Kunstbewertung:
Wie man Kunst schätzt, ein Gemälde beurteilt Automatische übersetzen

Was ist Kunstverstehen?

Die Bewertung eines Kunstwerks, wie eines Gemäldes oder einer Skulptur, erfordert eine Kombination aus objektiver Information und subjektiver Meinung. Ja, es stimmt, dass die Beurteilung von Kunst sehr subjektiv ist, aber der Zweck der Bewertung eines Gemäldes besteht nicht einfach darin, festzustellen, ob man das Gemälde mag oder nicht, sondern WARUM man es mag oder nicht. Und das erfordert ein gewisses Maß an Wissen. Schließlich wird Ihre Bewertung einer Zeichnung, die ein 14-Jähriger auf dem Schulhof angefertigt hat, wahrscheinlich ganz anders ausfallen als die einer ähnlichen Zeichnung eines 40-jährigen Michelangelo. Auch bei der Bewertung der realistischen Qualitäten eines realistischen Porträts und eines expressionistischen Porträts können Sie nicht dieselben Maßstäbe anlegen. Der Grund dafür ist, dass der expressionistische Künstler nicht versucht, das gleiche Maß an visueller Objektivität zu erreichen wie sein realistisches Gegenstück. Einfach ausgedrückt: Kunstkenner müssen Fakten schaffen, auf die sie ihr Urteil stützen können, nämlich Fakten über den Kontext des Kunstwerks und das Kunstwerk selbst. Sobald wir die Fakten haben, können wir uns ein Urteil bilden. Je mehr Informationen wir über den Kontext und das Kunstwerk sammeln können, desto fundierter wird unsere Bewertung ausfallen.

Definitionen und Terminologie
Beachten Sie, dass in diesem Artikel die Begriffe „Kunstbewertung“, „Kunstbewertung“ und „Kunstbeurteilung“ synonym verwendet werden.

Kunstwertschätzung ist mehr als bloßes Mögen oder Nicht-Mögen

Bevor wir ins Detail gehen, wie man Kunst wertschätzt, wollen wir noch einmal darauf hinweisen, dass es bei der Wertschätzung von Kunst darum geht, zu erklären, WARUM wir etwas mögen oder nicht mögen, und nicht nur darum, ob wir es mögen oder nicht. Es kann sein, dass man ein Bild nicht mag, weil es zu dunkel ist, aber man kann trotzdem das Thema mögen oder das Bild als Ganzes schätzen. Einfach ausgedrückt: Zu sagen „, dass mir dieses Bild nicht gefällt“, ist nicht genug. Wir müssen die Gründe für Ihre Meinung kennen und wissen, ob Sie der Meinung sind, dass das Werk auch positive Eigenschaften hat.

Wie man ein Kunstwerk bewertet

Der einfachste Weg, ein Kunstwerk zu verstehen und somit zu würdigen, ist, seinen Kontext oder Hintergrund zu untersuchen. Dies hilft uns zu verstehen, was der Künstler zu der Zeit, als das betreffende Werk geschaffen wurde, im Sinn hatte (oder gehabt haben könnte). Betrachten Sie dies als grundlegende Detektivarbeit. Beginnen Sie mit diesen Fragen.

A. Wie können wir den Kontext/Hintergrund des Werks verstehen?

Wann wurde das Gemälde geschaffen?

Die Kenntnis des Entstehungsdatums des Werks hilft uns bei der Beurteilung seiner Entstehungsweise und seines Schwierigkeitsgrads. Landschaften, die vor der Popularität der Fotografie (1860) oder vor dem Aufkommen der faltbaren Farbtuben aus Zinn (1841) entstanden sind, hatten beispielsweise einen höheren Schwierigkeitsgrad. Ein Ölgemälde, das vor der Renaissance oder nach der Renaissance von Künstlern mit bescheidenen Mitteln gemalt wurde, würde nicht das unglaubliche, aber astronomisch teure natürliche blaue Pigment Ultramarin enthalten, das aus dem gemahlenen Mineral Lapis Lazuli hergestellt wird.

Ist ein Gemälde abstrakt oder gegenständlich?

Ein Gemälde kann völlig abstrakt sein (das heißt, es hat keine Ähnlichkeit mit natürlichen Formen: eine Form, die als nicht-gegenständliche Kunst bekannt ist), oder organisch abstrakt (eine gewisse Ähnlichkeit mit natürlichen organischen Formen), oder halb-abstrakt (Figuren und andere Gegenstände bis zu einem gewissen Grad) oder gegenständlich (wenn der figurative und andere Inhalt sofort erkennbar ist). Es liegt auf der Hand, dass ein abstraktes Werk einen ganz anderen Zweck verfolgt als ein malerisches Werk und nach anderen Kriterien beurteilt werden muss. Ein völlig abstraktes Gemälde versucht beispielsweise nicht, den Betrachter durch irgendeinen Naturalismus abzulenken, und ist daher ganz auf den Einfluss seiner formalen Eigenschaften (Linie, Form, Farbe usw.) angewiesen.

Um welche Art von Gemälde handelt es sich?

Gemälde werden in verschiedene Arten oder Kategorien eingeteilt (bekannt als Gattungen der Malerei). Die gängigen Gattungen sind Landschaft, Porträt, Genremalerei (Alltagsszenen), Geschichte und Stillleben. Im 17. Jahrhundert folgten die großen europäischen Akademien, wie die Akademie der Künste in Rom, die Akademie der Künste in Florenz, die Pariser Akademie der Schönen Künste und die Royal Academy in London, der 1669 von Professor André Felibien, Sekretär der französischen Akademie, aufgestellten Regel, die die Gattungen wie folgt einteilte (1) Historienmalerei - Religiöse Gemälde, vielleicht eine eigenständige Kategorie; (2) Porträtmalerei ; (3) Genremalerei ; (4) Landschaftsmalerei ; (5) Stillleben . Diese Hierarchie spiegelt den moralischen Einfluss der einzelnen Genres wider. Die Experten waren der Meinung, dass die moralische Botschaft durch ein Historiengemälde, ein Porträt oder ein Genrebild viel deutlicher vermittelt werden kann als durch eine Landschaft oder ein Stillleben.

