Stammeskunst Automatische übersetzen
Hinweis: Für die Entwicklung von Prähistorische Kunst einschließlich chronologischer Daten und Ereignisse, siehe: Prähistorische Kunst Timeline . Eine Anleitung zu späteren Werken der Stammeskunst finden Sie unter: Zeitleiste der Kunstgeschichte .
Definition: Was ist Tribal Art?
Dies ist ein vager Begriff ohne genaue Bedeutung oder Definition, der im Allgemeinen zur Beschreibung der traditionellen Kunst einheimischer Ureinwohner aus Stammesgesellschaften in Afrika, dem Südpazifik und Indonesien, Australien, Amerika und Indien verwendet wird. Es wird manchmal Primitive Native Art genannt und umfasst Kunstwerke (und Kunsthandwerk) aus allen ethnischen Gruppen.
Die Stammeskunst wird manchmal erweitert, um prähistorische europäische Kunst (z. B. keltische Kunst) sowie europäische Volkskunst einzubeziehen. In diesem Artikel konzentrieren wir uns auf die bekanntesten Arten primitiver einheimischer Kunst aus Afrika, Ozeanien, Indonesien, Australien, Nordamerika und Alaska.
Leider ist die überwiegende Mehrheit dieser Stammesgegenstände untergegangen oder wurde mit europäischen Entdeckern eingetauscht. Überlebende Beispiele beschränken sich daher hauptsächlich auf Steinmetzarbeiten (Skulpturen, Tempel), einige Erdarbeiten oder Rock Kunst .
Afrikanische Stammeskunst
Afrika, das heute von den meisten Archäologen und Anthropologen als Geburtsort der Hominidae angesehen wird, der Spezies, zu der moderne Menschen gehören, ist seit ungefähr 4 Millionen Jahren bewohnt, obwohl anatomisch moderne Menschen vor etwa 100.000 Jahren zum ersten Mal aufgetaucht sind. Auf dem Kontinent leben rund 3.000 ethnische Gruppen oder Stämme.
Prähistorische Stammeskunst
Als die Wiege von Zivilisation In Afrika gibt es eine Vielzahl prähistorischer Kunstfunde, die in Nordafrika, Subsahara-Afrika und im Süden des Kontinents gefunden wurden. Diese schließen ein:
Natur und Kontext der afrikanischen Stammeskunst
Afrikanische Kunst hatte eine ganz andere Funktion in einer ganz anderen Lebensweise, als die der europäischen oder westlichen Kultur. Zunächst war es ein wesentlicher Bestandteil einer alles durchdringenden Religion. Einzelbilder waren Repräsentanten, manchmal sogar Verkörperungen (wenn auch keine "Idole", wie viele Europäer fälschlicherweise dachten) der lebenswichtigen Kräfte, von denen angenommen wurde, dass sie in allen Lebewesen existieren. Oftmals sprachen diese Bilder für die Geister der Toten, verewigten so das vitale Wesen der Stammesvorfahren und identifizierten sich mit den Geistern der Ahnen.
Obwohl die meisten verwendeten Formen weltliche Aspekte aufweisen und einige künstlerische Objekte rein dekorativ und dekorativ sind, wurden afrikanische Stammesartefakte im Allgemeinen als geschaffen religiöse Kunst – für einen bestimmten rituellen oder zeremoniellen Gebrauch. Dies gilt nicht nur für Masken und Figuren, sondern auch für geschnitzte Gegenstände, die von Musikinstrumenten über Zepter und Zeremonienäxte bis hin zu Hockern, Türpfosten und Türen reichen. Obwohl der einzelne Handwerker oder Künstler als Mitglied der Gemeinschaft anerkannt und hoch angesehen werden konnte, war die Vorstellung, dass das Objekt im Sinne eines Museums ein "Kunstwerk" ist, sehr selten. Dies ist in keinem Fall klarer als in einer der am weitesten verbreiteten afrikanischen Kunstformen – der Maske .
In europäischen Ausstellungen werden afrikanische Masken in der Regel emotional und physisch still in einer Glasvitrine gezeigt, die aus der Zeit genommen wurde, aber ihr wahrer Kontext war in Bewegung, im Tanz . Afrikanische Masken wurden in vielen verschiedenen Formen hergestellt – einige wurden entworfen, um nicht am Kopf, sondern am Arm oder an der Hüfte getragen zu werden; Viele wurden als Scheitelpunkt einer ganzen Begleiterscheinung entworfen, eines Gewandes aus Stroh, Schnur, Rindenstoff, Pelzen – vielleicht begleitet von einer Anordnung aus Muscheln, Elfenbein oder Metallgegenständen. Der maskierte Eingeborene, der in all diesen Dingen verklärt, beinahe begründet war, gab seine eigene Persönlichkeit auf und wurde zum Vehikel übermenschlicher spiritueller Kraft. Als dieser Geist durch den maskierten Tänzer sprach, wurde er sein Resonanzboden und Sprachrohr.
