Hellenistische griechische Skulptur Automatische übersetzen

Eine weitere Tendenz, die sich im frühen dritten Jahrhundert entwickelte, war der trockene, nicht-klassische Stil, der den Schwerpunkt eher auf die lineare Gestaltung als auf die Modellierung legte, aber eher für Draperien und Porträtköpfe als für nackte Körper geeignet war.

Ehrgeiziger war der Versuch, alte klassische Formen und Vorrichtungen wiederzuverwenden, um dramatische Effekte zu erzielen, vor allem auf dem Hauptfries des Zeusaltars von Pergamon, wo auf einigen Torsi die Muskulatur als eine Art Panzer erscheint. Dieser Pergamon-Stil der hellenistischen Bildhauerei hat seinen Ursprung weit im dritten Jahrhundert, erlebte aber seine Blütezeit im zweiten Jahrhundert und war, nach „Laokoon und seinen Söhnen“ zu urteilen, noch in der Mitte des ersten Jahrhunderts in Gebrauch. Für Kultstatuen von Göttern hatten die klassischen Typen immer einen dauerhaften Einfluss, und schließlich gab es am Ende des zweiten Jahrhunderts eine Reaktion, und viele Bildhauer wandten sich den Werken des fünften und vierten Jahrhunderts als Vorbilder für Korrektheit zu.

(Anmerkung: zu den architektonischen Stilen des antiken Griechenlands, siehe: Griechische Architektur).

Bei der Darstellung der Anatomie wichen die hellenistischen Bildhauer nicht oft von den klassischen Formeln ab, da diese bereits naturgetreu genug waren und es nicht nötig war, noch einmal neu anzufangen. Sie änderten auch nicht das System der Proportionen der männlichen Figur, obwohl bald ein alternativer weiblicher Kanon mit schmaleren Schultern, hoher Taille und breiten Hüften eingeführt wurde.

Radikalere Veränderungen gab es bei der Draperie. Hier entwickelten die Bildhauer der Hochklassik ein System von Vorrichtungen, das die Formen und Handlungen des Körpers verdeutlichte, aber, obwohl optisch wirksam, nicht der Natur entsprach. Dieses System blieb bis ins vierte Jahrhundert hinein gültig, trotz der Tendenzen, die Falten natürlicher zu gestalten und der Draperie eine eigene Bedeutung zu geben. Diese Tendenzen wurden von einigen frühhellenistischen Bildhauern fortgesetzt, und es scheint sogar eine bewusste Abkehr von den klassischen Standards stattgefunden zu haben, vielleicht mehr um der Neuheit willen als aus künstlerischem Prinzip.

Zu späteren Bildhauern und Bewegungen, die von der hellenistischen Bildhauerei des antiken Griechenlands inspiriert waren, siehe: Klassizismus in der Kunst (ab 800).

Drapierung

In einem beliebten Schema, das in der späthellenistischen Bildhauerei immer noch beliebt ist, ist die weibliche Figur mit einem Chiton bekleidet, der oft die Beine verdeckt, und einem dünnen, straff gezogenen Mantel, der diagonal vom Knie bis zur Hüfte verläuft, sich an der Hüfte zusammenzieht und entweder die Taille oder die Brust hinunterrollt oder - häufiger - die Schultern und manchmal den Kopf bedeckt. Dieser Mantel ist mit feinen, scharfen Rillen verziert, die teils von der Hüfte aus verlaufen, teils willkürlich unterbrochen sind; und wenn es eine Rolle gibt, ist sie gewöhnlich schmal und wie ein Seil gedreht.

Im Gegensatz dazu sind die Falten des Chitons meist straff und senkrecht, und mit einer Geschicklichkeit, die immer mehr zur Gewohnheit wird, werden sie so verlängert, dass sie durch den sie bedeckenden Mantel hindurch sichtbar sind, wobei sie entsprechend ein wenig verschwimmen. Gleichzeitig wurde eine weitgehend klassische Tradition beibehalten, insbesondere bei den Götterstatuen. Diese Tradition wurde von den Bildhauern des Pergamon-Stils eklektisch genutzt und von den Klassizisten des späten zweiten und ersten Jahrhunderts mit größerer Treue wiederbelebt.

Die Darstellung von Gefühlen

Die klassischen Meister zogen es vor, Emotionen durch einfache Gesten zu vermitteln, und obwohl in der Mitte des vierten Jahrhunderts eine gewisse Intensität des Aussehens toleriert wurde, blieb die Darstellung von durch Trauer verzerrten Gesichtern die Domäne der kleinen Handwerker, die Reliefs auf Gräbern schnitzten. Die hellenistischen Bildhauer hatten andere Maßstäbe.

