiel für solche vorchristlichen Steine ​​ist die verzierte Säule in Mullamast, County Kildare. (Hinweis: Vor Ogham gibt es in Irland keine bekannte Schriftsprache: Die keltische Kultur stützte sich eher auf mündliche als auf schriftliche Traditionen, so dass Historiker den Mythos von den historischen Tatsachen trennen mussten – siehe Lebor Gabala Erenn (Invasionsbuch) .

Auch die Metallarbeiten haben sich weiterentwickelt. Es wurden neue Techniken eingeführt, darunter Feinemaillierung und Rippendekoration sowie verbesserte Versionen zoomorpher Tierköpfe, krummliniger Motive und Spiralen im La Tene-Stil. Zu den neuen Formen gehörten neuartige Kleidungsornamente, insbesondere die Brosche in Form eines Halbkreises – eine Art Ringbrosche mit einem Spalt, durch den eine Nadel eingeführt werden konnte – und die Handnadel – benannt nach der Form ihres Kopfes, die einer Handfläche ähnelte. Einige dieser Innovationen wurden mit großer Wirkung kombiniert: Zum Beispiel war die zoomorphe Brosche nur in Irland erhältlich, während spätere Modelle durch die Verwendung von mehrfarbigen Emails und Millefiori-Glasornamenten noch exquisiter wurden. Eines der großartigen Exemplare keltischen Schmucks ist die Ringbrosche, die als Tara-Brosche (c.700).

Wie hat die Kirche der irischen keltischen Kunst geholfen?

Die große Innovation der Kirche in Irland war die Entwicklung des Klostersystems – der Aufbau eines Netzwerks von Klöstern, die ihren Gründern wie St. Patrick, St. Columba et al. Und nicht der regulären bischöflichen Hierarchie unterstehen. Dies ermöglichte eine größere Handlungsfreiheit sowohl in religiösen als auch in ästhetischen Fragen. Zu gegebener Zeit entwickelten sich diese Klöster zu renommierten Lernzentren für spirituelle und zeitliche Themen, während ihre auf keltischen Traditionen basierenden Drehbücher und Workshops eine Reihe von Themen hervorbrachten frühchristliche Kunst und entwickelte eine beispiellose Expertise in mehreren angewandten Künsten und Handwerken. All dies wurde durch Gelder der Kirche von Rom ermöglicht, die zu Beginn des siebten Jahrhunderts, wenn nicht früher, die Rolle des Mäzens der Künste in Irland übernommen hatte. Es führte auch die Alphabetisierung in das Land ein. Siehe auch Irische klösterliche Kunst .

Wie haben sich christliche keltische Metallarbeiten entwickelt?

Die Entwicklung der frühen kirchlichen Metallarbeiten in Irland begann im 7. Jahrhundert mit Reliquien aus Bronze, dh kleinen Klappschachteln mit Reliquien von Heiligen. Mit der Zeit nahmen diese Reliquien an Größe und Verzierung zu, und spätere Versionen (z. B. die von Bischof Conlaed und St. Brigid) wurden mit Edelmetallen geschmückt. Nach den Reliquien kamen neue Techniken, Materialien und Farben – das Ergebnis metallurgischer Methoden aus Übersee sowie lokaler Fähigkeiten – einschließlich "Chip-Carving" (eine Methode, die von deutschen Juwelieren angewendet wird), bei der eine glatte Oberfläche in zahlreiche abgewinkelte Flächen umgewandelt wurde, um die zu fangen Licht. Andere feine Techniken, die von keltischen Metallarbeitern beherrscht wurden, waren die Verwendung von Goldfiligran, mehrfarbigen Nieten (z. B. Emaille, Millefiori und Bernstein) und geprägten Folien. Ein hervorragendes Beispiel für keltische Goldarbeiten aus dieser Zeit (im Übrigen als hibernosächsische Schule für Inselkunst bekannt) ist der Moylough-Gürtelschrein.

Eine weitere Innovation der keltischen Handwerker war ihre Methode, ein hochkomplexes Stück (z. B.) Bronze aus einer Reihe gegossener, gehämmerter und gesponnener Teile herzustellen, die auf einem (z. B.) Bronzekern zusammengefügt und dort festgesteckt (anstatt verlötet) wurden. Das herausragende Beispiel für diese Technik ist das Silber Ardagh Kelch , aufgebaut aus über 350 Einzelteilen. Andere religiöse Meisterwerke aus Irland sind: die Bronze Moylough-Gürtelschrein , das Silber Derrynaflan Kelch und die zwei in Bronze gehüllten hölzernen Prozessionskreuze – das Tully Lough Cross und der berühmte Kreuz von Cong , im 12. Jahrhundert für König Turlough O’Connor erbaut. In ihrem Dekorationsstil sind all diese Werke von religiöse Kunst bleiben typisch keltisch und gehen auf alte heidnische Traditionen zurück.

Wie haben sich die Bilderhandschriften entwickelt?
Warum veranschaulichen sie keltische Kunst?