Die Maske musste beeindruckend sein, um den Geist als würdiges Medium für seine vorübergehende Behausung zu befriedigen und den Zuschauern seine Autorität zu demonstrieren. Die Formen, die Masken in West- und Zentralafrika eingenommen haben – obwohl sie als Formen in verschiedene Stilabteilungen und -unterteilungen eingeteilt werden können -, hängen jedoch in keiner Weise konsequent mit ihrer Bedeutung oder Funktion zusammen. Sehr ähnliche spirituelle Konzepte könnten in verschiedenen Stammeskulturen einen sehr unterschiedlichen physischen Ausdruck finden, selbst wenn die Verwendung von weißem Pigment auf einer Maske zum Beispiel normalerweise eine direkte Verbindung zu den Toten bedeutet. (Anmerkung: Andere Farben als Schwarz, Weiß und der Farbton des Holzes sind nicht üblich.) Eine hohe Stirn scheint im Allgemeinen mit Weisheit verbunden zu sein, aber naturalistische, wenn auch vereinfachte Masken, die für westliche Augen einen ruhigen Klassizismus suggerieren, finden sich unter a große Auswahl an Stämmen mit sehr unterschiedlichen Assoziationen und Funktionen, einschließlich aggressiver. Sobald die Verbindung einer Schnitzerei mit ihrer ursprünglichen Funktion unterbrochen oder unterbrochen ist, ist es sehr schwierig, den Zweck zu bestimmen, für den sie erstellt wurde. Die meisten afrikanischen Masken sind anthropomorph, obwohl Porträts in jeder Hinsicht sehr selten sind. Die Gesichter der Masken können Einschnitte aufweisen, die uns daran erinnern, dass ein wichtiges Medium der Stammeskunst das rituelle Malen oder Vernarben des lebenden Körpers mit traditionellen Mustern ist. Es kommen auch Tier- und Vogelmasken vor (oft Antilopen oder Buschkühe); Masken existieren immer noch in verschiedenen Bereichen unter islamischem Einfluss, aber oft in Formen, die fast bis zur Unkenntlichkeit stilisiert sind.
Ein Großteil des Stammesrituals basiert auf der Einweihung in Altersgruppen – in die "Gesellschaften" der jungen oder alten Männer – von denen jede ihre eigenen Embleme und Kultmotive besitzt; Viele geschnitzte Figuren sowie Masken sind mit solchen "Gesellschaften" verbunden und symbolisieren oft Schutzgötter oder Gottheiten wie den Gott des Donners oder den Gott des Feuers. Geschnitzte Figuren sind so weit verbreitet und beliebt wie Masken und beziehen sich wie letztere auf Rituale, obwohl einige Stämme – wie die wohlhabende und besiedelte Baule an der Elfenbeinküste – Schnitzereien fast als Luxusgüter herstellten. Der Yoruba-Stamm in Nigeria war ein geschickter Figurenschnitzer und krönte seine normalerweise massiven Masken oft mit Gruppen hoch animierter Männchen, als ob eine Party im Gange wäre. Auch unter den Yoruba und einigen anderen Stämmen war dies der Standard und das Prestige von Afrikanische Skulptur dass Bildhauer einen Status und ein Prestige erreichen könnten, das dem eines erfolgreichen Künstlers im Westen ähnlich ist.
Das Studium der afrikanischen Stammeskunst befindet sich noch in einem frühen Stadium, und das geografische Gebiet ist enorm – ganz West- und Zentralafrika mit bedeutenden Traditionen auch in Ostafrika. Darüber hinaus ist Holz, das vorherrschende Medium, anfällig für das Klima und für Termiten oder weiße Ameisen, und die meisten anderen verwendeten Materialien sind auch verderblich – beispielsweise Bast oder Baumwolle. Sowohl das Thema als auch der Kontext traditioneller afrikanischer Künste wurden durch die Einflüsse anderer Kulturen nicht nur in jüngster Zeit, sondern über einen langen Zeitraum hinweg verändert. So sind beispielsweise der Islam und das Christentum in Afrika seit Hunderten von Jahren präsent. Fazit: Wir müssen uns viel mehr anstrengen, um den Reichtum und die Komplexität afrikanischer Kunstformen zu verstehen. Sogar einige elementare Formen von Körperbemalung und gesichtsmalerei sind noch nicht vollständig verstanden.
