Stammeskunst Automatische übersetzen

Dies ist ein vager Begriff ohne genaue Bedeutung oder Definition, der gewöhnlich verwendet wird, um traditionelle indigene Kunst von Stammesgesellschaften in Afrika, dem Südpazifik und Indonesien, Australien, Amerika und Indien zu beschreiben. Sie wird manchmal auch als primitive indigene Kunst bezeichnet und umfasst Kunstwerke (und Kunsthandwerk) aller ethnischen Gruppen.

Stammeskunst umfasst manchmal auch prähistorische europäische Kunst (z. B. keltische Kunst) sowie europäische Volkskunst. In diesem Artikel konzentrieren wir uns auf die bekanntesten Arten der primitiven Kunst der Ureinwohner Afrikas, Ozeaniens, Indonesiens, Australiens, Nordamerikas und Alaskas.

Leider ging die große Mehrheit dieser Stammesartefakte verloren oder wurde mit europäischen Entdeckern gehandelt, so dass sich die überlebenden Beispiele hauptsächlich auf Steinstrukturen (Skulpturen, Tempel), einige Erdwerke oder Felskunst beschränken.

Afrikanische Stammeskunst

Afrika, das von den meisten Archäologen und Anthropologen als die Heimat der Hominidae, der Spezies, zu der der moderne Mensch gehört, angesehen wird, wurde vor etwa 4 Millionen Jahren besiedelt, obwohl der anatomisch moderne Mensch erst vor etwa 100 000 Jahren auftrat. Der Kontinent ist die Heimat von etwa 3.000 ethnischen Gruppen oder Stämmen.

Prähistorische Stammeskunst

Als Wiege der Zivilisation verfügt Afrika über eine Fülle prähistorischer Kunstfunde aus Nordafrika, Subsahara-Afrika und den südlichen Teilen des Kontinents. Dazu gehören:

Das Wesen und der Kontext der afrikanischen Stammeskunst

Die afrikanische Kunst hatte eine ganz andere Funktion in einer ganz anderen Lebensweise als die europäische oder westliche Kultur. Sie war vor allem ein integraler Bestandteil einer alles durchdringenden Religion. Einzelne Bilder waren Repräsentanten, manchmal sogar Inkarnationen (wenn auch keine „Götzen“, die angebetet wurden, wie viele Europäer fälschlicherweise dachten) der Lebenskräfte, von denen man glaubte, dass sie in aller lebenden Materie existierten. Oft sprachen diese Bilder für die Geister der Toten und verewigten so die vitale Essenz der Stammeslinie und wurden mit den Geistern der Vorfahren identifiziert.

Obwohl die meisten der verwendeten Formen weltliche Aspekte haben und einige Kunstobjekte rein dekorativ und ornamental sind, wurden afrikanische Stammesartefakte im Allgemeinen als religiöse Kunst geschaffen - für einen bestimmten rituellen oder zeremoniellen Zweck. Dies gilt nicht nur für Masken und Statuetten, sondern auch für Schnitzereien, die von Musikinstrumenten, Zeptern und Zeremonialäxten bis zu Hockern, Türpfosten und Türen reichen. Auch wenn ein einzelner Handwerker oder Künstler als Mitglied der Gemeinschaft anerkannt und hoch geschätzt wurde, war die Darstellung eines hergestellten Gegenstandes als „Kunstwerk“ im musealen Sinne sehr selten. In keinem Fall ist dies offensichtlicher als im Fall einer der häufigsten Formen afrikanischer Kunst, der Maske .

In europäischen Ausstellungen werden afrikanische Masken gewöhnlich emotional und physisch unbewegt in einer Glasvitrine gezeigt, aus der Zeit gerissen, aber ihr wahrer Kontext war in Bewegung, im Tanz . Afrikanische Masken wurden in einer Vielzahl von Formen geschaffen - einige waren dazu bestimmt, nicht auf dem Kopf, sondern am Arm oder an der Hüfte getragen zu werden; viele waren als Höhepunkt eines ganzen Ordens von Dienern konzipiert, Gewändern aus Stroh, Zwirn, Rinde, Fell - vielleicht begleitet von Arrangements aus Muscheln, Elfenbein oder Metallobjekten. In all dem verklärt, fast wesenhaft, gab der maskierte Eingeborene seine eigene Persönlichkeit auf und wurde zu einem Träger übermenschlicher geistiger Kräfte. Wenn dieser Geist durch den maskierten Tänzer sprach, wurde er zu dessen Resonanzkörper und Sprachrohr.

Die Maske sollte Ehrfurcht einflößen, sowohl um den Geist als würdiges Medium für seinen vorübergehenden Aufenthalt zu befriedigen als auch um dem Publikum seine Macht zu demonstrieren. Die Formen, die die Masken in West- und Zentralafrika annahmen - obwohl sie als Formen in verschiedene stilistische Abteilungen und Unterteilungen eingeteilt werden können - stehen jedoch keineswegs in einem einheitlichen Verhältnis zu ihrer Bedeutung oder Funktion.

