Amerikanische Architektur: Ursprünge, Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Kolonialarchitektur (um 1600-1720)

Das die Architektur Die von den ersten Siedlern in Nordamerika genutzte Architektur ist traditionell als Kolonialarchitektur bekannt . (Siehe auch: Amerikanische Kolonialkunst .) Diese frühe Architektur war so vielfältig wie die Siedler selbst, zu denen Spanisch, Englisch, Schottisch-Irisch, Niederländisch, Deutsch, Französisch und Schwedisch gehörten. Jede Gruppe von Einwanderern brachte den Stil und die Bauweise ihres Heimatlandes mit und passte sie an die Gegebenheiten ihrer neuen Heimat an, wie das Beispiel des mittelalterlichen gotischen Designs für Dorfhäuser und Scheunen in Nordeuropa zeigt. Insgesamt gab es ungefähr sieben grundlegende Kolonialentwürfe, darunter: (1) spanische Kolonialarchitektur - die größtenteils auf Spanisch basiert Barocke Architektur – Dies war der früheste Stil, der in Amerika auftauchte und sich ab der Mitte des 16. Jahrhunderts über Florida, New Mexico, Texas, Arizona und Kalifornien erstreckte. (2) Neu-englische Kolonialarchitektur , charakterisiert durch Eichenrahmen und Schindelseiten und nach englischen Vorbildern. (3) Niederländische Kolonialarchitektur , die mehr Stein und Ziegel verwendete und auf Prototypen in Flandern und Holland basierte. (4) Schwedische Kolonialzeit , gesehen entlang des unteren Delaware-Flusses, von dem das amerikanische "Blockhaus" -Design abgeleitet wurde, gekennzeichnet durch runde Blöcke mit hervorstehenden Enden. (5) Pennsylvania Kolonialzeit , gegründet auf englischen Prototypen, die sich schnell in einen raffinierten georgianischen Stil verwandelten. (6) Französische Kolonialarchitektur , die in den nördlichen maritimen Provinzen Kanadas, Quebecs und des St.-Lorenz-Tals entstand. Die Franzosen führten auch den sogenannten Quebec-Stil in ihre Siedlungen um die Großen Seen und den Mississippi ein. Unten im tiefen Süden war in Louisiana und seiner Hauptstadt New Orleans ein anderer markanter französischer Baustil vorherrschend. (7) Südliche Kolonialzeit , typischerweise mit gemauerten Strukturen mit großen vorspringenden Kaminen, die in Virginia und den Carolinas entstanden.

Georgianische Architektur in Amerika (um 1700-1770)

Während des 18. Jahrhunderts, bis zur amerikanischen Revolution, wurde der in den englischen Kolonien in Amerika verwendete grundlegende Architekturstil (oder genauer gesagt "Stile") nach den drei englischen Monarchen George I, II und III als georgisch bezeichnet . Die amerikanische georgianische Architektur umfasste drei unterschiedliche Stile: (1) Die Barocksprache von Sir Christopher Wren (1632-1723) und seine Anhänger. (2) Der palladianische Stil von Renaissance-Architektur erfunden vom designer Andrea Palladio (1508-80), in dem die ausgewogenen und symmetrischen Merkmale vorgestellt wurden, für die georgianische Entwürfe berühmt sind. (3) Der neoklassizistische Stil – eine Umkehrung der griechischen und römischen Architekturprinzipien – kam in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Mode. Siehe unten für weitere Details. Beispiele für georgianische Architektur in Amerika sind die Independence Hall in Philadelphia (1745) und die King’s Chapel in Boston (1750). Das berühmteste georgianische Gebäude muss jedoch das Weiße Haus in der Pennsylvania Avenue 1600 in Washington DC sein. Es ist ein georgianisches Herrenhaus im palladianischen Stil und wurde vom irisch-amerikanischen Architekten James Hoban (1762-1831) entworfen, der es nach dem Vorbild des Leinster House in Dublin und einem Entwurf aus dem Buch der Architektur (1728) von James Gibbs entworfen hat.

Neoklassizistische Architektur in Amerika (um 1776-1920)

Es gab zwei Grundvarianten von American Neoklassizistische Architektur zwischen 1776 und 1850: (1) der föderale Stil und (2) der griechische Wiederbelebungsstil . Beide orientierten sich an den architektonischen Prinzipien, die von Altgriechisch und Römisch erfunden und perfektioniert wurden Zivilisation , die als die am besten geeigneten Modelle für die aufstrebende Demokratie der Vereinigten Staaten angesehen wurden. Siehe auch: Neoklassizistische Kunst .

Bundesstil des Neoklassizismus

Der Begriff "Architektur im föderalen Stil" beschreibt einen lockeren klassizistischen Stil, der bis 1815 florierte. Er zeichnet sich dadurch aus, dass dem symmetrischen georgianischen Stil neue antike Elemente – einschließlich griechischer und byzantinischer Elemente – hinzugefügt wurden. Beeinflusst durch archäologische Funde an den antiken römischen Stätten Pompeji und Herculaneum sowie durch den schottischen Architekten Robert Adam (1728-92) und sein einflussreiches Buch Die Architekturarbeiten von Robert und James Adam (1773) unterschied sich der föderale Stil vom georgischen Architektur in ihrer Präferenz für weniger Pilaster / Säulen und einfachere Oberflächen mit weniger Details, normalerweise in Platten, Tafeln und Friesen. Weitere Merkmale waren helle Innenräume mit großen Fenstern und ein dekoratives, aber zurückhaltendes Erscheinungsbild. Bemerkenswert Amerikanische Architekten Wer Federal Style Designs produzierte, beinhaltete: Charles Bulfinch (1763-1844) und William Thornton (1759-1828) sowie Asher Benjamin (1773-1845), Samuel McIntire (1757-1811) und Alexander Parris (1780-1852). Beispiele für föderale Architektur in Amerika sind: das Massachusetts State House (1798), das Old Town Hall (ca. 1816-17) und Hamilton Hall (1805), beide in Salem, Massachusetts.

Griechischer Wiederbelebungsstil des Neoklassizismus

Wiederbelebung Griechische Architektur engere Beachtung der Werte und stilistischen Modelle von Griechische Kunst (c.450-27 v. Chr.). Die weit verbreitete Verwendung des Neoklassizismus in der amerikanischen und französischen Architektur trug zu einer Assoziation zwischen Neoklassizismus und Republikanismus bei, die bis zum Fall Napoleons Bonapartes florierte. Umgekehrt kann die Neugotik des 19. Jahrhunderts als monachistische oder konservative Reaktion auf den neoklassizistischen Republikanismus interpretiert werden. Die neoklassizistische Architektur des späten 19. Jahrhunderts war ein Ausdruck der amerikanischen Renaissance-Bewegung (um 1880-1918): Die letzte Phase war die Architektur der Beaux-Arts (1885-1920), und die letzten öffentlichen Projekte umfassten das Lincoln Memorial (1922), das National Galerie in Washington DC (1937) und das Roosevelt Memorial des American Museum of Natural History (1936).

Thomas Jefferson (1743-1826) war der dritte Präsident der Vereinigten Staaten (1801-9) ebenfalls ein guter Architekt. Zu seinen architektonischen Meisterwerken gehörte das Virginia State Capitol in Richmond (1785-96). Bei der Gestaltung dieses Prototyps des amerikanischen öffentlichen Gebäudes verwendete Jefferson Vereinfachungen des französischen Neoklassizismus und ersetzte den ursprünglichen korinthischen Stil durch die nüchternere ionische Ordnung, eine symbolische Bezugnahme auf den Geist der alten Republiken. In diesem Gebäude gab er einen klaren Hinweis auf die architektonischen Signale, die die junge amerikanische Republik senden wollte.