Beleuchtete Evangelientexte wurden wie Relikte als kostbare Objekte der Verehrung verwendet und oft nur an besonderen Festtagen und Festivals herausgebracht. Wenn keltische Metallarbeiter in der Werkstatt des Klosters der extremen Hitze von Öfen und geschmolzenem Metall ausgesetzt waren, litten die Schriftgelehrten, Zeichnerlehrlinge und Meisterkünstler im Skriptorium vor allem unter der Kälte. Sie arbeiteten stundenlang bei Minusgraden und arbeiteten in unbekannten Stunden daran, handgemachtes Pergament herzustellen, auf das Seite für Seite, Zeile für Zeile, Wort für Wort, die heilige Schrift geschrieben wurde. Danach folgten die ebenso sorgfältigen Prozesse der Illustration und Beleuchtung. Dann kam das Zusammennähen der Seiten und schließlich der Umschläge. Dann würden die Wikinger ankommen und das Manuskript zerstören und die Mönche schlachten – na ja, nicht immer, aber es geschah und nicht so selten.

Wie die Kelche von Ardagh und Derrynaflan blieben auch die frühchristlichen religiösen Manuskripte im Wesentlichen keltisch und waren mit unglaublich komplexen Mustern traditioneller Motive bedeckt, darunter Triskele, Trompete, zoomorphe Bilder, Spiralen, Rauten, Kreuze und Knotenmuster und unzählige andere fantasievolle grafische Ornamente und Maßwerke – fast alle stammen aus den traditionellen Designs heidnischer keltischer Metallarbeiten.

Zu den bekanntesten illuminierten Manuskripten gehören die Cathach von St. Columba (frühes 7. Jahrhundert), die Book of Durrow (c.670), die Lindisfarne Evangelien (c.698-700), die Echternacher Evangelien (c.700), die Lichfield-Evangelien (c.730) und die Buch von Kells (c.800) – besonders sein Chi / Rho Monogramm-Seite mit seiner fabelhaften Dekoration. Sie gehören zu den größten Schätzen der frühchristlichen Kunst des Mittelalters und vielleicht zu den berühmtesten Werken im ganzen Geschichte der irischen Kunst .

Sie hatten auch einen signifikanten Einfluss auf die religiösen Drehbücher im heutigen Europa. Die antiklassischen Stile von Texten wie das Book of Kells wurden in zahlreiche Klöster und religiöse Zentren auf dem Kontinent übertragen, wo sie die Entwicklung der karolingischen, romanischen und gotischen Kunst für den Rest des Mittelalters beeinflussten.

Siehe auch: Geschichte der Bilderhandschriften (600-1200) und Anfertigung von Bilderhandschriften .

Wie und wann hat sich die keltische Hochkreuzskulptur in Irland entwickelt?

Die als "Hohe Kreuze" bekannten Steinskulpturen wurden in der Regel von örtlichen Klöstern für religiöse Stätten in Auftrag gegeben und ersetzten häufig zuvor errichtete Holzkonstruktionen. Ihr Zweck war von Ort zu Ort verschieden: Einige gedachten eines Ereignisses, einige waren Objekte der Verehrung, andere dienten als Bezugspunkte. Die meisten der in Irland noch sichtbaren Exemplare wurden zwischen 750 und 1150 hergestellt, obwohl die Form im frühen 10. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte. Sie werden in zwei Grundtypen eingeteilt – jene mit Reliefszenen aus den heiligen Schriften oder dem Leben der Heiligen; und die, die nur abstrakte keltische Entwürfe kennzeichnen. Ersteres hätte auch dazu gedient, wichtige Lehren aus der Bibel zu veranschaulichen und zu erklären. In jedem Fall gelten diese Hohen Kreuze als die bedeutendsten freistehenden Skulpturen, die zwischen dem Fall Roms und der Zeit entstanden sind Florentiner Renaissance und sind einer der großen Beiträge zur Geschichte von Bildende Kunst in Irland . Berühmte Beispiele sind das Muiredach-Kreuz in Monasterboice, das Kreuz in Castledermot und das Ahenny-Hochkreuz.

Gab es in Irland eine kontinuierliche Tradition keltischer Designarbeit?

Ganz sicher. Man muss nur die Dreifachspiralen, Rautenformen, Pastillen oder konzentrischen Kreise der Rauten vergleichen Newgrange Megalithgrab (gebaut c.3300 BCE) (oder die geometrischen Bilder an der Megalithgrab von Knowth ) mit der Spiralverzierung im Book of Kells (geschrieben 4.000 Jahre später), um die ungebrochene Tradition der keltischen Designarbeit zu würdigen. Einige gelehrte Schriftsteller geben sich große Mühe, zwischen "alten" und "mittelalterlichen" keltischen Entwürfen zu unterscheiden, aber mit größtem Respekt kann ich dem nicht zustimmen. Ich denke, die Antwort auf die Frage – Was ist der Unterschied zwischen antiker und mittelalterlicher keltischer Kunst – ist: sehr wenig. Natürlich bringt jede Epoche ihre einzigartigen Innovationen hervor, aber ich denke, das Beeindruckendste an der keltischen Kunst (zumindest in Irland, wo die meisten keltischen Kunstwerke zu finden sind) ist die Kontinuität des kreativen Designs.

Siehe auch: Keltische Wiederbelebung .