Sehr ähnliche spirituelle Konzepte können in verschiedenen Stammeskulturen einen sehr unterschiedlichen physischen Ausdruck gefunden haben, auch wenn die Verwendung von weißem Pigment auf einer Maske zum Beispiel gewöhnlich eine direkte Verbindung mit den Toten bezeichnete. (Andere Farben als Schwarz, Weiß und Holztöne sind nicht üblich). Eine hohe Stirn wird in der Regel mit Weisheit assoziiert, aber naturalistische, wenn auch vereinfachte Masken, die für das westliche Auge einen heiteren Klassizismus darstellen, finden sich bei einer Vielzahl von Stämmen mit einer Vielzahl von Assoziationen und Funktionen, einschließlich aggressiver. Wenn die Assoziation einer Schnitzerei mit ihrer ursprünglichen Funktion unterbrochen wird oder verloren geht, ist es sehr schwierig, den Zweck zu bestimmen, für den sie geschaffen wurde.

Die meisten afrikanischen Masken sind anthropomorph, obwohl Porträts in irgendeinem Sinne sehr selten sind; auf den Gesichtern der Masken können Einschnitte zu sehen sein, die uns daran erinnern, dass ein wichtiges Mittel der Stammeskunst die rituelle Bemalung oder Vernarbung des lebenden Körpers mit traditionellen Mustern ist. Auch Tier- und Vogelmasken (oft von Antilopen oder Buschkühen) werden gefunden; in mehreren islamisch geprägten Gebieten gibt es noch Masken, allerdings oft in bis zur Unkenntlichkeit stilisierten Formen.

Die meisten Stammesrituale beruhen auf der Einweihung in Altersgruppen - in „Gesellschaften“ von jungen Männern oder alten Männern - mit jeweils eigenen Emblemen und Kultmotiven; viele geschnitzte Figuren, wie Masken, sind mit solchen „Gesellschaften“ verbunden und symbolisieren oft Schutzgötter oder Gottheiten wie den Donnergott oder den Feuergott. Geschnitzte Figuren sind ebenso weit verbreitet und beliebt wie Masken und werden wie letztere mit Ritualen in Verbindung gebracht, obwohl einige Stämme - wie die wohlhabenden und sesshaften Baule in der Elfenbeinküste - geschnitzte Figuren fast als Luxusartikel herstellten. Der Yoruba-Stamm in Nigeria war ein geschickter Schnitzer runder Figuren und krönte seine meist massiven Masken oft mit Gruppen lebendiger Männchen, als ob ein Fest im Gange wäre. Bei den Yoruba und einigen anderen Stämmen war das Niveau und das Ansehen der afrikanischen Bildhauerei so hoch, dass die Bildhauer einen ähnlichen Status und ein ähnliches Ansehen erlangen konnten wie ein erfolgreicher Künstler im Westen.

Das Studium der afrikanischen Stammeskunst befindet sich noch in einem frühen Stadium, und das geografische Gebiet, um das es geht, ist riesig - ganz West- und Zentralafrika, mit bedeutenden Traditionen auch in Ostafrika. Außerdem ist Holz, das vorherrschende Material, anfällig für Klimaeinflüsse und Termiten oder weiße Ameisen, und die meisten der anderen verwendeten Materialien sind ebenfalls vergänglich - beispielsweise Raphia oder Baumwolle. Sowohl das Thema als auch der Kontext der traditionellen afrikanischen Kunst haben sich durch den Einfluss anderer Kulturen verändert, und zwar nicht erst in jüngster Zeit, sondern über einen langen Zeitraum hinweg - Islam und Christentum sind beispielsweise seit Hunderten von Jahren in Afrika präsent. Fazit: Wir müssen uns viel ernsthafter darum bemühen, den Reichtum und die Komplexität der afrikanischen Kunstformen zu verstehen. Selbst einige elementare Formen der Körperbemalung und Gesichtsbemalung sind noch nicht vollständig verstanden.

Pazifische Inseln: Ozeanische Stammeskunst

Ozeanien umfasst vier verschiedene Regionen oder ethnogeografische Gruppen: Polynesien, Mikronesien, Melanesien, und Australasien . Die Stammeskunst Ozeaniens bezieht sich auf das künstlerische Erbe und die Traditionen der Ureinwohner in diesen vier Regionen. Diese Ureinwohner kamen in zwei Wellen vom asiatischen Festland nach Ozeanien: Die erste Welle von Siedlern kam während des Paläolithikums in der Steinzeit nach Neuguinea und Australien (ca. 50 000-40 0000 v. Chr.) und wurde zu den Vorfahren der australischen Aborigines.