Andere Arten von Gemälden, zusätzlich zu den oben genannten fünf, sind: Stadtlandschaften, Meeresbilder, Ikonen, Altarbilder, Miniaturen, Wandmalereien, Illustrationen, Karikaturen, Cartoons, Plakate, Graffiti, Tierdarstellungen und so weiter.

Einige dieser Arten der Malerei haben traditionelle Regeln in Bezug auf die Komposition, das Thema und so weiter. Dies gilt insbesondere für religiöse Kunst . Christliche Themen, die in der Renaissance- und Barockmalerei häufig vorkommen, müssen beispielsweise bestimmte heilige Figuren enthalten und bestimmten Kompositionsregeln entsprechen. Außerdem greifen Künstler oft auf frühere Gemälde desselben Genres zurück („Der schreiende Papst“ von Francis Bacon wurde einem der größten Porträtgemälde - „Porträt von Innozenz X“ von Velázquez - nachempfunden.) Aus diesem Grund werden die Gemälde am besten mit anderen Werken der gleichen Art verglichen. Für weitere Tipps siehe. In „Wie man Gemälde bewertet“.

Welcher Schule oder Bewegung ist das Gemälde zuzuordnen?

„Eine Schule“ kann eine nationale Gruppe von Künstlern sein (z. B. Altägyptische Schule, Spanische Schule, Deutscher Expressionismus) oder eine lokale Gruppe (z. B. Delfter Schule des Niederländischen Realismus, New Yorker Ashcan School, Ecole de Paris) oder eine allgemeine ästhetische Bewegung (z. B. Barock, Neoklassizismus, Impressionismus, Fauvismus, Kubismus, Dada, Surrealismus, Pop Art), eine lokale Gruppe oder eine Gruppe von Künstlern (z. B. Der Blaue Reiter, New Yorker Schule des abstrakten Expressionismus, Cobra Group, Fluxus, Schule von St. Ives) oder eine allgemeine ästhetische Bewegung (z. B. New Yorker Schule des abstrakten Expressionismus, New Yorker Schule des abstrakten Expressionismus, Cobra Group, Fluxus, Schule von St. Ives). Ives) oder generell eine allgemeine Tendenz (Realismus, Expressionismus). Eine Schule kann sich auch für ein bestimmtes Genre interessieren (z. B. Barbizon School und Newlyn School, beides Landschaftsgruppen; Präraffaelitische Bruderschaft, historische oder literarische Gemälde), oder eine Malmethode (z. B. Neoimpressionismus auf der Grundlage des Pointillismus - einer Variante der Farbtheorie des Divisionismus), oder einen Aspekt der natürlichen Welt (z. B. Konstruktivismus, der die moderne industrielle Welt widerspiegelt), oder Politik oder mathematische Symbole (z. B. strenger Neo-Plastizismus).

Wenn man weiß, zu welcher der vielen künstlerischen Bewegungen ein Gemälde gehört, kann man seine Komposition und Bedeutung besser verstehen. In der Schule der ägyptischen Kunst mussten die Künstler zum Beispiel bestimmte Regeln der Malerei in Bezug auf Komposition und Farbe einhalten. So wurden die Porträts von Menschen eher nach ihrem sozialen Status als nach der linearen Sichtweise beurteilt. Der Kopf und die Füße waren immer im Profil dargestellt, die Augen und der Oberkörper wurden von vorne betrachtet. Die ägyptischen Künstler verwendeten nicht mehr als sechs Farben: Rot, Grün, Blau, Gelb, Weiß und Schwarz - jede symbolisiert einen anderen Aspekt des Lebens oder des Todes. Andere Kulturen und kulturelle Schulen hatten ihre eigenen spezifischen Ausrichtungen. Die Maler des holländischen Realismus legten Wert auf eine genaue, realistische Wiedergabe von Innenräumen und Umgebung - mit Ausnahme der Porträtmalerei, bei der das Ziel darin bestand, dem Dargestellten zu schmeicheln: siehe Nachtwache, Rembrandt. Die Maler des Impressionismus legten im Allgemeinen Wert auf eine lockere Pinselführung, um flüchtige Lichteindrücke einzufangen. Die Kubisten lehnten die üblichen Regeln der linearen Perspektive ab und zerlegten stattdessen ihr Sujet in eine Reihe flacher, transparenter geometrischer Platten, die sich überlappten und in verschiedenen Winkeln kreuzten. De Stijl-Künstler wie Piet Mondrian verwendeten in ihren Gemälden ausschließlich geometrische Formen, und die Linien verliefen stets horizontal oder vertikal und nicht diagonal. Und so weiter.

Beachten Sie, dass sich die westliche Kunst sehr von der östlichen Kunst unterscheidet. Die chinesische Malerei zum Beispiel konzentriert sich eher auf das spirituelle innere Wesen der Dinge als auf die äußere Erscheinung.

Wo wurde das Gemälde gemalt?

Wenn man weiß, wo und unter welchen Bedingungen ein Gemälde entstanden ist, kann man das betreffende Werk oft besser verstehen und schätzen lernen. Hier sind einige Beispiele.

Auf einem gefährlichen Gerüst balancierend, malte Michelangelo die Decke der Sixtinischen Kapelle (eine gigantische Fläche von 12.000 Quadratmetern) vier Jahre lang zwischen 1508 und 1512 praktisch ohne Hilfe. Wenn man weiß, dass dieses Meisterwerk der christlichen Kunst an Ort und Stelle geschaffen wurde und nicht in einem schönen warmen Atelier, kann man die Größe der Aufgabe besser einschätzen.