Pazifikinseln: Ozeanische Stammeskunst
Ozeanien umfasst vier separate Regionen oder ethnogeografische Gruppierungen: Polynesien , Mikronesien , Melanesien und Australasien . Die Stammeskunst Ozeaniens bedeutet das künstlerische Erbe und die Traditionen der Ureinwohner dieser vier Regionen. Diese Eingeborenen kamen in zwei Wellen vom asiatischen Festland nach Ozeanien: Die erste Welle von Siedlern kam in der Steinzeit um 50.000 bis 40.000 v. Chr. Nach Neuguinea und Australien und wurde zu den Vorfahren der australischen Aborigines. Die zweite Welle, die zur Lapita-Kultur gehörte (benannt nach dem Ort in Neukaledonien, an dem Skulpturen und andere Kunstwerke zum ersten Mal entdeckt wurden), kam viel später (ca. 10.000-5.000 v. Chr.) Und sobald der Bootsbau hoch genug war (erst ab 1000 v. Chr.) breitete sich auf den abgelegenen Inseln des Pazifikraums aus. Es war diese Lapita-Kultur, die schließlich den größten Teil von Polynesien, Mikronesien und Melanesien beeinflusste. Ein weiterer Einfluss war die Dong-Son-Kultur Vietnams (ab ca. 600), ein bedeutender Händler im westpazifischen Raum, dessen Bronzearbeiten in ganz Ozeanien gefunden wurden.
Gemeinsame künstlerische Aktivitäten
Obwohl jede Region, in der Tat jede Inselgruppe, ihre eigenen künstlerischen Traditionen hatte, die ihr Kunsthandwerk beeinflussten, war ein Großteil der ozeanischen Stammeskunst mit heidnischen Zeremonien verbunden, die das Übernatürliche, die Verehrung des Geistes, die Fruchtbarkeit usw. beinhalteten. Wir glauben, dass ein relativ breites Spektrum an Kunst geschaffen wurde (einschließlich Körperbemalung , Tätowieren , Malen , Skulptur , Holzschnitzen und Textilkunst ), obwohl die meisten Materialien, die von Künstlern und Handwerkern verwendet wurden, verderblich waren. Abgesehen von Steingebäuden und Skulpturen sind nur sehr wenige Beispiele erhalten. Viele von denen, die dies taten, wurden später mit europäischen Entdeckern gegen Schmuckstücke eingetauscht.
Polynesien
Polynesien besteht aus einer Reihe von Inselgruppen, die über den Mittel- und Ostpazifik verstreut sind. Dazu gehören unter anderem Samoa , die Cookinseln , Französisch-Polynesien (Tahiti usw.), Tonga , Hawaii , Pitcairn Island und die Osterinsel . Polynesische Stammeskunst wurde als Teil einer Kultur der Religion und Magie praktiziert, die glaubte, dass alle Dinge mit Mana oder heiliger übernatürlicher Kraft ausgestattet waren – nicht nur Menschen, sondern auch Gebäude, Steine, Kanus, fast alles. Zu den berühmten erhaltenen Beispielen polynesischer Kunst zählen: die Steintempel der Gesellschaftsinseln, die Osterinsel und die Marquesas – allesamt in Trümmern, obwohl ihre Proportionen, die Verwendung von Steinformen, Farben, Texturen usw. beeindruckende Fähigkeiten in Architektur und Design aufweisen; monumentale Steinskulptur ( Moai ) auf Rapa Nui / Osterinsel und den Marquesas, beispielhaft für die Verwendung von Mustern mit anthropomorphen Figuren mit gewölbten Augen und hervorstehenden Zungen, wie sie in vielen östlichen und abgelegenen Gebieten Polynesiens üblich sind; Hochdekoriertes Rindengewebe in Westpolynesien.
Melanesien
Melanesien umfasst Inseln im Südwesten des Pazifiks, darunter Papua-Neuguinea , die Admiralitätsinseln , das Bismark-Archipel , die Salomonen , Vanuatu (ehemals neue Hebriden), Fidschi und andere. Die melanesische Stammeskunst ist sehr vielfältig und enthält häufig übertriebene Formen, die im Zusammenhang mit Ahnenverehrung, Jagd und Kannibalismus entstanden sind. Im Hochland von Neuguinea gesichtsmalerei und Körperkunst war sehr wichtig, ebenso wie Perücken und Kopfbedeckungen. Tieflandgebiete wurden für die Gemälde und Holzschnitzereien der Sepik-Völker wie Abelam und Iatmul erwähnt. Darüber hinaus sind die krummlinige Kunst des Massim-Stammes, beispielhaft dargestellt durch seine Bugbretter und Tanzschilde, ebenso bekannt wie die zeremoniellen Malanggan-Schnitzereien von Neuirland. Masken, die in aufwändigen heidnischen Zeremonien und Kultprozessen verwendet wurden, waren ein Schwerpunkt der indigenen Kunst in der gesamten Region. Neben diesen Formen des Kunsthandwerks hatten viele Stammeskulturen (z. B. auf den Salomon- und Admiralitätsinseln) die Tradition, ein breites Spektrum an Alltagsgegenständen zu schmücken.