Die zweite Welle, die der Lapita-Kultur angehörte (benannt nach dem Ort in Neukaledonien, an dem ihre Skulpturen und anderen Kunstwerke zum ersten Mal entdeckt wurden), kam viel später (ca. 10.000-5.000 v. Chr.) und begann sich, sobald ihr Bootsbau hinreichend ausgereift war (frühestens 1.000 v. Chr.), über die abgelegenen Inseln des Pazifiks zu verbreiten. Diese Lapita-Kultur beeinflusste schließlich einen Großteil von Polynesien, Mikronesien und Melanesien. Ein weiterer Einfluss war die Dong-Son-Kultur in Vietnam (ca. 600 v. Chr.), ein bedeutender Händler im westlichen Pazifik, dessen Bronzeerzeugnisse in ganz Ozeanien gefunden wurden.

Gemeinsame künstlerische Aktivitäten

Obwohl jede Region, ja jede Inselgruppe, ihre eigenen künstlerischen Traditionen hatte, die ihre Kunst und ihr Kunsthandwerk beeinflussten, war ein Großteil der Stammeskunst Ozeaniens mit heidnischen Zeremonien verbunden, die das Übernatürliche, die Verehrung von Geistern, Fruchtbarkeit usw. betrafen. Wir glauben, dass eine relativ breite Palette von Künsten (einschließlich Körperbemalung, Tätowierung, Malerei, Bildhauerei, Holzschnitzerei und Textilkunst) geschaffen wurde, obwohl die meisten der von Künstlern und Handwerkern verwendeten Materialien vergänglich waren. Daher sind, abgesehen von Steinbauten und Skulpturen, nur sehr wenige Beispiele erhalten geblieben. Viele der erhaltenen Exemplare wurden später gegen Schmuckstücke von europäischen Entdeckern eingetauscht.

Polynesien

Polynesien umfasst eine Reihe von Inselgruppen, die über den mittleren und östlichen Pazifik verstreut sind. Dazu gehören unter anderem Samoa, die Cook-Inseln, Französisch-Polynesien (Tahiti und andere), Tonga, Hawaii, Pitcairn Island und die Osterinsel . Die polynesische Stammeskunst war Teil einer religiösen und magischen Kultur, die glaubte, dass alle Dinge mit Mana oder heiliger, übernatürlicher Kraft ausgestattet waren - nicht nur Menschen, sondern auch Gebäude, Felsen, Kanus, fast alles. Berühmte überlebende Beispiele polynesischer Kunst sind die Steintempel der Gesellschaftsinseln, der Osterinsel und der Marquesas-Inseln, die heute alle in Ruinen liegen, obwohl ihre Proportionen, die Verwendung von Steinformen, Farben, Texturen usw. monumentale Steinskulpturen ) moai) auf Rapa Nui/Osterinsel und den Marquesas-Inseln, die beispielhaft für die Verwendung von Mustern sind, darunter anthropomorphe Figuren mit hervorquellenden Augen und hervorstehenden Zungen, die für viele östliche und abgelegene Gebiete Polynesiens charakteristisch sind; stark verzierte Rindenmäntel in Westpolynesien.

Melanesien

Melanesien umfasst Inseln im Südwestpazifik, darunter Papua-Neuguinea, Admiralitätsinseln, Bismarck-Archipel, Salomonen, Vanuatu (früher Neue Hebriden), Fidschi und andere. Die Stammeskunst der Melanesier ist sehr vielfältig und umfasst oft übertriebene Formen, die im Zusammenhang mit Ahnenkult, Jagd und Kannibalismus entstanden sind. Im Hochland von Neuguinea waren Gesichtsbemalung und Körperkunst sehr wichtig, ebenso wie Perücken und Kopfbedeckungen. Die Tieflandgebiete waren bekannt für Malerei und Holzschnitzerei von Sepik-Völkern wie Abelam und Iatmul. Darüber hinaus sind die geschwungene Kunst des Massim-Stammes, die durch ihre Tafeln und Tanzschilde veranschaulicht wird, und die zeremoniellen Schnitzereien der Malanggan in Neuirland sehr bekannt. Masken, die in aufwendigen heidnischen Zeremonien und kultischen Prozessen verwendet wurden, waren ein Hauptbestandteil der indigenen Kunst in der gesamten Region. Neben diesen formalen Kunsthandwerken gab es in vielen Stammeskulturen (z. B. auf den Salomonen und den Admiralitätsinseln) eine Tradition der Verzierung einer breiten Palette von Alltagsgegenständen.

Mikronesien

Nördlich von Melanesien liegt Mikronesien. Zu dieser Region gehören die Marshall-Inseln und etwa 600 Karolinen-Inseln, die sich in vier Staaten gruppieren: Yap, Chuuk, Pohnpei und Kosrae . Leider hat nur wenig mikronesische Stammeskunst bis zum heutigen Tag überlebt. Zu den bekanntesten Beispielen gehören gemalte Basrelief-Szenen auf den Balken und Giebeln der Häuser der Männer auf Palau. Darüber hinaus wurden stilisierte Holzmasken und menschliche Figuren auf den Mortlock-Inseln südöstlich von Truk gefunden. Andere Artefakte mikronesischer Stämme umfassen bemalte Kanus und geschnitzte Holzschalen, während Körperbemalung und Tätowierung ebenfalls weit verbreitet waren.