Monet, der Führer des französischen Impressionismus, widmete sein Leben der Pleinairmalerei . In späteren Jahren besaß er in der Nähe seines Hauses einen japanischen Wassergarten mit Seerosenteichen, in dem er seine große Serie von Seerosenbildern schuf. Auch Pissarro malte meist im Freien und hatte daher immer eine große Anzahl unvollendeter Bilder, da das Licht oft verschwand, bevor seine Arbeit beendet war. Dies erklärt, warum er immer wieder dieselbe Szene oder dasselbe Motiv malte (um ein anderes Licht einzufangen) und warum seine Pinselführung so schnell und locker war. Manet und Degas hingegen waren beide Stadtmenschen und arbeiteten ausschließlich in ihren Ateliers, wo sie ihre Werke verfeinern und perfektionieren konnten. Andere bemerkenswerte Pleinair-Maler waren die Skandinavier Kroyer und Hammershøj (bekannt als „Maler des Lichts“), die in Skagen in Dänemark eine Reihe von außergewöhnlichen Landschaften schufen.

Die Umgebung kann einen erheblichen Einfluss auf die Stimmung eines Künstlers und damit auf seine Malerei haben. Van Gogh und Gauguin sind Paradebeispiele dafür. In den 10 Jahren, in denen Van Gogh malte, verwendete er dunkle Farben, wenn er während der schwierigen Tage in Holland malte (z. B. Kartoffelesser, 1885); er wechselte zu helleren und leuchtenden Farben in Paris, als er unter den Einfluss des Impressionismus geriet; In Arles an der Côte d’Azur ) Café „Terrasse bei Nacht“, 1888) wählte er leuchtend gelbe Farben, bevor er in seiner letzten Schaffensperiode zu dunkleren Pigmenten zurückkehrte (Die Olivenpflücker, 1889, und das ominöse Weizenfeld mit Krähen, 1890). 1891, ein Jahr nach Van Goghs Tod, sticht der französische Maler Paul Gauguin in See und reist nach Tahiti und auf die Pazifischen Inseln, wo er die letzten zehn Jahre seines Lebens in bitterer Armut verbringt. Dennoch verlieh seine Rückkehr zur Natur seinen Gemälden eine große Lebendigkeit und Farbe sowie einen Primitivismus, der bei Picasso und anderen Anklang fand.

Ein interessanter Künstler ist Edouard Vilar, ein Franzose, der 60 Jahre lang mit seiner Mutter, einer Schneiderin, in einer Wohnung in Paris lebte. Seine Mutter betrieb ihre Werkstatt von zu Hause aus und gab Vuillard viele Gelegenheiten, die Muster, Materialien, Farben und Formen ihrer Kleider zu beobachten. All dies spiegelt sich sorgfältig in den Mustern seiner Gemälde wider.

In seiner Jugend war der Pionier der Popmusik, Robert Rauschenberg, (angeblich) so arm, dass er in seiner Wohnung blieb und eine Bettdecke auf seinem eigenen Bett bemalte, die er mit Zahnpasta und Nagellack verzierte. Das ikonische Werk hieß Bed (1955).

Zu welcher Zeit war der Künstler in seiner Karriere tätig? Wie sah sein Umfeld aus? Wenn man weiß, ob ein Gemälde zu einem frühen oder späten Zeitpunkt im Leben des Künstlers entstanden ist, kann man ein Werk oft besser einschätzen.

Normalerweise verbessern Künstler ihre Maltechnik im Laufe der Zeit, erreichen in der Mitte ihrer Karriere einen Höhepunkt und verblassen dann in späteren Jahren. Einige Künstler starben jedoch auf dem Höhepunkt ihres Könnens. Zu diesen Künstlern gehören: Raffael (1483-1520), Caravaggio (1571-1610), Jan Vermeer (1632-1675), Thomas Guirtin (1775-1802), Richard Parkes Bonington (1802-1828), Van Gogh (1853-1890), Aubrey Beardsley (1872-1998), Isaac Levitan (1860-1900), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Amedeo Modigliani (1884-1920), Nicolas de Staël (1914-1955) und Jackson Pollock (1912- 1956). Andererseits gibt es Künstler, die früh aufblühen und, obwohl sie jahrzehntelang weiter malen, ihren frühen Erfolg nicht wiederholen können. Zu dieser Kategorie gehören zeitgenössische Künstler wie Marcel Duchamp, Georges Braque, Oscar Kokoschka, André Derain, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen und vielleicht sogar Picasso. Nur ein relativ kleiner Teil der Menschen bewahrt sich seine Kreativität bis ins hohe Alter, wie Tintoretto, Monet, Renoir, Juan Miró und Lucien Freud.

Das Verständnis der Lebensumstände eines Künstlers kann auch vieles in seiner Malerei erklären.

Der norwegische Expressionist Edvard Munch hat sich Berichten zufolge nie von frühen Todesfällen in der Familie erholt. Seine neurotische, morbide Natur ist in vielen seiner Werke zu erkennen. Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo erholte sich nie wieder vollständig von der Kinderlähmung, die sie im Alter von 6 Jahren erlitten hatte, und wurde mit 18 Jahren bei einem Busunfall schwer verletzt. Dies erklärt ihre endlosen Serien von Selbstporträts, in denen sie ihre mangelnde Mobilität festhält.

Paul Cézanne (Landschaften Mont St. Victoire, Badende und Stillleben) und Edgar Degas (Balletttänzerinnen) malten endlose, akribische Versionen bestimmter Themen. Ein wahrscheinlicher Grund dafür ist, dass keiner von ihnen von seiner Kunst leben konnte. Sicherlich hat sich keiner von ihnen an der Porträtmalerei versucht, die das finanziell lukrativste Genre war. Andererseits waren beide Männer eher klassizistisch orientiert als ihre impressionistischen Kollegen, was ihre präzisen und akribischen Arbeitsmethoden erklären hilft.

Wo sollte das Gemälde angebracht werden?