Einer der berühmtesten Entwürfe von Jefferson war das Monticello House (1769-1809), das zum UNESCO-Weltkulturerbe gehört. Das Monticello ist ein monumentales und elegantes Gebäude, das sich an den zentralen Gebäuden des italienischen Renaissance-Architekten Andrea Palladio (1508-80) orientiert und an Jeffersons Interpretation englischer Landhäuser orientiert. Sein klassischer weißer Portikus mit vier toskanischen Säulen hebt sich deutlich von dem roten Mauerwerk ab, aus dem das gesamte Gebäude besteht. Eine Kuppel auf einer achteckigen Trommel weist auf das Herz des Gebäudes hin, eine große zentrale Halle, die von oben durch runde Fenster beleuchtet wird. Die Verweise auf Balance und Symmetrie und die zusammengesetzten Artikulationen von Säulen, Tympana und Trabeationen, die durch die Verwendung der rot / weißen Farben gekonnt hervorgehoben wurden, sollten zu dauerhaften Referenzbedingungen für die klassische amerikanische Bewegung werden.

Benjamin Latrobe (1764-1820), in England vom innovativen Architekten Samuel Pepys Cockerell ausgebildet, war ein führender Vertreter des griechischen Wiederauferstehungsstils der neoklassizistischen Architektur und ein starker Verfechter der stilistischen Reinheit. 1801 entwarf er die Bank of Pennsylvania in Philadelphia, das erste Beispiel griechischer Wiederbelebungsarchitektur in den Vereinigten Staaten. Es war ein strenges Gebäude, das einem griechischen ionischen Tempel mit Portiken um einen zentralen Kuppelraum nachempfunden war. Latrobes Kreativität erstreckte sich auf die kleinsten Details solcher Gebäude; Um ein Beispiel zu nennen, ersetzte er bei der Präsentation korinthischer Hauptstädte die klassischen Akanthusblätter durch die eher amerikanischen Tabak- oder Maisblätter. 1803 ernannte Jefferson ihn zum Vermesser der öffentlichen Gebäude der Vereinigten Staaten und gab ihm die Aufgabe, den Bau des Kapitols der Vereinigten Staaten zu leiten. Der Entwurf für die Baltimore-Basilika (1806–1821), die erste römisch-katholische Kathedrale in Amerika, gilt jedoch als sein Meisterwerk. Er hat auch eine Reihe von Häusern fertiggestellt, darunter: Adena in Chillicothe, Ohio, das Decatur House in Washington DC und die Pope Villa in Lexington, Kentucky.

Eines der berühmtesten Gebäude im Stil der griechischen Wiedergeburt ist natürlich das United States Capitol Building (1792-1827). Das Haus des Kongresses – der US-Senat und das Repräsentantenhaus – wurde von William Thornton, Benjamin Latrobe und Charles Bulfinch entworfen. Nach dem Vorbild des griechisch-korinthischen Ordens, dem reich verzierten griechischen Stil mit schlanken Säulen, die mit Akanthusblättern und -rollen verziert sind, besteht die Außenseite vollständig aus Marmor. Die Freiheitsstatue wurde 1863 auf der Kuppel errichtet.

Zu den führenden klassischen Anhängern von Latrobe gehörten William Strickland (1788-1854), Robert Mills (1781-1855), Ithiel Town (1784-1844), Thomas Walter (1804-87) und Alexander Jackson Davis (1803-92). Strickland entwarf Philadelphias Merchants ’Exchange (1832-34) mit einer eindrucksvollen Laterne nach dem Vorbild des Choragic Monument of Lysicrates in Athen, Griechenland. Robert Mills entwarf das Patentamt und das Finanzministerium (1836-42) in Washington DC sowie das Washington Monument in Baltimore (1815-29), das auf einer massiven dorischen Säule basierte, der ersten derartigen Struktur in Amerika. Thomas Walter arbeitete am US Capitol-Gebäude mit und zeichnete für das elegante korinthische Tempeldesign des Girard College (1833-47) verantwortlich. Zahllose andere öffentliche Gebäude in den USA orientierten sich bis weit ins 20. Jahrhundert an griechisch-römischen Prototypen. Davis war einer der bedeutendsten Architekten des griechischen Tempelhauses, ein Entwurf, der am Beispiel des Bowers House (1825-26) in Northampton, Massachusetts, zu sehen war.

Im Jahr 1846, Richard Morris Hunt (1827-95) – oft Dekan der amerikanischen Architektur genannt – wurde der erste amerikanische Architekturstudent an der Ecole des Beaux-Arts in Paris. Hunt – der wahrscheinlich am besten dafür bekannt ist, das Podest für die Freiheitsstatue (1886) im New Yorker Hafen zu entwerfen, und für sein Design des Metropolitan Museum of Art , NYC – war maßgeblich an der Einführung der Beaux-Arts-Architektur in Amerika beteiligt. Stark beeinflusst auch von Renaissance-Kunst spezialisierte er sich auf die Gestaltung luxuriöser Häuser für wohlhabende Kunden wie die Astors und die Vanderbilts, wie The Breakers, ein opulentes Herrenhaus aus der Neorenaissance, das 1892-95 in Newport für Cornelius Vanderbilt II erbaut wurde. Er entwarf auch Biltmore Estate (1888-95), einen von der französischen Renaissance inspirierten Komplex in North Carolina, der auf den Schlössern Blois, Chenonceau und Chambord der Loire basiert. Hunt war auch einer der Gründer des American Institute of Architects und wurde 1888 zu dessen Präsidenten gewählt.

Ein weiterer Pariser Absolvent Henry Hobson Richardson (1838-86) wurde für seine bekannt Romanische Architektur Inspiriert von Vaudremer am Beispiel des Allegheny County Court House and Jail (1883-88). Charles Follen McKim (1847-1909), ein weiterer Absolvent der Ecole 1867-70, gründete zusammen mit William Rutherford Mead (1846-1928) und Stanford White (1853-1906) das einflussreiche Architekturbüro McKim, Mead and White. Die Firma produzierte einen Strom klassischer Gebäude, der mit allem, was seit ihrer Blütezeit zu sehen war, mithalten konnte Römische Kunst und Technik. Beispiele hierfür sind die Boston Public Library (1887-95), das Rhode Island State Capitol (1891-93), die Columbia University, New York City (1894-98) und die Pennsylvania Station, New York City (1902-11) wie andere Entwürfe auf der Weltausstellung in Chicago im Jahr 1893 gezeigt.

Berühmte amerikanische neoklassizistische Architekten des 20. Jahrhunderts sind John Russell Pope (1874-1937) (entworfen von Jefferson Memorial) und National Gallery of Art, Washington, DC ) und Paul Philippe Cret (1876-1945) (entworfen von Hartford County Building, Connecticut).

Berühmte spätklassizistische Gebäude

Das Washington Monument (1884)
Ein Obelisk, der zu Ehren von George Washington, dem ersten Präsidenten der USA, errichtet wurde. Er wurde 1838 von Robert Mills (1781-1855) entworfen. Mit einer Höhe von 169 Metern wurde es 1884 fertiggestellt und 1888 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Das Lincoln Memorial (1915–1922)
Entworfen von Henry Bacon (1866-1924) und aus Marmor und weißem Kalkstein gebaut, ist es einem griechischen Tempel des dorischen Ordens nachempfunden. Die sechsunddreißig Säulen sollten die 36 Staaten in der Union zum Zeitpunkt von Lincolns Tod darstellen.

Jefferson Memorial (1934-43)
Das Denkmal wurde von John Russell Pope , Otto R. Eggers und Daniel P. Higgins entworfen und vom Pantheon in Rom inspiriert. Es verfügt über eine einzigartige runde Kuppel, eine kreisförmige Kolonnade und einen korinthischen Orden.