Australien und Ozeanien

Dazu gehören der Kontinent Australien, Neuseeland und die davon abhängigen Inseln. Mehr über die Kunst der australischen Stämme finden Sie weiter unten unter „Kunst der australischen Ureinwohner“.

Für mehr über den Kunsthandwerksstil der pazifischen Inseln Ozeaniens siehe Ozeanische Kunst .

Indonesische Stammeskunst

Indonesien liegt zwischen den Philippinen im Norden und Australien im Süden und besteht aus fast 14.000 Inseln, die sich von Sumatra im Westen bis Neuguinea im Osten erstrecken, Dazu gehören Java, Bali, Kalimantan (Zentral-, Ost- und Süd-Borneo), Sulawesi, Maluku und Irian Jaya (West-Neuguinea). Da das Land an wichtigen Handelsrouten zwischen dem Pazifischen und dem Indischen Ozean liegt, spiegeln seine Kunstformen eine vielfältige Mischung von Kulturen und Religionen wider, darunter Buddhismus, Konfuzianismus, Hinduismus, und Islam .

Die menschliche Besiedlung der Region reicht bis in prähistorische Zeiten zurück, aber es gibt nur wenige erhaltene Kunstwerke. Die indonesische paläolithische Kunst wird vielleicht am besten durch die Felskunst in den Karawari-Höhlen in Papua-Neuguinea (18.000 v. Chr.) veranschaulicht, während die besten Beispiele für mesolithische Kunst in Indonesien die bemalten Handschablonen sind, die in den Höhlen von Kalimantan (ca. 8.000 v. Chr.) in den Höhlen von Kalimantan (ca. 8 000 v. Chr.) in Sangkk (Sangkk. v. Chr.) in der Region Sangkulirang und in der Höhle Gua Ham Masri II (ca. 8 000 v. Chr.) in Ost-Borneo.

Der Einfluss der chinesischen Kunst (aus der späteren Zhou-Dynastie und anderen) war von Anfang an spürbar, ebenso wie der Einfluss der Dong-Son-Bronze-Zivilisation, die in den ersten Jahrhunderten v. Chr. in Vietnam blühte. Indische Händler waren in der Region außerordentlich aktiv, aber es ist unmöglich, ein genaues Datum zu nennen, an dem die indische Kultur begann, einen bedeutenden Einfluss auszuüben. Die drei großen Religionen, die heute in Indonesien praktiziert werden - der Buddhismus, der Hinduismus und der Islam - kamen jedenfalls aus dem Westen.

Wie in Ozeanien wurde die meiste indonesische Stammeskunst, mit Ausnahme der buddhistischen und hinduistischen Tempel, aus Holz geschnitzt oder aus Textilien hergestellt und ist seit langem verschwunden. Zu den bekanntesten erhaltenen Beispielen gehören eine Gruppe alter Megalithen und verschiedene Beispiele von Bronzearbeiten nach dem Vorbild von Dong Son. Zu letzteren gehören verzierte heilige Streitäxte und große Kesseltrommeln (z. B. Mond von Bali). Diese Trommeln wurden in einem aufwändigen Wachsausschmelzverfahren gegossen und zeigen Flachreliefs mit Köpfen von Figuren, die an zeremoniellen Handlungen beteiligt sind, oder manchmal auch rein abstrakte Ornamente. Einige von ihnen werden mit Zeremonien zur Beschwörung von Regen in Verbindung gebracht. Siehe auch: Megalithische Kunst . Eine weitere wichtige Art des traditionellen Stammeshandwerks, das in ganz Indonesien praktiziert wird, ist das Textildesign, das seit langem als eine der vielfältigsten und einzigartigsten künstlerischen Ausdrucksformen der Region gilt. Dazu gehören Batik, die hauptsächlich auf Java praktiziert wird, und Weben (insbesondere Ikat und Doppel-Ikat).

Berühmte indonesische Architektur, hauptsächlich im indo-javanischen Stil (3.-16. Jahrhundert), umfasst den Mendut-Tempel, den buddhistischen Tempel von Sewu (9. Jahrhundert), den prächtigen Siva-Tempel von Prambanan (9. Jahrhundert), die heiligen Bäder von Jalatunda (Ende des 10. Jahrhunderts) und Belahan (Mitte des 11. Jahrhunderts), den runden Hindu-Tempel von Jabung (10. Jahrhundert) und natürlich den Borobodur-Komplex (siehe unten).

