Farbe in der Malerei:
Theorie, Praxis, Pigmente Automatische übersetzen

Entsprechend ihrem Status als eine der führenden „schönen“ Künste hängt die Malerei in hohem Maße von der Verwendung von Farbe ab, um Wirkung, Stimmung und Tiefe zu erzielen. Die Wirkung von Farbe auf die visuelle Wahrnehmung des Betrachters ist extrem stark, und schon ein winziger Strich eines leuchtenden Pigments auf einem monochromen Bild kann ein Werk verändern. Schon die frühesten Vertreter der prähistorischen Felskunst (30 000-12 000 v. Chr.) waren Experten im Umgang mit primitiven Pigmenten, wie die monochromen Malereien von Chauvet, die polychromen Fresken von Lascaux und die lebhaften Malereien von Altamira zeigen.

Mit der Erfindung der Ölmalerei in Europa im frühen 15. Jahrhundert, die die Helligkeit und den Reichtum der Farben, die sowohl durch Temperamalerei auf Holztafeln als auch durch Freskomalerei erreicht wurden, erheblich verbesserte, machte die Praxis der Farbmalerei einen bedeutenden Schritt nach vorn.

- Was ist ein Farbton?
Farbton – ist ein Synonym für Farbe.

- Was sind Grundfarben?
Das sind Rot, Blau und Gelb; Farben, die gemischt werden können, um andere „Sekundärfarben“ zu erzeugen, die aber selbst nicht aus Mischungen hergestellt werden können.

Wirkungen der Farbe

Die Wirkungen von Farbe können rein optisch sein (z. B. um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen), emotional (z. B. haben kühle Farben wie Blau oder Grün eine beruhigende Wirkung, während Rot oder Gelb die Sinne eher anregen) oder ästhetisch (z. B. entsteht Schönheit durch das Nebeneinander von zwei oder mehr harmonischen Farben), um nur drei der ersten Möglichkeiten zu nennen, die mir einfallen. Gemäß den Grundsätzen der Farbtheorie und der Anordnung des Farbkreises variieren all diese Wirkungen auf den Betrachter auch je nach der Kombination der vorhandenen Farbtöne (tatsächlichen Farben), ihrer Helligkeit (dem Grad an Licht oder Dunkelheit, den sie besitzen) und ihrer Chromatizität (oder Sättigung - Reinheit des Farbtons). Darüber hinaus variiert die Farbwirkung je nach den benachbarten Farben auf der Leinwand. Grau, das von Blau umgeben ist, wirkt kalt, und Grau, das von Gelb umgeben ist, warm. Der letzte Einfluss auf die Farbwahrnehmung ist die Gesamtpalette der im Gemälde vorhandenen Töne, die manchmal als Tonwertschlüssel bezeichnet wird. Wenn Sie z. B. Gelb auf eine Leinwand mit einem niedrigen (dunklen) Tonwert (z. B. ein Rembrandt-Gemälde) auftragen, hat dies eine andere Wirkung als bei einer Leinwand mit einem hohen Tonwert.

Frühe Farbtheorie

Die frühesten Grundsätze der Farbtheorie in der bildenden Kunst wurden von Leon Battista Alberti (1404-1472) in seinem Traktat „Über die Malerei“ Della Pittura (1435) und von dem Hochrenaissance-Genie Leonardo da Vinci in seinen Notizbüchern (um 1490) niedergelegt. In jedem Fall wurde die Bedeutung „des colourito“ von den großen alten Meistern der europäischen Kunst besonders ernst genommen, die Experten im Mischen und Auftragen von Pigmenten und akribische Erforscher der tonalen Wirkung des Lichts waren. Sie kannten die Grundsätze der Farbtheorie (Farbton, Intensität und Ton) und wussten genau, wann sie bestimmte Farben verwenden und wie sie auf der Leinwand harmonieren sollten. Aus der Ferne betrachtet ist ihr Können sogar noch beeindruckender, da es keine industriellen Farben gab und die meisten Pigmente (von denen einige sehr teuer waren) von Hand geschliffen werden mussten, ein schmutziges und arbeitsintensives Verfahren. Weitere Farbtheorien erschienen am Ende der Barockzeit mit der Veröffentlichung „von Isaac Newtons Optik“ (1704). Aber die Praxis der Farbmalerei änderte sich erst im 19. Jahrhundert wirklich, als der Impressionismus viele Kunsthistoriker mit seinen revolutionären optischen Theorien und Farbpraktiken in Bezug auf das Licht in Erstaunen versetzte, die eine völlig neue Bildsprache in der bildenden Kunst einführten. Mehr dazu siehe: Merkmale der impressionistischen Malerei 1870-1910

- Was sind Sekundärfarben?
Es handelt sich um Schattierungen, die durch das Mischen von Primärfarben entstehen: Eine Mischung aus Rot und Blau ergibt zum Beispiel die Sekundärfarbe Violett; eine Mischung aus Rot und Gelb ergibt Orange; eine Kombination aus Gelb und Blau ergibt Grün.

- Was sind Komplementärfarben?
Diese Farben liegen sich auf dem Farbkreis direkt gegenüber: Blau und Orange, Rot und Grün, Violett und Gelb. Jeder Primärfarbton - Rot, Gelb, Blau – hat seine eigene exklusive Komplementärfarbe - Grün, Violett, Orange.