Gotische Wiederbelebungsarchitektur in Amerika (um 1800-1900)

Teilweise eine konservative Reaktion auf den Neoklassizismus, war das Gothic Revival in den USA nicht das Ergebnis tief empfundener künstlerischer, romantischer oder rationalistischer Überzeugungen und wurde aufgrund der Kenntnis des Stils aus erster Hand etwas inkonsistent angewandt. Basierend auf Prinzipien des Mittelalters gotische Architektur (1150-1375), der erste aufgenommen Gothic Style building in America – ein Herrenhaus namens Sedgeley – wurde 1798 vom neoklassizistischen Architekten Benjamin Latrobe am Stadtrand von Philadelphia erbaut. Andere von Latrobe entworfene gotische Wiederbelebungsgebäude schlossen die Bank von Philadelphia (1807-8) und Christ Church (1808), Washington DC ein. Der Stil wurde auch gelegentlich von anderen Neoklassikern verwendet, darunter William Strickland (Masonic Hall, Philadelphia, 1809-11) und Charles Bulfinch (Federal Street Church, Boston, 1809). Die erste gotische Wiedergeburtskirche war das St. Mary’s Seminary in Baltimore (1807), dessen Designer der französische Architekt Maximilien Godefroy war . Erst in den 1830er Jahren wurden eine Reihe einfacher Granitkirchen in Boston (First Methodist Episcopal Church in der Temple Street) errichtet, die Anzeichen für eine greifbare Bewegung der Neugotik zeigten. Vergleichen Sie diese kirchlichen Gebäude mit der Reihe von kunstvoll geschnitzten Holzkirchen im gotischen Stil (St. Peter in Waterford), die ungefähr zur gleichen Zeit in Pennsylvania errichtet wurden. (Siehe auch: Gotische Kunst und Gotische Skulptur .)

Der innovative Architekt der nächsten Phase des Gothic Revival war Richard Upjohn (1802-78), der für seine Kirchenarchitektur aus rotem Sandstein bekannt ist, die auf europäischen Formen aus dem 16. Jahrhundert basiert. Die Trinity Church (1839-46) in New York City war sein erster großer Erfolg, und es folgten zahlreiche andere Kirchen, deren einfallsloses Äußeres durch die schönen Fachwerkbauten und Fachwerkbauten in ihren Innenräumen mehr als kompensiert wurde: siehe zum Beispiel die erste Pfarrkirche (1845-46) in Brunswick, Maine.

Tischler Gothic

Die Holztradition (umgangssprachlich als " Schreinergotik " bekannt) wurde auch auf den Bau von Holzhäusern und -häuschen angewendet und löste schließlich den nicht dekorierten Kolonialstil einheimischer Holzhäuser ab. Tatsächlich war diese Art der häuslichen Architektur zahlenmäßig die Hauptbeschäftigung der Neugotik in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Zu den Entwicklungen zählten das erste von Alexander Jackson Davis entworfene Plantagenhaus im gotischen Stil (Belmead, Powhatan County, Virginia, 1845) sowie dessen gotische Burgen- und Cottage-Entwürfe. In der Zwischenzeit befürwortete Davis ’Freund, der Architekturkritiker und Theoretiker Andrew Jackson Downing (1815-52), eine Rückkehr zum Detail des Mittelalters: seine bevorzugte Version von Gothic Revival Glasmalerei , Sprengkopffenster, Giebel, Embrasure-Türme, Wasserspeier und stark geneigte Dächer. 1841 veröffentlichte er seine wegweisende Arbeit " Eine Abhandlung über Theorie und Praxis der an Nordamerika angepassten Landschaftsgärtnerei ", die einen langen Abschnitt über ländliche Architektur enthielt. Zusammen mit " The Architecture of Country Houses " (1850) und seinen Aufsätzen in " The Horticulturalist " ( Der Gartenbauer ), die er seit seiner Gründung im Jahr 1846 herausgab, wurde Downing zumindest bis zu seinem frühen Tod bei einer Dampfschiffexplosion zum Schiedsrichter für gutes Design.

Der gotische Stil des Zimmermanns aus der Mitte des 19. Jahrhunderts führte zum "Stockstil" der Holzarchitektur , der auf einem Stabbinder aus Holz beruhte. Die "Stick Style" -Architektur zeichnet sich durch ein einfaches Layout aus. Gebäude haben hohe Dächer mit steilen Hängen und verzierten Giebeln. Es wurde häufig beim Bau von Bahnhöfen und Schulen sowie von Privathäusern eingesetzt. Die dekorativsten Varianten des "Stick Style" werden oft als Eastlake bezeichnet . Ein Beispiel für ein "Stick Style" -Design ist das von Richard Morris Hunt entworfene Haus von John N. Griswold in Newport, Rhode Island (1862). Das Design lehnte ab etwa 1873 ab, bevor es in den 1890er Jahren in den Queen Anne-Stil überging. Der Queen Anne Style hatte mit dem "Stick Style" einige Gemeinsamkeiten wie überlappende Dachebenen, umlaufende Veranden und dekorative Giebelspitzen. Siehe unten für weitere Details.

Spätgotische Wiederbelebung (ab 1860)

Beeinflusst von früh Viktorianische Architektur Eine ernstere Periode der Neugotik begann 1860, als die römisch-katholische Kathedrale von St. Patrick (1858-88) von New York City gebaut wurde James Renwick (1818-95), der für das umstrittene neonormannische Design der Smithsonian Institution in Washington DC verantwortlich war (1848). Das St. Patrick’s Design war eine wundervolle Verschmelzung von Elementen aus der Kathedrale Notre Dame in Reims (Frankreich) und Kölner Dom (Deutschland) und wurde aus Materialien gebaut, die leichter als Stein sind, was einen Wechsel von fliegenden Strebepfeilern zu äußeren Strebepfeilern ermöglicht. Renwicks Vorliebe für Continental-Prototypen (siehe zum Beispiel Restaurierungen des französischen Architekten) Viollet-le-Duc ) stand in deutlichem Gegensatz zu vielen anderen Architekten dieser Zeit, die englische Modelle verwendeten, in Verbindung mit den Empfehlungen des bedeutenden Kunstkritikers John Ruskin (1819-1900). Ein Beispiel für Letzteres ist die Alumni Hall, Union College, Schenectady, die 1858 von Upjohns Schüler Edward Potter (1831-1904) entworfen und 1875 fertiggestellt wurde. Andere schließen ein: die Nationale Akademie des Designs, NYC (1863-65), ein ziemlich brutales venezianisches gotisches Gebäude, das von Peter B. Wight entworfen wurde ; und die verfeinerte St. John’s Chapel (1859) am Episcopal Theological Seminary in Cambridge, Mass., entworfen von William Robert Ware und seinem Partner Henry Van Brunt (1832-1903). Weitere Vertreter der "Collegiate Gothic" waren Richard Morris Hunt, der die architektonischen Entwürfe für die Yale Divinity School (1869) erstellte, und Russell Sturgis (1836-1909), Wights Partner, der Architekt einer Reihe von Hallen an der Yale University in der Zeit von 1869 bis 1885. Andere Bauplaner aus dieser besonderen Phase der neugotischen Architektur sind John H. Sturgis (1834–1888) und Charles Brigham (1841–1925), die für die Museum der schönen Künste, Boston (1876); Frank Furness (1839-1912), bekannt für seine gotischen Motive an der Pennsylvania Academy of Fine Arts (1872-76) und der Provident Institution (1879), beide in Philadelphia; SH Richardson (1838-86), der romanische Entwürfe als Grundlage für seinen unverwechselbaren Stil der Gotik verwendete: siehe zum Beispiel Brattle Square Church, Boston (1870-72) und Trinity Church am Copley Square, Boston (ca. 1872) -77).

Wie mit dem Neoklassizismus dauerte die Neugotik bis weit in das 20. Jahrhundert hinein, dank Designern wie Ralph Adams Cram (1863-1942) und seinen Partnern Bertram G. Goodhue (1869-1924) und Frank W. Ferguson , die sich mit dem Stil befassten als besonders geeignet für College- und Universitätsgebäude. Beispiele für ihre Arbeit sind das Graduate College (1913) und die University Chapel (1929) in Princeton. Gothic Revival wurde sogar auf Wolkenkratzer ausgedehnt, wie das Woolworth Building in New York City (1910-13), das von Cass Gilbert (1859-1934).