Arten und Merkmale

Die indonesische Stammeskunst wird in zwei Haupttypen eingeteilt: „ monumentale“ und „ dekorative und phantasievolle“. Beispiele für erstere sind die Megalithen von Sumatra und Nias (einer kleinen Nachbarinsel) sowie zahlreiche Objekte, die in ganz Indonesien im Zusammenhang mit Ritualen und Opfern für die Ahnen geschaffen wurden. Die dekorative und skurrile Methode zeigt sich bis zu einem gewissen Grad in Bronzeskulpturen, vor allem aber in der Dekoration der Häuser der Region, in Textilien und bemalten Schnitzereien.

Ein wichtiges gemeinsames Merkmal aller Stammeskunst in Indonesien ist die Ahnenverehrung, die in verschiedenen Formen zum Ausdruck kommt. Der Stamm der Nias errichtet seine Megalithen zu Ehren verstorbener Häuptlinge, und das Volk der Toraja auf Sulawesi baut Terrassen auf Klippen mit Galerien stehender hölzerner Abbilder der Toten, die auf die Reisfelder blicken. In Maluku und an der nordwestlichen Spitze von Irian gibt es viele aus Holz geschnitzte stehende oder hockende Figuren, die die Geister der Ahnen darstellen. In einigen Teilen der Region umfasst die hölzerne Ahnenfigur den tatsächlichen Schädel einer verstorbenen Person, nicht nur einen geschnitzten Kopf, und der Schädelkult - kein Relikt des Kannibalismus, sondern eine Erweiterung der Ahnenverehrung - ist weit verbreitet. Schädel werden an vielen Orten gesammelt, geschätzt und aufbewahrt: manchmal (z. B. bei den Batak auf Sumatra) auf den Dächern der Häuser, manchmal (z. B. bei den Dayak in Kalimantan) in Dorfschreinen.

Borobudur in Java

Die Stätte von Borobudur in Zentraljava ist eines der außergewöhnlichsten Steinmonumente, die je geschaffen wurden. Es handelt sich um ein riesiges Bauwerk mit über 500 Statuen eines sitzenden Buddhas, das jedoch weder als Grabmal noch als Palast oder gar als orthodoxer Tempel erscheint, sondern als tiefgründiger und komplexer Ausdruck der buddhistischen Ideologie durch Architektur und Skulptur. Es muss ein Heer von Handwerkern und einen genialen Konstrukteur erfordert haben, um es zu bauen, aber es gibt keine Aufzeichnungen darüber, wer es gebaut hat oder warum, obwohl allgemein angenommen wird, dass es im späten 8. oder frühen 9. Jahrhundert n. Chr. während der Herrschaft der javanischen Shailendra Dynastie (778-864) errichtet wurde.

Das Erstaunlichste am Borobudur ist, dass er den Höhepunkt einer künstlerischen Tradition darstellt, die nur sehr kurzlebig gewesen zu sein scheint. Westjava wurde vielleicht im ersten Jahrhundert n. Chr. von indischen Händlern besiedelt, und buddhistische Klöster gab es dort mit Sicherheit schon im vierten Jahrhundert, aber es gibt keine Belege für bedeutende Steinarbeiten - weder in der Architektur noch in der Bildhauerei - für weitere drei Jahrhunderte. Die erste bekannte javanische Steinskulptur, die hinduistisch ist, stammt aus dem frühen 8.

Birma, Myanmar

Birma, ein gebirgiges Dschungelland, das den indischen und den indochinesischen Subkontinent miteinander verbindet, wurde ursprünglich (ca. 500 v. Chr.) von dem tibeto-burmanischen Volk Pyu besiedelt und dann - zwei Jahrhunderte später - von einer austro-asiatischen Rasse, den Mon . In der Regel handelt es sich bei den meisten erhaltenen Beispielen birmanischer Stammeskunst um Monumentalskulpturen, von denen viele buddhistisch sind. Etwa ab dem siebten Jahrhundert v. Chr. war das Land faktisch zwischen den beiden oben erwähnten Stämmen, den südlichen Mon und den nördlichen Pyu, die den Buddhismus praktizierten, aufgeteilt. Nach dem Fall der Pyu-Hauptstadt im Jahr 832 drangen die Burmesen in den Norden ein und brachten den Kult der Nats mit, eine Mischung aus Geistern und Wesen, darunter Naturgeister, Ahnen und Gespenster. Dieser Kult verschmolz zusammen mit dem Buddhismus seiner Vorgänger zu einer hybriden Religion, die noch heute in Birma präsent ist.

Die künstlerische Tradition der Malerei und Bildhauerei wurde in der Mon- und Pyu-Zeit begründet, und König Anawratha, der im 11. Jahrhundert in Pagan die Hauptstadt des Vereinigten Burma-Territoriums gründete, beschäftigte zahlreiche Mon-Künstler. Es entstanden Paläste, Tempel und Schreine, die sich über mehrere Dutzend Hektar erstreckten und reich mit Malereien und bemalten Terrakotta-Skulpturen verziert waren, von denen heute noch einige in Pagan erhalten sind, da die Stadt 1286 von den Mongolen geplündert und praktisch aufgegeben wurde. Abgesehen von den Ruinen in Pagan und anderswo besteht das Erbe der birmanischen Stammeskunst aus einigen kleinen mittelalterlichen Bronzen von hoher Qualität und einer großen Anzahl von Schnitzereien unbestimmten Alters: der Stil hat sich kaum verändert. Die Figuren sind in der Regel vereinfacht und verallgemeinert und stellen Legenden, meist buddhistische, in eleganten Posen dar, die an „Tanz“ erinnern; die höchste Qualität der birmanischen Kunst liegt in ihrer luftigen Spiritualität und ihrem inspirierten dekorativen Porzellan.