Es liegt auf der Hand, dass ein Gemälde, das in einem großen Raum an der Wand des Speisesaals eines spanischen Klosters aus dem 16. Jahrhundert angebracht werden sollte (ein monumentales, inspirierendes religiöses Gemälde), sich grundlegend von einem Gemälde unterscheidet, das für einen wohlhabenden Textilhändler im Amsterdam des 17. Jahrhunderts (ein kleines, ausgefeiltes Porträt, ein Interieur oder ein Stilleben). Ebenso wird ein Gemälde für den Empfangsbereich eines High-Tech-IT-Unternehmens in Kalifornien (ein großes, modernes, abstraktes, vielleicht geometrisches oder expressionistisches Gemälde) wahrscheinlich anders aussehen als ein Gemälde im Sitzungssaal einer Privatbank in der Londoner City (z. B. eine traditionelle Landschaft aus dem 19. Jahrhundert). Natürlich handelt es sich bei diesen Vorschlägen nur um Stereotypen, aber sie dienen dazu, die Rolle und die Merkmale bestimmter Kunstwerke zu veranschaulichen.

B. Wie man das Kunstwerk selbst schätzt

Siehe: Wie man Gemälde schätzt .
Siehe auch: Analyse berühmter Gemälde .

Sobald wir den Kontext eines Gemäldes untersucht oder erforscht haben, können wir beginnen, das Werk selbst zu schätzen. Die Beurteilung eines Gemäldes ist eine Kunst, keine Wissenschaft. Und der vielleicht schwierigste Aspekt bei der Bewertung von Kunst ist die Bewertung der Malmethode selbst, d. h. wie wurde das Gemälde tatsächlich gemalt? Daher geben wir in aller Bescheidenheit diese Tipps zur Bewertung der verwendeten Maltechnik .

Welche Materialien wurden zur Herstellung des Bildes verwendet?

Welche Art von Farbe wurde verwendet? Welche Art von Untergrund oder Unterlage hat der Künstler verwendet? Die Antworten auf diese Fragen können interessante Informationen über die Absichten des Künstlers liefern. Das Standardmaterial ist Ölfarbe auf Leinwand. Öl wegen seiner Farbfülle, Leinwand wegen seiner Anpassungsfähigkeit. Allerdings werden Acryl- oder Aquarellfarben anstelle von Ölfarben verwendet, wenn dünne Lasuren erforderlich sind, und Acrylfarben sind auch besser geeignet, wenn große flächige Farbflächen benötigt werden. Die amerikanischen abstrakten Expressionisten Mark Rothko und Barnett Newman, die beide für ihre monumentalen farbigen Leinwände bekannt sind, experimentierten in den 1950er Jahren mit einer Mischung aus Öl und Acryl. Aquarelle und Acrylfarben trocknen auch viel schneller als Ölfarben und sind daher ideal für schnell zu bearbeitende Bilder. Holztafeln werden manchmal als Alternative zu Leinwänden verwendet, wenn ein sehr präziser Farbauftrag beabsichtigt ist (Miniaturen wurden auf Holz-, Kupfer- oder sogar Schiefertafeln gemalt) oder in Kombination mit Tempera oder Acrylfarben, wenn der Künstler die Farbe in sehr dünnen Schichten auftragen möchte.

Manchmal werden die Oberfläche eines Gemäldes, sein Träger und sein Rahmen zu einem charakteristischen Merkmal eines Kunstwerks. In den frühen 1960er Jahren wurde die moderne französische Kunst von einer extrem linken Avantgardegruppe Träger-Oberflächen beherrscht, deren Mitglieder großformatige Leinwände ohne Keilrahmen (die physische Unterlage hinter der Leinwand) malten, während die Materialien oft geschnitten, gewebt oder zerknittert wurden. Auch der italienische Künstler Lucio Fontana machte sich in den 1960er Jahren einen Namen mit seinen „geteilten“ Leinwänden, die dem Betrachter den Blick durch die Bildebene hindurch auf den dreidimensionalen Raum dahinter ermöglichen, der selbst Teil des Werks wird. In jüngster Zeit ist Angela de la Cruz, eine der zeitgenössischen Künstlerinnen, die für den britischen Turner-Preis 2010 nominiert wurden, mit ihren Leinwänden bekannt geworden, die nach dem Malen von den Keilrahmen entfernt, zerknittert und geschleift werden.

Was ist der Inhalt und das Thema eines Gemäldes?

Was wird auf dem Gemälde dargestellt? Wenn es sich um ein historisches Gemälde oder ein mythologisches Gemälde handelt, stellen Sie sich die folgenden Fragen: Welches Ereignis wird dargestellt? Welche Personen sind beteiligt und welche Rolle spielen sie? Welche Botschaft enthält das Bild? Wenn es sich um ein Porträt handelt, stellen Sie sich die folgenden Fragen: Wer ist das Modell? Wie hat der Künstler ihn/sie porträtiert? Welche Merkmale oder Aspekte werden hervorgehoben oder betont? Wenn es sich um eine Genreszene handelt, stellen Sie sich die folgenden Fragen: Welche Szene wird dargestellt? Was geschieht gerade? Welche Botschaft (wenn überhaupt) hat der Künstler für uns? Warum hat er oder sie gerade diese Szene gewählt? Wenn es sich um eine Landschaft handelt, stellen Sie sich die folgenden Fragen: Wo befindet sich die Ansicht auf dem Bild geografisch? (Ist es zum Beispiel der Lieblingsort des Künstlers?) Was will uns der Künstler über die Landschaft vermitteln? Wenn es sich um ein Stillleben handelt, stellen Sie sich die folgenden Fragen: Welche Gegenstände, auch wenn sie unbedeutend sind, sind in der Zeichnung enthalten? Warum hat der Künstler gerade diese Gegenstände ausgewählt? Warum hat er sie so angeordnet, wie er es getan hat? Stillleben sind für ihre Symbolik bekannt, daher lohnt es sich, die gezeichneten Gegenstände daraufhin zu untersuchen, was jeder einzelne symbolisieren könnte.