Zweite Reichsarchitektur (c.1855-80)

Dieser Stil fiel mit dem Reich des französischen Kaisers Napoleon III zusammen und wurde in Amerika mit Begeisterung angenommen, insbesondere für Regierungsgebäude, Institutionen – wie Krankenhäuser und Anstalten – und Privathäuser. Das augenfälligste Merkmal des Designs des Zweiten Reiches ist das Mansardendach - benannt nach Francois Mansart (1598-1666) – eines der architektonischen Merkmale der Regierungszeit Ludwigs XIV., Die Mitte des 19. Jahrhunderts in Paris wieder in Mode gekommen war. Die Architektur des Zweiten Reiches war auch durch Gaubenfenster, quadratische Türme und gepaarte Säulen gekennzeichnet, um die Höhe zu verbessern. Berühmte Gebäude des Zweiten Reiches in Amerika sind: Altes Rathaus, Boston (1862-65), von Gridley James Fox Bryant und Arthur Gilman (1821-82); das Old Executive Office Building in Washington, DC (1871-88) und das Old Post Office in St. Louis, Missouri (1873-84), beide von Alfred B. Mullet (1834-90); und Philadelphia City Hall (1871-1901), von John McArthur Jr. (1823–1890).

Wolkenkratzer: Die Chicagoer Schule (1870-1920)

Bei einer der schlimmsten Katastrophen in der Geschichte der USA wurde die damals fast ausschließlich aus Holz errichtete Stadt Chicago 1871 durch einen Großbrand fast gänzlich zerstört. Der Wiederaufbau der Stadt aus Stein und Stahl markierte einen revolutionären Wendepunkt in der Geschichte der Architektur, insbesondere in der Geschichte des Wolkenkratzerbaus . Sehen: Wolkenkratzer-Architektur (Seit 1850).

Tatsächlich war das hohe Bürogebäude in Amerika bereits durch die hohe Dichte an Banken, Büros, Eisenbahnterminals und Lagern in kleinen Abschnitten wachsender Städte notwendig geworden. Nach der Erfindung des Sicherheitsaufzugs durch Elisha Otis im Jahr 1853 war es die einzig mögliche Option, den Raum und die Mieteinnahmen zu maximieren. Darüber hinaus würden solche Gebäude den Unternehmen gegenseitige Nähe bieten, um die Kommunikation zu beschleunigen, sowie ein sichtbares prestigeträchtiges Handelsemblem. Die ersten „Wolkenkratzer“ wurden von traditionellistischen Architekten entworfen und stellten die üblichen Methoden des Mauerwerksbaus vor eine große Herausforderung.

Das Chicago School of Architecture bezieht sich auf die Innovationen, die von den Architekten und Ingenieuren ausgearbeitet wurden, die am Wiederaufbau der Stadt beteiligt waren. Sie standen vor bestimmten, sehr spezifischen Problemen: der Einfügung neuer Gebäude in die städtebaulichen Überreste; das Design von Strukturen, die technologisch zuverlässig und feuerfest sind; und die Gestaltung von Formen, die für die Funktionen der neuen Gebäude geeignet sind, die meisten davon für die Nutzung der Dienstleistungsbranche.

Unter diesen Architekten war der Park und Stadtplaner William Le Baron Jenney (1832-1907), der an der Harvard Scientific School und der Ecole des Beaux Arts in Paris studiert hatte. Er schlug ein neues, mehrstöckiges Gebäude vor – den Wolkenkratzer – in dem die vertikale Höhe, die durch die Erfindung des Aufzugs ermöglicht wurde, die Nutzung des Baugrundstücks exponentiell erhöhte. Die Struktur wurde technisch durch die Verwendung eines Metallgerüsts ermöglicht. So entwarf Jenney beispielsweise für das Home Insurance Company Building (1884-85) ein Metallskelett aus gusseisernen Säulen – eingewickelt in Mauerwerk – und schmiedeeisernen Balken, die die Wände und Fenster des Mauerwerks auf jeder Etage trugen. [Anmerkung: Vergleichen Sie Jenneys Verwendung von Schmiedeeisen mit der für das Design des Eiffelturm (1887-89) von Gustave Eiffel 1832-1923.] Sein Schüler Daniel Hudson Burnham (1846-1912) arbeitete eine ausdrucksstarke Sprache aus, um neue Möglichkeiten bei der Gestaltung und Zusammensetzung der großen Flächen der Fassaden von Geschäftsgebäuden zu erkunden, zu denen Bürogebäuden, Firmensitz, Kaufhäuser und andere ähnliche große Strukturen. Bald waren viele Architekten aktiv an der Entwicklung eines Gebäudemodells beteiligt, das für die Entwicklung des hohen Geschäftsgebäudes geeignet war. Zu den wichtigsten Mitgliedern der Chicagoer Schule gehörten Dankmar Adler (1844-1900) und Louis Sullivan (1856-1924), und sie wurden bald die Führer; In zwölfjähriger Tätigkeit entstanden zahlreiche Gebäude, in denen die technisch-konstruktiven und typologischen Anforderungen mit dem ständigen Bemühen, dekorative und strukturelle Elemente in einer neuen Sprache zu erarbeiten, einhergingen.

Fortschritte in der industriellen Technologie und die Verwendung von Stahlgerüsten ermöglichten es Sullivan, die ersten Wolkenkratzer sichtbar zu machen, in denen das tragende Skelett belassen wurde. Trotzdem ließ er die Verzierungen, mit denen er die vertikalen Stützelemente, die Eingänge und die Umrisse der unteren Stockwerke dieser ansonsten sparsamen und rationalen Gebäude hervorhob, nicht außer Kraft. Siehe zum Beispiel das von Sullivan entworfene Schlesinger & Mayer Department Store, Chicago (1899-1904). Sullivan erarbeitete auch eine Methode zur Gestaltung von Wolkenkratzern, indem sie diese in drei Funktionsbereiche aufteilte: den großen Zugangsbereich zum Erdgeschoss, das Dachgeschoss auf dem Gebäude und den Schacht dazwischen mit einer unbestimmten Anzahl von Stockwerken. Seine Bauten verdeutlichen die Prinzipien, die die Architektur und nicht nur die amerikanische Architektur im 20. Jahrhundert revolutionieren sollten. Zu seinen bekanntesten Bauentwürfen gehören: das Guarantee Building, Buffalo, New York (1895); das Wainwright Gebäude, St. Louis (1890-91); das Auditorium-Gebäude, Chicago (1885-89); und andere.

Wolkenkratzer des 20. Jahrhunderts haben eine Reihe von unterschiedlichen eingesetzt Ästhetik , Designs und Baustoffe. Einige haben durch ihren Klassizismus an Bedeutung gewonnen; andere wegen ihrer Renaissance-Merkmale. Um 1920 entwickelten die Architekten einfache kubische Formen, wie zum Beispiel das abgestufte Zikkurat-Design , das im Jahr 1920 populär wurde Präzisionismus Kunst von Charles Demuth (1883-1935), Charles Sheeler (1883-1965) und Georgia O’Keeffe (1887-1986). Berühmte Architekten des 20. Jahrhunderts, die sich mit amerikanischem Wolkenkratzerdesign befassen, sind: Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946) und Robert Venturi (geb. 1925), um nur einige zu nennen.

Grenzarchitektur (um 1850-90)

In der Zwischenzeit tauchte im gesamten amerikanischen Westen lokale Volksarchitektur auf , unter anderem aufgrund des Homestead Act von 1862, der Millionen von Amerikanern die Möglichkeit gab, ein eigenes Zuhause zu besitzen, und die Siedlungsmuster in den Great Plains und im Südwesten grundlegend veränderte. Das Gesetz bot jedem, der das Land für mindestens 5 Jahre kultivierte und eine Residenz auf dem Grundstück errichtete, ein bescheidenes "Gehöft" – in der Regel 160 Morgen – kostenlos an. Dieser Anreiz stimulierte ein Muster von isolierten Bauernhöfen im Mittleren Westen und Westen anstelle der im Osten und in den meisten Teilen Europas vorherrschenden Dörfer und Kleinstädte. Siedler und Bauern bauten ihre Häuser aus lokalen Materialien, darunter Rasen, Baumstämme, Kopfsteinpflaster, Stein und Lehmziegel. Mit einheimischen Mustern bauten sie Blockhütten in bewaldeten Gebieten und Rasenhäusern in den baumlosen Ebenen und Prärien. Weiter westlich und südwestlich verwendeten die Siedler weit verbreiteten Lehm, um Lehmziegel und Dachziegel herzustellen. Mit der zunehmenden Verfügbarkeit von geschliffenem Holz wurden Wohnhäuser im Ranch-Stil ebenso verbreitet wie Grenzentwürfe wie die Monterey-Kolonialarchitektur. Insgesamt wurden im Rahmen des Homestead Act zwischen 1862 und 1934 ungefähr 1, 6 Millionen Gehöfte mit einer Fläche von 270.000.000 Morgen zugeteilt. Siehe auch: Volkskunst .