Mikronesien
Im Norden von Melanesien liegt Mikronesien. Diese Region umfasst die Marshallinseln und etwa 600 Karolineninseln, die in vier Staaten, bekannt als Yap , Chuuk , Pohnpei und Kosrae, zusammengefasst sind . Leider hat die kleine mikronesische Stammeskunst überlebt. Bekannteste Beispiele sind die gemalten Flachreliefszenen auf den Hölzern und Giebeln der Männerhäuser in Palau. Außerdem wurden auf den Mortlock-Inseln südöstlich von Truk stilisierte Holzmasken und menschliche Figuren entdeckt. Andere mikronesische Stammesgegenstände waren bemalte Kanus und geschnitzte Holzschalen, und auch das Bemalen und Tätowieren von Körpern war weit verbreitet.
Australasien
Dies schließt den Kontinent Australien, Neuseeland und ihre abhängigen Inseln ein. Einzelheiten zur australasiatischen Stammeskunst finden Sie weiter unten unter Kunst der australischen Aborigines.
Weitere Informationen zum Kunsthandwerksstil der Pazifikinseln Ozeaniens finden Sie unter: Ozeanische Kunst .
Indonesische Stammeskunst
Indonesien liegt zwischen den Philippinen im Norden und Australien im Süden und umfasst fast 14.000 Inseln, die sich von Sumatra im Westen bis Neuguinea im Osten erstrecken, einschließlich Java , Bali , Kalimantan (zentrales, östliches und südliches Borneo), Sulawesi , Maluku , und Irian Jaya (West-Neuguinea). Da sich das Land auf den Haupthandelswegen zwischen dem Pazifik und dem Indischen Ozean befindet, spiegeln seine Kunstformen eine vielfältige Mischung aus Kulturen und Religionen wider, darunter Buddhismus , Konfuzianismus , Hinduismus und Islam .
Die menschliche Besiedlung in der Region stammt aus prähistorischen Zeiten, aber überlebende Kunstwerke sind rar. Indonesisch Paläolithische Kunst wird vielleicht am besten durch die Höhlenmalerei in den Karawari-Höhlen, Papua-Neuguinea (18.000 v. Chr.), während die besten Beispiele von Mesolithische Kunst in Indonesien sind die gemalt Handschablonen gefunden in den Kalimantan-Höhlen (ca. 8.000 v. Chr.) im Sangkulirang-Gebiet und in der Gua Ham Masri II-Höhle (ca. 8.000 v. Chr.) in Ost-Borneo.
Der Einfluss von Chinesische Kunst (aus dem späten Zhou-Dynastie und andere) war von Anfang an zu spüren, ebenso wie die Auswirkungen der auf Bronze basierenden Dong-Son-Zivilisation, die in Vietnam in den frühen Jahrhunderten vor Christus florierte. Die indischen Händler waren in der Region außergewöhnlich aktiv, aber es ist unmöglich, ein genaues Datum anzugeben, wann die indische Kultur einen signifikanten Einfluss auszuüben begann. Auf jeden Fall kamen die drei wichtigsten Religionen, die heute in Indonesien praktiziert werden – Buddhismus, Hinduismus und Islam – alle aus dem Westen.
Wie in Ozeanien wurde die meiste indonesische Stammeskunst, abgesehen von buddhistischen und hinduistischen Tempeln, aus Holz oder Textilien geschnitzt und ist seit langem untergegangen. Die bekanntesten erhaltenen Beispiele sind eine Gruppe von antiken Megalithen und verschiedene Beispiele für Bronzearbeiten nach dem Dong-Son-Muster. Letzteres umfasst verzierte heilige Streitaxt und große Kesseltrommeln (z. B. Der Mond von Bali ). Diese Trommeln wurden nach aufwändiger Wachsausschmelzmethode gegossen und zeigen flache Reliefs von Figurenköpfen, die an zeremoniellen Aktivitäten oder manchmal an rein abstrakten Ornamenten beteiligt sind. Einige sind mit regenmachenden Zeremonien verbunden. Siehe auch: megalithische Kunst . Eine andere wichtige Art von traditionellem Stammeshandwerk, das in ganz Indonesien praktiziert wird, ist das Textildesign , das lange Zeit als eine der vielfältigsten und einzigartigsten Formen künstlerischen Ausdrucks in der Region angesehen wurde. Es beinhaltet Batik , meistens in Java geübt, und Weben (insbesondere die Ikat- und Double-Ikat- Technik).
Berühmte indonesische Architektur , hauptsächlich im Indo-Java-Stil (3.-16. Jahrhundert), einschließlich des Tempels von Mendut, des buddhistischen Tempels Sewu (9. Jahrhundert), des prächtigen Siva-Tempels Prambanan (9. Jahrhundert) und der heiligen Badestellen von Jalatunda (Ende des 10. Jahrhunderts) und Belahan (Mitte des 11. Jahrhunderts), der runde Hindu-Tempel von Jabung (10. Jahrhundert) und natürlich der Borobodur-Komplex (siehe unten).