Wie bewerten Sie die Komposition eines Gemäldes?

Unter Komposition versteht man die Gesamtgestaltung (Zeichnung), den Gesamtaufbau. Und die Art und Weise, wie ein Gemälde gefüllt ist, ist von entscheidender Bedeutung, da dies weitgehend seine visuelle Wirkung bestimmt. Und warum? Weil ein gut komponiertes Gemälde den Blick des Betrachters anzieht und auf den umgebenden Raum lenkt. Künstler, die sich durch ihre Komposition auszeichneten, wurden ausnahmslos an den großen Akademien ausgebildet, wo die Komposition ein hoch geschätztes Element im Malprozess war. Drei herausragende Beispiele sind Nicola Poussin (1594-1665), Jade Engr (1780-1867) und Edgar Degas (1834-1917).

Die Kürze der Darstellung erlaubt es uns nicht, ins Detail zu gehen, aber wir empfehlen das Studium folgender Werke: „Die Heilige Familie in Ägypten“ (1655-7, Eremitage, St. Petersburg) von Poussin; Die Badende von Valpincon (1808, Louvre, Paris), von Engr; und Absinth (1876, Musée d’Orsay) von Degas.

Im ersten Werk, in dem sich Joseph und Maria neben einem Tempel in der Stadt ausruhen, demonstriert Poussin seine bemerkenswerte Fähigkeit, alles im Bild genau so zu positionieren, wie es sein sollte, um eine maximale optische Harmonie zu erreichen und wichtige Botschaften zu vermitteln, die zum Gesamtthema passen. Einfach ausgedrückt: Alles auf dem Bild hat einen ganz bestimmten Zweck und eine bestimmte Position. Im zweiten Werk - ein einfacheres, fensterloses Schlafzimmerinterieur, in dem wir den Rücken einer anonymen, nackten Frau auf einem Bett sitzend sehen - schafft Engr eine sehr symbolische Anordnung von Farben, Formen und Winkeln, die das Bild mit einem voyeuristischen Geheimnis erfüllt. Das dritte Gemälde - eines der größten Gemälde des Genres - zeigt eine Prostituierte, die in einem Pariser Café sitzt, ein Glas Absinth vor sich, ein anderer Mann sitzt neben ihr; beide sind in Gedanken und in ihre eigene Welt versunken. In diesem Werk verwendet Degas eine Reihe von Winkeln und Linien sowie düstere, dunkle Farben, um die zelluläre Isolation und die bedrückende Einsamkeit der Menschen im Herzen einer großen Metropole einzufangen. Alle drei Werke bieten eine Reihe von wichtigen Ideen, die Ihnen helfen, die Komposition der Gemälde zu verstehen.

Wie schätzen Sie Linie und Form in einem Gemälde ein?

Die Kunstfertigkeit eines Künstlers zeigt sich oft in der Stärke und Sicherheit seiner Linie (Kontur), mit der er verschiedene Formen in seinem Gemälde schafft und abgrenzt. In einer berühmten Geschichte schickt ein bedeutender Mäzen einen Abgesandten zu Giotto, einem großen Maler der Vorrenaissance. Der Abgesandte bittet Giotto um eine Identifizierung, woraufhin der Künstler einen Pinsel und ein Stück Leinen nimmt, auf das er einen perfekten Kreis zeichnet. Dann übergibt er es dem Gesandten mit den Worten: "Euer Meister wird genau wissen, wer das gemalt hat". Die Linie ist ein Schlüsselelement in der Struktur des Gemäldes und erklärt, warum die Zeichnung von allen Experten der Renaissance als das größte Attribut des Künstlers angesehen wurde. Als die großen europäischen Akademien der schönen Künste eröffnet wurden, wurde den Studenten das Zeichnen überhaupt nicht beigebracht (siehe colorito). Einige der besten Zeichner waren Porträtmaler, deren Linienführung nahezu makellos war: ein modernes Beispiel ist der klassisch ausgebildete Porträtmaler John Singer Sargent (1856-1925), der ein Meister der Technik „prime coup de grace“ war - ein präziser Pinselstrich, ohne Veränderung. Unter den zeitgenössischen Künstlern, denen eine klassische Ausbildung fehlt, zeichnen sich die Gemälde von Van Gogh und Gauguin durch außergewöhnlich starke und sichere Linien aus.

In der figurativen Malerei: Untersuchen Sie, wie der Künstler chiaroscuro verwendet, um die Qualität seiner Figuren in 3D zu optimieren; sehen Sie, ob er tenebrism als Teil seines Beleuchtungsplans verwendet, um die Aufmerksamkeit auf bestimmte Teile des Gemäldes zu lenken; sehen Sie, ob der Künstler die Technik des sfumato bei der Farbmischung verwendet.

Die Farbe in der Malerei hat einen großen Einfluss auf unsere Gefühle und spielt daher eine große Rolle dabei, wie wir Kunst bewerten. Seltsamerweise gibt es in der englischen Sprache nur 11 grundlegende Farbbegriffe - schwarz, weiß, rot, orange, gelb, grün, blau, violett, rosa, braun und grau - obwohl wir bis zu 10 Millionen Farbvariationen erkennen können. Es ist also nicht einfach, speziell über Farben zu sprechen. Übrigens, was die Begriffe angeht: „hue“ ist ein Synonym für Farbe; „shade“ ist eine hellere Version (z.B. rosa) einer bestimmten Farbe (rot); „shade“ ist eine dunklere Version (z.B. magenta); „Tone“ ist die Helligkeit, Intensität oder Brillanz einer Farbe. Übrigens werden viele Werke alter Meister mit zunehmendem Alter dunkler, was sie weniger attraktiv macht. Das kann auch die besten Kunstmuseen schmuddelig aussehen lassen!