Ein nicht einheimisches Design, das in Holzhäusern verwendet wurde, war der Queen Anne Style , der sich aus Carpenter’s Gothic und Stick-Eastlake entwickelte (siehe oben). In den holzreichen Gegenden Kaliforniens wurden in der Innenarchitektur des späten 19. Jahrhunderts verschiedene Holzkonstruktionen verwendet, darunter der Queen-Anne-Stil, dessen berühmtestes Beispiel das von Samuel und Joseph Cather entworfene Carson Mansion in der Altstadt von Eureka an der Humboldt Bay war Newsom. An der Ostküste entwickelte sich Queen Anne zu einer Architektur im Shingle-Stil , die durch ein entspannteres, rustikales Erscheinungsbild gekennzeichnet war. Beispiele sind das William Watts Sherman House (1874-75) in Rhode Island und das Mary Fiske Stoughton House (1882-83) in Cambridge, Massachusetts, beide von HH Richardson entworfen ; und das Newport Casino (1879–81), entworfen von Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867–1959)

Mit der Entstehung von Frank Lloyd Wright Chicago hat seinen Ruf als kreatives Zentrum der amerikanischen Architektur bewahrt. Bereits bei seiner Geburt war seine Mutter davon überzeugt, dass er "der größte amerikanische Architekt" werden würde. Er wurde einer der fruchtbarsten und produktivsten Architekten des 20. Jahrhunderts: Als er im Alter von neunzig Jahren starb, hinterließ er mehr als 400 Entwürfe und konstruierte Werke und leistete mit seinen Ideen und Kreationen einen entscheidenden Beitrag zur Ausrichtung der Architektur in Nordamerika und Europa.

Sein Name ist eng mit dem Konzept der „ organischen Architektur “ verbunden, was im Wesentlichen eine Annäherung an die Architektur bedeutet, die auf der Schaffung harmonischer Beziehungen zwischen den Teilen eines Gebäudes und zwischen den Teilen und dem Ganzen basiert und sich in fließenden Räumen in Harmonie ausdrückt mit der Umgebung und bei der Verwendung von natürlichen Materialien. In den ersten Jahren seiner Karriere beschäftigte sich Wright mit dem Thema Präriehäuser : Einfamilienhäuser, die in den meisten Fällen für eine gebildete und wohlhabende Elite in den Vororten von Chicago entworfen wurden. Diese zeichnen sich durch lange horizontale Volumen aus; Sie werden meistens auf ebenem Boden gebaut und sind von großen Dächern bedeckt, die nur eine geringe Neigung aufweisen, jedoch nicht überragen. Sie werden von durchgehenden Fensterbändern beleuchtet.

Im Jahr 1910 änderten sich Wrights Entwürfe als Reaktion auf eine Vielzahl von Einflüssen, darunter Japanische Kunst sowie die Traditionen von präkolumbianische Kunst Wie aus den Blockhäusern hervorgeht, baute er in den 1920er Jahren auf den Hügeln von Los Angeles. In seinem Entwurf von Millard House (1922-23) in Pasadena verwendete er beispielsweise ein neues Konstruktionssystem, das er Textilblöcke nannte: Betonblöcke, die mit geometrischen Motiven verziert und mit Stahlbefestigungen miteinander verbunden waren. Das warme, trockene Klima Kaliforniens bedeutete, dass Wright andere Ideen anwenden musste als in den Präriehäusern von Illinois, und seine kalifornischen Entwürfe schaffen Blockgebäude, die gut vor dem Äußeren geschützt sind, mit schattigen Innenhöfen und Wasserflächen.

Bevor er sein Meisterwerk der organischen Architektur, Fallingwater (1936-37), in Bear Run, Pennsylvania, entwarf, arbeitete Wright an der Ausarbeitung von Stadtmodellen und präsentierte Alternativen zur traditionellen amerikanischen Metropole, wie Broadacre City, die 1934 auf der Grundlage des Idee, dass jede Familie ein ein Hektar großes Grundstück erhalten würde. Um 1925 tauchten in seinen Entwürfen neue Archetypen auf, darunter der Kreis und die Spirale, die später in seinen berühmtesten Werken der Nachkriegszeit zu sehen waren.

Fallingwater, Bear Run, Pennsylvania

Im Jahr 1936 beauftragte der Kaufhausbesitzer von Pittsburgh, Edgar J. Kaufmann, Wright, ein Ferienhaus auf dem riesigen Besitz seiner Familie in Pennsylvania zu bauen. Wright entschied sich für ein Waldstück, das von einem Bach durchquert wird, dessen Verlauf über die unregelmäßige Form großer Felsbrocken verläuft. Wright beschloss, das, was das Meisterwerk seiner organischen Architektur werden sollte, entlang des Baches auf einem Felsvorsprung direkt über dem fallenden Wasser zu platzieren.

Der auffälligste Aspekt dieses Hauses ist seine enge Integration in die umliegende Landschaft. Die Pflanzen, das Wasser und die Steine ​​betreten die Räume und werden Teil der häuslichen Umgebung. Das Haus besteht aus horizontalen Ebenen, die von vier zentralen Steinsäulen getragen werden, die sich in alle Richtungen erstrecken und in glatten Betonvorsprungsterrassen enden, die überlappenden Tabletts ähneln. Die Räume sind durch durchgehende Glasbänder von der umgebenden Landschaft getrennt. Eine Treppe aus Stahlbeton führt vom Wohnzimmer zum Bach; ein weg durch den wald führt über eine kleine brücke zum eingang des hauses. Der Eingang führt direkt in das Wohnzimmer, das das gesamte Erdgeschoss einnimmt. Eine Terrasse befindet sich direkt über dem Bach, die andere ist auf den Berg gerichtet. Wie in Wrights Interieur üblich, ist das Zentrum dieses Raumes der Kamin. Der Wohnzimmerboden besteht aus unregelmäßig geformten Steinplatten, die Wände sind mit Stein verkleidet, die von Wright selbst entworfenen Möbel bestehen aus Walnussholz.

Die Schlafzimmer befinden sich im zweiten Stock; Alle Zimmer haben Terrassen, die in verschiedene Richtungen weisen. Das letzte Stockwerk ist kleiner als die anderen und besteht aus einem Arbeitszimmer und einem Schlafzimmer, die beide auch auf eine Terrasse führen.

Das um den Kamin angeordnete Wohnzimmer ist der zentrale Punkt des Hauses. Große Glasflächen bringen den Innenraum in engen Kontakt mit dem Außenwald. Natur ist auch im Innenraum vorhanden, in den Steinböden, den Holzmöbeln, den Naturfaser-Wandbelägen. Natur und Kunst verschmelzen zu einer organischen Konstruktion, wobei jedes Material eine Funktion erfüllt: Stein für vertikale Stützen, Stahlbeton für horizontale Ebenen, Glas und Metall, rot gestrichen, die Öffnungen umrahmend. Das ursprüngliche Design von Wright sah vor, dass die gelb-ockerfarbenen Betonüberhänge mit Blattgold verkleidet werden, damit sie in der Sonne leuchten und sich im Wasser widerspiegeln.

Weitere berühmte Architekturentwürfe aus der Vorkriegszeit von Frank Lloyd Wright waren: das Verwaltungsgebäude des Wachsherstellers SC Johnson & Son (1937) in Racine, Wisconsin; und Taliesin West im Paradise Valley in der Nähe von Phoenix, Arizona (seit 1938).

