Amerikanische Architektur: Ursprünge, Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Gothic-Revival-Architektur in Amerika (ca. 1800-1900)

Als teilweise konservative Antwort auf den Neoklassizismus war das Gothic Revival in den Vereinigten Staaten nicht das Ergebnis tief empfundener künstlerischer, romantischer oder rationalistischer Überzeugungen und wurde aufgrund der direkten Vertrautheit mit dem Stil etwas uneinheitlich angewandt.

Basierend auf den Prinzipien der mittelalterlichen gotischen Architektur (1150-1375) wurde das erste aufgezeichnete Gebäude im gotischen Stil in Amerika, ein Herrenhaus namens Sedgley, 1798 von dem neoklassischen Architekten Benjamin Latrobe am Stadtrand von Philadelphia erbaut. Weitere von Latrobe entworfene Gebäude im Stil des Gothic Revival waren die Bank von Philadelphia (1807-8) und die Christ Church (1808) in Washington, DC. Der Stil wurde gelegentlich auch von anderen Neoklassizisten verwendet, darunter William Strickland (Masonic Hall, Philadelphia, 1809-11) und Charles Bulfinch (Federal Street Church, Boston, 1809). Die erste Kirche im Stil des Gothic Revival war das St. Mary’s Seminary in Baltimore (1807), entworfen von dem französischen Architekten Maximilien Godefroy .

Doch erst in den 1830er Jahren, als in Boston eine Reihe von einfachen Granitkirchen gebaut wurden (First Methodist Episcopal Church in der Temple Street), gab es Anzeichen für eine greifbare Gothic-Revival-Bewegung. Vergleichen Sie diese Kirchengebäude mit einer Reihe von kunstvoll geschnitzten Holzkirchen im gotischen Stil (St. Peter’s Church in Waterford), die etwa zur gleichen Zeit in Pennsylvania errichtet wurden. (Siehe auch Gotische Kunst und Gotische Bildhauerei .)

Der bahnbrechende Architekt der nächsten Phase des Gothic Revival war Richard Upjohn (1802-1878), der für seine Kirchenarchitektur aus rotem Sandstein bekannt war, die auf europäischen Formen des 16. Die Trinity Church (1839-46) in New York war sein erster großer Erfolg, dem viele weitere Kirchen folgten, deren bescheidene äußere Formen durch die schönen hölzernen Arkaden und Dachstühle in ihrem Inneren mehr als wettgemacht wurden: zum Beispiel die First Parish Church (1845-46) in Brunswick, Maine.

Zimmermannsgotik

Die Holztradition (umgangssprachlich als „Carpenter Gothic „bezeichnet) wurde auch beim Bau von Holzhäusern und Cottages angewandt und verdrängte schließlich den schmucklosen Kolonialstil der häuslichen Holzbauten. Tatsächlich war diese Art von Wohnarchitektur quantitativ gesehen die Hauptbeschäftigung des Gothic Revival in der Mitte des 19.

Zu den Entwicklungen gehören das erste Pflanzerhaus im gotischen Stil (Belmead, Powhatan County, Virginia, 1845), das von Alexander Jackson Davis entworfen wurde, sowie dessen Entwürfe für gotische Häuser und Cottages mit Zinnen. Davis’ Freund, der Architekturkritiker und -theoretiker Andrew Jackson Downing (1815-1852), befürwortete hingegen eine Rückkehr zu mittelalterlichen Details: Seine bevorzugte Version des Gothic Revival verwendete Buntglas, Zinnenfenster, Giebel, Türme mit Schießscharten, Wasserspeier und stark geneigte Dächer.

1841 veröffentlichte er sein bahnbrechendes Werk „A Treatise on the Theory and Practice of Landscape Gardening, Adapted to North America“, das einen großen Abschnitt über ländliche Architektur enthält. Dieses Werk sowie „The Architecture of Country Houses“ (1850) und sein Essay in „The Horticulturalist“, das er von Anfang an im Jahr 1846 herausgab, etablierten Downing als Schiedsrichter für gutes Design, zumindest bis zu seinem vorzeitigen Tod bei einer Dampferexplosion.

Aus der Zimmermannsgotik in der Mitte des 19. Jahrhunderts entwickelte sich der „ Stick Style „ Holzbau, der auf Fachwerken aus Holzstäben basiert. Die Architektur des Stick Style „“ zeichnet sich durch einen einfachen Grundriss aus. Die Gebäude haben hohe Dächer mit steilen Dachschrägen und verzierten Giebeln. Er wurde häufig beim Bau von Bahnhöfen und Schulen sowie bei Privathäusern verwendet. Die dekorativsten Varianten des „Stick Style“ werden oft als Eastlake bezeichnet. Ein Beispiel für einen Entwurf im „Stick Style“ ist das John N. Griswold House in Newport, Rhode Island (1862), entworfen von Richard Morris Hunt . Ab etwa 1873 ging dieses Design zurück und entwickelte sich in den 1890er Jahren zum Queen-Anne-Stil . Der Queen-Anne-Stil hatte mehrere Merkmale mit dem „Stick Style“ gemeinsam, wie z. B. überlappende Dachebenen, Veranden und dekorative Giebelspitzen. Siehe unten für weitere Einzelheiten.

Spätgotische Wiedergeburt (ab 1860)

Beeinflusst von der frühen viktorianischen Architektur begann die ernsthaftere Periode des Gothic Revival 1860 mit dem Bau der römisch-katholischen Kathedrale St. Patrick’s in New York (1858-1888) durch James Renwick (1818-1895), der auch für den umstrittenen neoromanischen Entwurf der Smithsonian Institution in Washington (1848) verantwortlich war.

Der Entwurf der St.-Patrick’s-Kathedrale war eine bemerkenswerte Verschmelzung von Elementen der Kathedrale Notre Dame in Reims (Frankreich) und des Kölner Doms (Deutschland) und wurde aus leichteren Materialien als Stein gebaut, was einen Wechsel von fliegenden Strebepfeilern zu äußeren Strebepfeilern ermöglichte. Renwicks Vorliebe für kontinentale Vorbilder (siehe z. B. die Restaurierungen des französischen Architekten Viollet-le-Duc) unterscheidet sich jedoch deutlich von vielen anderen Architekten dieser Zeit, die englische Vorbilder in Verbindung mit den Empfehlungen des bedeutenden Kunstkritikers John Ruskin (1819-1900) verwendeten.