Typen und Merkmale
Die indonesische Stammeskunst wurde in zwei Haupttypen eingeteilt: die " monumentale " und die " ornamentale Phantasie ". Ersteres wird durch die Megalithen von Sumatra und Nias (eine kleine Nachbarinsel) sowie durch viele der Objekte veranschaulicht, die in ganz Indonesien in Verbindung mit Riten und Opfern für Vorfahren geschaffen wurden. Die ornamental-phantasievolle Mode wird in gewissem Maße in den Bronzeskulpturen dargestellt, insbesondere aber in der Dekoration der Häuser der Region, in Textilien und in gemalten Schnitzereien.
Ein wichtiges Merkmal, das allen indonesischen Stammeskunst gemeinsam ist, ist die Ehrfurcht vor den Vorfahren , die sich in einer Vielzahl von Formen ausdrückt. Der Nias-Stamm errichtete seine Megalithen zu Ehren toter Häuptlinge, während die Toraja von Sulawesi Klippenterrassen bauten, auf denen sich Galerien stehender Holzfiguren der Toten befanden, die über die Reisfelder blickten. In Maluku und an der Nordwestspitze Irians gibt es zahlreiche aus Holz geschnitzte stehende oder hockende Figuren, die Ahnengeister darstellen. In einigen Teilen der Region enthält die hölzerne Ahnenfigur den tatsächlichen Schädel des Verstorbenen anstatt nur einen geschnitzten Kopf, und der Schädelkult – kein Überbleibsel des Kannibalismus, sondern eine Ausweitung der Ahnenverehrung – ist weit verbreitet. Schädel werden an vielen Orten gesammelt, gehütet und aufbewahrt: manchmal (z. B. bei den Batak von Sumatra) auf den Dächern von Häusern, manchmal (z. B. bei den Dayak von Kalimantan) in Dorfheiligtümern.
Borobudur in Java
Die Stätte Borobodur in Zentral-Java ist eines der außergewöhnlichsten Steindenkmäler, die jemals errichtet wurden. Es ist ein riesiges Bauwerk, in dem über 500 Statuen des sitzenden Buddha untergebracht sind. Es scheint jedoch kein Grab, kein Palast oder gar ein orthodoxer Tempel gewesen zu sein, sondern vielmehr ein tiefgreifender und komplexer Ausdruck durch Architektur und Skulptur buddhistischer Ideologie . Für den Bau muss eine Armee von Handwerkern und ein genialer Konstrukteur erforderlich gewesen sein, aber es gibt keine Aufzeichnungen darüber, wer es gebaut hat oder warum, obwohl allgemein angenommen wird, dass das Datum im späten 8. oder frühen 9. Jahrhundert n. Chr. Während der javanischen Shailendra-Dynastie (778- 864). Eines der erstaunlichsten Dinge an Borobudur ist, dass es der Höhepunkt einer künstlerischen Tradition ist, die sehr kurzlebig zu sein scheint. West-Java war vielleicht schon im 1. Jahrhundert n. Chr. Von indischen Händlern besiedelt worden, und buddhistische Klöster wurden dort bereits im 4. Jahrhundert gegründet. Für die nächsten drei Jahrhunderte gibt es jedoch keine Anzeichen für ein bedeutendes Unterfangen in der Steinarchitektur oder Bildhauerei. Die erste bekannte javanische Steinskulptur, die hinduistisch ist, stammt aus dem frühen 8. Jahrhundert, kaum hundert Jahre vor Burobudur.
Birma / Myanmar
Birma, die gebirgige Dschungelverbindung zwischen den indischen und indochinesischen Subkontinenten, wurde ursprünglich (ca. 500 v. Chr.) Vom tibetisch-burmesischen Pyu- Volk und dann – zwei Jahrhunderte später – von einer österreichisch-asiatischen Rasse namens Mons besiedelt . Typischerweise bestehen die meisten erhaltenen Beispiele der birmanischen Stammeskunst aus monumentalen Skulpturen , von denen die meisten buddhistisch sind. Seit etwa dem siebten Jahrhundert v. Chr. War das Land effektiv in zwei Gruppen von Stämmen aufgeteilt, die südlichen Mon und die nördlichen Pyu, die beide Buddhismus praktizierten. Nach dem Fall der Hauptstadt Pyu im Jahr 832 wurde der Norden von Burmanen infiltriert, die den Kult der Nats mitbrachten, eine Mischung aus Geistern und Wesen, darunter Naturgeister, Ahnen und Geister. Dieser Kult ist zusammen mit dem Buddhismus seiner Vorgänger ordnungsgemäß zu einer hybriden Religion verschmolzen, die in Birma bis heute eine Kraft ist.