Die Stammeskunst der Aborigines Australasiens

Die Vorfahren der Aborigines und anderer indigener Völker Australasiens gehörten zu der gleichen Siedlerwelle, die während des Pleistozäns in der Altsteinzeit (ca. 50.000-40.0000 v. Chr.) vom asiatischen Festland nach Ozeanien kam. Obwohl es nur wenige Details über ihre Kultur gibt, haben sie nach jüngsten archäologischen Forschungen auf dem australischen Festland fast sofort begonnen, Stammeskunstformen zu praktizieren.

Die Kunst der australischen Aborigines umfasst ein breites Spektrum an Arten und Medien, darunter Körperbemalung, Felsmalerei, Rindenmalerei, Felsgravuren, stehende Steine, Schnitzereien und Skulpturen sowie dekorative Verzierungen an Werkzeugen und Waffen.

Körperbemalung
Ein Beispiel für diese primitive Kunstform ist das Yolngu-Volk im Arnhem Land, das seinen Körper in Vorbereitung auf zeremonielle Veranstaltungen und Tänze mit komplizierten und aufwendigen Mustern aus feinen Schattierungen und gepunkteten Linien bedeckt.

Schalen und Handabdrücke
Diese Formen waren typischerweise die ersten Formen prähistorischer Kunst. Zum Beispiel Kimberley Rock Art, wo Felskunst und Handschablonen zu den frühesten parietalen Kunstformen in der Region gehörten.

Felskunst
Die am weitesten verbreitete Form der Stammeskunst der Aborigines war die Felskunst, von der es überall in Australien Beispiele gibt. Sie umfasst Arten wie: Röntgenbilder von Tieren und Menschen (siehe z. B. Ubirr-Felsmalereien in Arnhem Land, Northern Territory), bei denen die Skelette von Objekten umrissen wurden; Punktmalereien, bei denen mit Punkten komplizierte Muster geschaffen wurden; und Schablonenmalereien, wie Hand- oder Handflächenabdrücke. Es wurden viele andere Arten von Felszeichnungen entdeckt, darunter die charakteristischen Bradshaw-Zeichnungen im Kimberley-Gebiet in Westaustralien.

Rindenmalerei
Bei dieser Form der Stammesmalerei malt der Künstler seine einzigartigen Muster auf Stücke abgeflachter Baumrinde. Sie wurde später zu einer beliebten und hoch geschätzten Form der zeitgenössischen Aborigine-Kunst.

Felsmalereien und -gravuren
In Australien gibt es viele Beispiele für Felszeichnungen, wie z. B. in den Terrey Hills in New South Wales, auf der Murujuba-Halbinsel und im Dampier-Archipel in Westaustralien, wo Zeichnungen von ausgestorbenen Steinzeittieren wie dem Thylacine zu sehen sind, und die Panaramiti-Gravuren in Zentralaustralien. Weitere Informationen über alte Felszeichnungen in Australien finden Sie unter Felsmalereien auf der Burrup-Halbinsel (ca. 30.000 v. Chr.).

Stehende Steine
Steinkompositionen, eine weitere Form der australasiatischen Stammeskunst, umfassen große und kleine Steinkreise, nicht unähnlich Stonehenge in England, die in Verbindung mit zeremoniellen oder rituellen Ereignissen angeordnet sind.

Stammeskunst der amerikanischen Ureinwohner

Die Vorfahren der amerikanischen Indianer überquerten während der pleistozänen Steinzeit die Beringstraße von Asien aus. Der amerikanische Kontinent und Australasien waren die letzten beiden großen Landmassen, die vom prähistorischen Menschen besiedelt wurden. Um 9.000 v. Chr. begann sich eine eindeutige Kultur der amerikanischen Ureinwohner herauszubilden, die sich in die paläoindianische Büffeljägerkultur des Westens und der Great Plains und die ärmere Wüstenkultur der Stämme im westlichen Basin-Range-Gebiet aufteilte. Die Kunst der indianischen Ureinwohner wurde weitgehend durch die nomadische Jäger- und Sammlerkultur der ersteren und den etwas statischeren, aber ärmeren Lebensraum der letzteren geprägt. Die Verfügbarkeit von Ressourcen - Holz, Weide, Metall, Tierknochen, Ton, Baumwolle usw. - war ebenfalls entscheidend für die Entwicklung regionaler künstlerischer Traditionen.