Ein Beispiel für Letzteres ist die Alumni Hall, Union College, Schenectady, die 1858 von Upjohns Schüler Edward Potter (1831-1904) entworfen und 1875 fertiggestellt wurde. Weitere Gebäude sind: Die National Academy of Design in New York (1863-65), ein eher grobschlächtiges Gebäude im Stil der venezianischen Gotik, entworfen von Peter B. White ; und die raffiniertere St John’s Chapel (1859) am Episcopal Theological Seminary in Cambridge, Massachusetts, entworfen von William Robert Ware und seinem Partner Henry Van Brunt (1832-1903). Weitere Vertreter „der College-Gotik“ waren Richard Morris Hunt, der die architektonische Gestaltung der Yale School of Theology (1869) entwarf, und Russell Sturgis (1836-1909), Waites Partner, der zwischen 1869-85 eine Reihe von Gebäuden der Yale University entwarf

Weitere Entwerfer von Gebäuden dieser besonderen Phase der neugotischen Architektur sind John H. Sturgis (1834-1888) und Charles Brigham (1841-1925), verantwortlich für das Museum of Fine Arts in Boston (1876); Frank Furness (1839-1912), bekannt für die gotischen Motive an den Gebäuden der Pennsylvania Academy of Fine Arts (1872-76) und des Provident Institute (1879), beide in Philadelphia; H. H. Richardson (1838-1886), der romanische Vorbilder als Grundlage für seinen eigenen gotischen Stil verwendete: siehe, z. B. Brattle Square Church, Boston (1870-72) und Trinity Church am Copley Square, Boston (ca. 1872-77).

Wie der Neoklassizismus setzte sich auch die Gothic-Revival-Bewegung bis ins 20. Jahrhundert fort, und zwar dank Designern wie Ralph Adams Crum (1863-1942) und seinen Partnern, Bertram G. Goodhue (1869-1924) und Frank W. Ferguson, die diesen Stil als besonders geeignet für College- und Universitätsgebäude ansahen. Beispiele für ihre Arbeiten sind das Aspirant College (1913) und die University Chapel (1929) in Princeton. Das Gothic Revival erstreckte sich sogar auf Wolkenkratzer, wie das Woolworth Building in New York (1910-13), entworfen von Cass Gilbert (1859-1934).

Architektur des Second Empire (ca. 1855-80)

Dieser Stil fiel mit dem Kaiserreich des französischen Kaisers Napoleon III. zusammen und wurde in Amerika mit Begeisterung übernommen, insbesondere für Regierungsgebäude, Institutionen - wie Krankenhäuser und Waisenhäuser - und Privathäuser. Das offensichtlichste Merkmal des Second Empire ist das Mansarddach - benannt nach François Mansart (1598-1666) - eines der architektonischen Merkmale der Herrschaft Ludwigs XIV, das Mitte des 19. Die Architektur des Zweiten Kaiserreichs zeichnet sich ebenfalls durch Dachgauben, quadratische Türme und Säulenpaare aus, die die Höhe erhöhen.

Berühmte Gebäude im Stil des Second Empire in Amerika sind unter anderem: Old City Hall, Boston (1862-65), erbaut von Gridley James Fox Bryant und Arthur Gilman (1821-1882); Old Executive Office Building, Washington, DC (1871-88), und Old Post Office von St. Louis, Missouri (1873-84), beide von Alfred B Mallett (1834-1890); und Philadelphia City Hall (1871-1901), von John McArthur Jr (1823-1890).

Wolkenkratzer: die Chicagoer Schule (1870-1920)

1871 wurde die Stadt Chicago, die damals fast ausschließlich aus Holz gebaut war, bei einer der schlimmsten Katastrophen in der Geschichte der Vereinigten Staaten durch einen Großbrand fast vollständig zerstört. Der Wiederaufbau der Stadt in Stein und Stahl markierte eine revolutionäre Wende in der Geschichte der Architektur: insbesondere in der Geschichte des Wolkenkratzerbaus . Siehe Wolkenkratzerarchitektur (1850-heute).

In der Tat war das hohe Bürogebäude in Amerika aufgrund der hohen Dichte von Banken, Büros, Bahnhöfen und Lagerhäusern in kleinen Teilen der wachsenden Städte bereits notwendig geworden. Und nach der Erfindung des sicheren Fahrstuhls durch Elisha Otis im Jahr 1853 wurde die Ausrichtung in den Himmel zur einzigen wirklichen Option für die Maximierung von Raum und Mieteinnahmen. Darüber hinaus ermöglichten solche Gebäude die gegenseitige Nähe von Unternehmen, um die Kommunikation zu beschleunigen, und waren ein wichtiges kommerzielles Prestigeobjekt. Die ersten „Wolkenkratzer“ wurden von traditionalistischen Architekten entworfen und stellten eine große Herausforderung für die herkömmliche Mauerwerksbauweise dar.

Chicago School of Architecture bezieht sich auf Innovationen, die von Architekten und Ingenieuren entwickelt wurden, die an der Stadterneuerung beteiligt waren. Sie sahen sich mit einigen besonderen Herausforderungen konfrontiert: die Einpassung neuer Gebäude in das, was von der städtischen Struktur übrig geblieben war; die Gestaltung von Strukturen, die technisch einwandfrei und feuerbeständig waren; und die Gestaltung von Formen, die den Funktionen der neuen Gebäude entsprachen, von denen die meisten für Dienstleistungszwecke bestimmt waren.

Zu diesen Architekten gehörte der Park- und Stadtplaner William Le Baron Jenny (1832-1907), der an der Harvard Scientific School und der École des Beaux-Arts in Paris studiert hatte. Er schlug ein neues mehrstöckiges Gebäude vor, den Wolkenkratzer, bei dem die vertikale Höhe, die durch die Erfindung des Aufzugs möglich wurde, die Nutzung der Gebäudefläche exponentiell erhöhte. Technisch wurde die Konstruktion durch die Verwendung eines Metallrahmens ermöglicht.