- Was sind Tertiärfarben?
Sie entstehen durch das Mischen einer Primär- und einer Sekundärfarbe (z. B. Rot und Grün) oder zweier Sekundärfarben (z. B. Grün und Orange).

Bestandteile von farbiger Farbe

Die Farbe (Tönung) einer Farbe wird aufgrund ihres Pigments mit anderen Hauptbestandteilen wie folgt gemischt:

Ölfarbe
Im Grunde genommen ist Ölfarbe eine Kombination aus drei Zutaten: Pigment, Leinöl und Terpentin . Das Pigment liefert die Farbe ; das Leinöl ist das Bindemittel, d.h. der Bestandteil, der das Pigment hält und es ermöglicht, es auf Leinwand, Karton oder einen anderen zu bemalenden Untergrund aufzutragen; das Terpentin ist das Verdünnungsmittel – der Bestandteil, der die Mischung aus Öl und Farbstoff verflüssigt und es ermöglicht, sie leicht mit einem Pinsel aufzutragen. Ölfarbe kann auch andere Öle enthalten (z. B. Mohn- oder Walnussöl), sofern es sich um sikkative Öle handelt, d. h. um Öle, die durch Oxidation austrocknen. Der Punkt ist, dass Öle im Gegensatz zu den meisten anderen Farben nicht durch Verdunstung, sondern durch Oxidation trocknen – das Öl reagiert mit dem Sauerstoff der Luft und wird zu einem Gel und dann zu einem Feststoff.

- Was sind ähnliche Farben?
Jede Gruppe von drei oder fünf Farben, die im Farbton eng miteinander verwandt sind und auf dem Farbkreis gewöhnlich nebeneinander stehen, z. B. Blau, Blaugrün und Grün.

- Was ist ein Farbkreis?
Ein Farbkreis – ist ein Kreisdiagramm, das die Beziehungen zwischen Primär-, Sekundär-, Tertiär- und Komplementärfarben darstellt.

- Was ist die natürliche Farbe eines Pigments?
Eine dicke Farbprobe und eine gute Möglichkeit, um zu erfahren, welche Eigenschaften eine Farbe hat, wie z. B. ihre reine Farbe, ihre Transparenz und ihr Glanz.

Aquarell und Gouache
Technisch gesehen ist Aquarell – jede Farbe, die ganz oder teilweise in Wasser löslich ist, wie Tempera oder Gouache. Der Begriff „Aquarell“ bezieht sich nicht so sehr auf das Material, sondern auf eine farbverwischende Maltechnik, die im 18. und 19. Jahrhundert in England entwickelt wurde. Grundsätzlich besteht diese Art von Aquarellfarbe aus Pigment (Farbstoff) und Gummiarabikum (einem wasserlöslichen Bindemittel), dem Wasser zugesetzt wurde. Gouache – ist eine undurchsichtige Aquarellfarbe, die durch die Zugabe von Materialien wie Talkum, Zinkbleiche oder Porzellanerde entsteht. Tempera besteht aus Pigment (Farbstoff) und Eigelb (Bindemittel), dem Wasser zugesetzt wurde.

Acryl
Acrylmalerei ist ein vollsynthetisches Medium, das auf Acrylpolymerharz basiert. Acrylfarbe gibt es in verschiedenen Varianten für eine Vielzahl von Beschichtungen. In ihrer einfachsten Form besteht Acrylfarbe aus Pigment (Farbe), Emulsion, Acrylpolymer-(Kunststoff-)Harzen (Bindemittel) und Wasser. Die Kombination aus Pigment und Kunststoffharzen trocknet sehr schnell durch Verdunstung von Wasser (und anderen enthaltenen Lösungsmitteln) und bildet einen starken, flexiblen Film.

Verhalten sich alle Farbpigmente auf die gleiche Weise?

Nein. Acrylfarbe trocknet am schnellsten und ihre Farbe ändert sich leicht, wenn sie trocknet. Aquarellfarbe trocknet ebenfalls recht schnell und ändert beim Trocknen ebenfalls die Farbe. Ölfarbe hingegen trocknet viel langsamer und ändert seine Farbe nicht. Außerdem kann während des Trocknens mehr Farbe hinzugefügt werden, um außergewöhnlich satte Farben zu erzeugen. Diese Eigenschaften der Verarbeitbarkeit und der reichen Farbpalette machen Ölfarbe zur bevorzugten Wahl der meisten Meistermaler.

Probe
Ein kleiner Farbtupfer, der zur Beurteilung der Qualität des Pigments auf weißem Grund verwendet wird. Er wird oft von Künstlern verwendet, um festzustellen, wie eine Lavierung oder Lasur in einem Gemälde aussehen wird. Einige Farben wie Kadmium und Kobalt haben ähnliche natürliche Farben und Tönungen, aber bei transparenten organischen Farben wie Chinacridon oder Phthalos kann der Farbton sehr unterschiedlich zu dem sein, was man nach der Bewertung der Probe erwarten würde.

Intensität
Dies ist ein Maß dafür, wie stark die effektive Menge des Farbstoffs die Farbveränderung des Materials beeinflusst.

Traditionelle Farbpaletten

Es folgt eine Liste von Farbpigmenten, die mit Farbpaletten aus verschiedenen Epochen der Geschichte der bildenden Künste verbunden sind.

Steinzeitliche Farbpalette
Rote Erde
Gelbe Erde
Gelbe Erde
Schwarzer Kohlenstoff (Holzkohle)
Weißer Ton oder Kreide.