Siehe auch: Präkolumbische Kunst (vor 1535 n. Chr.).

Südwesten der Vereinigten Staaten

In der südwestlichen Region, zu der Stämme wie die Hohokam im südlichen Arizona, die Ansazi im nördlichen Arizona und New Mexico, die Mimbres im südwestlichen New Mexico und die Zuni, Navajo und Hopi gehörten, gab es Beispiele für traditionelle Architektur, darunter die erstaunlichen mehrstöckigen Bauten im Pueblo Bonito in New Mexico. Die Stämme waren auch Meister der Weberei, Töpferei (in der Regel lineare oder geometrische Muster) und Wandmalerei . Darüber hinaus waren viele der großen traditionellen unterirdischen religiösen Kammern (Kivas) mit brillanten Fresken geschmückt. Es gab keine nennenswerte Monumentalskulptur, aber einige Stämme spezialisierten sich auf bestimmte Künste: Die Hopi und Zuni stellten geschnitzte und bemalte Puppen aus Pappmaschee her, während die Zuni und Navajo Silberschmuck mit Türkiseinlagen bevorzugten und die Hopi kunstvolle Trachtenstoffe herstellten .

Navajo-Sandmalerei

Die Sandmalerei (auch als Trockenmalerei bekannt) wurde von den amerikanischen Ureinwohnern des Südwestens (insbesondere den Navajo) entwickelt. Es handelt sich im Wesentlichen um eine traditionelle Heilungszeremonie, „deren Künstler“ ein Medizinmann ist, der „malt“, indem er Sand in verschiedenen Farben auf eine Leder- oder Stoffplane streut. Die Farbe“ besteht aus natürlich gefärbtem Sand, der mit weißem Gips, gelbem Ocker, rotem Sandstein, schwarzer Holzkohle, mit Gips vermischter Holzkohle, um Blau zu erzeugen, und anderen Farbstoffen wie Maismehl, Blütenpollen, Wurzel- oder Rindenpulver vermischt wird. Nachdem der Kräuterkundige „das Malen“ beendet hat, setzt sich der Patient auf das fertige Werk, woraufhin der Kräuterkundige die Krankheit anregt, in den Sand zu gehen. Am Ende der Zeremonie wird der giftige Sand weggeworfen. Für weitere Einzelheiten siehe Sandkunst .

Mittlerer Westen und Region der Großen Seen

Die traditionelle indianische Kultur dieser Region entwickelte sich streng nach Stämmen und war durch reiche Textilkunst, sowie berühmte Erdarbeiten, bekannt als „Bildhügel“, gekennzeichnet, die Tierformen darstellten. Die Stammeskunst umfasste auch gemeißelte Steinpfeifen, polierten Stein- und Kupferschmuck, aber wenig Holzschnitzerei mit Ausnahme von geschnitzten Schalen. Die Kunstwerke reichten von ultra-realistisch bis abstrakt.

Südöstliche Region

In prähistorischer Zeit war die interessanteste Region für die Kunst der amerikanischen Ureinwohner die südliche und südöstliche Region. Hier wurden fein geschnitzte Muscheln, kunstvoll verzierte Kleidung , Ornamente und Vogel- und Tierpfeifen hergestellt. Am berühmtesten war sie jedoch für ihre bemerkenswerten Töpferwaren, die trotz der minderwertigen Qualität des Tons hergestellt wurden. Keramiken (Wasserflaschen, große Grabkrüge, Schalen, Urnen und viele andere Gegenstände) wurden für zeremonielle, religiöse und persönliche Zwecke hergestellt und mit einer Vielzahl von Mustern, einschließlich floraler und geometrischer Motive, verziert. Ein berühmtes Meisterwerk der Stammeskeramik aus dem Südosten ist eine Diorit-Steinschale aus dem mittleren Mississippi in Form einer Schopfholzente.

Westküste

In Kalifornien, der Heimat der Cherokee-, Pomo, Hupa-, Yurok- und Karok-Stämme, war das Vorbild der indianischen Kunst die Korbflechterei . Kein anderes Volk auf der Welt produzierte eine so große Vielfalt an ausgezeichneten Flechtwerken. Die Flechtwerke waren so dicht, dass sie zu wasserdichten Behältern wurden. Andere Stämme in der Region, wie die Chumash, Coso, Mono-Paviosto und Washo, waren ebenso geschickt.

Nordosten

Die Indianer des Nordostens, insbesondere die Irokesen, waren berühmt für ihre Falschgesichts-Gesellschaftsmasken, Stachelschwein-Quillwork, Perlenarbeiten, Holzschalen und gewebte Wampum-Gürtel . Auch Töpferei, Weberei und Korbflechterei wurden praktiziert, allerdings waren beide nicht von besonders hoher Qualität.