Für das Home Insurance Company Building (1884-5) beispielsweise entwarf Jenney einen Metallrahmen aus gusseisernen Säulen, die von gemauerten und schmiedeeisernen Trägern flankiert wurden und die Steinwände und Fenster in jedem Stockwerk trugen. (Anmerkung: Vergleichen Sie Jennys Verwendung von Schmiedeeisen mit der beim Bau des Eiffelturms (1887-89) von Gustave Eiffel (1832-1923).

Sein Schüler Daniel Hudson Burnham (1846-1912) entwickelte eine ausdrucksstarke Sprache, um neue Möglichkeiten bei der Gestaltung und Komposition der großen Flächen von Geschäftshausfassaden zu erforschen, einer Kategorie, zu der Bürogebäude, Firmenzentralen, Kaufhäuser und andere solche Großbauten gehörten. Viele Architekten beteiligten sich bald aktiv an der Arbeit, ein Gebäudemodell zu schaffen, das für die Entwicklung des hohen Geschäftshauses geeignet war. Zu den wichtigsten Vertretern der Chicagoer Schule gehörten Dankmar Adler (1844-1900) und Louis Sullivan (1856-1924), die bald eine Führungsrolle übernahmen; in den zwölf Jahren ihrer Tätigkeit schufen sie zahlreiche Gebäude, die technische, strukturelle und typologische Anforderungen mit dem ständigen Bemühen um die Entwicklung dekorativer und struktureller Elemente in einer neuen Sprache verbanden.

Die Fortschritte in der industriellen Technologie und die Verwendung von Stahlrahmen ermöglichten es Sullivan, die ersten Wolkenkratzer zu entwerfen, bei denen das tragende Gerüst sichtbar blieb; dennoch verzichtete er nicht auf die dekorativen Elemente, mit denen er die vertikalen tragenden Elemente, die Eingänge und die Umrisse der unteren Stockwerke dieser ansonsten freien und rationalen Gebäude betonte.

Siehe z. B. das von Sullivan entworfene Kaufhaus Schlesinger & Mayer, Chicago, (1899-1904). Sullivan entwickelte auch eine Methode zur Gestaltung von Wolkenkratzern, indem er sie in drei Funktionsbereiche unterteilte: einen großen Zugangsbereich im Erdgeschoss, ein Dachgeschoss in der Spitze des Gebäudes und einen dazwischen liegenden Schacht mit einer unbestimmten Anzahl von Stockwerken. Seine Gebäude zeigen deutlich die Prinzipien, die im 20. Jahrhundert die Architektur, nicht nur die amerikanische, revolutionieren sollten. Zu seinen bekanntesten Entwürfen gehören das Garanti Building, Buffalo, New York (1895); das Wainwright Building, St. Louis (1890-91); das Auditorium Building, Chicago (1885-89) und andere.

Die Wolkenkratzer des zwanzigsten Jahrhunderts wiesen eine Reihe unterschiedlicher Ästhetiken, Designs und Baumaterialien auf. Einige waren für ihren Klassizismus bekannt, andere für ihre Renaissance-Merkmale. Um 1920 entwickelten Architekten einfache kubische Formen wie die gestufte Zikkurat, die in der Kunst des Precisionismus von Charles Demuth (1883-1935), Charles Scheler (1883-1965) und Georgia O’Keeffe (1887-1986) popularisiert wurde. Zu den namhaften Architekten des 20. Jahrhunderts, die an der Gestaltung von amerikanischen Wolkenkratzern beteiligt waren, gehören: Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946) und Robert Venturi (geb. 1925), und viele andere.

Grenzarchitektur (ca. 1850-90er Jahre)

In der Zwischenzeit entwickelte sich im amerikanischen Westen die traditionelle Architektur, was zum Teil dem Homestead Act von 1862 zu verdanken war, der Millionen von Amerikanern die Möglichkeit gab, ein eigenes Haus zu besitzen, und der den Charakter der Besiedlung der Great Plains und des Südwestens grundlegend veränderte. Das Gesetz bot jedem, der das Land mindestens fünf Jahre lang bewirtschaftete und ein Haus darauf baute, eine bescheidene „Homestead“ - in der Regel 160 Acres - kostenlos an. Dieser Anreiz förderte die Entstehung isolierter Farmen im Mittleren Westen und im Westen anstelle der im Osten und in den meisten Teilen Europas üblichen Dörfer und Kleinstädte.

Siedler und Farmer verwendeten für den Bau ihrer Häuser lokale Materialien wie Torf, Baumstämme, Kopfsteinpflaster, Stein und Lehmziegel. Nach konventionellem Muster bauten sie Blockhäuser in bewaldeten Gebieten und Torfhäuser in baumlosen Ebenen und Prärien. Weiter westlich und südwestlich verwendeten die Siedler den weit verbreiteten Lehm zur Herstellung von Lehmziegeln und Schindeln.

Als die Verfügbarkeit von behandeltem Holz zunahm, wurden Häuser im Ranch-Stil immer häufiger, ebenso wie Häuser im Grenzlandstil wie die Kolonialarchitektur von Monterey. Insgesamt wurden zwischen 1862 und 1934 etwa 1,6 Millionen Homesteads mit einer Fläche von 270.000.000 Acres im Rahmen des Homestead Act vergeben. Siehe auch Volkskunst .

Unkonventioneller Holzhausbau - Queen Anne-Stil, der sich aus Carpenter Gothic und Stick-Estlake entwickelte (siehe oben). In den holzreichen Gegenden Kaliforniens wurde in der Wohnarchitektur des späten 19. Jahrhunderts eine Vielzahl von Holzkonstruktionen verwendet, darunter auch der Queen-Anne-Stil. Das berühmteste Beispiel dafür ist das Carson Mansion in Old Town Eureka an der Humboldt Bay, das von Samuel und Joseph Cather Newsom entworfen wurde.