Ägyptische Farbpalette
Rote Erde
Gelbe Erde
Schwarzer Kohlenstoff
Gips
Kreide
Malachit
Azurit
Zinnober
Orpiment
Ägyptisches Blau
Indigo
Marena.

Klassische Farbpalette
Rote Erde
Gelbe Erde
Rohe (gebrannte) Siena
Gebrannter Umber
Kohlenstoff-(Lampen-)ruß
Elfenbein
Kreide
Bleiweiß
Malachit
Grün Erde
Azurit
Ägyptisches Blau
Ägyptisches Grün
Grünspan
Zinnoberrot
Zinnober
Zinnoberrot
Bleischwefel
Drachenblut
Massicot
Auripigment
Neapelgelb
Indigo
Marena
Purpur.

Farbpalette der Renaissance
Rote Erde
Gelbe Erde
Gelbe Erde
Grüne Erde
Elfenbein
Lampenruß
Schwarze Rebe
Bleiweiß
Kreide
Malachit
Grünspan
Azurit
Indigo
Ägyptisches Blau
Echtes Ultramarin
Asch-Ultramarin
Zinnoberrot
Chinesisches Zinnoberrot
Bleimennige
Rotlack
Drachenblut
Massicot
Neapolitanisches Gelb
Zinngelb
Blei Zinngelb
Gamboge
Gebrannte Siena
Gebrannter Umber.

Farbpalette des neunzehnten Jahrhunderts
Preußischblau
Kobaltblau
Französisch Ultramarin
Ceruleanblau
Fliedergrün
Smaragdgrün
Smaragd Grün
Viridian
Grünes Oxid
Kobaltgrün
Weißes Zink
Rosa Mauve
Alizarin Crimson
Cadmium Yellow
Chromium Gelb
Oreolin
Zinkgelb
Strontiumgelb
Zitronengelb
Indischgelb
Ägyptischbraun (Mumie)
Aschfalt

Was sind Pigmente?

Pigmente und Farbstoffe – sind die Bestandteile, die der Farbe Farbe geben. Das Wort „Farbstoff“ wird im Allgemeinen sowohl für Farbstoffe als auch für Pigmente verwendet. Der Hauptunterschied zwischen Pigmenten und Farbstoffen – Löslichkeit (ihre Fähigkeit, sich in Wasser aufzulösen). Während ein Farbstoff eine lösliche Substanz ist oder sein kann, besteht ein Pigment aus festen, unlöslichen Teilchen. Daher müssen Pigmente zu einem feinen Pulver gemahlen und dann vor der Anwendung sehr gründlich mit einer Trägerflüssigkeit wie Öl oder Wasser vermischt werden. Pigmente können durch ein spezielles Verfahren aus Farbstoffen hergestellt werden.

Was sind die wichtigsten Quellen für Pigmente?

Die meisten Farben und Pigmente werden aus Metallen (Metallerzen oder -verbindungen) oder Pflanzen gewonnen, obwohl einige aus Tier- oder Fischprodukten und aus verkohltem Holz oder Knochen hergestellt werden.

Von Metallen abgeleitete künstlerische Pigmente
Zu den Farben auf der Grundlage von Metallen gehören Pigmente wie: Kadmium (z.B. Kadmiumgelb, Kadmiumrot), Chrom (z.B. Chromgelb, Chromgrün); Kobalt (z.B. Kobaltblau, Ceruleanblau, Aureolin, Kobaltviolett); Kupfer (z.B. Khan Purple, Egyptian Blue, Verdigris, Viridian); Blei (z.B. Bleiweiß, Neapelgelb, Bleimennige); Quecksilber (z.B. Zinnoberrot); Titan (z.B. Titanweiß, Titangelb); Zink (z.B. Zinkweiß); Lapislazuli (z.B. Ultramarin); Eisenoxid (z.B. Roter Ocker, Sanguine, Caput Mortuum, Venezianisches Rot, Sinopia, Türkischrot, Pompejanisches Rot und Persisches Rot; Farbige Tone (z.B. Gelber Ocker, Sienna Raw, Sienna Burnt, Umber Raw, Umber Burnt).

Kunstpigmente und Farbstoffe auf pflanzlicher Basis
Zu den natürlichen Pigmenten auf pflanzlicher Basis (von denen die meisten heute veraltet sind) gehören: Kornblumenblau (ein Aquarellpigment aus dem 18. Jahrhundert, das aus den Blütenblättern der Kornblume gewonnen wurde); Drachenblut (eine rubinrote Harzfarbe aus dem Baum Calamus draco); Fustic (ein gelblicher Farbstoff aus der Pflanze Chlorophona tinctoria); Gamboj (gelbes Harz aus Thailand); Indigo (aus der Familie der Indigofera-Pflanzen); Logwood (dunkles Pigment eines südamerikanischen Baumes); Marena (rötliche Farbe aus der Marenapflanze); Pink (Gelb aus einer Mischung unreifer Sanddornbeeren); Quercitrongelb (aus der Rinde der amerikanischen Schwarzeiche Quercitron); Saflorpigment (ein als Carpham bekannter roter Lack, der aus den Blüten der Saflorpflanze gewonnen wird); Safran (gelbe Farbe aus einer indischen Pflanze); Grüner Saft (aus unreifen Sanddornbeeren); Turnsole (violette oder blaue Farbe aus der Heliotrop-Pflanze aus der Familie der Borretschgewächse); Veld (gelb, pflanzlichen Ursprungs); Waid (blau oder indigo, aus dem Kraut Vajda oder rötlichem Waid aus der Familie der Senfgewächse).