In Werken mit traditionellem Charakter behielten sie ihre frühere Unbeweglichkeit bei, aber wo es um naturalistische oder dramatische Darstellungen ging, kosteten sie ihre Virtuosität aus. Schmerz, Angst, Vergnügen, Heiterkeit, Trunkenheit, Lethargie, Schlaf und Tod waren im zweiten Jahrhundert ebenso möglich wie alle Abstufungen des Alters, und wenn sie wollten, konnten sie plausibel differenzierte Rassentypen schaffen. Wie nicht anders zu erwarten, wurden die Porträts immer extravaganter, obwohl der Auftraggeber natürlich in der Regel Würde erwartete.

(Anmerkung: Biographien von bedeutenden Bildhauern des antiken Griechenlands: Phidias (488-431 v. Chr.), Myron (aktiv 480-444), Polycletus (5. Jahrhundert), Callimachus (aktiv 432-408), Scopas (aktiv 395-350), Lysippus (ca. 395-305 v. Chr.), Praxiteles (tätig 375-335), Leochar (tätig 340-320))).

Bildhauerische Posen

Ein breiteres Spektrum an Themen erforderte ein breiteres Spektrum an Posen. So tauchen ausgestreckte, gerollte und liegende Figuren auf; für aufrechte Figuren werden momentane oder triviale Posen üblicher. Und der Pergamon-Stil begrüßte gewalttätige Perversionen. Viele dieser Posen wurden von klassischen und sogar archaischen Bildhauern auf Giebeln verwendet, aber nicht bei freistehenden Statuen, wo strenge Anstandsregeln galten. Auch Gruppen wurden immer häufiger und systematischer dargestellt.

Die radikalste Neuerung war jedoch die Komposition. Klassische Statuen waren in der Regel frontal und seitlich aufgebaut, so dass sie vier verschiedene Grundansichten zeigten. Obwohl es im vierten Jahrhundert einige ungefähre Abweichungen von der streng frontalen Ansicht gab, wie in Apoxiomena, wurde dies hauptsächlich durch die Anordnung der Arme erreicht.

Die hellenistischen Bildhauer dachten tiefer. Ihre erste Lösung bestand darin, der Figur eine spiralförmige Kurve zu geben, so dass von jedem Standpunkt aus ein wichtiger Teil der Figur mehr oder weniger frontal oder im Profil erscheinen würde. Eine solch starke Verdrehung ist zwar effektiv, aber nicht leicht zu rechtfertigen, wenn man erwartet, dass die Handlungen der Statue einen logischen Zweck haben.

Tanzen und Kämpfen bieten zufriedenstellende Gründe, aber für einige spiralförmige hellenistische Figuren ist die einzige Rechtfertigung frivol, wie im Fall von Aphrodite, die ihren Rock hebt, um ihren Hintern zu betrachten, oder einem jungen Satyr, der versucht, seinen Schwanz zu inspizieren. Zu Beginn des zweiten Jahrhunderts wurde eine kompliziertere Formel gefunden, bei der die Spirale umgedreht oder an der Taille angehalten wird. Die Venus von Milos ist hier das berühmteste Beispiel. Nichtsdestotrotz wurden die meisten hellenistischen Statuen zu allen Zeiten auf die alte Art und Weise entworfen, mit Betonung der Frontalansicht.

Kopien von Statuen

Die klassische Wiederbelebung der griechischen Kunst am Ende des zweiten Jahrhunderts brachte nicht nur neue Interpretationen und Anpassungen klassischer Formen wie der Venus von Milos hervor, sondern führte auch zur Entwicklung einer Kopierindustrie, die in der Ära der römischen Kunst bis ins vierte oder sogar fünfte Jahrhundert nach Christus andauerte.

Von der archaischen Periode an wurden Duplikate angefertigt, wie Kleobis und Biton und Penelope, aber die Gewohnheit, vergangene Meisterwerke zu reproduzieren, scheint zu Beginn oder in der Mitte des zweiten Jahrhunderts begonnen zu haben, als die Könige von Pergamon, die die ersten großen Sammler griechischer Kunst waren, den Erwerb von frühen Originalen durch Bestellungen von Kopien ergänzten.