An der Ostküste entwickelte sich der Queen-Anne-Stil zur Shingle-Stil-Architektur, die sich durch ein entspannteres, rustikaleres Bild auszeichnet. Beispiele sind das William Watts Sherman House (1874-75) in Rhode Island und das Mary Fiske Stoughton House (1882-83) in Cambridge, Massachusetts, beide entworfen von H.H. Richardson ; und das Newport Casino (1879-81), entworfen von Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Mit dem Aufkommen von Frank Lloyd Wright behielt Chicago seinen Ruf als kreatives Zentrum der amerikanischen Architektur. Schon bei seiner Geburt war seine Mutter sicher, dass er „der größte amerikanische Architekt“ werden würde. Er wurde zu einem der produktivsten Architekten des 20. Jahrhunderts: Als er im Alter von neunzig Jahren starb, hinterließ er mehr als 400 Projekte und Gebäude und trug mit seinen Ideen und Kreationen entscheidend zur Entwicklung der Architektur in Nordamerika und Europa bei.

Sein Name ist eng mit dem Konzept „ der organischen Architektur“ verbunden, das im Wesentlichen einen Architekturansatz bezeichnet, der auf der Schaffung harmonischer Beziehungen zwischen den Teilen eines Gebäudes sowie zwischen den Teilen und dem Ganzen beruht, was sich in fließenden Räumen im Einklang mit der Umgebung und in der Verwendung natürlicher Materialien ausdrückt.

In den ersten Jahren seiner Karriere beschäftigte sich Wright mit dem Thema der Präriehäuser: Einfamilienhäuser, die hauptsächlich für die gebildete und wohlhabende Elite in den Vororten von Chicago entworfen wurden. Sie zeichnen sich durch ihre langen, horizontalen Volumen aus, sind meist auf ebenem Grund gebaut und mit großen, nur leicht geneigten, aber vorspringenden Dächern bedeckt. Sie werden von durchgehenden Fensterbändern erhellt.

Im Jahr 1910 veränderten sich Wrights Entwürfe als Reaktion auf verschiedene Einflüsse, darunter die japanische Kunst sowie die Traditionen der präkolumbianischen Kunst, wie sie in den Blockhäusern zu sehen sind, die er in den 1920er Jahren in den Hügeln von Los Angeles baute. Bei dem Projekt Millard House (1922-23) in Pasadena beispielsweise verwendete er ein neues Struktursystem, das er Textilblöcke nannte: mit geometrischen Motiven verzierte Betonblöcke, die mit Stahlverbindungen miteinander verbunden wurden. Das warme, trockene Klima in Kalifornien zwang Wright, andere Ideen anzuwenden als bei seinen Häusern in der Prärie von Illinois, und seine kalifornischen Entwürfe sehen Blockbauten vor, die von außen gut geschützt sind und innen über schattige Terrassen und Wasserflächen verfügen.

Bevor er sein Meisterwerk der organischen Architektur, Fallingwater (1936-37), in Bear Run, Pennsylvania, schuf, arbeitete Wright an der Entwicklung von Stadtmodellen und stellte sich Alternativen zur traditionellen amerikanischen Großstadt vor, wie z. B. die 1934 entworfene Broadacre City, die auf der Idee basierte, dass jede Familie ein Grundstück von einem Hektar erhalten sollte. Ab etwa 1925 tauchen in seinen Entwürfen neue Archetypen auf, darunter der Kreis und die Spirale, die später in seinen berühmtesten Werken der Nachkriegszeit auftauchen sollten.

Fallingwater, Bear Run, Pennsylvania

1936 beauftragte der Kaufhausbesitzer Edgar J. Kaufman aus Pittsburgh Wright mit dem Bau eines Ferienhauses auf dem großen Grundstück seiner Familie in Pennsylvania. Wright wählte ein bewaldetes Gebiet, das von einem Bach durchquert wird, dessen Bett von unregelmäßig geformten großen Felsbrocken durchzogen ist. Wright beschloss, das Meisterwerk seiner organischen Architektur entlang des Baches zu errichten, und zwar auf einem Felsvorsprung direkt über dem fallenden Wasser.

Der auffälligste Aspekt dieses Hauses ist seine enge Einbindung in die umgebende Landschaft. Pflanzen, Wasser und Felsen durchdringen die Räume und werden Teil der häuslichen Umgebung. Das Haus besteht aus horizontalen Ebenen, die von vier zentralen Steinpfeilern getragen werden, die sich in alle Richtungen erstrecken und in glatten, vorspringenden Betonterrassen enden, die an überlappende Tröge erinnern.

Die Räume sind durch Bänder aus massivem Glas von der umgebenden Landschaft getrennt. Eine Stahlbetontreppe führt vom Wohnzimmer zum Bach; ein Weg durch den Wald führt über eine kleine Brücke zum Eingang des Hauses. Der Eingang öffnet sich direkt in das Wohnzimmer, das das gesamte Hauptgeschoss einnimmt, mit einer Terrasse direkt über dem Bach und einer weiteren mit Blick auf den dahinter liegenden Berg. Wie in Wrights Interieurs üblich, ist das Herzstück dieses Raums der Kamin. Der Boden des Salons besteht aus unregelmäßig geformten Steinplatten, die Wände sind mit Stein verkleidet, und die von Wright selbst entworfenen Möbel sind aus Nussbaumholz gefertigt.

Die Schlafzimmer befinden sich im ersten Stock; alle Zimmer haben Terrassen, die in verschiedene Richtungen ausgerichtet sind. In der obersten Etage, die kleiner ist als die anderen, befinden sich ein Arbeitszimmer und ein Schlafzimmer, die beide ebenfalls auf eine Terrasse führen.

Das Wohnzimmer, das um den Kamin herum angeordnet ist, ist der Mittelpunkt des Hauses. Dank der großen Verglasung steht der Innenraum in engem Kontakt mit dem Wald draußen. Die Natur ist auch im Inneren des Hauses präsent - in den Steinböden, den Holzmöbeln und den Wandverkleidungen aus Naturfasern. Natur und Künstlichkeit verschmelzen in einer organischen Konstruktion, in der jedes Material seine Funktion erfüllt: Stein für die vertikalen Stützen, Stahlbeton für die horizontalen Flächen, rot gestrichenes Glas und Metall umrahmen die Öffnungen. Wrights ursprünglicher Entwurf sah vor, die ockergelben Betonüberhänge mit Blattgold zu überziehen, damit sie in der Sonne glänzen und sich im Wasser spiegeln.