Eine künstlerische Tradition der Malerei und Bildhauerei wurde in der Zeit der Mon und Pyu begründet, und König Anawratha, der im 11. Jahrhundert die Hauptstadt des Vereinigten Burmesischen Territoriums in Pagan errichtete, beschäftigte Mon-Künstler in großer Zahl. Paläste, Tempel und Schreine, die mehrere Hektar groß waren, entstanden, reich mit Gemälden und bemalten Terrocotta-Skulpturen verziert, die heute noch in gewisser Menge in Pagan zu finden sind, da die Stadt 1286 von den Mongolen geplündert und praktisch aufgegeben wurde. Abgesehen von den Ruinen von Pagan und anderen Stätten besteht das Erbe der birmanischen Stammeskunst aus einigen kleinen mittelalterlichen Bronzen von hoher Qualität und Quantitäten von Schnitzereien von unbestimmtem Alter: Es gab kaum Unterschiede im Stil. Die Figuren sind in der Regel vereinfacht und verallgemeinert und enthalten hauptsächlich buddhistische Legenden in eleganten Stellungen, die an den Tanz erinnern. Die höchste Qualität der burmesischen Kunst liegt in ihrer luftigen Spiritualität und inspirierten dekorativen Feinheiten.
Australasian Aboriginal Tribal Art
Die Vorfahren der Aborigines und anderer indigener Ureinwohner Australasiens gehörten zur gleichen Siedlerwelle, die während des Pleistozäns der Altsteinzeit um 50.000 bis 40.000 v. Chr. Vom asiatischen Festland nach Ozeanien gelangte. Obwohl die Details ihrer Kultur spärlich sind, haben sie nach jüngsten archäologischen Untersuchungen auf dem australischen Festland fast sofort damit begonnen, Formen der Stammeskunst zu praktizieren.
Kunst der Ureinwohner Australiens umfasst ein breites Spektrum an Arten und Medien, darunter Körpermalerei , Felsmalerei , Rindenmalerei , Felsgravuren , stehende Steine , Schnitzereien und Skulpturen sowie dekorative Verzierungen an Werkzeugen und Waffen.
Körperbemalung
Ein Beispiel für diese primitive Kunstform sind die Yolngu aus dem Arnhem Land, die ihre Körper in aufwändigen und exquisiten Designs mit zarten Schraffuren und gepunkteten Linien zur Vorbereitung auf zeremonielle Ereignisse und Tänze bedecken.
Cupules und Handabdrücke
Diese Formen waren typischerweise die ersten Arten prähistorischer Kunst, die auftauchten. Sehen Kimberley Rock Art Zum Beispiel, wo Felszeichnungen und Handschablonen zu den frühesten Schablonenkunstwerken der Region gehörten.
Steinmalerei
Die am weitesten verbreitete Form der Stammeskunst der Aborigines war die Felsmalerei, wofür es in ganz Australien Beispiele gibt. Es umfasst solche Typen wie: Röntgenbilder von Tieren und Menschen (z. B. vgl Ubirr Rock Art in Arnhem Land, Northern Territory), innerhalb dessen Umrisse die Skelette des Subjekts markiert waren; Punktmalerei, bei der komplizierte Muster unter Verwendung von Punkten erzeugt wurden; und mit Schablonen versehene Bilder, beispielsweise solche, die mit einem Hand- oder Handflächenabdruck erzeugt wurden. Zahlreiche andere Stile der Felsmalerei wurden entdeckt, einschließlich der unverwechselbaren Bradshaw Gemälde in der Kimberley-Region von Westaustralien.
Rindenmalerei
Bei dieser Art von Stammesmalerei malt der Künstler seine einzigartigen Unterschriften auf abgeflachte Baumrindenstücke. In der Folgezeit hat es sich zu einer beliebten und angesehenen Form der zeitgenössischen Kunst der Aborigines entwickelt.
Felszeichnungen und Gravuren
Australien enthält viele Beispiele von Petroglyphen (ein ausgefallener Name für Felszeichnungen), wie die in Terrey Hills, New South Wales; die Murujuba-Halbinsel und das Dampier-Archipel in Westaustralien mit Zeichnungen von ausgestorbenen Steinzeittieren wie dem Thylacine; und die Panaramitee-Gravuren in Zentralaustralien. Weitere Informationen zu alten Petroglyphen in Australien finden Sie unter Felsenkunst der Burrup-Halbinsel (ca. 30.000 v. Chr.).
Stehende Steine
Steinarrangements, eine andere Form australasiatischer Stammeskunst, umfassen große und kleine Steinkreise, ähnlich wie Stonehenge in England, die im Zusammenhang mit zeremoniellen oder rituellen Ereignissen arrangiert wurden.
Indianische Stammeskunst (USA)
Die Vorfahren der Indianer überquerten die Beringstraße von Asien aus während des Pleistozäns der Steinzeit. Amerika und Australasien waren in der Tat die letzten beiden großen Landmassen, die vom Urmenschen bevölkert wurden. Um 9.000 v. Chr. Entstand eine definierte indianische Kultur, die in die paläo-indische Büffeljagdkultur des Westens und der Great Plains sowie die ärmeren Wüstenkulturstämme der westlichen Basin-Range-Zone unterteilt war. Eingeborener Indianische Kunst wurde hauptsächlich durch die nomadische Natur des Jägers und Sammlers sowie durch die etwas statischere, aber verarmte Umwelt des letzteren geprägt. Die Verfügbarkeit von Ressourcen – Holz, Weide, Metall, Tierknochen, Ton, Baumwolle usw. – war auch ein bestimmendes Merkmal bei der Entwicklung regionaler künstlerischer Traditionen.