Art Deco Wolkenkratzer (um 1920-40)

Als Hintergrund für das Wachstum der Art-Deco-Architektur in Amerika war die Zeit zwischen dem Ende des Ersten Weltkriegs und dem Zusammenbruch der New Yorker Börse im Jahr 1929 eine Zeit großer baulicher Entwicklung in den Vereinigten Staaten. Das Straßennetz und die Eisenbahnlinien des Landes wurden vergrößert, die Randgebiete der städtischen Zentren vergrößert und Wolkenkratzer erhoben sich, um die Umrisse der Großstädte zu verändern. In diesen Jahren nutzten die europäischen Avantgardebewegungen technologische Innovationen und die neuen Möglichkeiten, die neue Baustoffe bieten, um nach geeigneten Formen zu suchen, um den Zeitgeist auszudrücken. in den Vereinigten Staaten jedoch die Verwendung historischer Stile war immer noch sehr in Mode. 1922 veranstaltete die Chicago Tribune einen Wettbewerb für den Entwurf ihres neuen Hauptquartiers. Die 263 eingereichten Entwürfe zeigten eine breite Palette von Stilen. Der erste Preis ging an Raymond M. Hood und John Mead Howells für ein neugotisches Gebäude mit einem strukturellen Gerüst aus Stein und einer Krone aus Türmen.

Das Die Art-Deco-Bewegung gab den Menschen die Bilder und Objekte, die ihren Wunsch nach Geschwindigkeit, Luxus und Modernität widerspiegelten. Seine Architektur verherrlichte das Maschinenzeitalter und die geometrischen Formen sowie die neuen Materialien und Technologien. Höhepunkt der Bewegung war die von der französischen Regierung geförderte Ausstellung der internationalen Kunst- und Industriedekorationen (1925) in Paris, deren Stil als " Style Moderne " bekannt war. Es verbreitete sich schnell in den Vereinigten Staaten und wurde in den 1930er Jahren moderner und rationalisierter.

Art Deco Gebäudeentwürfe wurden von einer Reihe verschiedener Einflüsse inspiriert, von abstrakte Kunst zu Zikkuraten, sowie moderne Kunstbewegungen wie Französisch Kubismus und italienisch Futurismus . Im Gegensatz zu den früheren flüssigen Formen von Jugendstil , Art Deco Design eingearbeitete geometrische Formen und Stufenstrukturen. Beispiele berühmter Art-Deco-Wolkenkratzer in New York, bei denen Stahlkonstruktionen aus Granit verwendet wurden, sind: das von William van Alen (1883-1954) entworfene Chrysler Building (1928-30 ); das Empire State Building (1929-31) [damals das höchste Gebäude der Welt] der Architekten Shreve, Lamb & Harmon ; McGraw-Hill Building (1929-30) von Raymond Hood ; das Nachrichtengebäude (1929-30), von Raymond Hood mit John Mead Howells ; Rockefeller Center (1932-39), von den Architekten Reinhard & Hofmeister , Harrison & Macmurray , Hood & Foulihoux .

Modernistische Architektur in Amerika (um 1925-60)

Ein spätes Feature von moderne Kunst Im Allgemeinen war die modernistische Architektur der Versuch, neue Entwürfe für den "modernen Menschen" zu schaffen. Es lehnte alle traditionellen Stile ab, die auf älteren Prototypen basierten, und schlug eine neue Art von funktionalem Design vor, das moderne Materialien und Bautechniken verwendete, um eine neue Ästhetik und ein neues Raumgefühl zu schaffen. Anders als in Europa, wo die Moderne im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts aufkam, tauchte die modernistische amerikanische Architektur erst Mitte bis Ende der 1920er Jahre auf, weil sich Amerika viel stärker auf historische Vorbilder stützte als Europa, dessen Avantgarde-Kunst Bewegung war insgesamt stärker. (Siehe zum Beispiel die Auswirkungen der Waffenschau Angesichts der Bedeutung der Stadtentwicklung für den wirtschaftlichen Aufschwung der Vereinigten Staaten und des Wachstums zahlreicher Märkte in Amerika ist es nicht verwunderlich, dass die meisten Entwicklungen der Moderne in den 1930er Jahren große gewerbliche Gebäude, insbesondere Wolkenkratzer, betrafen. Entsprechend ihrer antigeschichtlichen Haltung bevorzugte die Architektur der Moderne vereinfachte Formen und nur die Art der wesentlichen Ornamente, die das Thema und die Struktur des Gebäudes widerspiegelten. Wichtige Architekten in der Geschichte und Entwicklung der modernistischen Bewegung in Amerika, darunter eine Reihe von Flüchtlingen aus Europa, wie Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969) der ehemalige Direktor der Bauhaus Design School und Louis Kahn (1901-74). Weitere bedeutende Modernisten waren Frank Lloyd Wright , Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-61), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975) und Philip Johnson , IMPei und Robert Venturi .

Internationaler Stil

Das Der internationale Stil der modernen Architektur war ein besonderer (puristischer) Stil der Moderne, der in den 1920er Jahren in Europa auftrat. Seinen Namen erhielt es von der " Internationalen Ausstellung für moderne Architektur " (1932), die der Architekturhistoriker Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) und der Architekt Philip Johnson (1906-2005) am kuratierten Museum für moderne Kunst (MOMA) in New York. Gleichzeitig mit der MOMA-Ausstellung wurde ein Buch veröffentlicht. Das Ziel von Hitchcock und Johnson war es, einen Stil zu identifizieren und zu fördern, der die moderne Architektur verkörpert. Um dies zu erreichen, haben sie alle in der Ausstellung gezeigten Strukturen sorgfältig überprüft, um sicherzustellen, dass nur diejenigen Entwürfe einbezogen wurden, die bestimmte Kriterien erfüllten. Bei fast allen handelte es sich um europäische Gebäude, die von Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelsohn (1887-1953) und Alvar Aalto (1898-1976) entworfen wurden. Nur zwei davon waren amerikanische Gebäude – das Film Guild Cinema, New York City (1929), entworfen von Frederick John Kiesler (1890-1965); und Lovell House, LA (1929), von Richard Neutra .

Die Kriterien, die Hitchcock und Johnson zur Identifizierung ihres archetypischen Stils verwendeten, umfassten die folgenden drei Gestaltungsregeln: (1) der Ausdruck eher des Volumens als der Masse; (2) die Wichtigkeit des Gleichgewichts und nicht der vorgefassten Symmetrie; (3) die Beseitigung der aufgebrachten Verzierung. Alle Gebäude in der Ausstellung haben diese Gestaltungsregeln eingehalten und wurden daher dem amerikanischen Publikum als Beispiele für den "International Style" präsentiert.

Die am häufigsten verwendeten Materialien, die von Architekten im internationalen Stil verwendet wurden, waren Glas für die Fassade, Stahl für die äußere Stütze und Beton für die inneren Stützen und Fußböden. Darüber hinaus waren die Grundrisse bewusst funktional und logisch.

Obwohl die modernistische Architektur in den Vereinigten Staaten trotz der Bemühungen von Hood, Lescaze, Edward Stone und Neutra aus den 1930er Jahren für Einfamilienhäuser nie sehr populär wurde, entwickelte sie sich schnell zum dominierenden Stil für Wolkenkratzer sowie für institutionelle und gewerbliche Gebäude. (Siehe zum Beispiel die Zweite Chicagoer Architekturschule , angeführt von dem brillanten Deutschen Mies van der Rohe , einer der größten Architekten in Amerika. Später löste es sogar die traditionellen historischen Stile in Schulen und Kirchen ab; siehe zum Beispiel Eliel Saarinens Christ Lutheran Church (1949-50) in Minneapolis. Darüber hinaus war es in Architekturschulen bis Anfang der 1980er Jahre die einzige akzeptable Designplattform.