Kunstpigmente, die aus tierischen Produkten oder Fischen gewonnen werden
Alle diese Pigmente sind heute veraltet (es gibt synthetische Analoga), dazu gehören: Karminrot, das aus dem weiblichen Insekt koshenili gewonnen wird; dunkelgelber Gallenstein aus dem Gallenstein des Ochsen; Indischgelb, das aus dem Urin von Rindern gewonnen wird, die Mangoblätter fressen; Sepia, ein schwarzer Farbstoff aus den Tintensäcken von Tintenfischen. Tyrpurpur, ein karminrotes Pigment, das aus Schalentieren gewonnen wird.

Kunstpigmente, die aus verkohltem Holz oder Knochen hergestellt werden
Alle diese sind heute veraltet; sie umfassen: Bistre, eine braune Farbe, die durch das Verbrennen von Buchenholz gewonnen wird; Knochenweiß, das aus zu weißer Asche verbrannten Knochen gewonnen wird; Technischer Kohlenstoff, der aus Holzkohle oder verkohlten Knochen hergestellt wird; Gebranntes Schwarz, das aus gebranntem Elfenbein gewonnen wird; Traubenschwarz, das aus verkohlten Reben gewonnen wird; Lampenruß, der aus dem Ruß von Öllampen gewonnen wird.

Geschichte der Pigmente

Farbmalerei in der Steinzeit
In den berühmten prähistorischen Felsmalereien von Chauvet, Lascaux und Altamira verwendeten die Künstler der Steinzeit einfache Erdpigmente wie Tonocker, Gelb, Braun und verschiedene Rottöne sowie Holzkohle. (Für weitere Einzelheiten siehe: Prähistorische Farbpalette .)

Farbmalerei in Ägypten
Dieses grobe, aber wirkungsvolle Farbschema wurde in der frühen Antike von ägyptischen Künstlern erweitert, die ihre Tempel und Gräber mit Fresken und Tafeln schmückten, in die neue Farben eingearbeitet wurden, wie z. B. die ägyptische blaue Fritte, das reiche zitronengelbe Pigment Orpiment, Rot, orangefarbener Realgar, grüner Malachit und seine blaue Variante Azurit. Die weißen Farben wurden aus Gips und Kreide gewonnen. (Für weitere Einzelheiten siehe: Ägyptische Farbpalette .)

Farbmalerei im antiken Griechenland und Rom
Beginnend mit der altgriechischen Malerei (ca. 650 v. Chr.) war die Palette der Farben für Tafeln und Fresken recht groß. Die Techniken der griechischen Malerei waren Tempera und Fresko; auf Holz und Marmor – Enkaustik und Tempera – ein Verfahren, bei dem Farben mit Wachs gemischt, auf eine Oberfläche aufgetragen und dann „eingebrannt wurden“. Zusätzlich zu den im alten Ägypten verwendeten Pigmenten fügten die griechischen Künstler neue rote Farben wie Gummiarabikum „, Drachenblut“ und Zinnober hinzu. Neue Purpurfarben waren Indigo, Marena und Tyrrhine Purpur, und neue Grüntöne waren Grünspan und grüne Erde (Terre Verte). Massico und neapolitanisches Gelb waren die beiden neuen Gelbfarben. (Für weitere Einzelheiten siehe: Die klassische Farbpalette .)

Farbmalerei in der Renaissance
Die Malerei der Renaissance wurde durch die Entwicklung der Ölmalerei verändert. Dieses neue Medium machte die Farben besonders schön und verlieh den figurativen Werken, insbesondere den Porträts, eine neue Dimension der Realität. Es überrascht nicht, dass dies die Entdeckung und Verwendung vieler neuer Farbtöne förderte. Dazu gehören die roten Pigmente Carmine (Amerika), Red Lac (Indien) und das neue rote Zinnoberrot sowie das prächtige dunkelblaue Ultramarin und die gelben Gamboge und Bleiweiß. (Für Einzelheiten siehe: Renaissance-Farbpalette .)

Akademische Traditionen der Farbmalerei
Mehrere wichtige Grundsätze der bildenden Kunst wurden von der Kunst der Renaissance aufgestellt. Diese Prinzipien bestanden aus Konventionen, die sich auf alle Aspekte der Bildgestaltung bezogen, einschließlich Thema, Komposition, Linie und Farbe. Die Farbe ) colorito) wurde als zweitrangig gegenüber der Gesamtkonstruktion ) Disegno) betrachtet, was sich darin zeigt, dass Studenten an Kunstakademien oder Gesellen den größten Teil ihrer Ausbildungszeit mit Zeichnen verbrachten und die Kunst des Pigmentmischens und Kolorierens erst viel später erlernten. Siehe aber auch: Tizian und die venezianische Farbmalerei (um 1500-76) und „Das Erbe der venezianischen Malerei“ .

Hier ist eine Beispielliste von Farben eines modernen AZ-Farbenlieferanten (REMBRANDT).