Farbe wird von Künstlern auf verschiedene Weise verwendet. Nehmen Sie zum Beispiel die Gemälde von Mark Rothko . Rothko war einer der ersten Künstler, der riesige abstrakte Leinwände schuf, die mit satten Farben - Gelb, Orange, Rot, Blau, Indigo und Violett - gesättigt waren. Sein Ziel war es, beim Betrachter eine emotionale Reaktion hervorzurufen. Und warum auch nicht? Schließlich hat die Farbpsychologie bereits einen großen Einfluss auf die Inneneinrichtung von Krankenhäusern, Schulen und anderen Einrichtungen.

Historisch gesehen waren der Impressionismus und der Expressionismus (insbesondere der Fauvismus) die ersten internationalen Bewegungen, die das volle Potenzial der Farbe ausschöpften. Die akademischen Künstler hielten sich an konventionelle Farbschemata - grünes Gras, blaugraues Meer usw. -, aber die zeitgenössischen Künstler malten, was sie sahen (Impressionisten) oder was sie fühlten (Expressionisten): Wenn das bedeutete, rotes Gras zu malen, dann war es eben so. Die figurative Kunst wurde genauso behandelt wie die Landschaften: So setzte „der Russe Matisse“ Alexej von Jawlensky (1864-1941) neue Maßstäbe für die Verwendung von Farbe in der Porträtmalerei, während Degas Farbe verwendete, um seinen Ballettstars und der Verzweiflung seiner Absinth-Liebhaberin Glanz zu verleihen. Andere Künstler verwenden ein monochromes Farbschema in einem Gemälde, um eine bestimmte Stimmung zu erzeugen. Höhere Beispiele sind die romantischen Landschaften von Corot, die Nachtszenen von Atkinson Grimshaw, die tonalen Nachtpfeifen von Whistler, die Interieurs von Peter Ilsted, die Landschaften von Kroyer, die Interieurs von Hammershaw und die Werke von Picasso (1881-1973) aus den Perioden „Blau“ und „Rosa“, um nur einige zu nennen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Künstler Farben verwenden, um Emotionen zu wecken, um die naturalistischen Effekte des Lichts einzufangen, um einer Figur oder Szene eine Gestalt zu geben und um abstrakten oder halbabstrakten Werken Tiefe zu verleihen. Dies kann auch dazu genutzt werden, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen. Wenn Sie lernen wollen, Gemälde zu schätzen, achten Sie genau darauf, wie der Künstler die Farbe einsetzt. Fragen Sie sich: Warum hat er/sie diesen bestimmten Farbton gewählt? Wie wirkt sie sich auf die Stimmung oder die Komposition des Gemäldes aus? Wie verhalten sich die verschiedenen verwendeten Farben zueinander: Schaffen sie Harmonie oder Reibung?

Wie beurteilen Sie die Textur und die Pinselstriche in der Malerei?

Um zu lernen, wie man Textur und Pinselführung in der Malerei einschätzen kann, gibt es keinen Ersatz dafür, in eine Galerie oder ein Museum zu gehen und einige Gemälde genau zu betrachten. Selbst die besten Kunstbücher können die Textur nicht in einem hohen Maße wiedergeben. Auch hier sind es in der Regel klassisch ausgebildete Künstler, die sich durch verschiedene Texturen und die Verwendung von Impasto auszeichnen. Engr wählt sogar bestimmte Sujets (z. B. Valpincon Badende 1808, Odalisque 1914), um seine Fähigkeit zu zeigen, die Textur von Materialien wie Perlmutt und Seide zu erfassen. In jedem Fall ist die Fähigkeit eines Künstlers, mit Texturen umzugehen, ein guter Maßstab für die Beurteilung seiner Maltechnik.

Der Pinsel kann dicht (langsam, präzise, kontrolliert) oder locker (schneller, zufälliger, ausdrucksvoller) geführt werden. Dies wird weitgehend durch den Stil und die Stimmung des Gemäldes bestimmt und nicht (beispielsweise) durch das Temperament des Künstlers. Caravaggio hatte ein starkes, heißes Temperament, aber seine Gemälde waren Beispiele für kontrollierte Pinselstriche. Cézanne hatte ein langsames Temperament: Er malte so langsam, dass alle Früchte in seinen Stillleben schon Wochen vor der Fertigstellung verfaulten. Dennoch ist der Pinselstrich in vielen seiner Werke außergewöhnlich frei. Verallgemeinernd kann man sagen, dass der Pinselstrich der realistischen Maler bewusster und kontrollierter ist als der der Expressionisten. Als die Impressionisten 1874 ihre erste Ausstellung in Paris abhielten, waren Kritiker und Zuschauer entsetzt über das, was sie als „die Nachlässigkeit“ der Pinselstriche bezeichneten. Sie mussten viel weiter von den Gemälden entfernt stehen, um das genaue Bild zu erkennen. Heutzutage fühlen wir uns mit dem Impressionismus ziemlich frei, aber anfangs sorgten seine superflachen Pinselstriche für Aufruhr.

Wenn es um die Wertschätzung eines Gemäldes geht, stellt sich die Frage: Was fügt der Pinselstrich hinzu?

Wie schätzen wir die Schönheit der Malerei?

Die Ästhetik ist ein sehr persönliches Thema. Jeder von uns sieht die Dinge anders, auch „die Kunst“, und insbesondere „die Schönheit“. Außerdem ist die Malerei in erster Linie eine visuelle Kunst - etwas, das wir sehen, nicht etwas, worüber wir nachdenken. Wenn wir also gefragt werden, ob wir ein Gemälde schön finden, werden wir wahrscheinlich eine ziemlich sofortige Antwort geben. Wenn man uns jedoch bittet, die Schönheit eines Gemäldes (oder das Fehlen einer solchen) zu bewerten, d. h. sie zu erklären und zu rechtfertigen, sieht die Sache schon anders aus. Um Ihnen bei der Analyse der Situation zu helfen, können Sie sich hier einige Fragen zu dem Gemälde stellen. Die meisten beziehen sich auf die Harmonie, die Regelmäßigkeit und das Gleichgewicht, die man sieht.