Entwicklungen in den 1940er und 1950er Jahren

Der Zweite Weltkrieg war eines der destabilisierendsten Ereignisse des 20. Jahrhunderts mit wichtigen Konsequenzen auch auf dem Gebiet der Architektur. Die Umstände, die zur Entstehung der modernen Architektur geführt hatten, hatten an Kraft verloren, und die Architekten sahen sich gezwungen, nach neuen Lösungen zu suchen und gleichzeitig die Bedeutung der architektonischen Revolution der 1920er Jahre zu berücksichtigen. Dies betraf vor allem die berühmten europäischen Architekten, die ihre Sprache überarbeiteten, um eine sterile Nachahmung zu vermeiden, ohne jedoch die Prinzipien, die sie in den Vorkriegsjahren entwickelt hatten, oder ihren herausragenden Status in der Branche zu verraten. Gropius gründete The Architects Collaborative , dessen Mitglieder das modernistische Harvard Graduate Center (1949-50) entwarfen, während Mies van der Rohe 1938 wurde er Leiter der Architekturabteilung am Illinois Institute of Technology in Chicago und entwarf dessen neuen Campus. Zwar waren die Werke, für die Gropius in den USA verantwortlich war, hauptsächlich Schulen und Einfamilienhäuser, die nicht die Ausdrucksstärke seiner Vorkriegsentwürfe in Deutschland teilen, aber Mies van der Rohe fand Chicago – Geburtsort des Wolkenkratzers und des Stahlgerüsts – sehr sympathisch zu seinem Stil.

Unternehmensmoderne

Am Ufer des Michigansees entwarf Mies van der Rohe seine ersten Wolkenkratzer aus Stahl und Glas. In Zusammenarbeit mit Philip Johnson entwarf Mies eines der einflussreichsten Gebäude der Nachkriegszeit, das New Yorker Seagram Building (1954-58), einen beeindruckenden Wolkenkratzer, dessen scharfe Silhouette aus Glas und Stahl zu einem nachgeahmten Prototyp wurde. Das achtunddreißigstöckige Gebäude in der Park Avenue wurde für den kanadischen multinationalen Konzern Seagram & Sons entworfen. Die Fassade aus Bronze und Glas gilt als Meisterwerk der Unternehmensmoderne und bildet ein dichtes Gitter, das die starke Vertikalität des Gebäudes betont. Es wird durch die grau-bernsteinfarbene Tönung der Fensterscheibe und die grüne Travertinverkleidung der Säulen an der Basis verschönert. Der einfache Stil von Mies van der Rohe Minimalismus und die Verwendung von Stahl und Glas wurde von anderen Architekten wie Philip Johnson , Eero Saarinen und Charles Eames (1907-78) wiederholt, deren Sprache schrittweise weiterentwickelt wurde.

Das Seagram Building verkörperte die Verwendung moderner Architektur durch große Unternehmen und deren Suche nach unverwechselbaren Prestige-Emblemen in der Nachkriegszeit. Die Connecticut General Life Insurance Company beauftragte Skidmore, Owings und Merrill , eines der größten Unternehmen für moderne Architekten, mit dem Entwurf ihres neuen Hartford-Hauptsitzes (1955-57). Lever Brothers hatte die Firma bereits mit dem Entwurf von Lever House (1952) beauftragt, dessen parkähnlicher Platz, Glasfassaden und dünne Aluminiumpfosten überall den Namen von Mies van der Rohe trugen. Die strenge, geometrische Ästhetik des General Motors Technical Center (1948-56) in Michigan war ein weiteres Gebäude, das den Miesianischen Grundsätzen entsprach, ebenso wie das UN-Hauptquartier (1947-52), entworfen von Le Corbusier , Oscar Niemeyer und andere. Weitere Beispiele für die Moderne der 1950er Jahre sind: der von Harrison und Abramovitz entworfene Turm für die Aluminium Company of America in Pittsburgh (1954) ; und das Inland Steel Building in Chicago (1955-57), entworfen von Skidmore, Owings und Merrill. Frank Lloyd Wright war einer der wenigen, der die geradlinige Geometrie dieser Bürogebäude ablehnte: siehe dagegen die facettenreiche Gestaltung seines Beton- und Kupfer-Preisturms (1955) in Bartlesville, Oklahoma.

Dekorativer Formalismus

In den frühen 1950er Jahren interessierten sich moderne Architekten zunehmend für die dekorativen Eigenschaften verschiedener Baumaterialien und exponierter Konstruktionssysteme, um sich vom Funktionalismus zum Formalismus zu entfernen. Einfach ausgedrückt, begannen sie, die formalen Attribute von Gebäuden für dekorative oder sogar expressive Zwecke zu nutzen. Ein interessantes Beispiel für diese neue Ästhetik war der Entwurf von Frank Lloyd Wright für das Guggenheim Museum in New York (1943-59), ein Gebäude, das um eine spiralförmige Rampe herum angeordnet ist und die Anordnung der Museumsausstellung sowie das generative Element seiner Gesamtgestaltung darstellt. Andere amerikanische Architekten verwendeten ebenfalls krummlinige Strukturgeometrien, wie beispielsweise die Sportarena in Raleigh (1952-53).entworfen von Matthew Nowicki (1910-49), wo zwei von Säulen gehaltene Parabolbögen und ein Dach mit gespannter Haut einen massiven Raum ohne innere Stützen einschließen. Das TWA-Terminal von Eero Saarinen am internationalen Flughafen John F. Kennedy (1956-62) war ein weiteres dynamisches Beispiel für ein monumentales Gebäude in einer Form, dessen geometrische Formen und Silhouetten eine neue formale Ausdruckskraft widerspiegelten, deren Höhepunkt zweifelsohne das Sydney Opera House war (1959-73), entworfen von Jorn Utzon . Der eher gedämpfte formalistische Stil von Minoru Yamasaki (1912-86) wird durch seine 1, 360 Fuß hohen Twin Towers veranschaulicht des World Trade Centers, Gebäude 1 und 2, Entwurf 1965-66. Ein weiteres Beispiel für eine formalistische Dekoration war das von Skidmore, Owings und Merrill entworfene John Hancock Center (1967-70), das ein Merkmal der von X entworfenen Stützstreben des Gebäudes darstellte Fazlur Khan (1929-82), wahrscheinlich der größte Wolkenkratzer-Konstrukteur des 20. Jahrhunderts. Dieser Trend des strukturellen Expressionismus und des dynamischen Monumentalismus – nennen Sie es wie Sie wollen – ist in der modernen Architektur weiterhin präsent: Erleben Sie die schlanken rechteckigen Muster im Time Warner Center (2003-7) von SOM in New York.

Ein interessanter Empfänger der Goldmedaille des American Institute of Architects im Jahr 1971 war der in Estland geborene Louis Isidore Kahn (1901-74). Kahns Karriere verlief anders als viele der oben genannten. Seine Ausbildung hatte stattgefunden, bevor der internationale Stil in den Vereinigten Staaten Fuß gefasst hatte. Er studierte an der University of Pennsylvania, wo er die Elemente der klassischen Definition in Anlehnung an die akademische Tradition der Ecole des Beaux-Arts erlernte : Symmetrien, Axialität, richtige Proportionen, Teilehierarchie. Kontakt mit altägyptischer Architektur Neben den Werten des griechischen und römischen Designs hatte er eine persönliche Sprache geschaffen, in der moderne Materialien und Technologien verwendet wurden, um geometrische Formen, oftmals monumentale, die mit der Geschichte zusammenhängen, zu erforschen und darzustellen. Zu seinen wichtigsten Werken aus den 1950er und 1960er Jahren zählen: die Yale University Art Gallery, New Haven (1951-53); die Richards Medical Research Laboratories an der Universität von Pennsylvania in Philadelphia (1957-65); das Salk-Institut für biologische Studien in La Jolla, Kalifornien (1959-65); und das Kimbell Art Museum in Fort Worth (1966-72), das einige als sein Meisterwerk dieser Jahre ansehen.