Asphalt
Aureolin
Bronze
Brauner Ocker
Gebrannter Karmin
Gebrannte Siena
Gebrannter Umber
Zitronengelb
Kadmiumorange
Kadmiumrot Tief
Kadmium Rot Hell
Kadmium Rot Mittel
Kadmium Rot Violett
Kadmium Gelb Tief
Kadmium Gelb Mittel
Kadmium Gelb Violett „Caput Mortum“
Karmin
Cerulean Blau
Chrom
Zinnobergrün Tief
Zinnobergrün Hell
Zinnobergrün Mittel
Kobaltblau Tief
Kobaltblau Hell
Kobaltblau Blau Ultramarin
Kobaltgrün
Kobalttürkisblau
Kobalttürkisgrün
Kobaltviolett
Kaltgrau
Kupfer
Tiefgold
Smaragd Grün
Goldener Ocker
Grüne Erde
Umber „Indantrene“ Blau
Indisch Rot
Indigo
Elfenbein Schwarz
Royal Blue
Lamp Soot
Light Gold
Manganese Blue Phthalo
Mixed White
Neapolitan Yellow Deep
Neapolitan Yellow- Grün
Neapolitanisches Gelb Hell
Neapolitanisches Gelb Rot
Nickel-Titan-Gelb Dunkel
Nickel-Titan-Gelb Hell Olivgrün
Orange-Ocker
Oxid-Schwarz
Paynes Grau
Perlglanz-Weiß
Zinn
Zinn
Blau- Grün
Blau-Rot
Grün-Blau
Grün-Blau
Grün-Gelb
Türkis
Berlin Blau
Quinacridon Pink
Pure Sienna
Umber
Sepia Braun
Scarlet
Sepia
Sèvres Blau
Sèvres Grün
Steele- de-grain gelb
Steele de- braun
Titanweiß (Leinen)
Titanweiß
Türkisblau
Ultramarin Tief
Ultramarin Grün
Ultramarin Hell
Ultramarinviolett
Van Dyke Brown
Venetian Red
Vermillion
Viridium
Warm Grey
Yellow
Light Ockergelb
Zinkweiß Leinen
Zinkweiß.

Farbmalerei im 17. und 18. Jahrhundert

Nach der Renaissance wurde diese Herangehensweise an die bildenden Künste von allen großen europäischen Akademien übernommen und verfestigte sich zu dem als akademische Kunst bekannten Stil. Die Malerei war an den meisten Akademien nicht einmal Teil des Lehrplans – die Studenten mussten das Zeichnen im Atelier des Lehrers erlernen, – und die Farbe spielte weiterhin eine untergeordnete Rolle als ein eher zusätzliches Element. So wurde in der Barockzeit Rubens für seinen dramatischen Einsatz von Pigmenten kritisiert, während Nicola Poussin als Beispiel für einen ausgewogeneren Kolorismus verehrt wurde. Etwa ein Jahrhundert später entbrannte dieselbe Debatte über die angemessene Farbpraxis des romantischen Malers Delacroix gegenüber dem nüchternen Jean Auguste Dominique Engrais . Eines der Grundprinzipien der akademischen Malerei war das Postulat einer naturalistischen Palette: Die Farben sollten die in der Natur vorkommenden Farben widerspiegeln, d. h. Gras war grün, das Meer blau und die Haut fleischfarben. Dies galt bis zum 19. Jahrhundert, als es zu einer Revolution in der Farben- und Lackindustrie kam. Im 17. Jahrhundert wurden keine wichtigen neuen Farben entdeckt, aber im 18. Jahrhundert wurden Preußischblau und mehrere neue Farben aus Kobalt und Chrom eingeführt. (Für weitere Einzelheiten siehe: Farbpalette des achtzehnten Jahrhunderts).

Das neunzehnte Jahrhundert: Impressionismus und andere Schulen

Das neunzehnte Jahrhundert – im Wesentlichen der Beginn der modernen Kunst – war sowohl für Ölmaler als auch für Aquarellisten eine Zeit enormer Veränderungen. Alle paar Jahre erschienen neue Pigmente. Zuerst erschien Kobaltblau, dann Chromgrünoxid, gefolgt von Indischgelb, Kadmiumgelb, Ceruleanblau, billigem synthetischem Ultramarin, Zinkweiß, Rosamauve, Aureolin, Viridian und Kobaltviolett. Die Künstler des neunzehnten Jahrhunderts verfügten nun über billigere, bequemere und zuverlässigere Mittel der Farbmalerei. Die Fauvisten und die deutschen Expressionisten nutzten diese technischen Fortschritte in der Pigmentierung, um eine kulturelle Explosion in der Farbmalerei auszulösen. (Für weitere Einzelheiten siehe: Die Farbpalette des neunzehnten Jahrhunderts .)

Die Revolution des Impressionismus

Die impressionistischen Maler revolutionierten die Theorie und Praxis der Farbmalerei, indem sie darauf bestanden, „den flüchtigen Augenblick“ einzufangen: den genauen Zustand von Licht und Farbe, den sie wahrnahmen, wenn sie nach dem Leben malten. Wenn zum Beispiel ein Baumstamm, der von Natur aus „braun“ ist, in diesem flüchtigen Moment im Licht der untergehenden Sonne rot erscheint, malen ihn die Impressionisten (wie Monet, Renoir, Pissarro und Sisley) rot. Tatsächlich konnte es je nach Lichteinfall verschiedene Schattierungen annehmen und wurde entsprechend gefärbt. Die Herangehensweise an die Farbe „male, was du siehst“, die in den meisten impressionistischen Gemälden zu finden ist, brach mit den Konventionen der Zeit und öffnete die Tür für weitere Experimente in Kunstschulen wie dem Neoimpressionismus (mit seiner Technik des Pointillismus), der von Georges Seurat und Paul Signac praktiziert wurde.