Weitere bemerkenswerte architektonische Projekte aus der Vorkriegszeit von Frank Lloyd Wright sind das S.C. Johnson & Son Wax Company Administration Building (1937) in Racine, Wisconsin, und Taliesin West in Paradise Valley, in der Nähe von Phoenix, Arizona (begonnen 1938).

Art-Déco-Wolkenkratzer (ca. 1920-40)

Die Zeit zwischen dem Ende des Ersten Weltkriegs und dem Zusammenbruch der New Yorker Börse im Jahr 1929 war eine Periode großer baulicher Entwicklungen in den Vereinigten Staaten, die den Hintergrund für die Entstehung der Art-déco-Architektur in Amerika bildete. Das Straßen- und Eisenbahnnetz des Landes wurde ausgebaut, die Außenbezirke der Städte wuchsen, und Wolkenkratzer veränderten das Gesicht der Großstädte.

In diesen Jahren nutzten die europäischen Avantgarde-Bewegungen die technologischen Innovationen und die neuen Möglichkeiten, die neue Baumaterialien boten, um geeignete Formen zu finden, die den Zeitgeist zum Ausdruck brachten; in den Vereinigten Staaten hingegen war die Verwendung historischer Stile weiterhin en vogue. 1922 schrieb die Chicago Tribune einen Wettbewerb zur Gestaltung ihres neuen Hauptsitzes aus; die 263 eingereichten Entwürfe repräsentierten eine breite Palette von Stilen. Der erste Preis ging an Raymond M. Hood und John Mead Howells für ein neugotisches Gebäude mit einem steinernen Rahmen, der von einer Turmkrone gekrönt wurde.

Bewegung Art Deco gab den Menschen Bilder und Gegenstände, die ihren Wunsch nach Geschwindigkeit, Luxus und Modernität widerspiegelten. Die Architektur feierte das Zeitalter der Maschinen und geometrischen Formen sowie der neuen Materialien und Technologien. Die Bewegung fand ihren Höhepunkt in der von der französischen Regierung geförderten Internationalen Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst (1925) in Paris, wo der Stil als „ Style Moderne „bekannt wurde. Er verbreitete sich rasch in den Vereinigten Staaten und wurde in den 1930er Jahren moderner und stromlinienförmiger.

Art-Déco-Gebäudedesigns wurden von einer Reihe verschiedener Einflüsse inspiriert, von abstrakter Kunst bis zu Zikkuraten sowie zeitgenössischen Kunstbewegungen, wie dem französischen Kubismus und dem italienischen Futurismus . Im Gegensatz zu den früheren fließenden Formen des Jugendstils, enthielt das Art-Déco-Design geometrische Formen und stufenförmige Strukturen. Beispiele für berühmte Art-Déco-Wolkenkratzer in New York City, bei denen mit Granit verkleidete Stahlkonstruktionen verwendet wurden, sind: Chrysler Building (1928-30), entworfen von William van Alen (1883-1954); Empire State Building (1929-31) (damals das höchste Gebäude der Welt), Architekten Shreve, Lamb und Harmon ; McGraw-Hill Building (1929-30), von Raymond Hood ; News Building (1929-30), von Raymond Hood mit John Mead Howells ; Rockefeller Centre (1932-39), Architekten Reinhard und Hofmeister, Harrison und McMurray, Hood und Fulihooks .

Modernistische Architektur in Amerika (ca. 1925-60)

Ein spätes Merkmal der modernen Kunst im Allgemeinen, modernistische Architektur war ein Versuch, neue Entwürfe für den „modernen Menschen“ zu schaffen. Sie lehnte alle traditionellen, auf alten Prototypen basierenden Stile ab und schlug eine neue Art von funktionalem Design vor, das moderne Materialien und Bautechniken nutzte, um eine neue Ästhetik und ein neues Raumgefühl zu schaffen.

Im Gegensatz zu Europa, wo die Moderne im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts aufkam, entwickelte sich die modernistische amerikanische Architektur erst Mitte bis Ende der 1920er Jahre, weil Amerika sich viel stärker auf historische Vorbilder stützte als Europa, wo die Avantgardekunst viel stärker war. (Siehe zum Beispiel den Einfluss der Armory Show des europäischen Modernismus). Angesichts der Bedeutung der Stadtentwicklung für den wirtschaftlichen Aufschwung der Vereinigten Staaten und des Wachstums zahlreicher Märkte innerhalb Amerikas ist es nicht überraschend, dass die meisten modernistischen Projekte der 1930er Jahre große Geschäftsgebäude, insbesondere Wolkenkratzer, umfassten. Im Einklang mit ihrer antihistorischen Haltung bevorzugte die modernistische Architektur vereinfachte Formen und nur solche wesentlichen Verzierungen, die das Thema und die Struktur des Gebäudes widerspiegelten.

Wichtige Architekten in der Geschichte und Entwicklung der modernistischen Bewegung in Amerika waren eine Reihe von Flüchtlingen aus Europa, wie Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969) ehemaliger Direktor der Bauhaus School of Design, und Louis Kahn (1901-1974). Weitere wichtige Modernisten sind: Frank Lloyd Wright, Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-1961), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Philip Johnson, I. M. Pei, und Robert Venturi .

Internationaler Stil

Der Internationale Stil der modernen Architektur war ein ausgeprägter (puristischer) Stil des Modernismus, der in den 1920er Jahren in Europa aufkam. Der Name stammt von der „Internationalen Ausstellung für moderne Architektur „(1932), die von dem Architekturhistoriker Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) und dem Architekten Philip Johnson (1906-2005) kuratiert wurde und im Museum of Modern Art (MOMA) in New York stattfand. Zeitgleich mit der Ausstellung im MOMA wurde ein Buch veröffentlicht. Das Ziel von Hitchcock und Johnson war es, einen Stil zu definieren und zu fördern, der die moderne Architektur verkörpert.