Siehe auch: Präkolumbianische Kunst (bis 1535 CE).
Südwestregion USA
In der südwestlichen Region – zu der Stämme wie die Hohokam im Süden von Arizona, die Ansazi im Norden von Arizona und New Mexico und die Mimbres im Südwesten von New Mexico sowie die Völker der Zuni, Navaho und Hopi gehörten – herrschte traditionelle Architektur Am Beispiel der beeindruckenden mehrstöckigen Gebäude im Pueblo Bonito in New Mexico. Die Stämme beherrschten auch das Weben , das Töpfern (in der Regel linear oder geometrisch) und die Freskenmalerei . Darüber hinaus wurden viele der großen traditionellen unterirdischen religiösen Kammern (Kivas) mit brillanten Wandgemälden geschmückt. Es gab keine bemerkenswerte monumentale Skulptur, aber bestimmte Stämme, die sich auf bestimmte Kunstformen spezialisierten: Die Hopi- und Zuni-Stämme stellten geschnitzte und bemalte Pappelpuppen her , während die Zuni und Navaho Silber bevorzugten Schmuck mit türkis eingelegt, und die Hopi produziert komplexe Kostümstoffe .
Navajo Sandmalerei
Sandpainting (auch als Trockenmalerei bekannt) wurde von den Ureinwohnern Südwestamerikas (insbesondere den Navajos) entwickelt. Im Wesentlichen eine traditionelle Heilungszeremonie. Der "Künstler" ist ein Medizinmann, der "malt", indem er verschiedenfarbigen Sand auf eine Wildleder- oder Stoffplane streut. Die "Farbe" besteht aus natürlich gefärbtem Sand, gemischt mit weißem Gips, gelbem Ocker, rotem Sandstein, schwarzer Holzkohle, Holzkohle gemischt mit Gips, um Blau zu erzeugen, sowie anderen Farbstoffen wie Maismehl, Blütenpollen, Wurzelpulver oder Rinde. Sobald der Medizinmann das "Malen" beendet hat, setzt sich der Patient auf die abgeschlossene Arbeit, woraufhin der Medizinmann die Krankheit auffordert, in den Sand zu fließen. Sobald die Zeremonie vorbei ist, wird der jetzt giftige Sand entsorgt. Für mehr sehen Sie Sandkunst .
Mittlerer Westen / Region der Großen Seen
Die traditionelle indianische Kultur dieser Region entwickelte sich streng nach Stämmen und war bekannt für ihre reiche Textilkunst sowie für ihre berühmten Erdarbeiten , die als "Bildhügel" bekannt sind und Tierformen darstellen. Zu den Stammeskunst gehörten auch skulpturale Steinpfeifen , polierte Verzierungen aus Stein und Kupfer , aber nur kleine Holzschnitzereien, außer geschnitzten Schalen. Kunstdesigns variierten von ultrarealistisch bis abstrakt.
Region Südosten
In prähistorischen Zeiten war die aufregendste Region der indianischen Stammeskunst der zentrale Süden und Südosten. Es wurden fein geschnitzte Muscheln , kunstvoll verzierte Kleidungsornamente sowie Vogel- und Tierpfeifen hergestellt . Am bekanntesten war es jedoch für seine wundervolle Keramik , die trotz eines minderwertigen Tons hergestellt wurde. Töpferarbeiten (Wasserflaschen, große Bestattungsgläser, Schalen, Urnen und viele andere Gegenstände) wurden für den zeremoniellen, religiösen und persönlichen Gebrauch in einer Vielzahl von floralen und geometrischen Mustern geschaffen und dekoriert. Ein berühmtes Meisterwerk der Stammeskunst aus dem Südosten ist die mittel-mississippische Dioritsteinschale in Form einer Schopfente.
Westküste
In Kalifornien, wo die Stämme der Cherokee, Pomo, Hupa, Yurok und Karok beheimatet sind, wurde die Kunst der amerikanischen Ureinwohner durch Korbwaren veranschaulicht. In der Tat hat kein anderer Mensch auf der Welt eine derart große Vielfalt an hervorragenden Körben hergestellt. Die Gewebe waren so eng konfiguriert, dass sie wasserdichte Behälter produzierten. Andere Stämme der Region, wie die Chumash, Koso, Mono-Paviosto und Washo, waren nicht weniger geschickt.
Nordosten
Die Indianer des Nordostens, insbesondere die Irokesen, wurden für ihre Masken der False Face Society , ihre Stachelschwein-Quillworks , Perlenarbeiten , Holzschalen und gewebten Wampumgürtel gefeiert. Es wurde auch Töpfern praktiziert, ebenso wie Weben und Korbflechten, aber keines war von besonders hoher Qualität.