Expressionismus

Der Impressionismus verkörperte das ultimative „Kopieren der Natur“. Doch nach zwei Jahrzehnten sklavischen Kopierens revoltieren die progressiven Künstler. Sie waren es leid, einfach „zu malen, was sie sahen“, und fügten ihren Bildern mehr Subjektivität hinzu, was zu einem gemeinsamen Stil führte, der als Expressionismus bekannt wurde. Die Pioniere der expressionistischen Bewegung wurden 1905 zu Fauvisten, und innerhalb von zwei Jahren war der Fauvismus in Paris sehr beliebt: Jeder probierte ihn aus, sogar Georges Braque. Der Einfluss des Fauvismus breitete sich in Deutschland aus und führte zu einer Explosion des deutschen Expressionismus, angeführt von progressiven Kunstgruppen wie Der Blaue Reiter und Die Brucke. Sie verbreitete sich auch in Großbritannien, wo sie unter anderem die schottischen Koloristen beeinflusste . Für weitere Informationen siehe: Geschichte des Expressionismus . Zu den beteiligten Künstlern siehe: Expressionistische Künstler .

Anmerkung: Die russische Richtung des Kolorismus im 20. Jahrhundert zeigt sich am deutlichsten in den prächtigen Theaterausstattungen, die für Sergej Diaghilew und seine „Russischen Ballette“ von Designern wie Leon Bakst (1866-1924) und Alexandre Benois (1870-1960) geschaffen wurden.

Abstrakter Expressionismus und Farbfeldmalerei

Unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg kam das Experimentieren mit Farbe in Amerika wieder auf, als europäische Emigranten (z. B. Arshile Gorki, Josef Albers, Mark Rothko und andere) mit einheimischen Künstlern wie Clifford Still und Barnett Newman mischten, um einen Stil des Abstrakten Expressionismus zu schaffen, der als Farbfeldmalerei bekannt ist. Dabei handelte es sich in der Regel um riesige Leinwände mit großen Farbflächen, die den Betrachter „einhüllen“ und eine emotionale Reaktion hervorrufen sollten. Siehe z. B. die Gemälde von Mark Rothko (1938-1970). Das Pigment war nun „das Schlüsselelement“ der Leinwand: dies war der Höhepunkt der Farbmalerei. Und obwohl die Bewegung Anfang der 1960er Jahre kurz vor dem Zusammenbruch stand, behielt die Farbe weiterhin ihren unabhängigen Status.

Der Einfluss der Produktionstechnik auf die Farbmalerei

Neue Farben

Die Blütezeit des Impressionismus fiel mit der Erfindung der faltbaren Zinntube im Jahr 1841 durch den amerikanischen Künstler John Rand zusammen, die mehr vorgemischte Farben in einem praktischen Medium verfügbar machte. Außerdem versuchten Farbhersteller wie Sherwin-Williams, eine Formel zu entwickeln, die die feinen Farbpartikel in Leinöl in der Schwebe hielt. Nach mehr als einem Jahrzehnt chemischer Forschung entwickelte das Unternehmen 1880 eine Formel, die die Qualität der damals erhältlichen Ölfarben weit übertraf. Seitdem haben die Hersteller von Kunstfarben eine ständig wachsende Palette von vorgemischten Ölfarben produziert, die den Bedarf an handgemachten Pigmenten praktisch überflüssig machten und die Praxis der Ölmalerei revolutionierten.

Darüber hinaus bot die Einführung der Acrylmalerei in den 1940er Jahren (ursprünglich von dem deutschen Chemiker Dr. Otto Röhm entwickelt) den Künstlern eine noch bequemere Alternative zu den langsam trocknenden Ölfarben. Die technischen Fortschritte bei der Herstellung von Pigmenten auf Ölbasis und jetzt auch auf Acrylbasis hatten (und haben) also einen großen Einfluss auf die Theorie und Praxis der Farbmalerei.

Neue synthetische Farbstoffe

Die Erfindung von synthetischen Pigmenten im Labor, die die teureren Farben aus organischen oder anderen natürlichen Farbstoffen ersetzen sollten, hatte ebenfalls enorme Auswirkungen auf die Herstellung von Farben und damit auf die bildende Kunst. Eines der ersten modernen synthetischen Pigmente, das 1704 durch Zufall entdeckt wurde, war Preußischblau . Viele andere natürliche Pigmente wurden von Chemikern erfolgreich synthetisiert, darunter Raw Sienna, Raw Umbra, Burnt Sienna und Burnt Umbra . Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurden weitere synthetische blaue Pigmente hergestellt, darunter französisches Ultramarin, eine künstliche Form von Lapislazuli und Laborversionen von Kobalt und Ceruleanblau . Zu Beginn des 20. Jahrhunderts schufen organische Chemiker Phthaloblau, ein synthetisches Pigment mit enormer Färbefähigkeit . Jahrhunderts wurde dank der organischen Chemiker und der Farbenhersteller eine breite Palette von Ölfarben wie Rot, Karminrot, Blau und Violett in verschiedenen Formaten verfügbar. Da viele Pigmente nun im Labor aus chemischen Komponenten hergestellt wurden, waren außerdem wesentlich höhere Qualitäts- und Konsistenzstandards in Bezug auf Zusammensetzung und Farbechtheit möglich. So konnten Chemiker 1905 das Mansellsche Farbschema entwickeln, ein Messsystem, das die Grundlage für eine Reihe von Farbmodellen bildete. Das System klassifizierte Farben unter anderem nach Farbton, Wert (Helligkeit) und Farbsättigung (Farbreinheit).