Um dieses Ziel zu erreichen, prüften sie alle Bauten in der Ausstellung, um sicherzustellen, dass nur Projekte aufgenommen wurden, die bestimmte Kriterien erfüllten. Fast alle Gebäude stammen aus Europa und wurden von Autoren wie Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelssohn (1887-1953) und Alvar Aalto (1898-1976) entworfen. Nur zwei Gebäude waren amerikanisch: das Film Guild Cinema, New York (1929), entworfen von Frederick John Kiesler (1890-1965), und das Lovell House, Los Angeles (1929), entworfen von Richard Neutra .

Zu den Kriterien, die Hitchcock und Johnson zur Definition ihres archetypischen Stils heranzogen, gehörten die folgenden drei Gestaltungsregeln:
❶ der Ausdruck von Volumen anstelle von Masse;
❷ die Bedeutung von Ausgewogenheit anstelle von vorgefasster Symmetrie; und
❸ die Ablehnung von aufgesetzten Ornamenten. Alle Gebäude in der Ausstellung folgten diesen Gestaltungsregeln und wurden daher dem amerikanischen Publikum der Ausstellung als Beispiele „des Internationalen Stils“ präsentiert.

Die von den Architekten des Internationalen Stils am häufigsten verwendeten Materialien waren Glas für die Fassade, Stahl für die äußeren Stützen und Beton für die inneren Stützen und Böden. Darüber hinaus waren die Grundrisse bewusst funktional und logisch.

Obwohl die modernistische Architektur in den Vereinigten Staaten für Wohngebäude nie sehr populär wurde - trotz der Bemühungen von Hood, Lescaze, Edward Stone und Neutra in den 1930er Jahren -, wurde sie schnell zum vorherrschenden Stil für Wolkenkratzer sowie für institutionelle und kommerzielle Gebäude. (Siehe z. B. die Second Chicago School of Architecture, angeführt von dem brillanten, in Deutschland geborenen Mies van der Rohe, einem der größten in Amerika tätigen Architekten . Später verdrängte er sogar die traditionellen historischen Stile in Schulen und Kirchen, wie z. B. die Christ Lutheran Church (1949-50) von Eliel Saarinen in Minneapolis. Darüber hinaus war er in den Architekturschulen bis Anfang der 1980er Jahre die einzige akzeptable Gestaltungsplattform.

Ereignisse in den 1940er und 1950er Jahren

Der Zweite Weltkrieg war eines der destabilisierendsten Ereignisse des 20. Jahrhunderts, das auch im Bereich der Architektur erhebliche Auswirkungen hatte. Die Bedingungen, die zur Entstehung der modernen Architektur geführt hatten, waren nicht mehr gültig, und die Architekten waren gezwungen, nach neuen Lösungen zu suchen, wobei sie sich gleichzeitig an die Bedeutung der architektonischen Revolution der 1920er Jahre erinnern mussten.

Dies betraf vor allem die berühmten europäischen Architekten, die ihre Sprache überarbeiteten, um sterile Nachahmungen zu vermeiden, ohne jedoch die in den Vorkriegsjahren gereiften Prinzipien und ihre beherrschende Stellung in der Branche zu ändern. Gropius gründete The Architects Collaborative, deren Mitglieder das modernistische Harvard Graduate Centre (1949-50) entwarfen, und Mies van der Rohe leitete 1938 die Architekturabteilung des Illinois Institute of Technology in Chicago und entwarf dessen neuen Campus. Zugegeben, die Arbeiten, für die Gropius in den Vereinigten Staaten verantwortlich zeichnete, vor allem Schulen und Einfamilienhäuser, haben nicht die Ausdruckskraft seiner Vorkriegsprojekte in Deutschland, aber Mies van der Rohe fand Chicago - die Geburtsstadt des Wolkenkratzers und des Stahlskeletts - sehr geeignet für seinen Stil.

Der korporative Modernismus

An den Ufern des Michigansees entwarf Mies van der Rohe seine ersten Wolkenkratzer aus Stahl und Glas. In Zusammenarbeit mit Philip Johnson entwarf Mies eines der einflussreichsten Gebäude der Nachkriegszeit, das New Yorker Seagram Building (1954-58), einen beeindruckenden Wolkenkratzer, dessen scharfe Silhouette aus Glas und Stahl zum Prototyp wurde, dem man nacheiferte. Das achtunddreißigstöckige Gebäude an der Park Avenue wurde für Seagram & Sons, einen kanadischen multinationalen Konzern, entworfen.

Die Fassade aus Bronze und Glas, die als Meisterwerk der Unternehmensmoderne bezeichnet wird, bildet ein dichtes Raster, das die strenge Vertikalität des Gebäudes betont. Die graue und bernsteinfarbene Tönung des Fensterglases und der grüne Travertin der Säulen am Sockel verschönern das Bild. Der Stil von Mies van der Rohe - der einfache Minimalismus und die Verwendung von Stahl und Glas - wurde von anderen Architekten wie Philip Johnson, Eero Saarinen und Charles Eames (1907-1978) übernommen, deren Formensprache sich nach und nach veränderte.

Das Seagram Building ist ein Beispiel für die Verwendung moderner Architektur durch große Unternehmen und deren Suche nach unverwechselbaren Prestigesymbolen in der Nachkriegszeit. Die Connecticut General Life Insurance Company beauftragte Skidmore, Owings, and Merrill, eines der größten Büros für moderne Architektur, mit der Gestaltung ihres neuen Hauptsitzes in Hartford (1955-57). Lever Brothers hatte dieses Büro bereits mit dem Entwurf des Lever House (1952) beauftragt, dessen parkähnlicher Platz, Glaswände und dünne Aluminiumpfosten den Namen von Mies van der Rohe trugen.

Die strenge, geometrische Ästhetik des Technischen Zentrums von General Motors (1948-56) in Michigan war ein weiteres Gebäude, das den Prinzipien von Mies folgte, ebenso wie das Gebäude des UN-Hauptquartiers (1947-52), das von Le Corbusier, Oscar Niemeyer und anderen entworfen wurde. Weitere Beispiele für den Modernismus der 1950er Jahre sind der Turm der Aluminium Company of America in Pittsburgh (1954), entworfen von Harrison und Abramowitz, und das Inland Steel Building in Chicago (1955-57), entworfen von Skidmore, Owings und Merrill. Frank Lloyd Wright war einer der wenigen, die die geradlinige Geometrie dieser Bürogebäude ablehnten: siehe im Gegensatz dazu das facettierte Design seines Price Tower (1955) aus Beton und Kupfer in Bartlesville, Oklahoma.