Nordwesten

Die große Stammeskunst des Nordwestens war die Bildhauerei, insbesondere die Holzschnitzerei . Die in den großen amerikanischen Zedern- und Fichtenwäldern lebenden amerikanischen Ureinwohner stellten die größte Auswahl an Holzarbeiten aller Indianerstämme her. Totems, kleine Holzfiguren und Masken, die sorgfältig bemalt und oft mit Abalonensteinen und Muscheln eingelegt waren, gehörten zu den häufigsten Formen handgeschnitzter Skulpturen.

Insbesondere der Totempfahl war ein Beispiel für die lokale Kultur. Er war kein religiöses Objekt und diente nie der Anbetung. Stattdessen waren Totempfähle eine Art „historisches Dokument“, das die soziale Stellung, den Reichtum und die relative Bedeutung der Person festhielt, die für den Pfahl bezahlte - in der Regel ein Dorfoberhaupt oder ein Adliger. Die Indianer des Nordwestens waren auch die ersten amerikanischen Ureinwohner, die die Metallverarbeitung beherrschten. Eisen und Kupfer (das zum Teil von Walfangschiffen abgebaut wurde) wurden von Handwerkern zur Herstellung von Kampfmessern, Masken und Werkzeugen verwendet.

Nationalmuseum der amerikanischen Indianer

Das National Museum of the American Indian der Smithsonian Institution, das der Geschichte, Kultur und Kunst der indigenen Völker der westlichen Hemisphäre gewidmet ist, wurde im September 2004 in der National Mall in Washington, D.C., eröffnet. Es beherbergt die Sammlung des ehemaligen Heye Foundation Museum of the American Indian mit über 800.000 Objekten sowie ein Fotoarchiv mit 125.000 Bildern.

Institut für indianische Kunst

Das Institute of American Indian Arts in Santa Fe, New Mexico, ist eine Hochschule und Galerie, die sich der Kunst der indianischen Stämme widmet. Es wurde 1962 gegründet und bietet eine Reihe von Studiengängen in den Bereichen kreatives Schreiben, visuelle Kommunikation, Studiokunst und Museumsstudien an.

Alaska

Alaska-Stammeskunst - oder Inuit-Kunst - beschreibt Kunstwerke, die von den Inuit in der Arktis, früher Eskimos genannt, geschaffen wurden. Man könnte meinen, dass das Schaffen von Kunstwerken in einer so rauen Umgebung mit so wenig Rohstoffen ein sinnloser Luxus wäre. Aber das war es nicht. Die Inuit schufen einige der einfallsreichsten und außergewöhnlichsten Werke der indianischen Kunst in Amerika. Inuit-Schnitzer verwendeten Walross-/Wal-Elfenbein/Knochen oder Geweih, die sie mit Holzkohle färbten, um komplizierte Formen zu schaffen, und Holz, um ihre berühmten Masken, Masken und Amulette herzustellen, die für Tänze und Zeremonien verwendet wurden. Diese Formen stammen aus der Dorset-Kultur, die um 600 v. Chr. entstand. Um 1000 v. Chr. wurde sie von der Thule-Kultur abgelöst, in der Gegenstände wie Kochtöpfe, verzierte Speere und Harpunen sowie Kleidungsschmuck, Kämme, Knöpfe und Nadeltaschen populär wurden. Wie die Wikingerkunst spiegelte auch die Eskimokunst die Bedürfnisse einer Nomadenkultur wider. Alle Kunstwerke waren streng figurativ und wurden oft in Miniaturformat geschaffen.

Einfluss auf die westliche Kunst

Ab Mitte des 19. Jahrhunderts begannen sich europäische Sammler und Künstler für das zu interessieren, was man damals Primitivismus (primitive Kunst) nannte - in der Regel schwarzafrikanische Kunst -, da immer mehr Expeditionen mit Artefakten von Stämmen zurückkehrten. Dieses Interesse wurde ab etwa 1855 auch durch die Mode des Japonismus angefacht. Gegen Ende des Jahrhunderts waren bedeutende Künstler wie Vincent Van Gogh (1853-1890) und Henri Matisse (1869-1954) stark von der Stammeskunst beeinflusst, während Paul Gauguin (1848-1903) sie vor Ort in Französisch-Polynesien kennen lernte. Ihnen folgte Mitte des 19. Jahrhunderts Pablo Picasso, dessen bahnbrechendes frühes kubistisches Werk „Avignon Demoiselles“, das während seiner Neger-Ära gemalt wurde, deutliche Anzeichen von afrikanischen Masken aufweist, ebenso wie der Kunsthändler Paul Guillaume . Seitdem haben afrikanische und ozeanische Einflüsse die gesamte westliche bildende Kunst durchdrungen, insbesondere die Malerei, die plastischen Künste (z. B. Bildhauerei und Keramik) und viele handwerkliche Disziplinen.

Anmerkung: Für die Entwicklung der Prähistorischen Kunst, einschließlich chronologischer Daten und Ereignisse, siehe: Chronologie der Prähistorischen Kunst . Für einen Leitfaden zu späteren Werken der Stammeskunst siehe: Chronologie der Kunstgeschichte .