Nordwest
Die große Stammeskunst des Nordwestens war Skulptur , insbesondere Holzschnitzerei . Die Schnitzer der amerikanischen Ureinwohner lebten in den großen Wäldern der amerikanischen Zedern und Fichten und stellten die größte Auswahl an Holzarbeiten aller indianischen Stämme her. Totems, kleine Holzfiguren und Masken, sorgfältig bemalt und oft mit Steinen und Abalone-Muscheln eingelegt, gehörten zu den häufigsten Formen handgeschnitzter Skulpturen. Insbesondere der Totempfahl war ein Beispiel für die lokale Kultur. Es war kein religiöses Objekt und sollte niemals angebetet werden. Stattdessen waren Totempfähle eine Art "historisches Dokument", das die soziale Position, den Wohlstand und die relative Bedeutung der Person, die den Pfahl bezahlte, aufzeichnete – normalerweise ein einzelner Dorfhäuptling oder Adliger. Northwest Indianer waren auch die ersten Indianer der amerikanischen Ureinwohner, die Metalcraft beherrschten. Eisen und Kupfer (ein Teil davon aus Walfangschiffen) wurden von Handwerkern zu Kampfmessern, Masken und Werkzeugen verarbeitet.
Nationalmuseum der Indianer
Das Smithsonian National Museum of the American Indian widmet sich der Geschichte, Kultur und Kunst der Ureinwohner der westlichen Hemisphäre und wurde im September 2004 in der National Mall in Washington DC eröffnet. Es beherbergt die Sammlung des Museums der ehemaligen Heye Foundation of Washington der Indianer, der über 800.000 Objekte zählt, sowie ein Fotoarchiv mit 125.000 Bildern.
Institut für indianische Künste
Das Institut für indianische Kunst in Santa Fe, New Mexico, ist ein College und eine Galerie, die sich der indianischen Stammeskunst widmet. Das 1962 gegründete Unternehmen bietet eine Reihe von Grundstudiengängen in kreativem Schreiben, visueller Kommunikation, Studiokunst und Museumswissenschaften an.
Alaska
Die alaskische Stammeskunst – oder Inuit-Kunst - beschreibt Kunstwerke, die von den Inuit der Arktis, früher Eskimos genannt, hergestellt wurden . Man könnte sich vorstellen, dass das Schaffen von Kunst in einem so rauen Umfeld mit so wenigen Rohstoffen ein sinnloser Luxus wäre. Nicht so. Die Inuit haben einige der einfallsreichsten und außergewöhnlichsten indischen Kunstwerke auf dem amerikanischen Kontinent geschaffen. Inuit-Schnitzer verwendeten Walross / Wal-Elfenbein / Knochen oder mit Holzkohle gefärbte Rentiergeweihe, um komplizierte Figuren zu schaffen, und Holz, um ihre berühmten Masken , Masketten und Amulette herzustellen, die für Tänze und zeremonielle Anlässe verwendet wurden. Diese Formen stammen aus der Dorset-Kultur , die um 600 v. Chr. Begann. Dies wurde um 1000 n. Chr. Durch die Thule-Kultur abgelöst, in deren Verlauf Gegenstände wie Kochtöpfe, verzierte Speere und Harpunen sowie Kleidungsornamente, Kämme, Knöpfe und Nadeletuis populär wurden. Mögen Wikinger-Kunst In der Eskimo-Kunst spiegelten sich die Bedürfnisse einer nomadischen Kultur wider. Alle Kunstwerke waren ausschließlich tragbar und wurden oft im Miniaturmaßstab hergestellt.
Einfluss auf die westlichen Künste
Europäische Sammler und Künstler begannen sich ab Mitte des 19. Jahrhunderts für das zu interessieren, was damals als Primitivismus / primitive Kunst bezeichnet wurde – normalerweise die Kunst des Schwarzen Afrikas -, da immer mehr Expeditionen mit Stammesartefakten zurückkehrten. Dieses Interesse wurde auch ab etwa 1855 von der Mode für gefesselt Japonismus . Bis zum Ende des Jahrhunderts mögen große Künstler Vincent van Gogh (1853-90) und Henri Matisse (1869-1954) war stark von der Stammeskunst beeinflusst worden, während Paul Gauguin (1848-1903) hatte es tatsächlich vor Ort in Französisch-Polynesien erlebt. Ihnen folgte Mitte des 20. Jahrhunderts Pablo Picasso , deren wegweisendes frühes kubistisches Werk Les Demoiselles d’Avignon , während seiner Epoche Negre gemalt, zeigte deutliche Anzeichen von afrikanischen Masken , und auch von der Kunsthändler Paul Guillaume . Seitdem hat der Einfluss der afrikanischen und ozeanischen Kunst alle Formen der westlichen bildenden Kunst durchdrungen, insbesondere die Malerei, plastische Kunst (wie Skulptur und Keramik) und viele handwerkliche Disziplinen.
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