Neue Standardfarbsysteme

Eine der wichtigsten Entwicklungen in der Farbmalerei im 20. Jahrhundert war die Schaffung einer Reihe von Farbsystemen zur Klassifizierung und Standardisierung der Pigmenteigenschaften, um die Produktion und die Konsistenz der Kennzeichnung zu verbessern. Zu den wichtigsten Systemen gehören:

System der American Society for Testing and Materials (ASTM)
ASTM – ist die Organisation, die in erster Linie für die Festlegung von Mindeststandards für die Prüfung und Qualität von Malermaterialien zuständig ist, insbesondere in Bezug auf die Kennzeichnung von Farbprodukten. Diese erstmals 1984 veröffentlichten Normen bieten neben den vorgeschriebenen Gesundheitswarnungen auf Bundes- und Landesebene die einzige Gewähr dafür, dass (z. B.) Acryl- und Ölfarben korrekt etikettiert sind.

Color Index
Der Color Index, der erstmals 1925 von der Society of Dyers and Colourists of Great Britain veröffentlicht wurde und heute gemeinsam mit der American Association of Textile Chemists and Colourists verwaltet wird, ist der offizielle Index für alle im Handel erhältlichen Farbstoffe. Nach Farben gruppiert, erhält jeder Farbton einen gemeinsamen CI-Namen (Color Index), eine Nummer und eine Liste der mit dem Farbstoff oder Pigment verbundenen gebräuchlichen Namen. Der größte Wert dieses Systems besteht darin, dass es eine standardisierte und zuverlässige Möglichkeit bietet, genau zu wissen, welche Pigmente in einem Farbstoff enthalten sind.

Farbmetrik und Farbmessung
Obwohl der Colour Index sehr nützlich ist, liegt der Schwerpunkt auf der Katalogisierung der im Handel erhältlichen Pigmente. Er klassifiziert Farben nicht auf rein wissenschaftliche Weise. Zu diesem Zweck haben sich Experten der Wissenschaft der Farbmetrik zugewandt, einem Bereich, der sich mit der quantitativen Messung von Farben im Allgemeinen befasst, und es haben sich zwei Hauptmodelle – Munsell und CIE Lab, sowie zwei alternative Systeme – CMYK und RGB, die in der Druckindustrie weit verbreitet sind, entwickelt.

Munsell
Das 1905 von dem amerikanischen Künstler und Pädagogen Albert Munsell entwickelte Munsell-Farbsystem war ein früher Versuch, Farben in einer logischen Reihenfolge anzuordnen. Es basierte auf drei Attributen: dem Farbton oder der Qualität, die eine Farbe von einer anderen unterscheidet.

CIE LAB
1976 entwickelte die Internationale Beleuchtungskommission (CIE), die Organisation, die offizielle Normen für die wissenschaftliche Messung von Farben herausgibt, ein Modell, das als CIE Lab bekannt ist, um alle wahrgenommenen Farben einheitlich zu beschreiben.

RGB und CMYK
Diese Systeme umfassen die Klassifizierung von Farben und Pigmenten, die auf Monitoren, Fernsehern, Druckern, Scannern, Digitalkameras und Mobiltelefonen angezeigt werden. Alle diese Systeme funktionieren ganz anders als die CIE-Lab- und Munsell-Systeme. Bei letzteren definiert eine Reihe von genau definierten Variablen eine eindeutige Farbe. Im Vergleich dazu sollen RGB- und CMYK-Werte Beziehungen zwischen allgemeinen Eingaben beschreiben: additive Primärfarben im Falle von RGB oder subtraktive Primärfarben für Druckfarben in CMYK. Einfach ausgedrückt, bieten diese Systeme eher ein Rezept für das Mischen einer Farbe als eine Definition dieser Farbe.

Pantone®
Das dritte im Druck verwendete System ist das Pantone-System. Dieses Farbabstimmungssystem (PMS) ermöglicht es Druckern, alle bekannten Farbtöne genau wiederzugeben.

Die größten Koloristen der Malerei

Bevor wir einige der berühmtesten Vertreter der Farbkunst aufzählen, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass (wie oben beschrieben) etwa 1400 bis 1800 Künstler aufgrund der vorherrschenden akademischen Theorien der bildenden Kunst in ihrer Verwendung von Farbe stark eingeschränkt waren. Die Farbe war ein integraler, aber unterstützender Bestandteil des Entstehungsprozesses von Gemälden, und die Künstler waren gezwungen, bei der Auswahl und Verwendung von Pigmenten äußerst präzise vorzugehen. So waren die größten Koloristen diejenigen, deren Palette die Stimmung ihres Gemäldes genau widerspiegelte und betonte, und nicht diejenigen, die die lebhafteste Pigmentierung verwendeten. Erst später, im 19. Jahrhundert, hatten die Künstler die Freiheit, die Farbe als eigenständige Ausdrucksform zu behandeln und ihr die Bedeutung zu geben, die ihr zukommt. Die modernen Koloristen zeichnen sich daher durch eine viel größere Freiheit auf diesem Gebiet aus.