Welche Proportionen sind auf dem Bild zu erkennen?
Die griechische Kunst und die Kunst der Renaissance basierten oft auf bestimmten Proportionsregeln, die den klassischen Ansichten über optische Harmonie entsprachen. Vielleicht lässt sich also die Schönheit, die Sie sehen (oder auch nicht), teilweise durch den Bezug auf die Proportionen (von Objekten und Figuren) bei der Arbeit erklären.

Gibt es bestimmte Formen oder Muster, die in dem Gemälde wiederkehren?
Psychologen zufolge kann die Wiederholung angenehmer Formen, insbesondere in symmetrischen Mustern, das Auge und das Gehirn entspannen und uns Freude bereiten.

Ergänzen sich die in dem Gemälde verwendeten Farben gegenseitig?
Farbschemata mit komplementären Farbtönen oder tonalen Variationen sind für ihre attraktive Wirkung auf die Sinne bekannt.

Fühlen Sie sich von dem Gemälde angezogen? Hält es Ihre Aufmerksamkeit aufrecht?
Die größten Gemälde sind am einfachsten zu betrachten. Sie ziehen unsere Aufmerksamkeit auf sich, und dann „lenken die Zeiger“ unseren Blick auf das Werk.

Wie lässt sich das Gemälde mit anderen vergleichen?

Alles ist relativ. Wie lässt sich also das Gemälde vor Ihnen mit ähnlichen Gemälden desselben Künstlers vergleichen? Wenn es ein ausgereiftes Werk ist, werden Sie vielleicht feststellen, dass es sich von früheren Werken unterscheidet und umgekehrt. Wenn Sie keine anderen Werke desselben Künstlers finden können, versuchen Sie, ähnliche Werke anderer Künstler zu betrachten. Idealerweise beginnen Sie mit Werken aus demselben Jahrzehnt und bewegen sich dann allmählich in der Zeit vorwärts. Sie sollten jedoch nicht zu viele Gemälde miteinander vergleichen.

Tipps, wie man abstrakte Kunst schätzen lernt

Abstrakte Gemälde sind nicht leicht zu schätzen. Es ist in Ordnung, wenn sie einem allgemeinen Thema folgen, wie z. B. der Kubismus, oder wenn sie erkennbare Merkmale enthalten, aber rein konkrete Kunst, die nur geometrische Symbole verwendet, ist tendenziell zu schwierig für den Komfort. Dennoch haben viele abstrakte Künstler einen großen Beitrag zur modernen Kultur geleistet, und wir sollten versuchen, sie zu verstehen. Hier sind also einige Tipps.

Absolut abstrakte Malerei befreit uns, die Betrachter, von jeglichen optischen Assoziationen mit dem realen Leben. (Aus diesem Grund arbeiten viele Künstler in einer abstrakten Ausdrucksweise). Auf diese Weise lenkt uns nichts von der Malerei ab und wir können uns ausschließlich auf die malerischen Aspekte des Werks konzentrieren: Linie, Form, Farbe, Textur, Strich usw.

Fragen Sie sich insbesondere: (1) Wie teilt der Künstler die Leinwand auf? (2) Wie lenkt der Künstler unser Auge und wo verweilt es? (3) Wie setzt der Künstler die Farbe ein, um Tiefe zu schaffen, Aufmerksamkeit zu erregen oder bestimmten Formen eine besondere Bedeutung zu verleihen? (4) Welche besonderen Formen sind in dem Werk enthalten und was bedeuten sie Ihrer Meinung nach? (5) Manchmal verwenden abstrakte Künstler Farben sehr sparsam und schaffen absichtlich ein minimalistisches Bild. Wenn Sie nicht viel über solche Werke sagen können, machen Sie sich keine Sorgen: Jeder hat ein Problem damit! Am besten recherchierst du ein bestimmtes Werk und findest heraus, was namhafte Kunstkritiker darüber denken. Vielleicht gefällt es Ihnen dann immer noch nicht, aber Sie wissen dann zumindest, worauf Sie achten müssen. (6) Im Allgemeinen sind abstrakte Gemälde viel schwieriger zu verstehen als andere Werke. Sie müssen entschlüsselt werden! Anstatt also die Hände in den Schoß zu legen und zu sagen: "Ich verstehe dieses schreckliche Gemälde nicht", solltest du es wie ein Puzzle behandeln und versuchen, herauszufinden, worauf der Künstler hinaus will.

Siehe auch: Wie man Gemälde schätzt .

Wie man Kunst zu schätzen weiß: einige abschließende Fragen

Nachdem wir den Kontext des Gemäldes und das Werk selbst untersucht haben, kommen wir zu einigen abschließenden Fragen.

Geschichte der Kunstkritik: berühmte Kritiker

Man muss nichts über Kunstkritiker oder ihre Geschichte wissen, um Kunst zu schätzen. Wir werden Sie also nicht mit den Details langweilen. Aber ein paar Ausschnitte können Ihnen helfen zu verstehen, dass selbst Experten sich nicht immer einig sind, ob ein Gemälde ein Genie oder völliger Müll ist.

Denis Diderot (1713-1784) gilt wegen seiner Überarbeitung der Encyclopédie (1751-1752) als der Gründervater der Kunstkritik. Sentimental in seinem Kunstgeschmack, hat er viele wichtige Dinge getan, von denen die meisten zu langweilig sind, um sie zu erwähnen.

Théophile Thor (1807-1869) ist interessanter: Er war ein französischer Kunstkritiker und Historiker, der „Jan Vermeer (1632-1675) wiederentdeckte“ und ihn zu einem der größten Künstler machte. Dies half Vermeer jedoch nicht viel. Der arme Mann konnte kaum seine Brotrechnungen bezahlen, verdiente kein Geld mit seiner Malerei und fiel nach seinem frühen Tod in die Dunkelheit.