Dekorativer Formalismus

In den frühen 1950er Jahren, als sie sich vom „ Funktionalismus“ zum „ Formalismus“ wandten, interessierten sich die zeitgenössischen Architekten zunehmend für die dekorativen Qualitäten verschiedener Baumaterialien und offener Bausysteme. Einfach ausgedrückt, begannen sie, die formalen Eigenschaften von Gebäuden für dekorative, ja sogar expressive Zwecke zu nutzen.

Ein interessantes Beispiel für diese neue Ästhetik war Frank Lloyd Wrights Entwurf für das Guggenheim-Museum in New York (1943-59), ein Gebäude, das um eine spiralförmige Rampe herum organisiert ist, die sowohl den Ausstellungsort des Museums als auch ein generatives Element seiner Gesamtgestaltung darstellt. Auch andere amerikanische Architekten setzten auf eine kurvenförmige Strukturgeometrie, wie das Beispiel der Sports Arena in Raleigh (1952-53) zeigt, die von Matthew Nowicki (1910-1949) entworfen wurde und in der zwei von Säulen getragene Parabelbögen und ein Dach aus Spannhäuten einen massiven Raum ohne innere Stützen umgeben.

Eero Saarinens TWA-Terminal am John F. Kennedy International Airport (1956-62) ist ein weiteres dynamisches Beispiel für ein monumentales Gebäude in einer einzigen Form, dessen geometrische Formen und Silhouetten einen neuen formalen Ausdruck widerspiegeln, dessen Höhepunkt zweifellos das Opernhaus von Sydney (1959-73) war, das von Jorn Utzon entworfen wurde. Der eher gedämpfte formalistische Stil von Minoru Yamasaki (1912-1986) wird durch seine 1965-66 entworfenen, 1360 Fuß hohen Zwillingstürme des World Trade Centre, Gebäude 1 und 2, veranschaulicht. Ein weiteres Beispiel für formalistisches Design war das von Skidmore, Owings und Merrill entworfene John Hancock Centre (1967-70), bei dem die von Fazlur Khan (1929-1982), dem wohl größten Wolkenkratzerdesigner des 20. Jahrhunderts, entworfenen X-förmigen Stützstreben zu einem Merkmal des Gebäudes wurden. Diese Tendenz zum strukturellen Expressionismus, zum dynamischen Monumentalismus - nennen Sie es, wie Sie wollen - ist in der zeitgenössischen Architektur immer noch präsent: Sehen Sie sich die glatten rechteckigen Formen des Time Warner Centre (2003-7) von SOM in New York an.

Ein interessanter Empfänger der Goldmedaille des American Institute of Architects im Jahr 1971 war der in Estland geborene Luis Isidor Kahn (1901-1974). Kahns Karriere verlief anders als die vieler der oben genannten. Seine Ausbildung fand statt, bevor sich der internationale Stil in den Vereinigten Staaten durchsetzte. Er studierte an der Universität von Pennsylvania, wo er sich die Elemente der klassischen Definition aneignete und der akademischen Tradition der School of Fine Arts folgte: Symmetrie, Mittellinie, richtige Proportionen, Hierarchie der Teile.

Der Kontakt mit der altägyptischen Architektur sowie mit den Werten des griechischen und römischen Designs veranlasste ihn, eine persönliche Sprache zu entwickeln, die moderne Materialien und Technologien einsetzt, um geometrische, oft monumentale Formen zu erforschen und darzustellen, die mit der Geschichte verbunden sind. Zu seinen bedeutendsten Werken der 1950er und 1960er Jahre gehören die Yale University Art Gallery in New Haven (1951-53), die Richards Laboratories for Medical Research an der University of Pennsylvania in Philadelphia (1957-65), das Salk Institute for Biological Studies in La Jolla, Kalifornien (1959-65), und das Kimbell Art Museum in Fort Worth (1966-72), das von einigen als sein Meisterwerk dieser Jahre angesehen wird.

Postmoderne Architektur (1970 bis heute)

In den 1960er Jahren entstand eine allgemeine Unzufriedenheit mit den Auswirkungen der Architektur des 20. Jahrhunderts (insbesondere) in den Vereinigten Staaten, deren Mängel in zwei einflussreichen Veröffentlichungen beschrieben wurden: The Death and Life of Great American Cities (1961) von Jane Jacobs und Complexity and Contradictions in Architecture (1966) von Robert Venturi. Während Jacobs den seelenlosen Utopismus der Modern-Bewegung kritisierte, beklagte Venturi, dass es den modernen Bauten aufgrund des Fehlens jeglicher Spur historischer Elemente auch an der bedeutungsvollen Ironie und Komplexität fehle, mit der die Architektur normalerweise angereichert ist.

Eine besonders unbeliebte und seelenlose Form der experimentellen modernen Architektur war als Brutalismus bekannt (vom französischen „beton brut“, was roher Beton bedeutet), ein Begriff, der von den britischen Designern Alison und Peter Smithson geprägt wurde, um die geometrischen Betonstrukturen zu beschreiben, die von utopischen Architekten wie Le Corbusier (1887-1965) häufig in Gegenden des sozialen Verfalls errichtet wurden.

Der Grundgedanke der brutalistischen Architektur bestand darin, funktionale Wohnformen durch den Verzicht auf jegliche Dekoration und andere visuelle Ablenkungen zu fördern. Die Idee ist gescheitert. Berühmte Beispiele für brutalistisches Design in Nordamerika sind: das Yale Art and Architecture Building (1958-63), entworfen von Paul Rudolph (1918-1997); und Habitat ’67, Montreal (1966-67), entworfen von Moshe Safdie .

Was ist postmoderne Architektur?

Jacobs und Venturi waren die Katalysatoren der Welle der Opposition gegen die Moderne, aber sie haben die „ Postmoderne nicht erfunden“. (Siehe auch: Postmoderne Kunst) Der Begriff wurde von dem amerikanischen Theoretiker Charles Jencks in seinem Buch The Language of Postmodern Architecture (1977) geprägt, das die architektonischen Trends beschreibt, die in den 1960er Jahren in Opposition zu den vorherrschenden Diktaten der rationalistischen Moderne entstanden.