Postmoderne Architektur (1970er-Jahre)

In den 1960er Jahren begann eine allgemeine Unzufriedenheit mit den Folgen der Architektur des 20. Jahrhunderts (insbesondere) in den Vereinigten Staaten, deren Mängel in zwei einflussreichen Veröffentlichungen dargelegt wurden: Der Tod und das Leben der großen amerikanischen Städte (1961) von Jane Jacobs; und Komplexität und Widerspruch in der Architektur (1966), von Robert Venturi. Während Jacobs den seelenlosen Utopismus der modernen Bewegung kritisierte, beklagte Venturi die Tatsache, dass moderne Strukturen keine Spuren historischer Elemente aufweisen, aber auch nicht die sinnvolle Ironie und Komplexität aufweisen, mit der Architektur normalerweise angereichert wird.

Eine besonders unpopuläre und seelenlose Form der experimentellen modernen Architektur war der Brutalismus (vom französischen "beton brut", was roher Beton bedeutet), ein Begriff, den die britischen Designer Alison und Peter Smithson geprägt hatten, um die geometrischen Betonkonstruktionen zu beschreiben, die häufig in Gebieten von New York errichtet wurden sozialer Verfall, von utopischen Architekten wie Le Corbusier (1887-1965). Die Grundidee der brutalistischen Architektur bestand darin, funktionale Lebensmuster zu fördern, indem alle Ornamente und sonstigen visuellen Ablenkungen beseitigt wurden. Die Idee ist gescheitert. Berüchtigte Beispiele für brutalistisches Design in Nordamerika sind: Yale Art and Architecture Building (1958-63), entworfen von Paul Rudolph (1918-97); und Habitat ’67, Montreal (1966-67) von Moshe Safdie .

Was ist postmoderne Architektur?

Jacobs und Venturi waren Katalysatoren für eine Welle der Opposition gegen die Moderne, aber sie haben den " Postmodernismus " nicht erfunden. (siehe auch: Postmoderne Kunst .) Der Begriff wurde tatsächlich vom amerikanischen Theoretiker Charles Jenks in seinem Buch Die Sprache der postmodernen Architektur (1977) geprägt, das die architektonischen Tendenzen beschreibt, die in den 60er Jahren im Gegensatz zu den vorherrschenden Diktaten der rationalistischen Moderne aufkamen.

Der Punkt war, dass die moderne Architektur traditionelle historische Formen sowie dekorative Elemente aus ihrem Repertoire ausgeschlossen hatte. Die Postmoderne wollte die Architektur "ummenschlichen", indem sie einen Stilmix verwendete, der sowohl Merkmale klassischer als auch populärkultureller Designs enthielt. Verspielte Ironie sowie gelegentliche Überraschungen und sogar Erschütterungen waren ein wesentlicher Bestandteil der postmodernen Herangehensweise an das Gebäudedesign. Schließlich verlieren Grundelemente der Architektur wie Säulen, Bögen und Tympana oftmals ihre ursprüngliche Bedeutung, wenn sie außerhalb des Kontexts verwendet werden – etwa als dekorative Elemente. Die postmoderne Architektur trat in die Fußstapfen der Pop Art , deren Anhänger – wie z Andy Warhol (1928-87), Roy Lichtenstein (1923-97) und Claes Oldenburg (geb. 1929) – verjüngten bereits die Welt von zeitgenössische Kunst durch ihre Verwendung von aussagekräftigeren populären Bildern.

Es sollte jedoch beachtet werden, dass eine große Anzahl postmoderner Architekten ihre Karriere als Modernisten begann und daher viele Merkmale der Moderne in die Postmoderne übergingen, insbesondere in der Arbeit von Architekten wie Robert Venturi , Michael Graves , Frank O. Gehry und Richard Meier . (Siehe auch: Postmoderne Künstler .)

Geschichte des postmodernen Architekturentwurfs

Die Postmoderne in Amerika begann vermutlich 1972 mit dem Abriss einer Reihe von 14-stöckigen Plattenblöcken, die vor weniger als 20 Jahren im Rahmen des preisgekrönten Wohnprojekts Pruitt-Igoe nach Plänen von Minoru Yamasaki errichtet worden waren in St. Louis, Missouri (1955). In Wirklichkeit war es eine krasse, modernistische Betonkonstruktion, die zu einem Magneten für Probleme wurde. Obwohl in Europa bereits zahlreiche Wohnblöcke abgerissen worden waren, begann in St. Louis die Ära des amerikanischen Postmodernismus.

In den 1970er Jahren führten Robert Venturi und seine Partner Denise Scott Brown (* 1931) und John Rauch (* 1930) den historischen Bezug, den Witz und die Menschlichkeit in die Entwürfe zahlreicher Gebäude ein, darunter: Vanna Venturi House, Pennsylvania (1961-64)); das Guild House Retirement Home, Philadelphia (1961-66); das Tucker House, Katonah, New York (1975); Kunstmuseum Allen Memorial, Oberlin College (1976); und das Museum für zeitgenössische Kunst, San Diego (1996). Michael Graves (geb. 1934) – einer der berühmten " New York Five ", zusammen mit Peter Eisenman (geb. 1932), Charles Gwathmey (1938-2009), John Hejduk (1929-2000) und Richard Meier (geb. 1934) – Entwarf das Portland Public Service Building in Oregon (1980-82) und den Humana Tower in Louisville, Kentucky (1986), die beide die Masse eines gewöhnlichen Wolkenkratzers mit historischen Motiven kombinieren. Ähnlich wie die Piazza d’Italia in New Orleans (1975-80) und das Alumni Center an der University of California in Irvine (1983-85), die von Charles Moore entworfen wurden, sollen diese selbstbewussten, optimistischen Strukturen die Öffentlichkeit davon überzeugen, dass sie kulturell sind Identität wird von der anti-historischen modernen Architektur nicht mehr angegriffen.

In den 1970er und 1980er Jahren nahmen mehrere amerikanische Architekten nach dem Vorbild der Pop-Art einen populistischen Stil an, der gelegentlich klassische Elemente enthielt. Dazu gehörten Philip Johnson und John Burgee , die das AT & T-Gebäude in New York City (1978-84) mit einer Skyline von Chippendale entwarfen. und Robert Stern , der für sein Observatory Hill Dining Hall an der University of Virginia (1982-84) ein klassisches Jefferson-Design verwendete, für sein Prospect Point-Bürogebäude in La Jolla, Kalifornien (1983-85) jedoch spanische Kolonialelemente verwendete.

Die Karriere des berühmten chinesisch-amerikanischen Architekten IMPei umfasst nahezu die gesamte Bandbreite moderner Architektur, einschließlich des internationalen Stils, des Funktionalismus, des dekorativen Formalismus und des Postmodernismus. Seine innovative Verwendung moderner Materialien, um historische Themen wiederzugeben, erreichte einen Höhepunkt in seiner ikonischen Glaspyramide (1983-88), die ein Eingangsatrium im Museum bildet Louvre Museum in Paris und ein Tiefpunkt im unglücklichen John Hancock Building, Boston (1967-76). Peis andere amerikanische Projekte umfassen das Mesa-Labor des Nationalen Zentrums für Atmosphärenforschung, Boulder (1961-67); der Ostflügel der National Gallery of Art, Washington DC (1968-78); die John F. Kennedy Presidential Library und Museum, Boston (1965-79); und die Rock’n’Roll Hall of Fame, Cleveland (1987-95).

Dekonstruktivismus (1980er Jahre)

" Dekonstruktivismus "ist ein besonderer Stil der postmodernen Architektur, der in Europa und den Vereinigten Staaten in den 1980er und 1990er Jahren entwickelt wurde. Er kann als eine Designhaltung definiert werden, die eine ausgeprägte Verformung der euklidischen Geometrie beinhaltet, die den traditionellen Proportionsprinzipien wenig Gewicht beimisst. Recurrent Merkmale des Dekonstruktivismus sind Prekarität, Disharmonie und Unregelmäßigkeit. Herkömmliche Attribute der Architektur sind dekonstruiert scheinbar unzusammenhängende Formen zu schaffen, die oft die Gesetze der Schwerkraft herausfordern. Das Konzept wurde erstmals 1988 bei einer Show enthüllt namens "