Die Koloristen der Renaissance

- Jan van Eyck (1390-1441).
Einer der Pioniere der Ölfarben. Seine einzigartige Farbarbeit wird durch sein kraftvolles „Porträt eines Mannes mit rotem Turban“ (1433, Öl auf Holz, National Gallery, London) veranschaulicht, das mit einer dünnen Schicht transparenten Pigments ausgeführt wurde.

- Raphael (1483-1520)
gilt als der größte Künstler der Hochrenaissance. Ein Beispiel für sein farbiges Werk ist Madonna della Sedia (1512-14, Öl auf Tafel, Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Florenz), das größte Beispiel für Madonnen der Renaissance.

- Tizian (ca. 1477-1576)
. Der berühmteste Vertreter der Schule der venezianischen Malerei . Tizians Meisterschaft in der Farbgebung lässt sich beispielsweise an dem Gemälde „Die Himmelfahrt der Jungfrau“ (1516-1818, Öl auf Tafel, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venedig) erkennen. Die leuchtenden Farben, das goldene Licht und die gestikulierenden Figuren erregten bei der Enthüllung des Gemäldes im Jahr 1518 großes Aufsehen.

- Jacopo Tintoretto (1518-1594)
ein weiterer bedeutender venezianischer Maler, dessen Werk „Markus befreit einen Sklaven“ (1547-8, Öl, Leinwand, Galleria dell’Accademia, Venedig) zeigt Tintorettos unvergleichliche mitteltönige Farbpalette, die wunderschöne rosa, braune, ockerfarbene und rote Farbtöne enthält.

- Paolo Veronese (1528-1588).
Seine Meisterwerke sind zweifelsohne größer als die von Tizian. Seine besten Werke sind die monumentalen Gemälde „„Hochzeitsmahl zu Kana“ (1562-1515, Louvre, Paris) und „Fest im Haus des Levi“ (1573, Akademie von Venedig) mit ihren leuchtenden Farben.

Koloristen des siebzehnten Jahrhunderts

- Peter Paul Rubens (1577-1640)
Der Kolorismus dieses großen Malers der Gegenreformation wird durch die Gemälde „Kreuzabnahme“ (Rubens) (1612-14, Öl auf Tafel, Antwerpen) und „Samson und Dalila“ (1609, Öl auf Holz, National Gallery, London), mit ihren reichen roten Umhängen und Draperien.

- Jan Vermeer (1632-1675)
Neben Rembrandt der berühmteste der niederländischen Realisten. Vermeers Farbgebung ist durch kühles Blau und sinnliches Weiß „Mädchen mit Perlenohrring“ (ca. 1600, Leinwand, Öl, Mauritshuis Museum, Den Haag Museum) und „Sitzende Dame mit einer Jungfrau“ (1632, Leinwand, Öl, National Gallery, London), in scharfem Kontrast zu den reichen zinnoberroten und scharlachroten Farben „Mädchen mit rotem Hut“ (1671-2, Öl auf Tafel, National Gallery, Washington, D.C.)

Koloristen des achtzehnten Jahrhunderts

- Giambattista Tiepolo (1696-1770)
Das koloristische Werk des größten Freskenmalers der Nachrenaissance wird durch seine Würzburger Schlossfresken (1750-3) wunderbar illustriert. Ihre hellen, transparenten Farben tragen zur Helligkeit des Himmels und der Gesamtoptik bei.

Koloristen des neunzehnten Jahrhunderts

- Eugène Delacroix (1798-1863)
Delacroix war ein großer Bewunderer venezianischer Koloristen wie Tizian und Paolo Veronese sowie des Barockmeisters Rubens und wurde von englischen Künstlern wie Turner, Constable und Richard Parkes Bonnington beeinflusst. Zu seinen großen koloristischen Werken gehört Der Tod des Sardanapalus (1827, Louvre, Paris).

- Die Präraffaeliten (1848-60).
Mehrere Mitglieder der englischen präraffaelitischen Bruderschaft waren Meister der Farbe, insbesondere Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) und Ford Madox Brown (1821-1893).

- Claude Monet (1840-1926)
Monets Kolorismus wird am besten durch seine ungewöhnlich großformatigen Gemälde eines Seerosenteichs in Giverny veranschaulicht, wie z. B. Japanische Brücke in Giverny (1918-24, Leinwand, Öl, Musée Marmottan, Paris), ein Vorläufer der späteren abstrakten expressionistischen Bewegung. Siehe auch das Werk des irischen Koloristen Roderick O’Conor .

- Vittore Grubisi de Dragon (1851-1920)
Maler, Schriftsteller und Kunsthändler, der maßgeblich für die Bewegung der Italienischen Abteilung, einer Form des französischen Neoimpressionismus und Pointillismus, verantwortlich ist.

- Georges Seurat (1859-1891)
Seine Anwendung der pointillistischen Farbtheorie wird in seinem berühmten Meisterwerk „Sonntagnachmittag auf La Grande Jatte“ (1884-1896, Leinwand, Öl, Art Institute of Chicago) deutlich. Seurats Arbeiten zum Divisionismus und Chromoluminarismus wurden von Paul Signac (1863-1935) stark weiterentwickelt .