Ihrem Beispiel folgten Privatpersonen, darunter viele Römer und Italiener, die mit der Tendenz zum Klassizismus sympathisierten, sich aber auch von den Alten Meistern angezogen fühlten. Die in Pergamon gefundenen Kopien, auch wenn sie im Geiste den Originalen recht treu sind, geben die Details frei und modern wieder und wurden offensichtlich von Bildhauern geschaffen, die zu eigenständiger Arbeit fähig waren. Später jedoch wurden ein mechanischerer Stil und eine mechanischere Technik üblich, da die Meister nach Vorlagen arbeiteten.

Meisterkopien konnten entweder aus dem Gedächtnis und nach Skizzen angefertigt werden, wie z. B. die Kultstatue der Athene im Parthenon; oder, wenn das Original zur Verfügung stand, konnten Abgüsse, teilweise oder vollständig, davon angefertigt werden und Abgüsse von den Abgüssen gemacht werden. Bei Kopien von Bronzeskulpturen konnte dieses System durch Umformung eine exakte Kopie des Originals gewährleisten, und aus diesem Grund ist es schwierig oder unmöglich - und wahrscheinlich unwichtig - zwischen einem Original und einer guten Kopie stilistisch zu unterscheiden.

Für Kopien von Steinskulpturen (meist aus Marmor) wurde im frühen ersten Jahrhundert ein Punktierungsverfahren verwendet. Der Kopist legte einen offenen Rahmen um sein Modell und denselben Rahmen um den Block, an dem er arbeitete, maß den Abstand zwischen dem Rahmen und ausgewählten Punkten auf seinem Modell und markierte deren Position auf oder in dem Block durch Messung, und schnitzte dann mit dem Auge die Flächen zwischen den Punkten, wobei er einen Teil der Figur mehr oder weniger fertigstellte, bevor er zum nächsten überging.

Da die antiken Kopisten viel weniger Punkte verwendeten als ihre modernen Kollegen, war die Genauigkeit der Details geringer. Es gibt einige hervorragende Marmorkopien, aber die meisten von ihnen sind Hackarbeit, bei der alle Feinheiten der Oberflächenmodellierung grob vernachlässigt werden.

Vermutlich aus Kostengründen wurden die Originale aus Bronze oft in Marmor nachgebildet, mit einigen nachträglichen Anpassungen. Da die Wimpern in Marmor nicht geschnitzt werden können, wurden die Lidränder stärker ausgeprägt, die Haarbüschel im Allgemeinen abgeflacht und die Muskulatur wahrscheinlich stärker betont. Es ist auch möglich, dass einige Posen verändert wurden, obwohl die Kopisten Stützen und Stümpfe recht großzügig verwendeten, sowohl aus Gründen der Transportsicherheit als auch um der Figur Stabilität zu verleihen oder um zu verhindern, dass die langgestreckten Teile durch das nicht abgestützte Gewicht brechen.

Nach dem Standort der Originale und den verwendeten Marmorarten zu urteilen, wurden die meisten frühen Kopien in Griechenland und in der Ägäis, insbesondere in Athen, hergestellt.

Für eine Liste der schönsten Statuen, Figuren und Reliefs, die in der klassischen Antike geschaffen wurden, siehe: Die größten Skulpturen aller Zeiten . Für einen Führer zum Neoklassizismus, siehe: Neoklassische Bildhauer .

Techniken der Bildhauerei

Die hellenistischen Bildhauer änderten nichts an der Technik der Marmorschnitzerei, mit Ausnahme eines neuen Verfahrens für die Arbeit nach einem Modell, das im ersten Jahrhundert sowohl für einige Originale als auch für Kopien verwendet worden sein könnte. Im besten Fall war das Niveau der Ausführung immer noch so gut wie bei den klassischen Werken, obwohl die Spuren des Bohrers oft auffälliger waren.

In der Feinplastik wurde eine viel größere Nachlässigkeit sowohl in der Gestaltung als auch in der Ausführung toleriert, teilweise vielleicht deshalb, weil die italienischen und römischen Auftraggeber, die am Ende des zweiten Jahrhunderts an Bedeutung gewannen, wenig künstlerische Erfahrung oder Unterscheidungsvermögen hatten.

Die Einfärbung von Marmor ist durch Sarkophage und Särge (oder „Urnen“) aus Etrurien , Karthago und griechische Statuen und Reliefs aus Delos und Alexandria belegt. Wie zu erwarten war, war die Praxis nicht einheitlich; einige Skulpturen waren vollständig koloriert, andere eher dezent, und die beiden Systeme scheinen parallel zu verlaufen. Auch die Vergoldung von Marmor, insbesondere von Haaren, war häufiger anzutreffen (siehe mehr zur Vergoldung unter: Metallarbeiten).