Ein weiterer berühmter Kunsthistoriker war der Dichter des neunzehnten Jahrhunderts Charles Baudelaire (1821-1867). Er hob die Karriere von Félicien Rops hervor (schon mal von ihm gehört?) und hob den Maler Constantin Guy besonders hervor (auch von ihm haben nur wenige gehört). Er beteiligte sich auch regelmäßig am jährlichen Pariser Salon, an dem die altmodischen Behörden allen wirklich guten Künstlern die Teilnahme verboten, die schließlich eine Reihe konkurrierender Ausstellungen organisierten, darunter den Salon de Refusal (1863), Salon de l’Independence (1884-1914) und Salon d’Autumn (1903).

In der Schweiz und im deutschsprachigen Raum war der vielleicht größte Kunsthistoriker nach Johann Winkelmann Jacob Burckhardt (1818-1897), Professor für Geschichte an der Universität Basel. Sein berühmtestes Buch, „Die Kultur der Renaissance in Italien“ ) Die Kultur der Renaissance in Italien), das 1860 erschien, untersuchte die Gesamtheit des italienischen Rinascimento und hatte großen Einfluss auf die Kunsthistoriker des 19.

In England war der größte Kunsthistoriker des 19. Jahrhunderts John Ruskin (1819-1900). Er war ein begabter Künstler und Schriftsteller und wurde durch Klassiker wie seine fünfbändigen „Modern Painters“ (1843-60), „Seven Luminaries of Architecture“ (1849) und dreibändigen „Stones of Venice“ (1851-3) bekannt. Schließlich wurde er verrückt, aber nicht bevor er einen berühmten Verleumdungsprozess gegen Whistler verlor.

Siehe auch: Die größten modernen Gemälde.

Roger Fry (1866-1934) war ein sehr einflussreicher englischer Kunsthistoriker mit einer schönen langsamen Stimme. Er erwarb sich einen Ruf als Experte für die italienische Renaissance und wurde Kurator für Gemälde am Metropolitan Museum of Art in New York (1906-10). Im Jahr 1907 entdeckte Frye „jedoch“ Cézanne und wechselte sein Interesse zum Postimpressionismus. In den Jahren 1910 und 1912 kuratierte er in London zwei umfangreiche Ausstellungen zum Postimpressionismus. Viele Besucher hielten Frye für verrückt. Sein Hauptapostel war der Schriftsteller, Kunsthistoriker und Formalist Clive Bell (1881-1964).

Herbert Read (1893-1968) war ein bekannter englischer Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts und ein prominenter Interpret der modernen Kunst . Er veröffentlichte zahlreiche Werke, darunter „The Meaning of Art“ (1931), „Art Now“ (1933), „Education through Art“ (1943), „Eine kurze Geschichte der modernen Malerei“ (1959) und „Eine kurze Geschichte der modernen Bildhauerei“ (1964).

In Frankreich war der führende Kunstkritiker des frühen 20. Jahrhunderts der Dichter Guillaume Apollinaire (1880-1918). Ein brillanter Förderer von Picasso, Kubismus, Orphismus, Marc Chagall, Giorgio de Chirico, André Deren, Henri Matisse, Henri Rousseau und Marcel Duchamp. Sein künstlerisches Urteilsvermögen war tadellos.

Der Surrealismus hatte seine eigenen Propagandisten, wie André Breton (1896-1966), der bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wie viele andere Künstler Paris in Richtung New York verließ, das sich zum neuen Weltzentrum der Kunst entwickelte. Seine führenden Kunsthistoriker waren Clement Greenberg (1909-1994), Harold Rosenberg (1906-1978), John Canady (1907-1985). Greenberg, ein ehemaliger Trotzkist, bevorzugte abstrakte Werke wie die Gemälde von Jackson Pollock . Er schrieb ein Buch „Kunst und Kultur“ (1961) sowie Monografien über Miró (1948) und andere. Obwohl er die Malerei sehr wohl zu schätzen wusste, bezeichnete er leider einen Großteil der Avantgarde-Kunst, die ihm so gut gefiel, als unentzifferbar. Rosenberg war, wie Greenberg, ein Anhänger der avantgardistischen Abstraktion. Kanedai, der Kunstkolumnist der New York Times, war einer der wenigen einflussreichen Kritiker des Abstrakten Expressionismus.

Kenneth Clark (1903-1983) war zwar eher ein Traditionalist als die meisten Kritiker des 20. Jahrhunderts, aber am einflussreichsten war er vielleicht durch die Schaffung der preisgekrönten BBC-Fernsehserie „Civilisation“. Die Serie war im Vereinigten Königreich und in den USA sehr erfolgreich.

Es ist unmöglich, alle Kunst zu schätzen

Der französische Impressionismus ist eine der erfolgreichsten und einflussreichsten Kunstbewegungen aller Zeiten. Dennoch wurde er anfangs nicht nur von den Kritikern, sondern auch von den Betrachtern aller Schichten belächelt. Monet, Renoir und Pissarro mussten fast verhungern. Sisley starb in Armut.

Im Frühjahr 1913 fand in Manhattan die Armory Show statt, die größte Ausstellung moderner Kunst, die je in den Vereinigten Staaten zu sehen war, noch vor den Ausstellungen in Chicago und Boston. Etwa 300.000 Amerikaner sahen 1.300 Exponate mit den zeitgenössischsten europäischen Gemälden sowie eine Auswahl der besten zeitgenössischen amerikanischen Kunst. Die Meinungen gehen weit auseinander, vor allem in Bezug auf den Kubismus und andere Werke des 20. Jahrhunderts. Als Reaktion darauf kam es zu Ausschreitungen, und der Künstler Marcel Duchamp wurde von der Menge, die die Ausstellung niederbrennen wollte, tätlich angegriffen.

Die Lektion? Nicht alle hochwertigen Kunstwerke werden leicht geschätzt oder verstanden.