Es geht darum, dass die moderne Architektur sowohl traditionelle historische Formen als auch dekorative Elemente aus ihrem Repertoire ausschloss. Die Postmoderne wollte die „Architektur vermenschlichen“, indem sie eine Mischung von Stilen verwendete, die sowohl klassische Vorbilder als auch Elemente aus der Populärkultur enthielt. Spielerische Ironie und gelegentliche Überraschungen, auch schockierende, waren Teil des postmodernen Ansatzes bei der Gestaltung von Gebäuden.

Schließlich verlieren grundlegende architektonische Elemente wie Säulen, Bögen und Tympanon oft ihre ursprüngliche Bedeutung, wenn sie aus dem Zusammenhang gerissen - etwa als dekorative Elemente - verwendet werden. Die postmoderne Architektur folgte den Spuren der Pop Art, deren Anhänger - wie Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-1997) und Claes Oldenburg (geb. 1929) - bereits die Welt der Actual Art verjüngten, indem sie bedeutungsvollere populäre Bilder verwendeten.

Es ist jedoch anzumerken, dass viele postmoderne Architekten ihre Laufbahn als Modernisten begannen, und so wurden viele Merkmale der Moderne in die Postmoderne übernommen, insbesondere in den Werken von Architekten wie Robert Venturi, Michael Graves, Frank O. Gehry und Richard Meier. (Siehe auch: Postmoderne Künstler .)

Geschichte des postmodernen Architekturdesigns

Man geht allgemein davon aus, dass die Postmoderne in Amerika 1972 mit dem Abriss einer Reihe von 14-stöckigen Plattenbauten begann, die weniger als 20 Jahre zuvor nach Entwürfen von Minoru Yamasaki als Teil des preisgekrönten Pruitt-Igoe-Wohnbauprojekts in St. Louis, Missouri (1955), errichtet worden waren. In Wirklichkeit handelte es sich um einen nüchternen, modernistischen Betonbau, der zu einem Magneten für Probleme wurde. Obwohl in Europa bereits zahlreiche Wohnviertel abgerissen worden waren, begann in St. Louis die Ära der amerikanischen Postmoderne.

In den 1970er Jahren brachten Robert Venturi und seine Partner Denise Scott Brown (geb. 1931) und John Rauch (geb. 1930) erneut historischen Bezug, Witz und Menschlichkeit in die Entwürfe zahlreicher Gebäude ein, darunter: Vanna Venturi House, Pennsylvania (1961-64); Guild House, Philadelphia (1961-66); Tucker House, Katonah, New York (1975); Allen Memorial Art Museum, Oberlin College (1976); Museum of Contemporary Art, San Diego (1996). Michael Graves (geb. 1934) - einer der berühmten „New York Five“, zusammen mit Peter Eisenman (geb. 1932), Charles Gwathmey (1938-2009), John Hejduk (1929-2000) und Richard Meyer (geb. 1934) - entwarf das Portland Public Service Building). - entwarfen das Public Service Building in Portland, Oregon (1980-82) und den „Houman Tower“ in Louisville, Kentucky (1986), die die Masse eines herkömmlichen Wolkenkratzers mit historischen Motiven verbinden. Wie die Piazza d’Italia in New Orleans (1975-80) und das Alumni Center der Universität von Kalifornien in Irvine (1983-85), die von Charles Moore entworfen wurden, sollen diese selbstbewussten, heiteren Bauwerke der Öffentlichkeit versichern, dass ihre kulturelle Identität nicht mehr von der antihistorischen modernen Architektur angegriffen wird.

In den 1970er und 1980er Jahren folgten mehrere amerikanische Architekten dem Beispiel der Pop Art und wählten einen populistischen Stil, der manchmal klassische Elemente enthielt. Dazu gehören Philip Johnson und John Bergey, die das AT&T Building in New York City (1978-84) mit einem Wolkenkratzer im Chippendale-Stil entwarfen, und Robert Stern, der für die Observatory Hill Dining Hall an der University of Virginia (1982-84) ein klassisches Design im Jefferson’schen Stil, für das Bürogebäude Prospect Point in La Jolla, Kalifornien (1983-85) jedoch spanische Kolonialelemente verwendete.

Die Karriere des berühmten chinesisch-amerikanischen Architekten I.M. Pei umfasste fast das gesamte Spektrum der modernen Architektur, einschließlich des Internationalen Stils, des Funktionalismus, des dekorativen Formalismus und des Postmodernismus. Sein innovativer Einsatz moderner Materialien, um historische Themen neu auszudrücken, erreichte einen Höhepunkt in seiner ikonischen Glaspyramide (1983-88), die das Eingangsatrium des Louvre Museums in Paris bildet, und einen Tiefpunkt im unglücklichen John Hancock Building, Boston (1967-76).

Zu Peis anderen amerikanischen Projekten gehören das Mesa-Labor des National Center for Atmospheric Research, Boulder (1961-67), der Ostflügel der National Gallery of Art, Washington (1968-78), die John F. Kennedy Presidential Library and Museum, Boston (1965-79) und die Rock and Roll Hall of Fame, Cleveland (1987-95).

Dekonstruktivismus (1980er Jahre)

„Dekonstruktivismus“ Der Dekonstruktivismus ist ein charakteristischer Stil der postmodernen Architektur, der in den 1980er und 1990er Jahren in Europa und den Vereinigten Staaten entwickelt wurde. Er kann definiert werden als eine Einstellung zum Design, die eine ausgeprägte Deformation der euklidischen Geometrie beinhaltet und wenig Wert auf traditionelle Proportionsprinzipien legt.

Die konstanten Merkmale des Dekonstruktivismus sind Instabilität, Disharmonie und Unregelmäßigkeit. Die traditionellen Attribute der Architektur werden dekonstruiert, um äußerlich inkohärente Formen zu schaffen, die oft den Gesetzen der Schwerkraft trotzen. Das Konzept wurde erstmals 1988 in einer von Philip Johnson organisierten Ausstellung mit dem Titel „

• Edward Hopper y George Bellows en Sotheby’s