In der Bronzeskulptur besteht die einzige behauptete Neuerung darin, dass bei einigen bronzenen Porträtköpfen die Gesichtszüge eher den Effekt des Modellierens als des Schnitzens zeigen, und daraus lässt sich schließen, dass für die Vorarbeiten ein weicheres Medium als früher verwendet wurde.

(Anmerkung: Für Informationen über die altgriechische Töpferei, einschließlich der geometrischen, schwarzfigurigen, rotfigurigen und weißfigurigen Techniken, siehe: Griechische Töpferei: Geschichte und Stile .)

Datierung und Chronologie

Wie für viele andere Formen der antiken Kunst gibt es auch für die klassische Bildhauerei keine festen Daten, aber für die hellenistische Bildhauerei noch weniger. Wir haben auch nicht so viele Informationen über die Bildhauer und ihre Arbeit, da Plinius in seinem Bericht eine Lücke zwischen 296 und 156 v. Chr. lässt, als er sagt, dass die Kunst ausgesetzt wurde.

Die Tyche (oder Fortuna) von Antiochia, von der wir drei Miniaturversionen haben, muss sehr bald nach der Gründung der Stadt im Jahr 300 v. Chr. entstanden sein. Die Marmorstatue der Themis des Ramnus, das Originalwerk des Chairestratos, Sohn des Chairedemos, kann dem Ende des vierten oder dem Beginn des dritten Jahrhunderts zugeordnet werden, wenn (was wahrscheinlich ist) es der Vater des Bildhauers war, der in der Inschrift von 315 v. Chr. erwähnt wird. Das posthume Porträt des Demosthenes, von dem Kopien erhalten sind, wurde den literarischen Quellen zufolge um 280 v. Chr. angefertigt. Der sitzende Dionysos aus dem Thrasyllos-Denkmal in Athen ist wohl eine Widmung zu Ehren des Sieges bei dem dramatischen Fest von 271 v. Chr. Samothraki von Nizäa wurde um 200 v. Chr. gegründet, wenn man nach den Keramikfunden um den Sockel herum urteilt, und einige Fragmente von Fußskulpturen von der gleichen Insel wurden, ebenfalls anhand von Keramik, auf das spätere zweite Jahrhundert datiert.

Delos erlangte einen plötzlichen Wohlstand nach 166 v. Chr. und noch mehr nach 146, wurde 88 geplündert und schließlich 69 zerstört, so dass die meisten seiner Skulpturen auf das Ende des zweiten oder den Beginn des ersten Jahrhunderts datiert werden können, und einige von ihnen, dank der Inschriften, sogar noch näher. Die Bildhauer von Laokoon waren, sofern es sich nicht um eine unglaublich komplizierte Wiederholung von Namen handelt, um 21 v. Chr. gut bekannt

Eine Anmerkung zur Wertschätzung der Kunst
Zur Wertschätzung der griechischen Bildhauer siehe: Wie man Skulpturen schätzt . Für spätere Werke, siehe: Wie man die moderne Bildhauerei zu schätzen weiß .

Der Vergleich mit Terrakottafiguren, die in datierten Kontexten gefunden wurden, ist vor allem bei drapierten weiblichen Statuen wenig hilfreich, und der Stil der Inschriften auf den Sockeln der Statuen und der architektonischen Skulptur im Stil der Gebäude, die sie schmückten, ist von vagem Nutzen. In Anbetracht all dessen ist es nicht verwunderlich, dass die Experten bei der Datierung einzelner Objekte um hundert Jahre oder mehr voneinander abweichen können, und aufgrund der Art vieler hellenistischer Produktionen wäre es sogar verdächtig, wenn es jemals eine vollständige Übereinstimmung gäbe.

Für andere Formen der Bildhauerei aus der weiteren Ägäisregion siehe Die Kunst des klassischen Altertums (ca. 1000 v. Chr. - 450 n. Chr.).

Anmerkung: Zu den berühmtesten Werken der hellenistischen griechischen Bildhauerei gehörte der Koloss von Rhodos (292-280 v. Chr.), eines der Sieben Weltwunder, die von dem griechischen Dichter Antipater von Sidon zusammengestellt wurden.

Ressourcen
Für Artikel über die bildenden Künste des antiken Griechenlands, siehe: